by Manuel Dallo
Monday, January 31, 2011
Who got rhythm?
Musical Opinion
Proms Reviews by Martin Anderson
December 2010
Two Proms in close proximity were so different in delivery as if offering deliberate contrast. On 25 July Vassily Sinaisky was parachuted in to replace the late Sir Charles Mackerras at the head of the BBC Philharmonic in the kind of mixed-bag programme that recalled the monsters they used to serve up a century back: the Schumann Overture, Scherzo and Finale and Piano Concerto in the first half and a second of lollipops – Dvořák’s E minor Slavonic Dance, Op. 72, No. 2, the Fledermaus Overture, Thunder and Lightning polka, the Emperor and Blue Danube waltzes of Johann Strauss II and his dad’s Radetsky March.
Schumann’s four symphonies don’t get much of a look-in in concert programmes these days, so what chance does the Overture, Scherzo and Finale have? These days it might be called a Sinfonietta, and that was the route Sinaisky took: Schumann lite. The strings took some time to settle down in the first movement, lacking the rhythmic bite would have brought out the contrasts; the Scherzo was pretty toothless, too, lolloping along like a schoolboy out of class, so that here it was the lyrical episodes that lost their contrast. Detail creates the impression of speed, but it went for a burton throughout the piece – though in fairness one doesn’t know how much time Sinaisky had with the orchestra (where once he was principal conductor) before the concert. He did bring considerable delicacy to the slow movement of the Piano Concerto, accompanying Christian Zacharias’ sugary account of the solo part, but the big ideas went for nothing. Sinaisky’s showmanship came into its own in the Viennese selection, where teasing ritardandi are part of the fun – and it delivered the final gesture of shaking the leader’s hand during the Radetsky March and leaving them to it.
Two days later Paavo Järvi brought the Deutsche Kammerphilharmonie from Bremen for an all-Beethoven programme: the First and Fifth Symphonies and the Violin Concerto, with Hilary Hahn – and these smaller-scale forces created far more impression of weight than had the full force of the BBC Philharmonic. Split fiddles offered a promissory note before a note was sounded – but from the first bars it was obvious that we were in for a white-knuckle ride. Järvi’s tempi would have been foolhardy without the whipcrack precision-response of his orchestra, and together they turned the voltage way up – although even at this lick Järvi and his musicians managed to find the teasing humour of the finale especially. The tempo of the opening timpani line in the Violin Concerto announced another fleet performance, although here, too, Järvi found space: there was an appealing chamber quality to the orchestral playing. Hahn was less impressive, though: her saccharine, pinched vibrato gave a mousy quality to the tone, forcing it constantly sharp.
Järvi had had the score of the First Symphony open in front of him, though he hardly looked at it; for the Fifth there was no score at all, as if it might slow him up – and he plunged straight into the work without waiting for the applause to subside. The fiery and determined first movement set the standard for what was to follow; as electrifying an account as I’ve heard in a concert hall for years. Though the finale was again unguardedly fast, its first grand statement brought up the hairs on the arms: despite the tempo, there was no loss of weight. In the encore, Sibelius’s Valse triste, again taken furiously swiftly, Järvi found an expressionist terror – the Valse triste forms part of the incidental music for Arvid Järnefeld’s play Kuolema (‘Death’), when a mother dances with death himself, and it never felt closer to the edge than here.
Järvi has been chief conductor of the Bremen Kammerphilharmonie since 2004, this concert further confirming what their Beethoven cycle on RCA Red Seal had long since proved – that this is one of the most fruitful partnerships on the orchestral scene today. The timpanist of the BBC Philharmonic had played with natural skins – well done, that man: these things matter. But the Bremen timpanist managed to make a hell of a clatter, energising the orchestra from behind as Järvi did from the front. The astonishing ability of the orchestra as a whole to deliver razor-sharp articulation without sacrificing musicality deserves loud huzzas, but it wouldn’t be fair to pass on without saluting the virtuosity of the three double-basses especially: I’ve never heard playing of such breath-taking virtuosity. I look forward to their Schumann symphonic cycle, now underway for RCA, with much enthusiasm.
A month after Järvi’s visit, on 29 August John Eliot Gardiner brought the Czech Philharmonic to the Albert Hall in a largely Czech programme, which opened with Dvořák’s Carnival Overture: as Sinaisky in Schumann, Gardiner found insufficient contrast when that big lyrical tune opened out, though the still, small island at the centre was well realised, the woodwind and leader’s solos plainly relished. In Martinů’s sixth and final symphony, the Fantaisies symphoniques, Gardiner played closed attention to the score, still managing to drive on the first movement as a ferocious orchestral toccata. And in the second, another toccata, he brought out the desperate longing of the lyrical string tune – plenty of contrast here. Oboe bells in the air recreated the sounds of folk pipes; and the position of the violas, to the front of the orchestra, helped their melody tell. The third movement, too, develops toccata tendencies until a great crash silences everything, whereupon a dirge emerges and the closing bars bring chant-like consolation.
You don’t expect to hear something new in the Grieg Piano Concerto these days, but Lars Vogt’s delicate phrasing in the opening told you to pay attention: this was not going to be your standard barn-stormer. And throughout the piece Vogt brought a gentleness to the piano part – answered by sensitive playing from the strings in particular – that revealed new layers of poetry.
Järvi’s tempi had been predictably fast; Gardiner’s weren’t predictably anything. His account of Janáček’s Ballad of Blaník could have been rather harder driven, and the introduction to Dvořák’s Eighth Symphony was then taken so slowly that the allegro came as real release and he pushed the rest of the movement – and then took the second at a very leisurely pace. The outstanding aspect of the performance as a whole was the clarity of the orchestral textures. I was surprised, though, to see how often Gardiner consulted the score of the Eighth in such a well-known piece of music. Better safe than sorry, I guess.
http://www.musicalopinion.com/current_issue.html
Proms Reviews by Martin Anderson
December 2010
Two Proms in close proximity were so different in delivery as if offering deliberate contrast. On 25 July Vassily Sinaisky was parachuted in to replace the late Sir Charles Mackerras at the head of the BBC Philharmonic in the kind of mixed-bag programme that recalled the monsters they used to serve up a century back: the Schumann Overture, Scherzo and Finale and Piano Concerto in the first half and a second of lollipops – Dvořák’s E minor Slavonic Dance, Op. 72, No. 2, the Fledermaus Overture, Thunder and Lightning polka, the Emperor and Blue Danube waltzes of Johann Strauss II and his dad’s Radetsky March.
Schumann’s four symphonies don’t get much of a look-in in concert programmes these days, so what chance does the Overture, Scherzo and Finale have? These days it might be called a Sinfonietta, and that was the route Sinaisky took: Schumann lite. The strings took some time to settle down in the first movement, lacking the rhythmic bite would have brought out the contrasts; the Scherzo was pretty toothless, too, lolloping along like a schoolboy out of class, so that here it was the lyrical episodes that lost their contrast. Detail creates the impression of speed, but it went for a burton throughout the piece – though in fairness one doesn’t know how much time Sinaisky had with the orchestra (where once he was principal conductor) before the concert. He did bring considerable delicacy to the slow movement of the Piano Concerto, accompanying Christian Zacharias’ sugary account of the solo part, but the big ideas went for nothing. Sinaisky’s showmanship came into its own in the Viennese selection, where teasing ritardandi are part of the fun – and it delivered the final gesture of shaking the leader’s hand during the Radetsky March and leaving them to it.
Two days later Paavo Järvi brought the Deutsche Kammerphilharmonie from Bremen for an all-Beethoven programme: the First and Fifth Symphonies and the Violin Concerto, with Hilary Hahn – and these smaller-scale forces created far more impression of weight than had the full force of the BBC Philharmonic. Split fiddles offered a promissory note before a note was sounded – but from the first bars it was obvious that we were in for a white-knuckle ride. Järvi’s tempi would have been foolhardy without the whipcrack precision-response of his orchestra, and together they turned the voltage way up – although even at this lick Järvi and his musicians managed to find the teasing humour of the finale especially. The tempo of the opening timpani line in the Violin Concerto announced another fleet performance, although here, too, Järvi found space: there was an appealing chamber quality to the orchestral playing. Hahn was less impressive, though: her saccharine, pinched vibrato gave a mousy quality to the tone, forcing it constantly sharp.
Järvi had had the score of the First Symphony open in front of him, though he hardly looked at it; for the Fifth there was no score at all, as if it might slow him up – and he plunged straight into the work without waiting for the applause to subside. The fiery and determined first movement set the standard for what was to follow; as electrifying an account as I’ve heard in a concert hall for years. Though the finale was again unguardedly fast, its first grand statement brought up the hairs on the arms: despite the tempo, there was no loss of weight. In the encore, Sibelius’s Valse triste, again taken furiously swiftly, Järvi found an expressionist terror – the Valse triste forms part of the incidental music for Arvid Järnefeld’s play Kuolema (‘Death’), when a mother dances with death himself, and it never felt closer to the edge than here.
Järvi has been chief conductor of the Bremen Kammerphilharmonie since 2004, this concert further confirming what their Beethoven cycle on RCA Red Seal had long since proved – that this is one of the most fruitful partnerships on the orchestral scene today. The timpanist of the BBC Philharmonic had played with natural skins – well done, that man: these things matter. But the Bremen timpanist managed to make a hell of a clatter, energising the orchestra from behind as Järvi did from the front. The astonishing ability of the orchestra as a whole to deliver razor-sharp articulation without sacrificing musicality deserves loud huzzas, but it wouldn’t be fair to pass on without saluting the virtuosity of the three double-basses especially: I’ve never heard playing of such breath-taking virtuosity. I look forward to their Schumann symphonic cycle, now underway for RCA, with much enthusiasm.
A month after Järvi’s visit, on 29 August John Eliot Gardiner brought the Czech Philharmonic to the Albert Hall in a largely Czech programme, which opened with Dvořák’s Carnival Overture: as Sinaisky in Schumann, Gardiner found insufficient contrast when that big lyrical tune opened out, though the still, small island at the centre was well realised, the woodwind and leader’s solos plainly relished. In Martinů’s sixth and final symphony, the Fantaisies symphoniques, Gardiner played closed attention to the score, still managing to drive on the first movement as a ferocious orchestral toccata. And in the second, another toccata, he brought out the desperate longing of the lyrical string tune – plenty of contrast here. Oboe bells in the air recreated the sounds of folk pipes; and the position of the violas, to the front of the orchestra, helped their melody tell. The third movement, too, develops toccata tendencies until a great crash silences everything, whereupon a dirge emerges and the closing bars bring chant-like consolation.
You don’t expect to hear something new in the Grieg Piano Concerto these days, but Lars Vogt’s delicate phrasing in the opening told you to pay attention: this was not going to be your standard barn-stormer. And throughout the piece Vogt brought a gentleness to the piano part – answered by sensitive playing from the strings in particular – that revealed new layers of poetry.
Järvi’s tempi had been predictably fast; Gardiner’s weren’t predictably anything. His account of Janáček’s Ballad of Blaník could have been rather harder driven, and the introduction to Dvořák’s Eighth Symphony was then taken so slowly that the allegro came as real release and he pushed the rest of the movement – and then took the second at a very leisurely pace. The outstanding aspect of the performance as a whole was the clarity of the orchestral textures. I was surprised, though, to see how often Gardiner consulted the score of the Eighth in such a well-known piece of music. Better safe than sorry, I guess.
http://www.musicalopinion.com/current_issue.html
American Portraits
Customer Reviews
by Paul Allaer (Cincinnati)
Amazon.com
January 7, 2011
Since Paavo Jarvi became the Cincinnati Symphony's Music Director in September, 2001, the Telearc label had issued 2 albums a year of the CSO directed by Maestro Jarvi, pretty much like clockwork, one in the Fall, and one in the Spring. Regretfully, the Telearc label stopped releasing new albums at the end of 2009 and so the release of Holt's "The Planets" in October, 2009 was the 16th and last in the series. The CSO decided to take its fate into its own hands and has decided to self-release albums on the newly-founded CSO Media label. This is the first release.
"American Portraits" (6 tracks; 76 min.) is a curious and daring first release. The album is a collection of various music pieces that Paavo Jarvi selected over the years composed by young (and hence contemporary, the oldest one having been born in 1962) and mostly unknown American composers. The album is mistitled and really should be "Modern American Portraits" as it features mainly "contemporary" classical music. There are just 6 pieces on here, most of them long pieces. Please note that this is not a "new" recording, instead they are compiled from CSO perfomrances at Music Hall between 2003 and 2007. My favorite one is the 17 min. piece "Halycon Sun" by composer Jonathan Bailey Holland. I also quite liked Charles Coleman's 15 min. "Deep Woods" (one of 2 compositions by Coleman on here). But the rest is a challenge (for me anyway).
In all, I am just baffled by this release. This is not an easily accessible album for the most part, and not likely to be a commercial success. This being the first independently released CSO album, why would it take a chance/challenge like this? The only answer I believe (but that is just speculation on my part) is that the soon-departing CSO musical director Paavo Jarvi really insisted on this. Indeed, after 10 years, Jarvi is leaving as the CSO Maestro at the end of the current season (May, 2011). Challenging times lay ahead for the CSO, not the least of which is to find a replacement for Paavo Jarvi, who in his 10 years heading the CSO took the orchestra to highs never seen before. Meanwhile, this album should get accolades for featuring contemporary and unknown American composers. That aside, this album is "art", but not sure it's pleasure.
http://www.amazon.com/American-Portraits-Coleman/dp/B0049NE1OK/ref=sr_1_2?s=music&ie=UTF8&qid=1295987668&sr=1-2
by Paul Allaer (Cincinnati)
Amazon.com
January 7, 2011
Since Paavo Jarvi became the Cincinnati Symphony's Music Director in September, 2001, the Telearc label had issued 2 albums a year of the CSO directed by Maestro Jarvi, pretty much like clockwork, one in the Fall, and one in the Spring. Regretfully, the Telearc label stopped releasing new albums at the end of 2009 and so the release of Holt's "The Planets" in October, 2009 was the 16th and last in the series. The CSO decided to take its fate into its own hands and has decided to self-release albums on the newly-founded CSO Media label. This is the first release.
"American Portraits" (6 tracks; 76 min.) is a curious and daring first release. The album is a collection of various music pieces that Paavo Jarvi selected over the years composed by young (and hence contemporary, the oldest one having been born in 1962) and mostly unknown American composers. The album is mistitled and really should be "Modern American Portraits" as it features mainly "contemporary" classical music. There are just 6 pieces on here, most of them long pieces. Please note that this is not a "new" recording, instead they are compiled from CSO perfomrances at Music Hall between 2003 and 2007. My favorite one is the 17 min. piece "Halycon Sun" by composer Jonathan Bailey Holland. I also quite liked Charles Coleman's 15 min. "Deep Woods" (one of 2 compositions by Coleman on here). But the rest is a challenge (for me anyway).
In all, I am just baffled by this release. This is not an easily accessible album for the most part, and not likely to be a commercial success. This being the first independently released CSO album, why would it take a chance/challenge like this? The only answer I believe (but that is just speculation on my part) is that the soon-departing CSO musical director Paavo Jarvi really insisted on this. Indeed, after 10 years, Jarvi is leaving as the CSO Maestro at the end of the current season (May, 2011). Challenging times lay ahead for the CSO, not the least of which is to find a replacement for Paavo Jarvi, who in his 10 years heading the CSO took the orchestra to highs never seen before. Meanwhile, this album should get accolades for featuring contemporary and unknown American composers. That aside, this album is "art", but not sure it's pleasure.
http://www.amazon.com/American-Portraits-Coleman/dp/B0049NE1OK/ref=sr_1_2?s=music&ie=UTF8&qid=1295987668&sr=1-2
Paavo Järvi: Es gibt zu viele Klischees über Beethoven
Ulrike Timm
Deutschlandradio Kultur
16/09/2010
Estnisch-amerikanischer Dirigent schließt "Beethoven-Projekt" mit Aufnahme der 9. Sinfonie ab
Paavo Järvi im Gespräch mit Ulrike Timm
"Wir neigen dazu", Ludwig van Beethoven "für den unerbittlichen Kämpfer, den heroischen Löwen zu halten, der gegen die Ungerechtigkeit der Welt angeht", sagt der Dirigent Paavo Järvi. Solche Klischees hinderten daran "zu erkennen, dass Beethoven auch ein Mensch mit Humor war, dass er auch Freude empfinden konnte".
Ulrike Timm: Ein Ausschnitt aus Beethovens 7. Sinfonie in A-Dur, der dritte Satz, gespielt von der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, musikalisch geleitet von Paavo Järvi. Alle neun Beethoven-Sinfonien hat dieses Team Kammerphilharmonie-Järvi aufgenommen. Zugleich ist ein Film entstanden, den die Deutsche Welle weltweit ausstrahlen wird und den es auch als DVD gibt: "Das Beethoven-Projekt", und Paavo Järvi wird zudem noch mit einem Echo-Preis Klassik als "Dirigent des Jahres" bedacht - viele äußere Gründe, ihn einzuladen, aber die Gelegenheit, den Dirigenten, den Musiker Paavo Järvi hier im "Radiofeuilleton" zu Gast zu haben, die freut mich einfach ganz besonders. Herzlich Willkommen, Paavo Järvi!
Paavo Järvi: Thank you!
Timm: Herr Järvi, die meisten Menschen verbinden mit Beethoven einen ziemlich knurrigen Komponisten, tatatata, die personifizierte klangliche Unerbittlichkeit. Eben hörten wir ganz fröhliche, ganz beschwingte Musik, liegt natürlich vor allem am Stück, trotzdem: Haben Sie noch ganz andere Züge an ihm entdeckt als den brummigen Griesgram?
Järvi: Diese Vorstellungen, die Sie erwähnen, gäben ja Stoff für eine ganze Sendung. Es sind genau diese festen Klischees, die zwar einerseits zutreffen mögen, die aber unser Denken auch in eine Zwangsjacke stecken. Sie hindern uns daran, zu erkennen, dass Beethoven auch ein Mensch mit Humor war, dass er auch Freude empfinden konnte. Wir neigen dazu, ihn für den unerbittlichen Kämpfer, den heroischen Löwen zu halten, der gegen die Ungerechtigkeit der Welt angeht. Das mag eine romantische Vorstellung sein, aber solche Mythen hindern uns daran, den Menschen zu sehen. Wenn wir von der 7. Sinfonie sprechen, so kommt diese eigentlich aus dem Tanz heraus. Wagner hat es auch sofort erkannt, als er die Partitur sah, er sprach davon, dass diese Sinfonie eine Apotheose des Tanzes sei.
Timm: Als der Film gedreht wurde, "Das Beethoven-Projekt", da haben Sie alle neun Sinfonien an drei Tagen nacheinander gespielt, in der Beethoven-Stadt Bonn. Ein Marathon - mental wie sportlich?
Järvi: Sowohl körperlich wie auch geistig ist das in der Tat ein Marathon. Was das Körperliche angeht, so kann man sich darauf natürlich vorbereiten. Was aber die Gefühle angeht, diesen emotionalen Eindruck zu verarbeiten, drei Sinfonien in einem Konzert zu spielen - das ist schon eine bedeutende Herausforderung, weil man eben diese Übergänge bewältigen muss von der einen Sinfonie zur anderen, die ja so unterschiedlich sind, als wären es unterschiedliche Kinder mit ihrem eigenen Charakter von denselben Eltern. Und die ganz unterschiedlichen Zeiten, zu denen Beethoven diese Sinfonien komponiert haben, brachten eben auch einen ganz bedeutenden Wandel mit sich.
Timm: Im Film sieht man, dass einige der Aufführungen nach draußen auf die große Leinwand übertragen werden, und plötzlich hat Beethoven 6000 Fans, darunter ganz viele junge Leute. Hat Beethoven das Zeug auch zum Zeitgenossen der MTV-Generation?
Järvi: Er hat sehr viel mehr zu bieten als nur ein zeitgenössischer Komponist für die MTV-Generation zu werden, denn das Paradoxe ist ja, dass die Popmusik in überwiegenden Anteilen in 20 Jahren nicht mehr gehört werden wird. Bei Beethoven dagegen sprechen wir über Hunderte von Jahren. Hier gibt es vielleicht ein Missverständnis, dass es als Image-Problem zu beschreiben gilt. Viele glauben ja, Beethoven sei Teil der Geschichte, er sei etwas für die Bildungsbürger und man müsse vorbereitet sein, um Beethoven zu hören. Das mag zwar helfen, aber es ist nicht nötig, sich vorzubereiten, um die 5. Sinfonie zu hören, denn diese Sinfonie verändert sich. Es ist nicht immer dieselbe Musik, und so seltsam das klingen mag: Beethoven wird eigentlich immer besser.
Timm: Kommen wir mal zu dem Dokumentarfilm "Das Beethoven-Projekt". Da haben Sie sich ja mit der Kamera zuschauen lassen. Sie wurden geschminkt, Sie mussten reden statt nur zu musizieren. Schauen Sie sich gerne zu im Film?
Järvi: Nein, ich gehöre zu jenen, die sich nicht gerne im Fernsehen anschauen, und ich höre auch nicht gerne meine eigenen Aufnahmen an und bin eigentlich nie mit mir selbst zufrieden.
Timm: Deutschlandradio Kultur, das "Radiofeuilleton" im Gespräch mit dem Dirigenten Paavo Järvi. Herr Järvi, Sie kommen als Musiker vom Schlagzeug, ähnlich wie Simon Rattle. Ist das eine gute Voraussetzung, Dirigent zu sein, wenn man vom Rhythmus her denkt?
Järvi: Nun ist in der Tat eine Art Präzedenzfall da, ob es nun Zufall ist oder nicht, jedenfalls - das Schlagzeug ist eben ein Instrument, das von Anfang an sehr stark aufs Ensemblespiel hin angelegt ist. Man sitzt nicht stundenlang im Zimmer wie ein Geiger oder Pianist und übt vor sich hin, sondern Schlagzeug spielen verlangt nach der Gruppe, und man wird sehr früh hineingeführt in die Welt des Orchesters. Von Anfang an kam ich immer wieder in Berührung mit diesem großen Körper des Orchesters. Daneben ist es für jeden Dirigenten sehr ratsam, wenn er ein gutes Rhythmusgefühl hat, denn bei all den Feinheiten und Subtilitäten, die die Musik sonst noch birgt - ganz fundamental ist es doch, den Rhythmus zu kennen, und das hilft jedem Dirigenten.
Timm: Sie sollen in Estland in den 70er-, 80er-Jahren in einer Rockband gespielt haben. Wie war das?
Järvi: Ich bin ja in einer Musikerfamilie groß geworden, bei uns lag immer Musik, klassische Musik in der Luft. Im Alter von 13, 14, 15 Jahren kamen einige Freunde mit der Idee auf mich zu, eine Rockband zu gründen, wobei ich natürlich dann am Schlagzeug sitzen sollte. Es war ein geselliges Zusammensein, das eben auch rebellisch war und das uns auch auf andere Gedanken gebracht hat. Aber es war nie allzu ernst gemeint.
Timm: Aber einer Ihrer Rockband-Kompagnons ist Erkki Tüür, und Sie führen bis heute besonders gerne Werke estnischer Komponisten auf. Ist das Passion, ist das Lokalpatriotismus? Was ist das?
Järvi: Nun, ich glaube, dass sehr viele der heutigen, wichtigen zeitgenössischen Komponisten weniger von der Darmstädter Schule oder von der Neuen-Musik-Bewegung herkommen, sondern dass gerade die Interessantesten unter ihnen mehr von der Rockmusik beeinflusst sind oder Anregungen von Strawinsky, Debussy, Ravel bekommen. Diese Kombination aus der Popkultur und einer klassischen Richtung, die macht das Neuartige, das Wesentliche aus. Was nun Tüür angeht, den Komponisten, nun, so haben wir sehr viel zusammengearbeitet. Es ist eigentlich nicht so sehr nur Patriotismus, sondern auch das Bewusstsein, gemeinsam in einer Umgebung aufgewachsen zu sein. Er hat ja zunächst als Rockmusiker für seine eigene Band geschrieben, ehe er dann nach und nach in andere Bereiche übergegangen ist. Aber bis zum heutigen Tag führt er noch mit einer Rockband seine Werke auf.
Timm: Der Dokumentarfilm, der ein Anlass ist für unser Gespräch, der führt auch nach Estland, und man hat den Eindruck, das ist ein Land voller Musik. Da singen Tausende Leute auf einem Platz. Klingt plump, aber ist das etwas so Selbstverständliches dort? Sind die Esten eine besonders musikalische Nation?
Järvi: Ja, das ist so, und ich hoffe auch, dass die Menschen überall mit Estland Musik verknüpfen, dass Estland eben als singendes Land erinnert wird oder dass man daran denkt. Jeder und jede singt in Estland, es gibt mehr Chöre in dem Land als irgendwo sonst. Alle vier Jahre haben wir das große Gesangsfest, wo 30.000 Menschen zusammenkommen, die zwar nicht jetzt professionell singen, aber die professionell vorbereitet sind und dann gemeinsam auf die Bühne treten. Hinzu kommen dann noch 100.000 bis 150.000 Zuhörer im Publikum. Das zu hören ist wirklich sehr beeindruckend, insbesondere wenn man bedenkt, dass die Esten im Lande ja nur etwa eins oder eins Komma noch etwas Menschen sind. Es legt auch Zeugnis ab von der einigenden Kraft der Musik. Das mag jetzt klischeehaft klingen, aber da steckt schon ein Korn Wahrheit drin, wenn man sich das anschaut und wenn man daran denkt, wie wir für die Wiedergewinnung unserer Unabhängigkeit als Land kämpften - keiner musste damals sterben, denn selbst die Sowjets hätten es nicht fertiggebracht, in eine singende Menge zu schießen. Deshalb sprechen wir ja auch von der Singenden Revolution.
Timm: Das heißt, Musik taugt auch zum Widerstandsmittel?
Järvi: Für ein kleines Land mit 1,5 Millionen Einwohnern wie Estland gibt es gar keine andere Art, sich zu behaupten. Wir könnten uns in keiner Weise militärisch etwa gegen Russland zur Wehr setzen, wirtschaftlich gesehen sind wir auch hoffnungslos unterlegen. So ist es also die einzige Art, sich Gehör zu verschaffen mit dieser, wenn man so will, Unbedarftheit der Menschen, die eben waffenlos daherkommen. In kleinen Ländern wie etwa Estland kommt der Kultur darüber hinaus eine ganz entscheidende, prägende Bedeutung zu, sie ist nicht nur irgendwie eine Zutat, sondern sie ist identitätsstiftend. Wir sind ein kleines Land, wir wollen aber nicht als kleines Land irgendwo im Einflussbereich Russlands gesehen werden, das über billige Arbeitskräfte verfügt oder touristisch interessant ist. Nein, wir wollen eben als Kulturvolk gesehen werden.
Timm: Sie sind seit 1980 Amerikaner, kommen aus einer ganz musikalischen Familie, Vater Neeme Järvi, Bruder Kristjan Järvi - alle Järvis dirigieren. Mich würde mal interessieren: Wie ist das bei Järvischen Familientreffen, macht man da Musik oder gerade eben nicht?
Järvi: Musik ist immer in der Luft, und es gibt auch eben diesen Hauptgrund, weshalb wir alle mit der Musik leben, das ist wohl die Gestalt meines Vaters, der immer noch diese Fähigkeit hat, uns zu inspirieren. Und wenn wir heute zusammentreffen, dann sind es ja drei Generationen, die zusammenkommen, mein Vater, der jetzt 72 Jahre alt ist, ich bin 47, Kristjan ist 37. Wir alle bringen unsere Erfahrungen zusammen. Und wenn man als Dirigent arbeitet, dann hat man natürlich nichts so gerne wie die Erfahrung, denn beim Dirigieren zählt eben Erfahrung, Erfahrung, Erfahrung.
Timm: Sie haben aber mal gesagt, dirigieren sei was für die zweite Lebenshälfte, Dirigent sei man erst mit über 50. Sie sind noch keine 50, was sind Sie denn jetzt?
Järvi: Ich glaube, alles, was ich jetzt mache, dient im Grunde der Vorbereitung für diese zweite Hälfte. Es gibt so vieles, was man wissen muss, was man auch tatsächlich erst einmal erfahren haben muss, ehe man es beherrscht, denn es einmal ausprobiert zu haben, reicht ja nicht aus, um es wirklich zu kennen. Und man merkt auch, dass man nicht für alles gleichermaßen geschaffen ist. Man muss also eine Auswahl treffen. Und diese Entscheidung zu treffen, ist ein langer verwickelter Weg, man will ja am Anfang alles Mögliche erkunden, man möchte sich tummeln, und dann stellt man fest: Man kann nur bestimmte Dinge wirklich gut ausführen, und denen widmet man sich dann mit aller Kraft.
Timm: Wir halten fest: Paavo Järvi, noch nicht 50, wird noch Dirigent. Sie leiten derzeit die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, das Orchester des Hessischen Rundfunks, das Orchestre de Paris und das Sinfonieorchester von Cincinnati in den USA. Sie müssen immense Handyrechnungen haben und ständig Jetlag. Wie schaffen Sie das?
Järvi: Nun, das stimmt, der Jetlag und auch die hohen Telefonrechnungen sind ständige Begleiter, aber das führt mich auch die Freude vor Augen, die ich dabei empfinde, dass ich eben auf so unterschiedlichen Ebenen mit so unterschiedlichen Persönlichkeiten, wie es diese Orchester sind, Musik machen darf. Ich weiß, ich werde nicht unbegrenzte Zeit diese vier Ensembles führen können. Irgendwann wird vielleicht eines oder zwei Orchester übrig bleiben. Aber ich habe eben die Möglichkeit, ein breites Repertoire kennenzulernen und auszuprobieren, von den französischen Standardkomponisten über Bruckner und Beethoven bis hin zu den Komponisten des 20. Jahrhunderts, Lutoslawsky, Bartók, Strawinsky - alles das gibt mir diesen großartigen Einblick, den ich so sehr genieße.
http://www.dradio.de/dkultur/sendungen/thema/1274067/
Deutschlandradio Kultur
16/09/2010
Estnisch-amerikanischer Dirigent schließt "Beethoven-Projekt" mit Aufnahme der 9. Sinfonie ab
Paavo Järvi im Gespräch mit Ulrike Timm
"Wir neigen dazu", Ludwig van Beethoven "für den unerbittlichen Kämpfer, den heroischen Löwen zu halten, der gegen die Ungerechtigkeit der Welt angeht", sagt der Dirigent Paavo Järvi. Solche Klischees hinderten daran "zu erkennen, dass Beethoven auch ein Mensch mit Humor war, dass er auch Freude empfinden konnte".
Ulrike Timm: Ein Ausschnitt aus Beethovens 7. Sinfonie in A-Dur, der dritte Satz, gespielt von der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, musikalisch geleitet von Paavo Järvi. Alle neun Beethoven-Sinfonien hat dieses Team Kammerphilharmonie-Järvi aufgenommen. Zugleich ist ein Film entstanden, den die Deutsche Welle weltweit ausstrahlen wird und den es auch als DVD gibt: "Das Beethoven-Projekt", und Paavo Järvi wird zudem noch mit einem Echo-Preis Klassik als "Dirigent des Jahres" bedacht - viele äußere Gründe, ihn einzuladen, aber die Gelegenheit, den Dirigenten, den Musiker Paavo Järvi hier im "Radiofeuilleton" zu Gast zu haben, die freut mich einfach ganz besonders. Herzlich Willkommen, Paavo Järvi!
Paavo Järvi: Thank you!
Timm: Herr Järvi, die meisten Menschen verbinden mit Beethoven einen ziemlich knurrigen Komponisten, tatatata, die personifizierte klangliche Unerbittlichkeit. Eben hörten wir ganz fröhliche, ganz beschwingte Musik, liegt natürlich vor allem am Stück, trotzdem: Haben Sie noch ganz andere Züge an ihm entdeckt als den brummigen Griesgram?
Järvi: Diese Vorstellungen, die Sie erwähnen, gäben ja Stoff für eine ganze Sendung. Es sind genau diese festen Klischees, die zwar einerseits zutreffen mögen, die aber unser Denken auch in eine Zwangsjacke stecken. Sie hindern uns daran, zu erkennen, dass Beethoven auch ein Mensch mit Humor war, dass er auch Freude empfinden konnte. Wir neigen dazu, ihn für den unerbittlichen Kämpfer, den heroischen Löwen zu halten, der gegen die Ungerechtigkeit der Welt angeht. Das mag eine romantische Vorstellung sein, aber solche Mythen hindern uns daran, den Menschen zu sehen. Wenn wir von der 7. Sinfonie sprechen, so kommt diese eigentlich aus dem Tanz heraus. Wagner hat es auch sofort erkannt, als er die Partitur sah, er sprach davon, dass diese Sinfonie eine Apotheose des Tanzes sei.
Timm: Als der Film gedreht wurde, "Das Beethoven-Projekt", da haben Sie alle neun Sinfonien an drei Tagen nacheinander gespielt, in der Beethoven-Stadt Bonn. Ein Marathon - mental wie sportlich?
Järvi: Sowohl körperlich wie auch geistig ist das in der Tat ein Marathon. Was das Körperliche angeht, so kann man sich darauf natürlich vorbereiten. Was aber die Gefühle angeht, diesen emotionalen Eindruck zu verarbeiten, drei Sinfonien in einem Konzert zu spielen - das ist schon eine bedeutende Herausforderung, weil man eben diese Übergänge bewältigen muss von der einen Sinfonie zur anderen, die ja so unterschiedlich sind, als wären es unterschiedliche Kinder mit ihrem eigenen Charakter von denselben Eltern. Und die ganz unterschiedlichen Zeiten, zu denen Beethoven diese Sinfonien komponiert haben, brachten eben auch einen ganz bedeutenden Wandel mit sich.
Timm: Im Film sieht man, dass einige der Aufführungen nach draußen auf die große Leinwand übertragen werden, und plötzlich hat Beethoven 6000 Fans, darunter ganz viele junge Leute. Hat Beethoven das Zeug auch zum Zeitgenossen der MTV-Generation?
Järvi: Er hat sehr viel mehr zu bieten als nur ein zeitgenössischer Komponist für die MTV-Generation zu werden, denn das Paradoxe ist ja, dass die Popmusik in überwiegenden Anteilen in 20 Jahren nicht mehr gehört werden wird. Bei Beethoven dagegen sprechen wir über Hunderte von Jahren. Hier gibt es vielleicht ein Missverständnis, dass es als Image-Problem zu beschreiben gilt. Viele glauben ja, Beethoven sei Teil der Geschichte, er sei etwas für die Bildungsbürger und man müsse vorbereitet sein, um Beethoven zu hören. Das mag zwar helfen, aber es ist nicht nötig, sich vorzubereiten, um die 5. Sinfonie zu hören, denn diese Sinfonie verändert sich. Es ist nicht immer dieselbe Musik, und so seltsam das klingen mag: Beethoven wird eigentlich immer besser.
Timm: Kommen wir mal zu dem Dokumentarfilm "Das Beethoven-Projekt". Da haben Sie sich ja mit der Kamera zuschauen lassen. Sie wurden geschminkt, Sie mussten reden statt nur zu musizieren. Schauen Sie sich gerne zu im Film?
Järvi: Nein, ich gehöre zu jenen, die sich nicht gerne im Fernsehen anschauen, und ich höre auch nicht gerne meine eigenen Aufnahmen an und bin eigentlich nie mit mir selbst zufrieden.
Timm: Deutschlandradio Kultur, das "Radiofeuilleton" im Gespräch mit dem Dirigenten Paavo Järvi. Herr Järvi, Sie kommen als Musiker vom Schlagzeug, ähnlich wie Simon Rattle. Ist das eine gute Voraussetzung, Dirigent zu sein, wenn man vom Rhythmus her denkt?
Järvi: Nun ist in der Tat eine Art Präzedenzfall da, ob es nun Zufall ist oder nicht, jedenfalls - das Schlagzeug ist eben ein Instrument, das von Anfang an sehr stark aufs Ensemblespiel hin angelegt ist. Man sitzt nicht stundenlang im Zimmer wie ein Geiger oder Pianist und übt vor sich hin, sondern Schlagzeug spielen verlangt nach der Gruppe, und man wird sehr früh hineingeführt in die Welt des Orchesters. Von Anfang an kam ich immer wieder in Berührung mit diesem großen Körper des Orchesters. Daneben ist es für jeden Dirigenten sehr ratsam, wenn er ein gutes Rhythmusgefühl hat, denn bei all den Feinheiten und Subtilitäten, die die Musik sonst noch birgt - ganz fundamental ist es doch, den Rhythmus zu kennen, und das hilft jedem Dirigenten.
Timm: Sie sollen in Estland in den 70er-, 80er-Jahren in einer Rockband gespielt haben. Wie war das?
Järvi: Ich bin ja in einer Musikerfamilie groß geworden, bei uns lag immer Musik, klassische Musik in der Luft. Im Alter von 13, 14, 15 Jahren kamen einige Freunde mit der Idee auf mich zu, eine Rockband zu gründen, wobei ich natürlich dann am Schlagzeug sitzen sollte. Es war ein geselliges Zusammensein, das eben auch rebellisch war und das uns auch auf andere Gedanken gebracht hat. Aber es war nie allzu ernst gemeint.
Timm: Aber einer Ihrer Rockband-Kompagnons ist Erkki Tüür, und Sie führen bis heute besonders gerne Werke estnischer Komponisten auf. Ist das Passion, ist das Lokalpatriotismus? Was ist das?
Järvi: Nun, ich glaube, dass sehr viele der heutigen, wichtigen zeitgenössischen Komponisten weniger von der Darmstädter Schule oder von der Neuen-Musik-Bewegung herkommen, sondern dass gerade die Interessantesten unter ihnen mehr von der Rockmusik beeinflusst sind oder Anregungen von Strawinsky, Debussy, Ravel bekommen. Diese Kombination aus der Popkultur und einer klassischen Richtung, die macht das Neuartige, das Wesentliche aus. Was nun Tüür angeht, den Komponisten, nun, so haben wir sehr viel zusammengearbeitet. Es ist eigentlich nicht so sehr nur Patriotismus, sondern auch das Bewusstsein, gemeinsam in einer Umgebung aufgewachsen zu sein. Er hat ja zunächst als Rockmusiker für seine eigene Band geschrieben, ehe er dann nach und nach in andere Bereiche übergegangen ist. Aber bis zum heutigen Tag führt er noch mit einer Rockband seine Werke auf.
Timm: Der Dokumentarfilm, der ein Anlass ist für unser Gespräch, der führt auch nach Estland, und man hat den Eindruck, das ist ein Land voller Musik. Da singen Tausende Leute auf einem Platz. Klingt plump, aber ist das etwas so Selbstverständliches dort? Sind die Esten eine besonders musikalische Nation?
Järvi: Ja, das ist so, und ich hoffe auch, dass die Menschen überall mit Estland Musik verknüpfen, dass Estland eben als singendes Land erinnert wird oder dass man daran denkt. Jeder und jede singt in Estland, es gibt mehr Chöre in dem Land als irgendwo sonst. Alle vier Jahre haben wir das große Gesangsfest, wo 30.000 Menschen zusammenkommen, die zwar nicht jetzt professionell singen, aber die professionell vorbereitet sind und dann gemeinsam auf die Bühne treten. Hinzu kommen dann noch 100.000 bis 150.000 Zuhörer im Publikum. Das zu hören ist wirklich sehr beeindruckend, insbesondere wenn man bedenkt, dass die Esten im Lande ja nur etwa eins oder eins Komma noch etwas Menschen sind. Es legt auch Zeugnis ab von der einigenden Kraft der Musik. Das mag jetzt klischeehaft klingen, aber da steckt schon ein Korn Wahrheit drin, wenn man sich das anschaut und wenn man daran denkt, wie wir für die Wiedergewinnung unserer Unabhängigkeit als Land kämpften - keiner musste damals sterben, denn selbst die Sowjets hätten es nicht fertiggebracht, in eine singende Menge zu schießen. Deshalb sprechen wir ja auch von der Singenden Revolution.
Timm: Das heißt, Musik taugt auch zum Widerstandsmittel?
Järvi: Für ein kleines Land mit 1,5 Millionen Einwohnern wie Estland gibt es gar keine andere Art, sich zu behaupten. Wir könnten uns in keiner Weise militärisch etwa gegen Russland zur Wehr setzen, wirtschaftlich gesehen sind wir auch hoffnungslos unterlegen. So ist es also die einzige Art, sich Gehör zu verschaffen mit dieser, wenn man so will, Unbedarftheit der Menschen, die eben waffenlos daherkommen. In kleinen Ländern wie etwa Estland kommt der Kultur darüber hinaus eine ganz entscheidende, prägende Bedeutung zu, sie ist nicht nur irgendwie eine Zutat, sondern sie ist identitätsstiftend. Wir sind ein kleines Land, wir wollen aber nicht als kleines Land irgendwo im Einflussbereich Russlands gesehen werden, das über billige Arbeitskräfte verfügt oder touristisch interessant ist. Nein, wir wollen eben als Kulturvolk gesehen werden.
Timm: Sie sind seit 1980 Amerikaner, kommen aus einer ganz musikalischen Familie, Vater Neeme Järvi, Bruder Kristjan Järvi - alle Järvis dirigieren. Mich würde mal interessieren: Wie ist das bei Järvischen Familientreffen, macht man da Musik oder gerade eben nicht?
Järvi: Musik ist immer in der Luft, und es gibt auch eben diesen Hauptgrund, weshalb wir alle mit der Musik leben, das ist wohl die Gestalt meines Vaters, der immer noch diese Fähigkeit hat, uns zu inspirieren. Und wenn wir heute zusammentreffen, dann sind es ja drei Generationen, die zusammenkommen, mein Vater, der jetzt 72 Jahre alt ist, ich bin 47, Kristjan ist 37. Wir alle bringen unsere Erfahrungen zusammen. Und wenn man als Dirigent arbeitet, dann hat man natürlich nichts so gerne wie die Erfahrung, denn beim Dirigieren zählt eben Erfahrung, Erfahrung, Erfahrung.
Timm: Sie haben aber mal gesagt, dirigieren sei was für die zweite Lebenshälfte, Dirigent sei man erst mit über 50. Sie sind noch keine 50, was sind Sie denn jetzt?
Järvi: Ich glaube, alles, was ich jetzt mache, dient im Grunde der Vorbereitung für diese zweite Hälfte. Es gibt so vieles, was man wissen muss, was man auch tatsächlich erst einmal erfahren haben muss, ehe man es beherrscht, denn es einmal ausprobiert zu haben, reicht ja nicht aus, um es wirklich zu kennen. Und man merkt auch, dass man nicht für alles gleichermaßen geschaffen ist. Man muss also eine Auswahl treffen. Und diese Entscheidung zu treffen, ist ein langer verwickelter Weg, man will ja am Anfang alles Mögliche erkunden, man möchte sich tummeln, und dann stellt man fest: Man kann nur bestimmte Dinge wirklich gut ausführen, und denen widmet man sich dann mit aller Kraft.
Timm: Wir halten fest: Paavo Järvi, noch nicht 50, wird noch Dirigent. Sie leiten derzeit die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, das Orchester des Hessischen Rundfunks, das Orchestre de Paris und das Sinfonieorchester von Cincinnati in den USA. Sie müssen immense Handyrechnungen haben und ständig Jetlag. Wie schaffen Sie das?
Järvi: Nun, das stimmt, der Jetlag und auch die hohen Telefonrechnungen sind ständige Begleiter, aber das führt mich auch die Freude vor Augen, die ich dabei empfinde, dass ich eben auf so unterschiedlichen Ebenen mit so unterschiedlichen Persönlichkeiten, wie es diese Orchester sind, Musik machen darf. Ich weiß, ich werde nicht unbegrenzte Zeit diese vier Ensembles führen können. Irgendwann wird vielleicht eines oder zwei Orchester übrig bleiben. Aber ich habe eben die Möglichkeit, ein breites Repertoire kennenzulernen und auszuprobieren, von den französischen Standardkomponisten über Bruckner und Beethoven bis hin zu den Komponisten des 20. Jahrhunderts, Lutoslawsky, Bartók, Strawinsky - alles das gibt mir diesen großartigen Einblick, den ich so sehr genieße.
http://www.dradio.de/dkultur/sendungen/thema/1274067/
Sunday, January 30, 2011
Watts, CSO deliver elegant Beethoven
Cincinnati.com
By Janelle Gelfand
January 29, 2011
Whenever André Watts is in town, it's a special occasion - and a reminder of the depth of artistry that this pianist can bring to Beethoven.
He delivered a memorable reading of Beethoven's Concerto No. 4, with Paavo Järvi and the Cincinnati Symphony Orchestra on Friday morning in Music Hall. Järvi's program framed the concerto with two French works: Debussy's early "Printemps" and Fauré's Requiem, with two fine soloists and the May Festival Chorus.
And included in the substantial offerings was the first of five newly commissioned fanfares, hailing Järvi's 10th season as music director and WGUC's 50th anniversary.
Watts, 64, has enjoyed a celebrated career for nearly five decades since his debut at age 16 with Leonard Bernstein and the New York Philharmonic in 1963. Since 2004, he has juggled teaching with concertizing, as a faculty member on a growing celebrity list at Indiana University's Jacobs School of Music.
Watts projects an aristocratic style at the keyboard. But on Friday, his playing also had a deeply introspective quality that set it apart. His performance was about substance and beauty, with flashes of brilliance.
Perhaps some of that had to do with Beethoven's Concerto in G Major, in which the movements seem to echo the composer's mood swings. In the first movement, the pianist's runs rippled with a featherweight touch, while he seamlessly soared through majestic climaxes with weight and power.
Watts phrased broadly, taking his time while he summoned a palette of color, often with judicious help from the pedal. The first-movement cadenza was not only a brilliant feat, and every note had meaning. It made the final surge of cascading runs all the more beautiful.
The slow movement was hymn-like and lyrical, and his measured pacing and introspective quality set a melancholic mood. The finale arrived like a ray of sunshine, with Watts providing vivid contrasts and occasionally adding an element of surprise.
Järvi and the orchestra made excellent partners. Of note was cellist Ilya Finkelshteyn's fleet playing with the pianist in the finale.
In the concert's second half, the May Festival Chorus and soloists Laura Claycomb and Stephen Powell joined Järvi for the orchestra's first subscription performance of Fauré's Requiem. Unlike massive settings of the Requiem, the French composer's Requiem is a radiant, more intimate statement of faith. Some of its striking timbre comes from the instrumentation, including harp (Gillian Benet Sella) and organ (Heather MacPhail).
The chorus, prepared by Robert Porco, performed with refinement, nuanced phrasing and fine enunciation of the Latin text. A cappella moments were beautifully intoned, with fine pitch control.
Järvi, who won a Grammy Award for a choral album, led with flowing tempos, illuminated details and captured the arc of the music. Attentive to balance, he brought out the dark timbre of the Kyrie, richly underscoring the voices with dark strings. The Sanctus was buoyant but also warm, with well-executed horn calls punctuating the "Hosannas." And the shimmering "In Paradisum," with the sopranos as angels, was a moving finale.
The soloists offered memorable moments, too. Claycomb projected a lyric voice in the famous "Pie Jesu," and Powell, who will sing the title role in Cincinnati Opera's "Rigoletto" this summer, put his warmly expressive baritone to work in the "Libera me."
In the first half, Debussy's "Printemps," in two movements, was a gem of a piece that included the sound of piano-four-hands. Although momentum sagged a bit at times, the piece offered moments in the sun for orchestral soloists, including principal violist Christian Colberg.
The morning opened with Jonathan Holland's jazz-inspired fanfare, "The Party Starter." With syncopated licks in the brass, long themes for the strings, two snare drums and jazzy chords in the piano, it was a short and sweet crowd-pleaser. Holland, associate professor at Boston's Berklee College of Music, took a bow.
http://news.cincinnati.com/article/20110129/ENT03/101290338/1028/ENT/Watts-CSO-deliver-elegant-Beethoven
By Janelle Gelfand
January 29, 2011
Whenever André Watts is in town, it's a special occasion - and a reminder of the depth of artistry that this pianist can bring to Beethoven.
He delivered a memorable reading of Beethoven's Concerto No. 4, with Paavo Järvi and the Cincinnati Symphony Orchestra on Friday morning in Music Hall. Järvi's program framed the concerto with two French works: Debussy's early "Printemps" and Fauré's Requiem, with two fine soloists and the May Festival Chorus.
And included in the substantial offerings was the first of five newly commissioned fanfares, hailing Järvi's 10th season as music director and WGUC's 50th anniversary.
Watts, 64, has enjoyed a celebrated career for nearly five decades since his debut at age 16 with Leonard Bernstein and the New York Philharmonic in 1963. Since 2004, he has juggled teaching with concertizing, as a faculty member on a growing celebrity list at Indiana University's Jacobs School of Music.
Watts projects an aristocratic style at the keyboard. But on Friday, his playing also had a deeply introspective quality that set it apart. His performance was about substance and beauty, with flashes of brilliance.
Perhaps some of that had to do with Beethoven's Concerto in G Major, in which the movements seem to echo the composer's mood swings. In the first movement, the pianist's runs rippled with a featherweight touch, while he seamlessly soared through majestic climaxes with weight and power.
Watts phrased broadly, taking his time while he summoned a palette of color, often with judicious help from the pedal. The first-movement cadenza was not only a brilliant feat, and every note had meaning. It made the final surge of cascading runs all the more beautiful.
The slow movement was hymn-like and lyrical, and his measured pacing and introspective quality set a melancholic mood. The finale arrived like a ray of sunshine, with Watts providing vivid contrasts and occasionally adding an element of surprise.
Järvi and the orchestra made excellent partners. Of note was cellist Ilya Finkelshteyn's fleet playing with the pianist in the finale.
In the concert's second half, the May Festival Chorus and soloists Laura Claycomb and Stephen Powell joined Järvi for the orchestra's first subscription performance of Fauré's Requiem. Unlike massive settings of the Requiem, the French composer's Requiem is a radiant, more intimate statement of faith. Some of its striking timbre comes from the instrumentation, including harp (Gillian Benet Sella) and organ (Heather MacPhail).
The chorus, prepared by Robert Porco, performed with refinement, nuanced phrasing and fine enunciation of the Latin text. A cappella moments were beautifully intoned, with fine pitch control.
Järvi, who won a Grammy Award for a choral album, led with flowing tempos, illuminated details and captured the arc of the music. Attentive to balance, he brought out the dark timbre of the Kyrie, richly underscoring the voices with dark strings. The Sanctus was buoyant but also warm, with well-executed horn calls punctuating the "Hosannas." And the shimmering "In Paradisum," with the sopranos as angels, was a moving finale.
The soloists offered memorable moments, too. Claycomb projected a lyric voice in the famous "Pie Jesu," and Powell, who will sing the title role in Cincinnati Opera's "Rigoletto" this summer, put his warmly expressive baritone to work in the "Libera me."
In the first half, Debussy's "Printemps," in two movements, was a gem of a piece that included the sound of piano-four-hands. Although momentum sagged a bit at times, the piece offered moments in the sun for orchestral soloists, including principal violist Christian Colberg.
The morning opened with Jonathan Holland's jazz-inspired fanfare, "The Party Starter." With syncopated licks in the brass, long themes for the strings, two snare drums and jazzy chords in the piano, it was a short and sweet crowd-pleaser. Holland, associate professor at Boston's Berklee College of Music, took a bow.
http://news.cincinnati.com/article/20110129/ENT03/101290338/1028/ENT/Watts-CSO-deliver-elegant-Beethoven
Paavo Järvi's "Bremer Beethoven" erscheint im Februar auf Vinyl
Baltische Rundschau
Aino Siebert
29.01.2011
Bremen/BR. Liebhaber höchster Qualitätsansprüche können sich freuen. Paavo Järvi und Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen gibt es ab Februar in einmaliger akustischer Brillanz als limitierte Sonderedition auf Vinyl.
Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen begeisterte mit ihrem Chefdirigenten Paavo Järvi in den internationalen Konzertsälen und gemeinsam wurden sie auf weltberühmten Festivals für ihren Beethoven-Zyklus gefeiert. Orchester und Dirigent erhielten hochkarätige Preise und Auszeichnungen für die Aufnahme und Aufführungen der Sinfonien Ludwig van Beethovens.
Zum Abschluss erscheint jetzt als Krönung – nach CD (in SACD 5.1 Qualität) und DVD – der „Bremer Beethoven“ in einer hochwertig gestalteten, Schallplatten-Box. Die 9 LPs von 180er Vinyl sind gewissermaßen Sammlerstücke mit Ewigkeitswert, denn anders als bei CDs, ist die Haltbarkeit der Daten auf Vinyl-Schallplatten unbegrenzt. Die Auflage ist auf 999 Exemplare limitiert, davon werden 99 Stück von Paavo Järvi handsigniert.
Die Schallplattenbox kostet regulär 235,- Euro; die Exemplare mit Signatur 295,- Euro. Erhältlich im Kundenservice der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, Kulturhaus Stadtwaage, Langenstraße 13 oder unter: www.kammerphilharmonie.com .
Jürgen Winkler, Bratschist und Mitglied des Orchestervorstands, beschreibt die Entstehung des Projekts folgendermaßen: »Schon lange interessiere ich mich persönlich für die klanglichen Aspekte und Möglichkeiten von Aufnahmen klassischer sinfonischer Musik. So war es kein Zufall, dass unser Geschäftsführer Albert Schmitt mich sogleich mit hinzu zog, als während der zyklischen Aufführung aller neun Beethoven-Sinfonien bei den Salzburger Festspielen 2009 unser Freund Fritz Grobien, ein schallplattenbegeisterter Bremer, ihn darauf ansprach, wie großartig es wäre, unseren Aufnahmen der Sinfonien auch die Vorzüge der Vinyl-pressungen zu Gute kommen zu lassen. Schnell war die Begeisterung geweckt und als Herr Grobien uns auch noch finanziell zu unterstützen versprach, stand dem Projekt ›Beethoven auf Vinyl‹ nichts mehr im Weg.«
Auch nach dem wirtschaftlichen Siegeszug der CD zählt unter den HiFi-Freaks bis heute die Aufnahmequalität auf Vinyl als unangefochten hochwertiger. Die geringere Musikalität und Detailauflösung sowie der begrenzte Farbenreichtum der Compact Disk ist unter anderem auf die erhebliche Limitierung des Frequenzbereichs auf 20kHz zurückzuführen. Die digitale Wiedergabe erscheint daher oft kälter, emotionsloser und weiter vom Original entfernt.
Die analoge Abtastung von Schallplatte erreicht hingegen bis zu 70kHz und kann bei entsprechender Gerätequalität in allen genannten Parametern – Musikalität, Zeitauflösung, Detailauflösung und Farbreichtum – annähernd das Original erreichen. Selbst einfachste Plattenspielerkonstruktionen, sorgsam abgestimmt und justiert, zaubern eine Wiedergabefaszination, die der musikalischen Abbildungsleistung von CD-Playern
überlegen ist.
Unterschiede zwischen Schallplatte und Compact Disk bestehen ebenso in der Langzeithaltbarkeit. Während die Schallplatte über Jahrhunderte die auf ihr abgespeicherten Informationen unverändert beibehält, ändern sich in der rasant fortschreitenden Digitaltechnologie Standards und Formate zunehmend schneller. Von der Schallplatte wird auch in Zukunft jederzeit unverändert eine Wiedergabe auf höchstem Qualitätsniveau möglich sein.
Auswahl Pressestimmen zum „Beethoven-Zyklus“:
„Beethoven at his very best“ (Classics Today France)
“Die mit weitem Abstand aufregendste Beethoven-Einspielung des 21. Jahrhunderts.“ (Die Zeit)
„…eine Neunte an der man sich nicht satt hören kann.“ (Spiegel online)
„…seit Furtwängler nicht mehr so gehört“ (Süddeutsche Zeitung)
„…diese klare, scharfe neue Art verweist (…) andere hochgepriesene Aufnahmen auf die hinteren Plätze.“ (Frankfurter Allgemeine Zeitung)
„One must have – Aufnahmen des 21. Jahrhunderts“ (Ongakugendai Magazin, Japan)
http://www.baltische-rundschau.eu/2011/01/29/paavo-jarvi%C2%B4s-%E2%80%9Ebremer-beethoven%E2%80%9C-erscheint-im-februar-auf-vinyl/
Aino Siebert
29.01.2011
Bremen/BR. Liebhaber höchster Qualitätsansprüche können sich freuen. Paavo Järvi und Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen gibt es ab Februar in einmaliger akustischer Brillanz als limitierte Sonderedition auf Vinyl.
Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen begeisterte mit ihrem Chefdirigenten Paavo Järvi in den internationalen Konzertsälen und gemeinsam wurden sie auf weltberühmten Festivals für ihren Beethoven-Zyklus gefeiert. Orchester und Dirigent erhielten hochkarätige Preise und Auszeichnungen für die Aufnahme und Aufführungen der Sinfonien Ludwig van Beethovens.
Zum Abschluss erscheint jetzt als Krönung – nach CD (in SACD 5.1 Qualität) und DVD – der „Bremer Beethoven“ in einer hochwertig gestalteten, Schallplatten-Box. Die 9 LPs von 180er Vinyl sind gewissermaßen Sammlerstücke mit Ewigkeitswert, denn anders als bei CDs, ist die Haltbarkeit der Daten auf Vinyl-Schallplatten unbegrenzt. Die Auflage ist auf 999 Exemplare limitiert, davon werden 99 Stück von Paavo Järvi handsigniert.
Die Schallplattenbox kostet regulär 235,- Euro; die Exemplare mit Signatur 295,- Euro. Erhältlich im Kundenservice der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, Kulturhaus Stadtwaage, Langenstraße 13 oder unter: www.kammerphilharmonie.com .
Jürgen Winkler, Bratschist und Mitglied des Orchestervorstands, beschreibt die Entstehung des Projekts folgendermaßen: »Schon lange interessiere ich mich persönlich für die klanglichen Aspekte und Möglichkeiten von Aufnahmen klassischer sinfonischer Musik. So war es kein Zufall, dass unser Geschäftsführer Albert Schmitt mich sogleich mit hinzu zog, als während der zyklischen Aufführung aller neun Beethoven-Sinfonien bei den Salzburger Festspielen 2009 unser Freund Fritz Grobien, ein schallplattenbegeisterter Bremer, ihn darauf ansprach, wie großartig es wäre, unseren Aufnahmen der Sinfonien auch die Vorzüge der Vinyl-pressungen zu Gute kommen zu lassen. Schnell war die Begeisterung geweckt und als Herr Grobien uns auch noch finanziell zu unterstützen versprach, stand dem Projekt ›Beethoven auf Vinyl‹ nichts mehr im Weg.«
Auch nach dem wirtschaftlichen Siegeszug der CD zählt unter den HiFi-Freaks bis heute die Aufnahmequalität auf Vinyl als unangefochten hochwertiger. Die geringere Musikalität und Detailauflösung sowie der begrenzte Farbenreichtum der Compact Disk ist unter anderem auf die erhebliche Limitierung des Frequenzbereichs auf 20kHz zurückzuführen. Die digitale Wiedergabe erscheint daher oft kälter, emotionsloser und weiter vom Original entfernt.
Die analoge Abtastung von Schallplatte erreicht hingegen bis zu 70kHz und kann bei entsprechender Gerätequalität in allen genannten Parametern – Musikalität, Zeitauflösung, Detailauflösung und Farbreichtum – annähernd das Original erreichen. Selbst einfachste Plattenspielerkonstruktionen, sorgsam abgestimmt und justiert, zaubern eine Wiedergabefaszination, die der musikalischen Abbildungsleistung von CD-Playern
überlegen ist.
Unterschiede zwischen Schallplatte und Compact Disk bestehen ebenso in der Langzeithaltbarkeit. Während die Schallplatte über Jahrhunderte die auf ihr abgespeicherten Informationen unverändert beibehält, ändern sich in der rasant fortschreitenden Digitaltechnologie Standards und Formate zunehmend schneller. Von der Schallplatte wird auch in Zukunft jederzeit unverändert eine Wiedergabe auf höchstem Qualitätsniveau möglich sein.
Auswahl Pressestimmen zum „Beethoven-Zyklus“:
„Beethoven at his very best“ (Classics Today France)
“Die mit weitem Abstand aufregendste Beethoven-Einspielung des 21. Jahrhunderts.“ (Die Zeit)
„…eine Neunte an der man sich nicht satt hören kann.“ (Spiegel online)
„…seit Furtwängler nicht mehr so gehört“ (Süddeutsche Zeitung)
„…diese klare, scharfe neue Art verweist (…) andere hochgepriesene Aufnahmen auf die hinteren Plätze.“ (Frankfurter Allgemeine Zeitung)
„One must have – Aufnahmen des 21. Jahrhunderts“ (Ongakugendai Magazin, Japan)
http://www.baltische-rundschau.eu/2011/01/29/paavo-jarvi%C2%B4s-%E2%80%9Ebremer-beethoven%E2%80%9C-erscheint-im-februar-auf-vinyl/
Saturday, January 22, 2011
Concert de l'orchestre de Paris
Bertrand Delanoë
bertranddelanoe.net
14 janvier 2011
Jeudi soir, à la salle Pleyel, l’un de ces moments précieux qui réconcilient avec le monde en permettant de s’en extraire un instant. L’Orchestre de Paris jouait Britten, Berlioz et Ravel. Un concert sous le signe de la nostalgie, de ce que le temps prend et ne rend pas. Mais il est des nostalgies fécondes, qui donnent le sens et le goût de la vie vraiment vécue. C’est la magie de la musique, non seulement d’exprimer ce que les mots ne peuvent pas dire, mais de révéler à ceux qui l’écoutent leurs propres sentiments.
Je voudrais pouvoir remercier tous les artistes qui ont contribué à cette soirée que je n’oublierai pas. Merci en particulier à Janine Jansen, extraordinaire violoniste invitée pour le concerto de Britten, et à Antoine Tamelsit, alto pour Harold en Italie, qui a su tirer de Berlioz les accents les plus bouleversants. Et je tiens surtout à dire ici ma gratitude et mon admiration à Paavo Järvi, le nouveau chef de l’orchestre, dont la jeunesse et le talent font désormais partie du meilleur de Paris. L’entente et la confiance qu’il a su établir avec son orchestre lui permettent assurément d’atteindre un niveau tout à fait exceptionnel.
http://bertrand-delanoe.net/respirations/concert-de-l%E2%80%99orchestre-de-paris/
bertranddelanoe.net
14 janvier 2011
Jeudi soir, à la salle Pleyel, l’un de ces moments précieux qui réconcilient avec le monde en permettant de s’en extraire un instant. L’Orchestre de Paris jouait Britten, Berlioz et Ravel. Un concert sous le signe de la nostalgie, de ce que le temps prend et ne rend pas. Mais il est des nostalgies fécondes, qui donnent le sens et le goût de la vie vraiment vécue. C’est la magie de la musique, non seulement d’exprimer ce que les mots ne peuvent pas dire, mais de révéler à ceux qui l’écoutent leurs propres sentiments.
Je voudrais pouvoir remercier tous les artistes qui ont contribué à cette soirée que je n’oublierai pas. Merci en particulier à Janine Jansen, extraordinaire violoniste invitée pour le concerto de Britten, et à Antoine Tamelsit, alto pour Harold en Italie, qui a su tirer de Berlioz les accents les plus bouleversants. Et je tiens surtout à dire ici ma gratitude et mon admiration à Paavo Järvi, le nouveau chef de l’orchestre, dont la jeunesse et le talent font désormais partie du meilleur de Paris. L’entente et la confiance qu’il a su établir avec son orchestre lui permettent assurément d’atteindre un niveau tout à fait exceptionnel.
http://bertrand-delanoe.net/respirations/concert-de-l%E2%80%99orchestre-de-paris/
Thursday, January 20, 2011
Järvi: BEETHOVEN Symphony No. 9 on RCA
Fanfare - The Magazine for Serious Record Collectors
Departments - Want List
Written by Christopher Abbot
Tuesday, 28 December 2010
My Want List this year could have been devoted entirely to recordings conducted by Michael Tilson Thomas; three new DVDs were added to his Keeping Score video series, and CD soundtracks for all of the programs also became available. To top it off, the MTT/San Francisco Symphony Mahler symphony cycle was concluded with a truly monumental performance of the Eighth Symphony. Since I needed to include a few other deserving discs, the Ives program will have to stand in for the others and for the soundtracks—the CD that complements this DVD includes not only the Ives Holidays but also the relatively rare theater orchestra version of the complete Appalachian Spring ballet from an earlier program.
In this, the sesquicentennial of Mahler’s birth, it behooves us to look back five decades to the centennial and the dawn of the Mahler renaissance. I’m sure that, even in their wildest dreams, the pioneers of Mahler appreciation would not have believed that cycles of the Mahler symphonies would become more common than those of Beethoven. Yet, even in these fraught times for the record business, there are several CD cycles in progress. MTT and the SFSO will wrap up their comprehensive traversal of Mahler’s work with the release of the orchestral songs in 2011; their cycle could well become the standard by which to judge all others, past and future.
Tilson Thomas somehow transcended the already high standard established by the earlier installments of his Mahler symphony series and produced an instant classic in his recording of the Eighth (to be sure, he was assisted by his superb orchestra, choruses, and soloists, as well as the outstanding audio production team headed by Andreas Neubronner). This luminous recording now takes its place among the handful of truly indispensible performances of Mahler’s Eighth. There is so much that is clarified, even in the stereo mix, that anyone wishing to hear this music—to really hear it—should simply start here. Lest I forget, MTT gives us a taste of what might have been with an Adagio movement from the 10th that cries out for a complete performance.
Speaking of symphony cycles, Paavo Järvi completed his set of the Beethoven symphonies, appropriately enough, with the Ninth. His Beethoven is spirited and lean, yet Järvi’s isn’t a doctrinaire cycle in the manner of Norrington; period-instrument adherents will find much to praise, but there is plenty here to please all but the staunchest traditionalist. The excellent German Chamber Philharmonic (Deutsche Kammerphilharmonie Bremen) and RCA’s splendid sound production assist Järvi in the fulfillment of his vision.
Alan Gilbert’s Mahler Ninth was the surprise of the year for me. I knew, of course, that Gilbert was the newly designated music director of the New York Philharmonic, and I greatly enjoyed their televised opening concert; but that was my first encounter with Gilbert’s work, so the masterly Ninth featuring his former orchestra was something of a revelation. I sincerely hope that future NYPO Mahler concerts will be released on CD (there’s a Third available for download already), or that BIS will record more Mahler with the Royal Stockholm Philharmonic and its conductor laureate.
I don’t regularly review Prokofiev discs, but our editor graciously indulged my request for the Gergiev Romeo CD, and I was happy to praise its many felicities. Prokofiev’s symphonies are an uneven lot, but this ballet score shows his unparalleled lyrical gift on a comparably expansive orchestral canvas. Gergiev, a Prokofiev specialist, produced a performance of sparkling wit, muscle, and nuance.
http://www.fanfaremag.com/content/view/40803/10245/
Departments - Want List
Written by Christopher Abbot
Tuesday, 28 December 2010
My Want List this year could have been devoted entirely to recordings conducted by Michael Tilson Thomas; three new DVDs were added to his Keeping Score video series, and CD soundtracks for all of the programs also became available. To top it off, the MTT/San Francisco Symphony Mahler symphony cycle was concluded with a truly monumental performance of the Eighth Symphony. Since I needed to include a few other deserving discs, the Ives program will have to stand in for the others and for the soundtracks—the CD that complements this DVD includes not only the Ives Holidays but also the relatively rare theater orchestra version of the complete Appalachian Spring ballet from an earlier program.
In this, the sesquicentennial of Mahler’s birth, it behooves us to look back five decades to the centennial and the dawn of the Mahler renaissance. I’m sure that, even in their wildest dreams, the pioneers of Mahler appreciation would not have believed that cycles of the Mahler symphonies would become more common than those of Beethoven. Yet, even in these fraught times for the record business, there are several CD cycles in progress. MTT and the SFSO will wrap up their comprehensive traversal of Mahler’s work with the release of the orchestral songs in 2011; their cycle could well become the standard by which to judge all others, past and future.
Tilson Thomas somehow transcended the already high standard established by the earlier installments of his Mahler symphony series and produced an instant classic in his recording of the Eighth (to be sure, he was assisted by his superb orchestra, choruses, and soloists, as well as the outstanding audio production team headed by Andreas Neubronner). This luminous recording now takes its place among the handful of truly indispensible performances of Mahler’s Eighth. There is so much that is clarified, even in the stereo mix, that anyone wishing to hear this music—to really hear it—should simply start here. Lest I forget, MTT gives us a taste of what might have been with an Adagio movement from the 10th that cries out for a complete performance.
Speaking of symphony cycles, Paavo Järvi completed his set of the Beethoven symphonies, appropriately enough, with the Ninth. His Beethoven is spirited and lean, yet Järvi’s isn’t a doctrinaire cycle in the manner of Norrington; period-instrument adherents will find much to praise, but there is plenty here to please all but the staunchest traditionalist. The excellent German Chamber Philharmonic (Deutsche Kammerphilharmonie Bremen) and RCA’s splendid sound production assist Järvi in the fulfillment of his vision.
Alan Gilbert’s Mahler Ninth was the surprise of the year for me. I knew, of course, that Gilbert was the newly designated music director of the New York Philharmonic, and I greatly enjoyed their televised opening concert; but that was my first encounter with Gilbert’s work, so the masterly Ninth featuring his former orchestra was something of a revelation. I sincerely hope that future NYPO Mahler concerts will be released on CD (there’s a Third available for download already), or that BIS will record more Mahler with the Royal Stockholm Philharmonic and its conductor laureate.
I don’t regularly review Prokofiev discs, but our editor graciously indulged my request for the Gergiev Romeo CD, and I was happy to praise its many felicities. Prokofiev’s symphonies are an uneven lot, but this ballet score shows his unparalleled lyrical gift on a comparably expansive orchestral canvas. Gergiev, a Prokofiev specialist, produced a performance of sparkling wit, muscle, and nuance.
http://www.fanfaremag.com/content/view/40803/10245/
Wednesday, January 19, 2011
D'un Tchaïkovski brillant aux rêveries d'Harold
Charlotte Loriot (15/01/2011)
ResMusica.com
Paris
Salle Pleyel
12/01/2011
Piotr Ilyitch Tchaïkovski (1840-1893): Concerto pour piano n° 2 en sol majeur, op. 44
Hector Berlioz(1803-1869): Harold en Italie, symphonie en quatre parties avec alto, op.16
Maurice Ravel(1875-1937), Daphnis et Chloé, suite n°2.
Denis Matsuev, piano
Antoine Tamestit, alto
Orchestre de Paris
direction: Paavo Järvi
Les premières pages du Concerto de Tchaïkovski ont installé d’emblée une atmosphère énergique et vigoureuse. Paavo Järvi a su conserver une sonorité ample jusque dans les éclats ou climax orchestraux, avec une plénitude rare. Il a laissé s’épanouir chaque individualité dans l’orchestre, sans nuire en rien à l’homogénéité. Denis Matsuev quant à lui a tout de suite imposé sa « patte » : son entrée n’est pas passée inaperçue, avec les couleurs brillantes de son jeu pianistique, tantôt dialoguant avec l’orchestre, tantôt héros soliste, notamment pour la cadence du premier mouvement. Cascades d’accords et de traits véloces, technique lisztienne des martèlements alternés : on a admiré la maîtrise de ces passages, joués dans un halo de pédale savamment contrôlé qui estompait l’aspect presque clinquant de cette virtuosité.
L’Andante du Concerto a introduit un climat plus serein, avec l’émergence de deux nouveaux solistes, le violon et le violoncelle, et leur mélodie aux inflexions de valse lente. Moment de repos avant l’Allegro con fuoco enlevé, dansant et animé, dont le style et l’envolée finale visent à déclencher les applaudissements – ce qui n’a pas manqué. Au public qui lui faisait fête, Denis Matsuev a offert deux bis, le premier plus expressif, et le second dans le style athlétique qui semble tant lui convenir, avec une transcription de « Dans le château du roi des montagnes », extrait de Peer Gynt de Grieg. Son jeu est parfois « bling bling », dans la lignée de Lang Lang, mais il faut reconnaître qu’il éblouit : du grand spectacle, peut-être, mais de haute volée.
Après l’entracte, Harold en Italie a introduit un nouveau climat. Le choix d’un tempo relativement modéré a permis au personnage byronien incarné par l’alto - ce soir Antoine Tamestit - de s’épancher entre deux crescendos. La baguette de Paavo Järvi soutenait cette rêverie en soignant chaque couleur de la riche palette instrumentale berliozienne. Dans la « Marche des Pèlerins », où l’auditeur doit percevoir l’effet de rapprochement puis d’éloignement de pèlerins imaginaires, leur psalmodie nous a peut-être paru un peu trop proche à son début, mais leur éloignement et la raréfaction finale des sons ont été amenés avec une maîtrise rare. La « Sérénade d’un montagnard des Abruzzes à sa maîtresse » a ensuite laissé place à la sentimentalité, inspirée par la bien-aimée plutôt que par le rude montagnard, avant le sombre début puis l’emportement sauvage d’un dernier mouvement rutilant à souhait.
Avec Ravel, Paavo Järvi a poursuivi l’exploration des coloris variés de son orchestre entamée avec Berlioz. Les bois ont particulièrement été mis en valeur, en premier lieu la flûte, avec ses phrasés subtils, des timbres lumineux et éthérés, avant de conclure sur une bacchanale brillante. Bref, une bonne soirée.
Crédit photographique : Denis Matsuev © Evgeny Evtuhow
http://www.resmusica.com/article_8965_musique_symphonique_orchestre_de_paris_paris_d_un_tchaikovski_brillant_aux_reveries_d_harold.html
ResMusica.com
Paris
Salle Pleyel
12/01/2011
Piotr Ilyitch Tchaïkovski (1840-1893): Concerto pour piano n° 2 en sol majeur, op. 44
Hector Berlioz(1803-1869): Harold en Italie, symphonie en quatre parties avec alto, op.16
Maurice Ravel(1875-1937), Daphnis et Chloé, suite n°2.
Denis Matsuev, piano
Antoine Tamestit, alto
Orchestre de Paris
direction: Paavo Järvi
Les premières pages du Concerto de Tchaïkovski ont installé d’emblée une atmosphère énergique et vigoureuse. Paavo Järvi a su conserver une sonorité ample jusque dans les éclats ou climax orchestraux, avec une plénitude rare. Il a laissé s’épanouir chaque individualité dans l’orchestre, sans nuire en rien à l’homogénéité. Denis Matsuev quant à lui a tout de suite imposé sa « patte » : son entrée n’est pas passée inaperçue, avec les couleurs brillantes de son jeu pianistique, tantôt dialoguant avec l’orchestre, tantôt héros soliste, notamment pour la cadence du premier mouvement. Cascades d’accords et de traits véloces, technique lisztienne des martèlements alternés : on a admiré la maîtrise de ces passages, joués dans un halo de pédale savamment contrôlé qui estompait l’aspect presque clinquant de cette virtuosité.
L’Andante du Concerto a introduit un climat plus serein, avec l’émergence de deux nouveaux solistes, le violon et le violoncelle, et leur mélodie aux inflexions de valse lente. Moment de repos avant l’Allegro con fuoco enlevé, dansant et animé, dont le style et l’envolée finale visent à déclencher les applaudissements – ce qui n’a pas manqué. Au public qui lui faisait fête, Denis Matsuev a offert deux bis, le premier plus expressif, et le second dans le style athlétique qui semble tant lui convenir, avec une transcription de « Dans le château du roi des montagnes », extrait de Peer Gynt de Grieg. Son jeu est parfois « bling bling », dans la lignée de Lang Lang, mais il faut reconnaître qu’il éblouit : du grand spectacle, peut-être, mais de haute volée.
Après l’entracte, Harold en Italie a introduit un nouveau climat. Le choix d’un tempo relativement modéré a permis au personnage byronien incarné par l’alto - ce soir Antoine Tamestit - de s’épancher entre deux crescendos. La baguette de Paavo Järvi soutenait cette rêverie en soignant chaque couleur de la riche palette instrumentale berliozienne. Dans la « Marche des Pèlerins », où l’auditeur doit percevoir l’effet de rapprochement puis d’éloignement de pèlerins imaginaires, leur psalmodie nous a peut-être paru un peu trop proche à son début, mais leur éloignement et la raréfaction finale des sons ont été amenés avec une maîtrise rare. La « Sérénade d’un montagnard des Abruzzes à sa maîtresse » a ensuite laissé place à la sentimentalité, inspirée par la bien-aimée plutôt que par le rude montagnard, avant le sombre début puis l’emportement sauvage d’un dernier mouvement rutilant à souhait.
Avec Ravel, Paavo Järvi a poursuivi l’exploration des coloris variés de son orchestre entamée avec Berlioz. Les bois ont particulièrement été mis en valeur, en premier lieu la flûte, avec ses phrasés subtils, des timbres lumineux et éthérés, avant de conclure sur une bacchanale brillante. Bref, une bonne soirée.
Crédit photographique : Denis Matsuev © Evgeny Evtuhow
http://www.resmusica.com/article_8965_musique_symphonique_orchestre_de_paris_paris_d_un_tchaikovski_brillant_aux_reveries_d_harold.html
Paavo Järvi - Cet Estonien va mener Paris à la baguette
Jacqueline Thuilleux (text) & Gilles Bassignac (photo)
Le Figaro Magazine
September 11, 2010
Le Figaro Magazine
September 11, 2010
Tuesday, January 18, 2011
Dirigent Paavo Järvi viib Pariisi orkestri Hispaaniasse
Priit Kuusk
uudised.err.ee
16.01.2011
Ettekandele tulevad Hector Berliozi avamäng "Korsaar", Pjotr Tšaikovski Klaverikontsert nr 2 ning Jean Sibeliuse Sümfoonia nr 2. Klaverikontserdi solistiks on Denis Matsujev. Sama kava kõlab ka homme Barcelonas Palau de la Música Catalana’s ja ülehomme ühes pealinna Madridi esindussaalidest Auditorio Nacional de Música’s.
20. jaanuaril, kui mängitakse Zaragoza Auditorios, vahetuvad kavas nii kontserdi solist kui ka sümfoonia: Benjamin Britteni Viiulikontserti tuleb mängima Janine Jansen ning õhtu lõpetab Sergei Prokofjevi Sümfoonia nr 6.
Sama kava kordub järgmisel päeval Castelloni Kongresside Palee Auditorios.
Hispaania reisi viimane kontsert sünnib 22. jaanuaril Murcias sealses Kongresside keskuse Auditorios. Tol õhtul on oma Tšaikovskiga taas kohal Denis Matsujev ning kava lõpetamas Sibeliuse Teine sümfoonia.
Vaid kahe kontserdiga käis Paavo Orchestre de Paris’ga esmakordselt Pariisist väljas oktoobri keskel Dijonis ja Madridis ning veel ühe õhtuga novembri keskel Caenis, kus esineti Põhjamaade festivalil.
28. ja 29. jaanuaril dirigeerib Paavo Järvi juba USA-s, kus juhatab Cincinnati Sümfooniaorkestrit nende aastapäeva sarjas.
http://uudised.err.ee/index.php?06222603
uudised.err.ee
16.01.2011
Dirigent Paavo Järvi ning tema vastne orkester Orchestre de Paris alustavad täna oma esimest pikemat ühist kontserdireisi – seitsme päeva jooksul antakse kuus kontserti Hispaania mainekates saalides.
Prantsusmaa metropoli esindusorkestris mängib praegu 119 muusikut. Täna õhtul annab Orchestre de Paris Paavo Järvi juhatusel oma esimese kontserdi Valencia uues ultramoodsas Palau de la Música’s.Ettekandele tulevad Hector Berliozi avamäng "Korsaar", Pjotr Tšaikovski Klaverikontsert nr 2 ning Jean Sibeliuse Sümfoonia nr 2. Klaverikontserdi solistiks on Denis Matsujev. Sama kava kõlab ka homme Barcelonas Palau de la Música Catalana’s ja ülehomme ühes pealinna Madridi esindussaalidest Auditorio Nacional de Música’s.
20. jaanuaril, kui mängitakse Zaragoza Auditorios, vahetuvad kavas nii kontserdi solist kui ka sümfoonia: Benjamin Britteni Viiulikontserti tuleb mängima Janine Jansen ning õhtu lõpetab Sergei Prokofjevi Sümfoonia nr 6.
Sama kava kordub järgmisel päeval Castelloni Kongresside Palee Auditorios.
Hispaania reisi viimane kontsert sünnib 22. jaanuaril Murcias sealses Kongresside keskuse Auditorios. Tol õhtul on oma Tšaikovskiga taas kohal Denis Matsujev ning kava lõpetamas Sibeliuse Teine sümfoonia.
Vaid kahe kontserdiga käis Paavo Orchestre de Paris’ga esmakordselt Pariisist väljas oktoobri keskel Dijonis ja Madridis ning veel ühe õhtuga novembri keskel Caenis, kus esineti Põhjamaade festivalil.
28. ja 29. jaanuaril dirigeerib Paavo Järvi juba USA-s, kus juhatab Cincinnati Sümfooniaorkestrit nende aastapäeva sarjas.
http://uudised.err.ee/index.php?06222603
Friday, January 07, 2011
"American Portraits" on new CSO Media Label Historic
Mary Ellyn Hutton
MusicInCincinnati.com
January 6, 2011
MusicInCincinnati.com
January 6, 2011
Paavo Järvi: Cincinnati Symphony Orchestra. “American Portraits.” Charles Coleman, “Streetscape”; Jennifer Higdon, “Fanfare Ritmico”; Carter Pann, “Slalom”; Jonathan Bailey Holland, “Halcyon Sun”; Charles Coleman, “Deep Woods”; Kevin Puts, “Network.” Cincinnati Symphony Orchestra Media. 
Brand new label. Brand new music. What could be more appropriate?
But that’s not all:
Every selection on this inaugural release on the Cincinnati Symphony Orchestra’s new in-house label, Cincinnati Symphony Orchestra Media, is by a living American composer and all but one is appearing for the first time on disc (Pann’s “Slalom” has been recorded by the University of Kansas Wind Ensemble).
All of the composers are under 50 and represent the best American compositional talent today. One of them, Jennifer Higdon, is a Pulitzer Prize-winner. Three of the six pieces were given their world premieres by Paavo Järvi and the Cincinnati Symphony.
It is Jarvi’s 17th recording with the CSO, which he leaves this season after 10 years as music director. It is his first with the CSO of American repertoire.
“American Portraits” is much more than a historical document, however. The icing on the cake is that it is a stunning recording. All of the performances were recorded at CSO concerts in Music Hall, a marvelous acoustic space, and both the sound and the performances are of exceptional quality.
History pervades this album in yet another way. The first selection, Coleman’s “Streetscape,” was commissioned by the CSO for Jarvi’s inaugural concert as music director in 2001. The premiere took place three days after 9/11. Coleman was in New York when the World Trade Center was attacked – his apartment was right across the street – and he barely made it to the concert, having jumped into a car and driven to Ohio before the city closed down. What’s more, “Streetscape” is about New York, Coleman’s home town, which gave the premiere a timely, if poignant, air.
Longest of the six pieces at 20 minutes, “Streetscape” is vibrant and exciting, just like the city it celebrates, from the opening rap of anvil to the closing hail of B-flats. It is modeled on Respighi’s “Pines of Rome,” with a similar four-part configuration: a pounding Agitato with a big cutoff, followed by a soft, introspective Largo, a salsa-infused Andante and a crescendo-like, Allegro finale, with punchy trombone glissandi and a pile-on of exuberant percussion. Järvi and the CSO send it up with glory.
Percussion is what Higdon’s seven-minute “Fanfare Ritmico” is all about. Written for the Women’s Philharmonic in San Francisco, where it was premiered led by Apo Hsu in 2000, it calls for four percussionists playing 26 instruments. A celebration of “the rhythmic motion of man and machine” (Higdon), it contains myriad colors and effects, from ethereal to explosive, threaded by a four-note motive. The episode clocked by “cricket callers” (split bamboo) was particularly charming.
Carter Pann’s “Slalom” blends downhill skiing and music, which is where Pann got the idea in the first place (he was on skis with a cassette and headphones, listening to Rachmaninoff, he says). Premiered in 2000 by Daniel Hege and the Haddonfield Symphony, it is nine minutes of non-stop schussing and gyrating, set off by the opening motive of the second movement of Beethoven’s Ninth Symphony. Pann provides programmatic road signs to demarcate sections, and it is fun to follow the music along with them from “First Run” to “Snaking the terrain,” “Jumps!” “Open Meadow” and so on, to the final”Gliding All the Way in,” which arrives smoothly on the keys of the piano.
Holland’s “Halycon Sun” (18 minutes) is the beauty of the set. Commissioned to celebrate the opening of the Underground Railroad Freedom Museum in Cincinnati, it was premiered by Järvi and the CSO in April, 2004. Holland’s metaphor is light, soft and distant at first, emerging in the lower strings with pinpoints of harp, followed by yearning rhythms and scales. Holland calls the second movement “a dance of light,” as jagged rhythms gradually coalesce. The final movement, hymn-like in its warmth, evokes peace before returning whence it came. Like slaves traveling the Underground Railroad, it suggest that the journey is an uncertain one.
Co-commissioned by the CSO and the New Jersey Symphony, Coleman’s “Deep Woods” (15 minutes) was inspired by a painting by New York artist Charles Yoder of a stand of dark trees barely penetrated by the sunlight. The world premiere by Järvi and the CSO was in May, 2007. A kind of sylvan “Streetscape,” it opens forcefully (anvil again), perhaps with a hint of menace, before expanding into layers of dense undergrowth. The writing is extremely colorful, and a tangle of obsessive scales works itself through the texture. After thinning out at one point on a big unison, the journey continues and the work ends joyfully, as if light has conquered the darkness.
Kevin Puts’ history with Järvi and the CSO goes back to the world premiere of his Symphony No. 2 in March, 2002. That work, subtitled “Island of Innocence,” is a kind of “before and after 9/11” in America and had a huge emotional impact. A seven-minute fanfare, “Network” dates from 1997, when it was premiered by the California Symphony led by Barry Jekowsky. The CSO performance was in March, 2005. The ebullient work conjures a hi-tech sparkler, with different colors repeatedly emerging from the core of motivic material, bringing the album to a zesty conclusion.
The CSO is a virtuoso orchestra, which should be put at the service of new music more often. The musicians shine in this rewarding traversal of Americana, and Järvi shows a flair for the contemporary that he should have greater opportunity to exercise.
Due to be released worldwide January 25 under the CSO’s new partnership for manufacturing and distribution with Naxos of America, “American Portraits” is available for digital downloading on the web at http://itunes.apple.com/album/american-portraits/id411960907?v0=9988&ign-mpt=uo%3D1
The CD may also be purchased at the CSO Bravo Shop at Music Hall.
Wednesday, January 05, 2011
Die Beethovenbesitzer
Holger Noltze
04.01.11
Frankfurter Rundschau
dirigiert und bespricht die neun Sinfonien
http://www.fr-online.de/kultur/musik/die-beethovenbesitzer/-/1473348/5061520/-/index.html
04.01.11
Frankfurter Rundschau
dirigiert und bespricht die neun Sinfonien
Sieben Symphonien lang waren sie sich ziemlich einig; dann seufzt Joachim Kaiser, Christian Thielemann gegenübersitzend, mitten in der Erörterung der Achten erleichtert auf: „Welches Glück, dass wir einmal verschiedener Ansicht sind!“ Die Harmonie zwischen Kritiker und Dirigent, beide im Besitz von allerhand Beethoven-Gewissheiten, ist zu besichtigen in neun Dokumentationen, die Thielemanns Einspielung aller Neune mit den Wiener Philharmonikern beigegeben sind, und die eben daran kranken: dass sich die Herren so einig sind. Kein Wunder, denn hier werden, nie ohne den Ausdruck höchster Bedeutsamkeit, doch größtenteils Plattitüden ausgetauscht.
Schier endlos wird erörtert, warum es gut ist, die Stücke in der Reihenfolge ihrer Nummerierung aufzuführen, warum die Zweite noch ein bisschen toller als die Erste ist (die aber auch schon ganz toll ist), die Achte auch ganz außerordentlich, aber vielleicht doch nicht ganz so außerordentlich wie die Siebte. Dass Beethoven manchmal keine besonderen Themen hat, es aber darauf ankomme, was er draus mache. Dass „in der Durchführung ja immer die Krise kommt“, und vor allem, dass „der Beethoven“ immer genau weiß, was er tut.
Thielemann, der Praktiker, versteigt sich zu der Spekulation, es gebe eine Art Symphonien-Masterplan, weshalb er, bevor er den Taktstock zum ersten Satz der Ersten (erster Satz: immer der Wichtigste!) hebe, schon an das Finale der Neunten denke.
Spätestens da hätte man gerne Einwände vorgebracht, etwa, dass solche Vorstellungen von Totalität, Ganzheit, Vielheit in der Einheit doch vor allem Sehnsüchte der Nachwelt sind, die sich einen Reim machen möchte auf das Ungeheuerliche. Vor allem, dass man vom Hochsitz der Ex-Post-Betrachtung leicht übersieht, was die neun Symphonien so einzigartig macht: dass jede aufs Ganze geht und jedes Mal die Gattung ein bisschen anders definiert und auch ein bisschen rettet, bis zum prekären Vokalfinale der Neunten. Der Gedanke des Riskanten scheint diesen Beethovenkennern abhanden gekommen, weil sie ihn zu sicher zu besitzen glauben.
Das ist schade, denn beide wissen bestimmt mehr von der Sache, als sie hören lassen. Dass man, wie Thielemann dreimal ausführt, beim Musikmachen nicht zu viel denken soll, ist sicher wahr; hinterher ist es aber durchaus angeraten und kann mancherlei zu Tage bringen.
Spannender sind die unkommentiert eingeschnittenen Vergleichspassagen, meist Aufnahmen von Karajan und Bernstein, leider viel zu selten von Paavo Järvis Einspielung mit der Bremer Kammerphilharmonie. Denn in einer Bremer Schulaula sitzt die wirkliche Konkurrenz im Kampf um Deutungshoheit. Järvi zeigt, wie bei Beethoven aus tausend klanglichen Einzelinformationen Energiefelder entstehen, er ist dynamisch und transparent, bisweilen elektrisierend, wo Thielemann und die Wiener dunkelschwer und immer ein bisschen wattig klingen. Für die Pointen der Achten bleibt solcher Wille zum Dunklen blind, das unvermittelte Dazwischenfahren im ersten Satz etwa, als ob ein Uhrwerk überdreht ist, kommt hier überraschungslos. Es wird zu wenig gestaunt bei diesem neuen Wiener Beethoven-Zyklus.
Den Kennern kommt allzu leicht der Gedanke an das Risiko abhanden
Vielleicht sieht man beim Videomitschnitt auch zuviel vom Dirigenten. Es ist aber verräterisch, wie Thielemann, in der Vierten etwa, breitbeinig wie ein römischer Wagenlenker dasteht, wie er sich nach den Satzenden kurz umschaut mit diesem milden Siegerlächeln…
Doch entscheidend ist, was musikalisch herauskommt. Allzu absehbar und gelegentlich aufdringlich die Temporückungen, das ostentativ plötzliche Langsamer- oder Leiserwerden, das Luftholen vor dem Höhepunkt, als ob, was fettgedruckt schon da steht, noch unterstrichen werden müsste. So wird im ersten Satz der Siebten vor der Wiederholung des Hauptthemas überdeutlich Anlauf genommen. Da bläst es zum großen Aha!, und ist doch bloß banal. Auf das trivial Affirmative folgt dann ein kleines Wunder, und man ärgert sich beinahe, weil sich zeigt, was möglich gewesen wäre. Das Allegretto der Siebten gelingt famos, zumal die schwebende Fugato-Passage mit schönster Zurückgenommenheit; das Scherzo leuchtet, als wär’s ein Feentanz von Mendelssohn.
Das andererseits Sympathische an Thielemanns Beethoven-Bemühung ist, dass das Resultat dieser preußisch-wienerischen Begegnung oft gar nicht das Triumphal-Volksrednerhafte, sondern das Melancholische ist. Da fangen Soloklarinette und -oboe, die Flöte ihre einsamen Reden an und erzählen von Schönheit und Vergeblichkeit, und dann kommen die sensationellen Wiener Hörner und strahlen einem direkt ins Herz hinein. Vielleicht deshalb gerät gerade die gelassene Landschaftsmalerei der „Pastoralen“ zum Höhepunkt des Zyklus’.
Und das „Adagio molto e cantabile“ der Neunten singt tatsächlich, weil Thielemann hier seiner Maxime treu bleibt, dass nichts zu tun manchmal das Beste ist. Er weiß, wie man einen großen Bogen spannt und er hat keine Angst vor Pathos. Er kann warten. Er weiß, wie man die Schläge am Anfang der „Coriolan“-Ouvertüre so mit Tragik, Drama, Verzweiflung aufladen kann, dass es durch Mark und Bein fährt. Wenn der Beethoven-Dirigent Thielemann sich seiner Sache bloß nicht so sicher wäre! Oder vielmehr: Wenn er nicht so täte! Denn vielleicht lauern hinter dem blasierten Gefuchtel mehr Zweifel, als er, bis jetzt jedenfalls, zu zeigen wagt.
An den jüngsten orchestralen Manövern im klassischen Kernrepertoire, an Thielemanns Pathos-Proben wie an Järvis Partitur-Durchleuchtungen müssen sich die Geister scheiden. Das ist eine gute Nachricht. Beethovens Symphonien enthalten eine Botschaft fürs Heute. Man kann sie wieder hören, und man könnte mit Gewinn über ihre Deutung streiten. Nur nicht im Plauderton der Beethovenbesitzer.
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