Thursday, October 31, 2013

Paavo Järvi: Beethoven 'leaves everybody behind'

DW
Martina Bertram
30.10.2013
The star conductor from Estonia has served as artistic director for the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen since 2004. He tells DW what he thinks music reveals about the "German soul."
DW: Your career started early in Estonia. How did you view Beethoven's home country back then?
Paavo Järvi: What we learned about Germany as children and young people living in the Soviet Union was of course a little bit special. We were inundated with Soviet propaganda about the Second World War and so on.
On the other hand, as musicians, all our gods came from Germany and German-speaking countries. Those are of course Mozart and Beethoven and every great German composer from Wagner to Richard Strauss. So we had a very clear view of what Germany meant for us as musicians. It was obviously the mecca for culture, for art and especially for music.
At that time, we had no access to Western media. We knew about Germany as a developed country that was very successful and prosperous, but most of the people who were in the Soviet Union were lucky if they could visit East Germany even once. Even that was not so easy. So we had a lot of myths and a lot of second-hand information, but for us, Germany always was the home of Beethoven and Mozart.
What's different about working in Germany in comparison with other countries like the US?
I love working in Germany for various reasons. In fact, there are professional and personal reasons. Estonia, as a country - even though it was part of the Soviet Union for something like 70 years - has been part of Germany for something like 800 years. So there is a very strong connection to and strong identification with German culture. My grandparents both spoke fluent German. The work ethic, the appreciation of certain cultural things seems very similar.

So for me, when it comes to making music here, I find that there is a very good combination of deep tradition with a work ethic where one always asks questions and doesn't settle for just being together and doing the bare minimum. I find the difference with American orchestras and German orchestras is that German orchestras need to know what they play. They have questions; they want to know why. Once they've digested, understood and thought about everything, they can give something from themselves that's very personal and powerful. And I think that a lot of orchestras in other countries, especially in the United States, are perhaps a bit more concerned with technical precision and not so concerned about why something has to be a certain way.
The Deutsche Kammerphilharmonie Bremen
(c) DW
Järvi and the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen

Schumann, Beethoven, Bach - which German composer has most shaped Germany's image in the world?

I think that in today's world certainly the composer that stands out and leaves everybody behind, basically, when it comes to recognition and social impact, is Beethoven. For some reason, Beethoven has managed to become universal in a way that, let's say Bach, Mozart, Haydn, even Brahms, have not been. When you talk to non-musicians - people who have no connection to classical music - they will have heard of Beethoven, but maybe not Schumann.

When you conduct Schumann, Beethoven or Bach, is it possible to transmit something about what we might call the German "soul"?

Absolutely, and I think that this is exactly the difficulty. The goal that we are always trying to achieve is not just to play the notes but to try to see what's behind them. And in order to truly understand the German Romantic gestures, one has to consider the type of connection that German music has with German literature and language. In the case of Schumann, for example, and also Brahms, it is very obvious that you feel a certain uniquely Germanic soul. So it's something very German, and it's very hard to exactly put a finger on what it is - just like it's difficult to know what's French in French music or Russian in Russian music. But one can always feel it, and recognize it when it's done well.
Paavo Järvi is an award-winning Estonian conductor and Grammy winner, who has served as artistic director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen since 2004. He is also the music director for the Orchestre de Paris, as well as a creative advisor to the Estonian National Symphony Orchestra and the Järvi Summer Festival in the Estonian city of Pärnu. He regularly serves as a guest conductor for the New York, Chicago and Los Angeles Symphony Orchestras, the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, the Philharmonic Orchestra London, the Wiener and Berliner Philharmoniker and the Staatskapelle Dresden. During the most recent Beethovenfest Bonn, he led the performance of Beethoven's opera, "Fidelio."

http://online.wsj.com/news/articles/SB10001424052702304561004579137703743723912?mod=WSJEUROPE_hps_MIDDLEFourthNews

Tuesday, October 29, 2013

Lufthansa

Lufthansa MediaWorld

10/2013

Sunday, October 27, 2013

Paavo Järvi inspiré par trois compositeurs russes

Resmusica.com

26/10/2013Paris. Salle Pleyel. 23-X-2013. (1804-1857) : Russlan et Ludmilla, ouverture. (1840-1893) : Concerto pour piano n°1 en si bémol mineur, op.23. (1891-1953) : Symphonie n°5 en si bémol majeur, op.100. , piano. , direction : .
Trois compositeurs russes étaient au programme de ce concert de l’ emmené par son chef titulaire , dont on présageait d’une interprétation pleine d’imagination de la plus grande des symphonies de Prokofiev qui allait clore la soirée. Mais avant cela, selon le découpage classique, nous allions entendre une ouverture et un concerto.
L’ouverture fut celle de l’opéra Russlan et Ludmilla de Glinka, sans doute un de ses morceaux les plus populaires et connus du grand public, même s’il peut en ignorer le nom de l’auteur. Lancé sur un tempo de fou et poursuivi sans relâche jusqu’à l’accord final, cette ouverture a surtout permis à l’orchestre de montrer ses qualités, le chef ayant poussé ses pupitres aux limites de leur capacité, tutoyant voire parfois dépassant le cap où le phrasé cédait la place à la pure énergie. Ce fut incontestablement une belle démonstration de l’orchestre tout entier, qui sut aller aux limites sans se désunir ni perdre en couleur; jubilatoire.
Dans le, sans doute rabâché et cheval de bataille de presque tous les pianistes russes, Concerto pour piano n°1 de Tchaïkovski nous retrouvions les doigts puissants du pianiste américain d’origine russe . L’accord entre chef et pianiste marchait à plein dans cette interprétation virile mais sans dureté, n’hésitant pas à user ressources romantiques mais toujours avec mesure ce qui évita à ce concerto ses deux principaux écueils, dégouliner d’intentions surlignées ou devenir une séance de « piano forte ». Le long Allegro non troppo e molto maestoso, quasi concerto à lui tout seul avec son alternance vif lent vif, ne s’en porta que mieux, les deux autres mouvements étant plus « faciles ». Les choix de tempo des différents épisodes s’avérèrent toujours judicieux, les transitions d’une impeccable souplesse évitèrent toute rupture de ton, l’équilibre dynamique entre le piano et l’orchestre fut idéal. Expressivement, le pianiste nous parut globalement convaincant tout en nous semblant rester un poil en deçà de l’idéal, par contre l’orchestre fut brillant, par moment absolument saisissant, nous emportant avec lui en quasi apnée jusqu’à ce qu’il nous relâche. Des cordes aux cuivres en passant par les bois, tous furent excellent et donnèrent une couleur toujours expressive à cette œuvre qui en a fondamentalement besoin faute de quoi elle risque d’être lourde et longue. Ce qui ne fut pas le cas ce soir. Yefim Bronfman enchaîna deux bis à la grande satisfaction du public, concluant par une délicieuse sonate de Scarlatti, mais intercalant avant cette conclusion un Precipitato final de la Sonate n°7 de Prokofiev manquant de tension et de direction, totalement infidèle à son titre.
Incontestable chef-d’œuvre symphonique de Prokofiev, la Symphonie n°5 allait trouver en Paavo Järvi une baguette souple et imaginative qui allait lui donner un caractère plus solaire et lumineux que de coutume, ou l’optimisme l’emportait sur le pessimisme. Si, du coup, elle ne nous pris pas à la gorge à nous faire peur, elle réussit admirablement à nous transmettre le caractère jubilatoire qu’elle contient aussi. Grâce à sa direction imprévisible autant qu’inspirée, le chef nous maintint constamment sur le qui-vive, jusqu’à l’Alleggo giocoso qui lui allait comme un gant, et dont le titre résume fort bien l’esprit de cette version servie par une des plus belles prestations de l’Orchestre de Paris, qui pourtant ces derniers temps n’en est pas avare, augurant fort bien de la toute prochaine tournée de l’orchestre aux pays du soleil levant.
Crédit photographique : Paavo Järvi © DR
http://www.resmusica.com/2013/10/26/paavo-jarvi-inspire-par-trois-compositeurs-russes/

Poulenc : Stabat Mater, Gloria. Patricia Petibon, Paavo Järvi 1 cd Deutsche Grammophon

Classiquenews.comElvire James
25/10/2013 
Pour le 50ème anniversaire en 2013 de la mort de Francis Poulenc, Patricia Petibon choisit deux cycles sacrés parmi les plus originaux dans l'oeuvre du compositeur. Chronologiquement, le Stabat Mater (1950) précède le Gloria (1959) : l'une et l'autre " accompagne " l'éclosion de son grand oeuvre sur la mort, l'opéra Dialogues des Carmélites (1957) dont la fin et le sujet central laissent déconcerté quant à l'acceptation du gouffre final. De fait, les épisodes du Stabat restent marqués par l'expérience la plus intense et la plus vive d'une foi insatisfaite, toujours inquiète voire parfois angoissée ; a contrario, le cycle tardif du Gloria, créé aux USA sous la baguette de Charles Munch, montre plus de recul et de distance, d'apaisement aussi dans la confrontation au sens profond de la vie humaine : la résolution s'achève dans un murmure confiant...
Sobre et déchirante prière de Poulenc
Dès août 1950, et en mémoire de son ami Christian Bérard, Poulenc compose un Stabat Mater d'une couleur très personnelle. Le 3 octobre, la partition est pleinement achevée. La lecture virginale de Poulenc est conforme à sa propre ferveur : intime, pudique, très émotive et plutôt méditative ; en rien démonstrative, son écriture rétablit surtout la place de la mère accablée de douleur confrontée impuissante au sacrifice de son fils sur la croix. Debout se tenait la mère de douleur : Stabat mater dolorosa ...
Sur le plan formel,  Poulenc revisite l'écriture polyphonique de la Renaissance totalement réinventée, le choeur à 5 parties de Lully. C'est aussi d'une certaine manière la préfiguration de l'opéra à venir ...  Dialogues des Carmélites de 1957, la première grave et profonde immersion sur le thème central de la mort ... sujet essentiel dans son oeuvre et au coeur de sa foi. D'ailleurs, le début du III réutilise le n°10 du Stabat : Fac ut portem... où la soprano soliste entonne une déchirante prière...  résonance troublante mais d'une cohérence organique qui unit les parties d'une seule ferveur globale. Les épisodes de pure gravité n'empêchent pas de superbes instants d'effusion bienheureuses (n°4 : Quae moerebat). Le Stabat mater est créé au festival de Strasbourg le 13 juin 1951.
Sous la direction vive, affûtés voire brute de Paavo Järvi, chœur et orchestre sans affectation expriment la sobre plainte collective et soliste d'une succession d'épisodes affligés (début d'une noirceur lacrymale avec l'entrée des basses plutôt lugubres), tel un retable au dépouillement de plus en plus marqué. La fin brutale à peine sereine recueille ce climat de tension irrésolue. Dans les 3 sections qui lui sont réservées (6,10,12), Patricia Petibon incarne l'affliction, trouvant des couleurs justes (élégance maniériste du Vidit suum, soulignant les pointes de son extrême impuissance ; contrition tendue du Fac portem, de loin le plus bouleversant ; enfin, sans résolution fervente, le désespoir s'accomplit tel un acte ultime en vagues d'une intensité brûlante dans la dernière station : Quando corpus morietur)
Sans soliste, les Litanies confirme un travail remarquable sur le texte réalisé par le choeur : gravité, sobriété, lames tragiques et dignes d'une prière pleine d'intensité...
Même avis positif pour le Gloria, donc plus tardif. Porté par la réussite de son Stabat Mater précédent, Poulenc s'engage dans une nouvelle oeuvre chorale avec soliste : ainsi naît à partir d'avril 1959, son Gloria, écrit pour la fondation Koussevitzky. En 6 parties, l'oeuvre est l'expression d'une liberté pleinement assumée, s'écartant délibérément des oeuvres noires et dépressives : c'est un Vivaldi sanguin, ivre d'espérance qu'il revisite là encore. La partition est créée le 21 janvier 1961 sous la direction de Charles Munch. Puis en France sous la baguette de Georges Prêtre, le 14 février suivant.  Le Laudamus Te puis le Domine fili unigente sont d'une légèreté presque insouciante, tandis que les Domine Deus et l'Agnus Dei (le plus long des épisodes) expriment au plus près l'intensité d'une foi ardente, exigeante, profondément vécue. Contrastée comme une partition baroque, le Gloria s'achève en une fin apaisée, preuve de la fin des tourments d'un Poulenc enfin pacifié, avec trompettes scandant la victoire finale. Spontanée, fougueuse voire fiévreuse, la ferveur de Poulenc colore ses oeuvres sacrées d'une empreinte jamais conforme, mais a contrario authentiquement sincère : Patricia Petibon dans le Domine Deus Rex coelestis exprime idéalement tout le mystère divin. De toute évidence, chef, choeur, instrumentistes et solistes savent éclairer la sobre ferveur de la prière de Poulenc : sans fioritures, l'effusion cible immédiatement l'émotion requise sans oblitérer les gouffres et vertiges nés d'une angoisse sincère. Superbe réalisation.
Poulenc : Stabat Mater, Gloria, Litanies à la Vierge Noire. Patricia Petibon, soprano. Chœur et orchestre de Paris. Paavo Järvi, direction. 1 cd Deutsche Grammophon 479 1497.

http://www.classiquenews.com/lire/lire_article.aspx?article=6839&identifiant=20131025WN4057UTVPF3AXLDD7DED43ZI

Paavo Järvi undertakes Extensive tour of Asia with the Orchestre de Paris

harrisonparrott.com
25/10/2013

Following their hugely successful tour of Japan in 2011, Paavo Järvi and the Orchestre de Paris perform a total of 7 concerts in Japan in November - including 4 and 5 November in Tokyo (in Bunka Kaikan and Suntory Hall respectively) plus Kyoto (2 November), Hyogo (3 November), Yokohama (7 November) and Fukui (8 November). The tour ends in Okayama on 9 November. The concerts feature works by Debussy, Ravel, Prokofiev and Sibelius with Jean-Frederic Neuberger performing Ravel and Liszt Piano Concertos, and Thierry Escaich as organ soloist in Saint-Saëns’ Symphony No.3, which they performed together in a hugely successful sold-out televised concert at the 2013 BBC Proms.
Before reaching Japan, the tour opens in Vietnam, with concerts at Hanoi’s Opera House on 29 October and in Saigon Opera House, Ho Chi Minh City, on 30 October.
The trip is the first of two extensive tours of the region for Järvi in the coming weeks. In late November and early December he brings The Deutsche Kammerphilharmonie Bremen to Yokohama for semi-staged performances of Fidelio (repeating their performances at this year’s Beethoven Bonn Festival) as well as concerts throughout Japan and Korea.
http://www.harrisonparrott.com/news/2013/10/paavo-jarvi-undertakes-extensive-tour-asia-orchestre-de-paris

Saturday, October 26, 2013

La musique russe sied à l'Orchestre de Paris et Paavo Järvi

Brunoserrou.blogspot
Bruno Serrou
25/10/2013
Paris, Salle Pleyel, jeudi 24 octobre 2013
Paavo Järvi. Photo : DR

Soirée russe hier à l’Orchestre de Paris, Salle Pleyel, avec trois partitions célèbres qui ont permis de retrouver une phalange en super forme avant son départ de Paris pour une tournée d’une douzaine de jours en Extrême Orient, Vietnam et Japon, avec une dizaine d’œuvres au programme.
Orchestre de Paris. Photo : (c) A. Deniau, DR
Pour ce premier concert de la saison 2013-2014 auquel j’aurai assisté, l’Orchestre de Paris m’est apparu plus éblouissant que jamais. La fusion directeur musical / musiciens semble désormais absolue, tant il est évident que les membres de la première formation symphonique parisienne sont heureux de se produire ensemble sur le plateau de Pleyel, leurs visages radieux trahissant un indubitable bonheur de jouer. Cela dès l’ouverture de Rouslan et Ludmilla de Mikhaïl Glinka, œuvre fondatrice de la musique russe dont les mélodies limpides et délectables amalgamant musique populaire russe (le piano et la harpe en imitation du gousli) savante occidentale (le Barbier de Séville de Rossini) sont apparues comme un délicieux hors-d’œuvre, jouées avec un plaisir patent par l’Orchestre de Paris.
Yefim Bronfman. Photo : DR
Plus populaire encore quant à la notoriété, le célébrissime Concerto n° 1 pour piano et orchestre en si bémol mineur op. 23 de Piotr Ilyitch Tchaïkovski a chanté comme rarement sous les doigts d’acier enrobés de gants de velours de Yefim Bronfman, dont la puissance contenue a suscité de la part du public une volée d’applaudissements dès la fin de l’Allegro initial, comme c’est souvent le cas à la fin du scherzo de la Sixième Symphonie du même Tchaïkovski. Les sonorités exaltées avec une dextérité à toute épreuve par le pianiste israélien d’origine russe se sont formidablement combinées à celles de l’Orchestre de Paris. Jouant sans pathos ni effusion, le geste d’une simplicité exemplaire, Bronfman a donné de l’œuvre une interprétation sereine et noble remarquablement sertie par l’Orchestre de Paris dont les pupitres solistes ont rivalisé de chaleur et de précision avec le pianiste. Ce dernier a ensuite offert à un public avide deux bis, une féerique Etude de Frédéric Chopin et, surtout, un diabolique final de la Sonate pour piano n° 7 op. 83 de Serge Prokofiev emporté en un crescendo d’une intensité à couper le souffle et une virtuosité à toute épreuve…
… Une Toccata dantesque qui aura préludé de magistrale façon à la seconde partie du concert entièrement consacrée à la Symphonie n° 5 en si bémol majeur op. 100 du même Prokofiev. Paavo Järvi et l’Orchestre de Paris, d’une assiduité technique et d’un foisonnement sonore époustouflant, ont donné de la plus spectaculaire des symphonies du compositeur russe qui figure judicieusement au programme des concerts de la tournée au Japon, une lecture bondissante, tendue, aérée, une véritable jubilation de rythmes, de timbres et de fureur - à l’instar du premier mouvement du concerto de Tchaïkovski, une partie du public n’a pu réfréner des applaudissements au terme de l’Allegro marcato.
http://brunoserrou.blogspot.fr/2013/10/la-musique-russe-sied-lorchestre-de.html

Orchestre de Paris to perform in Saigon

vietnamnet.vn
T.Van
26/10/2013
VietNamNet Bridge - One of the most famous orchestras in the world – the Orchestre de Paris  - will have a performance at the HCM City Opera House on the evening of October 30.
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The Orchestre de Paris.

In 1967, following the dissolution of the Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire, conductor Charles Munch created a new orchestra in Paris – the Orchestre de Paris.
The Orchestre de Paris has been invited to perform at major music centers such as New York, London, Vienna, Berlin, Amsterdam, the Nordic countries, Russia, China, Japan and South Korea.
During the autumn tour around Asia in 2013, more than 30 artists of the Orchestre de Paris will have a performance in be HCM City under the baton of conductor Paavo Järvi.
In the show, the orchestra will play the Symphony No. 83 in G minor "Hen" (Haydn), the Suite Holberg (Grieg), Roussel's symphony, the version for flute and orchestra by Faure and the symphony No. 33 by Mozart.
The presence of Paavo Järvi and the Orchestre de Paris in Saigon is part of the "Year of France in Vietnam" program.
Paavo Järvi is the music director of the Orchestre de Paris since 2010. He is an Estonian-American conductor. Järvi was born in Tallinn, Estonia. He studied at the Curtis Institute of Music and at the Los Angeles Philharmonic Institute.
From 1994 to 1997, Järvi was principal conductor of the Malmö Symphony Orchestra. From 1995 to 1998, he shared the title of principal conductor of the Royal Stockholm Philharmonic Orchestra with Sir Andrew Davis.
Järvi was music director of the Cincinnati Symphony Orchestra from 2001 to 2011. The orchestra made a number of recordings for the Telarc label during Järvi's tenure. In May 2011, he was named the orchestra's Music Director Laureate. Since 2004, he has been the artistic director of the Deutsche Kammerphilharmonie, Bremen and an Artistic Advisor to the Estonian National Symphony Orchestra.
In 2006, Järvi became the principal conductor of the Frankfurt Radio Symphony Orchestra, now known as the HR-Sinfonieorchester. He is scheduled to conclude his tenure with the HR-Sinfonieorchester at the end of the 2013-2014 season. In 2010, he became music director of the Orchestre de Paris. In June 2012, the NHK Symphony Orchestra named Järvi its next chief conductor, as of the 2015-2016 season, with an initial contract of 3 years.
Järvi has recorded for the RCA label as well as Telarc, ECM, BIS and Virgin Records. His Virgin Classics recording of Sibelius Cantatas with the Estonian National Symphony Orchestra, Estonian National Male Choir and Ellerhein Girls Choir won a Grammy Award for "Best Choral Performance."
http://m.english.vietnamnet.vn/fms/art-entertainment/86522/orchestre-de-paris-to-perform-in-saigon.html#

Wednesday, October 23, 2013

Paavo Järvi et Jean-Frédéric Neuburger en grande forme à Pleyel

Resmusica.com

21.10.2013


Paris, salle Pleyel. Le 16.X.2013. (1865-1957) Suite Karelia opus 11 ; (1875-1937) Concerto pour la main gauche en ré majeur ; (1835-1921) Symphonie n°3 en ut mineur dite « avec orgue » opus 78. ; : direction, : piano ; : orgue.

Pour la première fois, l’ se risquait à donner en concert la suite Karelia de Sibelius -une œuvre à l’effectif impressionnant et dont les potentielles lourdeurs furent évitées avec grâce. En effet, la direction aussi fluide que précise de révéla un Orchestre de Paris au meilleur de sa forme : outre le cor anglais particulièrement remarquable, on a pu admirer également le pupitres des cuivres, irréprochable.
Venait ensuite le Concerto pour la main gauche avec au piano, une œuvre redoutable abordée avec une aisance incomparable : inutile de dire qu’il remporta tous les suffrages !  Avec juste ce qu’il faut d’expressivité -toujours cette pudeur propre à Ravel- il nous livra une interprétation contrastée, pleine de vie et pourtant habitée d’une angoisse sourde,  restituant ainsi les élans tragiques de la pièce (hélas, souvent estompés au profit des « effets de jazz. »)
En bis, et deux mains cette fois-ci, l’étude dite « pour les agréments » de Debussy fut l’occasion d’apprécier également la richesse de son jeu, particulièrement adapté au répertoire français de cette époque.
En deuxième partie, on attendait impatiemment la Symphonie n°3 « avec orgue » de Saint-Saëns, et pour cause : et Paavo Järvi n’en sont plus à leur premier coup d’essai. Pari tenu pour ces deux habitués qui nous ont offert ce soir-là une version d’une grande clarté. Mention spéciale pour le Scherzo parfaitement conduit et le Final jubilatoire qui souleva un bel enthousiasme.
Enfin, la Bacchanale extraite de Samson et Dalila (Saint-Saëns, toujours) confirma avec panache l’excellente maîtrise de l’Orchestre de Paris dont la tournée au Japon, de toute évidence, s’annonce des plus prometteuses.
 Crédits photographiques : Jean-Frédéric Neuburger © Carole Bellaiche; Paavo Järvi © Mark Lyons

http://www.resmusica.com/2013/10/21/paavo-jarvi-et-jean-frederic-neuburger-en-grande-forme-a-pleyel/

Orchestre de Paris


Monday, October 21, 2013

Orchestre de Paris, Salle Pleyel, October 2, 2013

musicalamerica.com
Frank Cadenhead
Frank Cadenhead
Frank Cadenhead
02/10/2013



It was a lovely late-summer night, the outdoor tables were full with t-shirt-wearing young. The gloomy news seemed far away:  the American government shut down, the official filing of bankruptcy by the New York City Opera, the Minnesota Orchestra stuck in nowhere. In Musical America’s news, even the gala opening of Carnegie Hall this same evening, with the Philadelphia Orchestra, was cancelled by a stagehand’s strike.
In a different world, at the Salle Pleyel, the Orchestre de Paris was playing a concert program which they were repeating the next night in Frankfurt’s Alte Oper and, the following evening, at the Philharmonie in Luxembourg.  It was designed to show off the principal chairs of this fine orchestra and, not incidentally, highlight the rapport the orchestra has with their music director since 2010, Paavo Jarvi.

The modernism of Debussy’s Prelude to an Afternoon of a Faun, although dated from 1894, certainly fitted in with the other Twentieth Century masterworks on the program. Jarvi was careful, detailed and restrained and let the principal flautist lead the others on their passionate journey. Jarvi avoided added sweeteners; the work certainly does not need them.

Bartok’s Third Piano Concerto, was played by Piotr Anderszewski, the Polish Wunderkind who stormed onto the scene what seemed like just a few years ago. An international star, he only make his debut with the Orchestre de Paris in February and was invited back for this mini tour. Still with his easy yet dazzling technique, he now has a bit of grey in his hair and a maturity which reaches directly to the soul of Bartok. 

How quickly the orchestra turned on their angular modernism and responded to Jarvi’s baton with punch and drive. This concerto was premiered in February 1946 with Eugene Ormandy conducting the same orchestra with a free night thanks to the strike.

The Bartok was complimented with Igor Stravinski’s Symphony in Three Movements, from 1945. It can work wonders in a concert program; yet another work on this program which blossoms with a gifted orchestra. Ravel’s Bolero ended the program with gusto. It is, as we have noted, one of the “summer fun” works for American orchestras and you would not usually hear it in the regular season with particularly such a carefully crafted yet heroic exposition. It was a memorable evening of orchestral magic.

http://www.musicalamerica.com/mablogs/?p=13740
By: Frank Cadenhead
It was a lovely late-summer night, the outdoor tables were full with t-shirt-wearing young. The gloomy news seemed far away:  the American government shut down, the official filing of bankruptcy by the New York City Opera, the Minnesota Orchestra stuck in nowhere. In Musical America’s news, even the gala opening of Carnegie Hall this same evening, with the Philadelphia Orchestra, was cancelled by a stagehand’s strike.
In a different world, at the Salle Pleyel, the Orchestre de Paris was playing a concert program which they were repeating the next night in Frankfurt’s Alte Oper and, the following evening, at the Philharmonie in Luxembourg.  It was designed to show off the principal chairs of this fine orchestra and, not incidentally, highlight the rapport the orchestra has with their music director since 2010, Paavo Jarvi.
The modernism of Debussy’s Prelude to an Afternoon of a Faun, although dated from 1894, certainly fitted in with the other Twentieth Century masterworks on the program. Jarvi was careful, detailed and restrained and let the principal flautist lead the others on their passionate journey. Jarvi avoided added sweeteners; the work certainly does not need them.
Bartok’s Third Piano Concerto, was played by Piotr Anderszewski, the Polish Wunderkind who stormed onto the scene what seemed like just a few years ago. An international star, he only make his debut with the Orchestre de Paris in February and was invited back for this mini tour. Still with his easy yet dazzling technique, he now has a bit of grey in his hair and a maturity which reaches directly to the soul of Bartok.  How quickly the orchestra turned on their angular modernism and responded to Jarvi’s baton with punch and drive. This concerto was premiered in February 1946 with Eugene Ormandy conducting the same orchestra with a free night thanks to the strike.
The Bartok was complimented with Igor Stravinski’s Symphony in Three Movements, from 1945. It can work wonders in a concert program; yet another work on this program which blossoms with a gifted orchestra. Ravel’s Bolero ended the program with gusto. It is, as we have noted, one of the “summer fun” works for American orchestras and you would not usually hear it in the regular season with particularly such a carefully crafted yet heroic exposition. It was a memorable evening of orchestral magic.
- See more at: http://www.musicalamerica.com/mablogs/?p=13740#sthash.h0k0AU7K.dpuf
Frank Cadenhead
Frank Cadenhead
Frank Cadenhead

[Live Report] Sublime et grisant orchestre de Paris

toutelaculture.com
Marie Charlotte Mallard
19/10/2013

Encore une fois, l’Orchestre de Paris sous la direction de Paavo Järvi nous régalait ce jeudi d’une somptueuse prestation, donnant la Suite Karelia, op 11 de Sibelius décidément très en vogue, puis de nouveau le Concerto n°2 de Listz sous les doigts du pianiste Jean-Frédéric Neuburger, pour finir avec la Symphonie n°3 en ut mineur, dite « avec orgue », op 78 de Schumman, éblouissante, transcendante, exceptionnelle de force et d’exactitude.
Paavo Jarvi © Mark Lyons  

Décidément, l’Orchestre de Paris  et Paavo Järvi n’en finissent plus de nous épater tant dans les interprétations qu’ils proposent que dans ses exécutions d’une précision qui nous semble désormais inébranlable. Avec une palette de couleurs et de sonorités toujours plus recherchée, affinée et élaborée l’orchestre va toujours plus loin vers l’exception et n’en finit plus de nous gratifier de prestations extraordinaires dont on ressort toujours admiratifs et gorgés d’une béatitude sans nom. Du soin et de la minutie, une exceptionnelle cohésion, une écoute fine, attentionnée et mesurée associée à une direction claire et réfléchie leur permet ainsi de sublimer et d’éclairer chaque œuvre interprétée. Dès les premières notes de la Suite Karelia de Sibelius, qui ce soir faisait son entrée dans le répertoire de l’orchestre, le constat est sans appel. L’orchestre rayonnant, invoqua tout l’imaginaire finnois qui inspira le compositeur. La Suite Karelia, aussi martiale dans l’intermezzo, charmante dans la ballade, que gaiement triomphante dans le modérato final, fut ainsi mise en bouche fameuse et savoureuse.
Venait ensuite, le Concerto pour piano n°2 de Liszt, œuvre que nous avions déjà entendue en juin dernier par le même orchestre accompagnant Kathia Buniatishvili et interprété ce soir par le jeune Jean-Frédéric Neuburger. Le concerto est virtuose et si la prestation de Khatia nous avait subjuguée celle de Jean-Frédéric Neuburger fut à tel point au-dessus, qu’il nous ferait même revenir sur notre critique de l’époque. En effet, alors que Khatia se met en scène, théâtralise parfois avec exagération ses interprétations, Jean-Frédéric est tout en simplicité, humilité permettant ainsi le plein épanouissement du discours musical qui de ce fait ressort clairement et distinctement. Ainsi l’œuvre ne nous apparaît plus uniquement comme quelque chose de virtuose, et l’on prend d’autant plus conscience du caractère versatile magnifié tant par la sincère émotivité du pianiste que par la finesse des nuances de l’orchestre. Ainsi, redécouvre-t-on toute l’expression de ce concerto, tanguant entre songe sombre et intime, galop frénétique, obscur et impérieux, marche martiale et funeste, caractères exposés au début de l’œuvre par l’adagio sostenuto et l’allegro assai, repris, transformés et transcendés par la suite dans tout le reste de l’œuvre. Tous les caractères, nous parurent ce soir sublimés, ennoblis, illuminés. Un accomplissement dû à la prestation du soliste autant qu’à l’osmose entre celui-ci et l’orchestre tout entier. En effet, le pianiste s’intégrait clairement dans l’orchestre, comme en témoignait ses regards vers le chef où vers les musiciens concernés lorsqu’il leur passait le relais de la mélodie. Une annotation du compositeur sur le manuscrit de la partition précise « Concerto symphonique », une dimension qui prenait véritablement tout ce sens Jeudi soir. Une prestation époustouflante que provoquèrent tant la dextérité que  la justesse musicale de Jean-Fredéric Neuburger. Fougueusement applaudi, il s’amusera de l’orgue pour dispenser son bis.
Après l’entracte, place à la 3e Symphonie en ut mineur de Camille Saint-Saëns. L’œuvre en deux parties, est perçue comme une synthèse des éléments constitutifs de l’esthétique du compositeur, romantique, onirique, et proprement impressionniste. Saint-Saens y cherche l’élévation, l’idéal. Ainsi si elle revêt des instants de tensions et de drames, elle demeure incroyablement solaire et lumineuse. L’orgue, (ce soir interprété par Thierry Escaich) instrument puissant et imposant par excellence, à première vue austère et religieux, se fond littéralement dans l’orchestre. C’est là toute la difficulté ! Même dans les passages les plus forts, dramatiques et hargneux les deux monstres que sont l’orchestre et l’orgue, ne doivent jamais s’opposer mais bien fusionner. Continuant sur sa lancée après une splendide première partie de concert l’orchestre fut ici resplendissant. Que dire si ce n’est que l’on apprécia l’ampleur, la verve, la profondeur. L’orchestre nous offre ici une véritable interprétation, du fond, de la recherche esthétique et interprétative plus qu’une simple lecture. La baguette vive et précise de Järvi autant que la précision et de l’orchestre, associée à l’ampleur qu’il arrive à obtenir dans les passages les plus diaboliques permirent de faire ressortir impeccablement couleurs et contrastes, symboles de la lutte constante et inhérente à la symphonie, donnant ainsi une prestation mémorable.
Inutile de préciser que la soirée fut ponctuée d’applaudissements plus qu’enthousiastes. Avec beaucoup d’humour et d’ironie, l’orchestre fera sourire le public en donnant en bis, la Marche hongroise de la Damnation de Faust de Berlioz que dirigeait Louis de Funès dans la grande vadrouille.
Visuel: © Mark Lyons www.paavojarvi.com
http://toutelaculture.com/musique/classique-musique/live-report-lorchestre-de-paris-sublime-grisant-epatant/

Dans le sang…

concertonet.com
Sébastien Gauthier
16/10/2013

Paris
Salle Pleyel
10/16/2013 -
Jean Sibelius : Karelia, opus 11
Maurice Ravel : Concerto pour la main gauche
Camille Saint-Saëns : Symphonie n° 3 avec orgue en do mineur, opus 78
Jean-Frédéric Neuburger (piano), Thierry Escaich (orgue)
Orchestre de Paris, Paavo Järvi (direction)

J.-F. Neuburger (© Rikimaru Hotta)

En arrivant aux abords de la Salle Pleyel pour assister à un concert de l’Orchestre de Paris, il est rare de rencontrer quelqu’un présenter un petit carton recherchant une place pour la représentation du soir. Et pourtant, tel était le cas en ce mercredi, pour le premier de deux concerts où seul le concerto choisi par Jean-Frédéric Neuburger différait du programme de la seconde soirée, Liszt devant ainsi succéder à Ravel, les deux autres œuvres étant identiques.

Par ses origines estoniennes, par l’enseignement de son père, par goût aussi, Paavo Järvi s’est toujours affirmé comme un grand défenseur de la musique nordique. Et le concert débuta donc avec la merveilleuse suite en trois mouvements Karelia (1893) de Sibelius, qui faisait à cette occasion son entrée au répertoire de l’Orchestre de Paris. Même si la dernière attaque du pupitre de cors fut quelque peu vacillante à la fin du premier mouvement, l’interprétation d’ensemble fut plutôt convaincante; on remarqua notamment la très belle prestation de Gildas Prado au cor anglais dans le deuxième mouvement (quels ensembles de cordes également!), ainsi que le caractère enlevé à la joie communicative du mouvement conclusif.


Dans le cadre d’un agencement assez classique, la première partie du concert se poursuivait par un concerto, en l’occurrence le Concerto pour la main gauche (1931) de Ravel, que Jean-Frédéric Neuburger a déjà eu l’occasion d’interpréter, notamment au Festival de la Roque d’Anthéron. Dès l’introduction du contrebasson, le climat angoissant de cette pièce commandée par le pianiste Paul Wittgenstein emplit la salle Pleyel, Neuburger se glissant dans cette lourde atmosphère avec délectation. La main gauche, donc, répond sans difficulté aux diverses sollicitations techniques de la partition qui requiert une agilité de tous les instants: la rage démoniaque de Liszt n’est pas bien loin! Järvi dirige de son côté un excellent orchestre, qui alterne de manière idoine les accents issus du jazz et les passages qui regardent davantage vers les couleurs spécifiques à la musique française du début du XXe siècle.

On ne quittait d’ailleurs plus ce répertoire pour la seconde partie, qui comptait une seule œuvre, mais quelle œuvre, puisqu’il s’agissait de la célèbre Troisième Symphonie (1886) de Saint-Saëns. «J’ai donné ici tout ce que je pouvais donner» aurait dit le compositeur en parlant de sa dernière symphonie, puisque sur les cinq composées, deux ne portent pas de numéro; et le fait est que, tant par ses dimensions que par l’instrumentarium requis, elle s’inscrit parfaitement dans le mouvement symphonique français de cette seconde moitié de siècle qui vit notamment surgir la Symphonie en sol mineur de Lalo, la Symphonie sur un chant montagnard français de d’Indy, la Symphonie en ré mineur de Franck ou la Symphonie de Chausson. Järvi, l’Orchestre de Paris et Thierry Escaich connaissent bien cette symphonie pour l’avoir tout récemment donnée à Bucarest, ce dernier ayant également tenu la partie d’orgue à de nombreuses reprises, comme au festival de la Roque d’Anthéron en juillet 2010.

Face à un orchestre au mieux de sa forme (quelques pupitres ayant d’ailleurs changé de titulaire entre les première et seconde parties, Philippe Berrod remplaçant Pascal Moraguès à la première clarinette, Vincent Lucas remplaçant pour sa part Vincens Lucas à la première flûte et André Cazalet laissant également sa place de cor solo), Paavo Järvi livre une vision extrêmement détaillée de cette symphonie où l’on prend conscience de certains chants – cor anglais ou basson par exemple – que l’on n’a guère l’habitude d’entendre aussi clairement. Or, bien que l’ensemble demeure somptueux (de grandes enceintes posées sur les bords de la scène permettant à l’orgue de résonner comme il convient), le souci du détail et de la clarté des plans éclipse quelque peu l’architecture générale que l’on aurait souhaité percevoir davantage. De même, on regrette le manque de violence (les timbales dans l’Allegro moderato du second mouvement) ou la baisse de tension dans l’Allegro conclusif dans une œuvre qui est tout en contrastes et en variations colorées.

Une fois n’est pas coutume, salués par un public tout de même conquis, Järvi et l’Orchestre de Paris offrirent en bis une étourdissante «Bacchanale» tirée de l’acte III de Samson et Dalila (1868-1877), qui conclut ainsi de la plus belle manière une soirée dédiée en grande partie à la musique française. C’est si rare!
 http://www.concertonet.com/scripts/review.php?ID_review=9415

L’Orchestre de Paris s’impose dans Ravel et Saint-Saëns

lalettredumusicien.fr
Laurent Vilarem
17/10/2013

Paavo Järvi (M. Magliocca).
Depuis son accession à la direction musicale de l’Orchestre de Paris en 2010, le chef Paavo Järvi instille des œuvres du répertoire nordique dans la programmation de sa phalange. C’est donc tout naturellement une pièce nationaliste du jeune Sibelius, la Suite Karelia op.11, qui ouvrait le concert. Maîtrise des plans sonores, cordes d’une confondante chaleur, clarté de cristal, l’Orchestre de Paris impressionne. Au point qu’on se demande si les musiciens ne sont pas une mariée un peu trop belle pour cette suite de concert qui sombre rapidement dans le kitsch. 
Rien de tel avec le Concerto pour la main gauche de Ravel. Avec quel éclat, Paavo Järvi fait sonner les timbres de l’orchestre, avec quel mordant! Le jeune pianiste Jean-Frédéric Neuburger (qui jouera le lendemain le Deuxième Concerto de Liszt) en paraît tétanisé et privilégie une lecture articulée et musculeuse, entachée de quelques imprécisions. Plus à son aise dans l’intimité du récital, le jeune pianiste français propose en bis une rare (et admirable) Etude pour les agréments de Debussy où son jeu arachnéen et fébrile fait merveille. 
La seconde partie du concert confirme la forme éblouissante de la formation parisienne, avec la Symphonie n°3 avec orgue de Camille Saint-Saëns. On ne sait ce qu’il faut admirer le plus : l’élan insufflé et le lyrisme étreignant du premier mouvement, avec un orgue (excellent Thierry Escaich) intégré au son de l’orchestre, la vie incomparable du deuxième mouvement ou la fantaisie apportée dans le finale qui sous une autre baguette pourrait s’avérer redoutable. Plus que jamais avec Paavo Järvi, l’Orchestre de Paris s’affirme comme une formation d’élite. (16 octobre) 
http://www.lalettredumusicien.fr/s/articles/2471_0_l-orchestre-de-paris-s-impose-dans-ravel-et-saint-saens

Hindemith

 
Diapason
Jean-Claude Hulot
October 2013

Ongaku No Tomo




Wednesday, October 16, 2013

Orchestre de Paris


Orchestres parisiens : au fond la forme

leJDD
Nicole Duault
14/10/2013

Rentrée éblouissante pour les orchestres parisiens. La crise, les restrictions et dissolutions de quelques phalanges outre-Rhin – pays de la musique - ont galvanisé les formations parisiennes qui rivalisent de pugnacité devant des spectateurs qui s’arrachent les places.

L’Orchestre de Paris, dynamisé par l’excellence de l’opéra Elektrade Richard Strauss au festival d’Aix-en-Provence cet été, vit toujours sur un petit nuage. Sous la poigne dans un gant de velours de son directeur musical Paavo Jarvi, il étonne même quand c’est son assistant Andris Poga qui dirige. Il est vrai qu’il avait avec lui les éblouissantes pianistes, les sœurs Labèque. Le concert de cette semaine état exemplaire dans la composition du programme comme dans son exécution. Paavo Jarvi était aux commandes.

Le pianiste polonais Piotr Anderszewski (44 ans), formé à Strasbourg et à Lyon, est l’une des grandes figures du piano. Du troisième concerto écrit par Belà Bartok (1881-1945) peu avant sa mort, il en fait un chef d’œuvre de nuances. Quant au Bolérode Ravel qui conclue le concert, il est époustouflant. Les musiciens de l’orchestre l ‘ont dans la peau. Et à les voir, tout sourire, exécutant cette œuvre qui est la plus jouée dans le monde, on est heureux pour eux. Encore plus, le chef avant de se retourner vers le public en délire, a applaudi lui même longuement ses musiciens. Avec ce programme l’Orchestre s’en est allé ensuite jouer en Allemagne.
Un programme ambitieux et un peu bourratif

Tournée plus mondiale du Philharmonique de Radio France qui s’en est allé en Asie, en Corée, à Tokyo, et dans plusieurs villes de Chine avec la Symphonie Fantastique de Berlioz : un accueil triomphal d’autant que les musiciens étaient dirigés par Muyung-Whun Chung. Lors de leur concert parisien avec cette pièce, critiques et public unanimes l’avaient salué, dans cette interprétation, de vraiment fantastique par l’émotion qu’elle apportait. Le secret? ce sont ces répétitions partielles ou entières que font les musiciens, non pas entre eux, mais devant des publics de non-initiés, notamment de lycéens. Cela profite aux lycéens et autant qu’aux musiciens.

Ambitieux, l’Orchestre National, sous la baguette de leur directeur, Danielle Gatti a ouvert la saison avec un programme ambitieux et un peu bourratif. Mais ce chef d’exception qui fait travailler ses musiciens sans cesse, a mis au programme de sa saison, tous les chefs d’œuvre de Tchaïkovski : le succès est assuré.

http://www.lejdd.fr/Culture/Spectacle/Orchestres-parisiens-au-fond-la-forme-633909

Saturday, October 12, 2013

Berman a Star in Coleman Premiere

Music In Cincinnati
Mary Ellyn Hutton
12/10/2013
Tatiana_Vanwinkle_image.jpg
"Red Tatiana," acrylic and silkscreen on canvas by Andrew VanSickle
“I feel like a rock star,” said Tatiana Berman after performing Charles Coleman’s Violin Concerto for the Constella Festival of Music and Fine Arts Thursday night at Memorial Hall.
And well she should.
It was a magnificent performance. Add to that, it was a world premiere.
.Berman is not only an internationally recognized violinist, but founder and hands-on artistic director of Constella, making her achievement that much more remarkable.
Coleman’s work shared the program with music by Stravinsky and Mozart (good company). The Constella Festival Chamber Ensemble, a 29-piece orchestra hand-picked by Berman from area musicians, was led by Paavo Järvi, music director laureate of the Cincinnati Symphony Orchestra.
constella_connex.jpg
taking a bow, left to right, Charles Coleman, Tatiana Berman and Paavo Järvi
 Commissioned by Constella and written for Berman, the Concerto is an energetic work with a lovely, lyrical central movement. It is hard not to hear the big-city resonance of the work (as in Coleman’s “Streetscape,” commissioned by the Cincinnati Symphony Orchestra in 2001 and premiered by Järvi), with its lively rhythmic interplay in the outer movements. Indeed, there was always a “buzz” in the first movement, which opened with the violin carefree and frisky, playing over the tapping of a cymbal. Berman crafted her lines with a pure, bright-as-a-laser tone that brought out the violin’s independence, yet unity with the orchestra, ending the movement with a flip little gesture, again over the ring of a cymbal.
The Larghetto second movement was an essay in beauty, Berman entering in a reflective mode after a faraway introduction by the orchestra. The music grew in intensity and there were some gorgeous textures, including, at one point, an ethereal one for violin, strings and piano. After a soaring climax, there was silence, then a kind of leave-taking, capped by a soulful passage by Berman, answered at the end by solo clarinet (there was total silence in the hall after this).
The third and final movement, a playful one modeled (on steroids) after the finale of Bach’s Violin Concerto in E Major, took off with an air of excitement. This was generated (again) by its abundant rhythmic activity and by Berman’s technical panache and her ability to counter bright, high-lying passages with low, guttural ones for full tonal variety. Like a locomotive speeding along the rails, it came, however, to a surprise, abrupt ending. Järvi was fully her partner in the performance, leading the orchestra with zest.
Järvi, who held the orchestra in the palm of his hand(s) throughout the concert, opened with Stravinsky’s “Apollon Musagète.” Translated “Apollo, Leader of the Muses,” it is the score of a 1928 “white” ballet premiered at the Library of Congress and revived the same year by Diaghilev’s Ballet Russes in Paris. Scored for strings only, the 30-minute work unfolds in two tableaux and is a landmark of the composer’s neo-classical style. Järvi gave it a fluid reading, congenial and rich in voicing. Concertmistress Anna Reider was a vibrant soloist in the second tableau (“Variation of Apollo,” in which Apollo first meets the Muses). The three short variations for Calliope, Polyhymnia and Terpsichore (each less than two minutes long) were totally charming, the pas de deux of Apollo and Terpsichore was sweet and gentle, and the final “Apotheosis” was lush and infused with sentiment.
The good feelings continued in Mozart’s Symphony No. 33, an intimate work from his Paris years. Järvi crafted its lines expertly and invested considerable beauty in the Andante. There was a real kick in the Minuet, with its understated Trio, and the Allegro finale was light-hearted, with spirited playing by all.
The concert was followed by a reception on the lower level of Memorial Hall and an exhibition of art work by Andrew VanSickle, Rev. Howard Finster and Gary Lee Boas.

Järvi returns to Cincinnati in February, when he will conduct the CSO in the Symphony No. 4 by Mahler. Information at www.cincinnatisymphony.org

http://www.musicincincinnati.com/site/reviews/Berman_a_Star_in_Coleman_Premiere.html

Review: Berman, Järvi deliver stunning world premiere performance

Cincinnati.com
Janelle Gelfand
11/10/2013
Violinist Tatiana Berman, founding director of the Constella Festival of Music and Fine Arts, performed at Memorial Hall on Thursday night as soloist in a world premiere violin concerto with Paavo Jarvi conducting.
Violinist Tatiana Berman, founding director of the Constella Festival of Music and Fine Arts, performed at Memorial Hall on Thursday night as soloist in a world premiere violin concerto with Paavo Jarvi conducting. / The Enquirer/ Liz Dufour 
 
It’s no mean feat to direct a music festival and also star as the soloist in a world premiere performance.
But multi-tasking violinist Tatiana Berman, who is also founding director of the Constella Festival of Music and Fine Arts, delivered impressively in both areas in Thursday’s festival program entitled “Queen City Connections.”
Indeed, there were multiple Queen City connections in play. Returning to conduct was Paavo Järvi, music director laureate of the Cincinnati Symphony Orchestra, and Berman’s former husband.
Filling every inch of Memorial Hall’s stage, the chamber-sized orchestra included a number of members of the Cincinnati Symphony. And the collaborating composer, Charles Coleman, has strong ties to the Cincinnati Symphony, which has premiered and recorded several of his pieces.
Järvi’s program included Stravinsky’s ballet score “Apollon Musagète” and Mozart’s Symphony No. 33 in B-flat Major, K. 319. The main event, Berman’s premiere of Coleman’s Violin Concerto, came last.
It was worth the wait. Coleman, born in New York in 1968, writes in a style that is vibrant and urban – it is music of today. His substantial, three-movement Violin Concerto combined minimalist techniques (the repetition of motives and rhythms) and a romantic gift for melody.
The piece was instantly appealing. The first movement opened with a long, sinuous melody for the violin in a duet with a cymbal. It evolved into a palette that was bright and busy, with bubbling winds set against glowing orchestral textures. Berman crouched as she tackled its soaring, angular themes with a seamless, lyrical tone.
The slow movement was atmospheric, with soulful themes for the violin and lush orchestral accompaniment. Its ebb and flow included a brief nod to jazz, and a Mozart-like wind ensemble. As the orchestra played a sustained river of sound, the violinist’s tones floated above. A captivating clarinet solo (Jonathan Gunn) had the last word.
The finale was an edgy perpetual motion, with the violinist interjecting both long melodies and rapid figures. Järvi and the musicians supported the soloist well, although here, perhaps due to the hall’s boomy acoustics, the violinist didn’t project as well.
Berman’s playing was top-notch, and she ended with a flourish. As the crowd stood for an enthusiastic reception, the couple’s two little daughters delivered bouquets to their parents.
Järvi opened with Stravinsky’s rarely-played, neo-classical “Apollon Musagète” (Apollo, leader of the Muses), a ballet in two scenes for strings.
Written for the impresario Diaghilev in 1928 (Järvi led the 1947 revision), it is basically a suite of dances. Its movements are variations for three muses, framed with variations for Apollo and ending with a delicate pas de deux.
It was by turns austere and lush, and there were many stunning moments. Concertmaster Anna Reider performed an elegiac solo with immense beauty of tone, and string sonorities were rich. Järvi found character in each of its movements, and the musicians responded with terrific playing.
That sense of discovery continued in the Mozart, notable for its momentum, lightness and detail given to every phrase. Nothing was predictable, and even though this was a “pick-up” orchestra, Järvi knew just how to bring out the best in his players.
Downstairs at Memorial Hall, the Constella event included a casually displayed exhibition of art by pop artist Andrew VanSickle, outsider artist The Rev. Howard Finster and celebrity photographer Gary Lee Boas.
The Constella Festival continues through Nov. 7. Information: 513-621-2787, www.constellafestival.org.
http://news.cincinnati.com/article/20131011/ENT03/310110114/Review-Berman-J-rvi-deliver-stunning-world-premiere?nclick_check=1

Tuesday, October 08, 2013

The early 20th century with the Orchestre de Paris and Paavo Järvi

Backtrack.com
Constance Clara Guibert
08/10/2013 
Paavo Järvi © Julia BayerDebussy, Stravinsky, Bartók and Ravel: this program was a perfect opportunity for the Orchestre de Paris to show off its beautiful playing and brilliant technique with modernist masterpieces. From the Prélude à l’après-midi d’un faune and its very first sound – flutist Vicens Prats’ solo – we were plunged into another world, where Wagner’s mighty, virtuous love is turned into a French, impressionist, erotic passion. Conductor Paavo Järvi seemed to get the maximum out of his brilliant musicians, in full understanding with all of them: nuances, atmospheres, phrases, in a delicate but deep intensity, till the very end – the faun falling asleep and the music fading away.
Not for a long time: Piotr Anderszewski woke up the notes with his energetic and fascinating performance of Bartók’s Third Piano Concerto. The 44-year-old Polish pianist was playing with the Orchestre de Paris for the second time, and brought again a superb piece, rich, dynamic, virtuoso and quite unusual – just like Szymanowski’s Fourth Symphony, which he had performed with the orchestra in March 2013.
Bart&ocaute;k’s Third Concerto is said to be the composer’s testament: written for his wife Ditta, it was left unfinished at the composer’s death. Bartók had launched headlong in his last piece, and we do not lose anything from his fierceness to live. Only the last seventeen beats were lacking, and were reconstructed by one of his students. Piotr Anderszewski seemed extremely comfortable in this repertoire, as if he had absolutely no difficulty playing it through – and undoubtedly this is the case. His perfect understanding with Paavo Järvi created several exceptional moments that have no reason to be envious of the best-known interpretations, such as that of Martha Argerich: contrasted pianissimos, sudden breaks, thrilling suspense... In the first and third movements, it was the piano that shone most; in the second movement, Adagio religioso, the whole orchestra found even deeper inspiration, particularly during the transition to the movement’s central section. This “nocturne” is written in Bartók’s “night music style” and showcases the woodwinds in brief and virtuoso phrases imitating the sounds of the night. The composer and the orchestra lead us in different atmospheres to the extraordinary finale that captivated the musicians, their conductor and the whole audience till the very last, bright chord. Piotr Anderszewski played the Sarabande from Bach’s Second Partita, as he did in March, with the same sweet simplicity.
Symphony in Three Movements is a wide aggregation of Stravinsky’s different styles and of many writing techniques of that time: the Rite’s might and The Soldier’s Tale’s militarism, Prokofiev’s motoric energy and Bartók’s concertante forms, neo-classicism (ancient forms like the minuet) and experimental atonalism, ardent exuberance and delicate introspection... Commissioned by the New York Philharmonic Orchestra, the symphony was written while Stravinsky was working on a re-orchestration of the Riteand is still considered as the masterwork’s rarely played cousin. Using musical materials from a piano concerto (the first movement), harp music for a film about Saint Bernadette (the second) and aborted war film projects (the finale), Stravinsky referred to his piece as a war symphony, where noises hurt each other, parade triumphantly, or give way to arid landscapes. He undoubtedly took inspiration from jazz and American music as well, particularly in a complex fugue where first trombone and piano exchange with extremely difficult rhythmic figures, well managed by trombonist Guillaume Cottet-Dumoulin. Giorgio Mandolesi’s bouncy bassoon, Marie-Pierre Chavaroche’s delicate harp and the whole wind section were enhanced by unexpected contrasts, their conductor’s exaltation and the brilliant score. Beyond the technical difficulty, Paavo Järvi led his colourful interpretation till the end, and the Orchestre de Paris dazzled its audience again in a large musical explosion.
After long and deserved applause, especially for the brave wind players, the orchestra and its conductor began their fourth piece with a pianissimo drum roll: Ravel’s Boléro was beginning. Sitting backstage is an interesting opportunity for this ultra-famous orchestral crescendo: placed at the heart of the mass, you do not only clearly hear each voice, but you fully understand the bright counterpoint too. Paavo Järvi let his musicians play and show off their talent; the Salle Pleyel’s whole audience took part to this musical synthesis, meeting each musician stating his own part of the implacable perpetuum mobile, taken by the obsessional rhythmic ostinato and by the musicality of the phrases. Again and again Vicens Prats was a superb solo flute and the winds glittered all along the piece, till the fantastic coda and its exciting modulation, where the orchestration explodes in an enjoyable fortissimo.
Once again, the Orchestre de Paris proved its excellence: technique, musicality, cohesion, in very diverse pieces from the early 20th century. Debussy’s erotic romanticism, Bartók’s vivid energy, Stravinsky’s noisy cubism and Ravel’s revolutionary obsession composed a perfect program for that brilliant concert, and for their tour in Frankfurt and Luxembourg.

Orchestre de Paris
Paavo Järvi, Conductor
Piotr Anderszewski, Piano

http://www.bachtrack.com/review-orchestre-paris-jarvi-anderszewski