Thursday, November 28, 2013



Poulenc from Patricia Petibon and Paavo Järvi

Presto Classical
Katherine Cooper
25.11.2013
The anniversaries of composers’ births naturally tend to attract more attention than those of their deaths, so it’s little surprise that the fiftieth anniversary of Francis Poulenc’s death has been rather eclipsed by the multi-centenary celebrations of the births of Britten, Wagner and Verdi - but I couldn’t let 2013 go by without sparing a few minutes to reflect on his unique contribution to sacred music in particular.
Patricia Petibon
Patricia Petibon
Just days before his death in 1963, Poulenc likened his religious faith to that of a ‘curé de campagne’ (‘rural clergyman’) and this lovely new disc brings together three of his sacred works – the Gloria and Stabat Mater for soprano solo, mixed choir and orchestra, and the early Litanies à la Vierge noire for female voices and orchestra, written in 1936 as a response to the death of the composer’s close friend Pierre-Octave Ferroud, a promising composer who was killed aged just 36 in a road accident in Hungary.
The grieving Poulenc’s visit to the Marian shrine of the ‘Black Madonna’ of Rocamadour in south-western France kick-started not only a life-long compositional interest in sacred music (he completed the Litanies in little more than a week) but also a resurgence of his Catholic faith. Anticipating the Gregorian chant-like lines of the better-known Quatre motets pour un temps de pénitence, it’s a stark, dissonant, yet compelling work which is brought off with an ideal mixture of severity and religious ecstasy by the ladies of the Parisian choir here.
The exuberant Gloria of 1960 opens the disc, in a feisty performance which never shies away from the work’s brassy extrovert elements or over-eggs the more introspective moments (listen out for the rapt, weightless singing from the soprano soloist in the Agnus Dei). But for me the real discovery on this disc was the Stabat Mater, another work inspired by the death of a close friend: written in 1950, it was conceived as a memorial to the theatrical designer Christian Bérard (his death was also commemorated in Jean Cocteau’s Orphée, partially as a tribute to his ground-breaking designs for the film La Belle et la Bête four years earlier) and like the Litanies à la Vierge noire it came into being following a visit to Rocamadour. It’s an intriguing, idiosyncratic work which melds stern neo-Baroque counterpoint (shades of Pergolesi in the spare opening) and plainchant elements with the bittersweet language of the salon, whilst never lapsing into mawkishness or insincerity.
The performances by the Orchestre et Choeur de l’Orchestre de Paris under Paavo Järvi are superb: the upper voices are outstanding for their warmth and purity, and some occasional rawness in the tenors is the only small blot on a choral sound which manages to be sensuous but never sleazy, and incisive without ever sounding mannered. The orchestra clearly have this music in their bones, with punchy, tangy brass-playing in the Gloria and Stabat Mater, plenty of textural clarity and a lovely feeling for the Baroque pastiche passages in the latter work in particular. The characterful French coloratura soprano Patricia Petibon is an inspired choice of soloist: her eclectic stage career has encompassed the high French Baroque heroines of Rameau and Lully as well as twentieth-century roles, and her early-music experience pays dividends in the austere passages of the Stabat Mater, whilst the louche sensuality of Berg’s Lulu (one of her most recently acclaimed roles) occasionally comes out to play in the Gloria.
So if you’d like a Gallic palate-cleanser amid the glut of Britten, Verdi and Wagner, do spare an hour to celebrate the glittering urbanity and ‘rustic faith’ of a composer who died just fifty years ago.
http://www.prestoclassical.co.uk/news.php?date=2013-11-25

Sunday, November 24, 2013

Prestigious Gold Panda Award for DW documentary

DW
Eva Wutke, Xiaoying Zhang 
20.11.2013
Co-produced by Deutsche Welle (DW), Unitel Classica and Radio Bremen, classical music documentary "Schumann at Pier2" has been awarded a top prize at the 2013 Sichuan TV Festival in China.
Schumann at Pier2 - a film that showcases a new approach to the symphonies of Robert Schumann - has won a Gold Panda for "Most Innovative" film in the "Anthropology" category at the Sichuan TV Festival, one of the largest and most prominent TV festivals in Asia. Altogether, over 5,000 productions from 77 countries were submitted for the Gold Panda awards this year.
The jury stated: "This film records and shows the beauty of romantic music with inventive scenes. The gorgeous visual tone plus the elegant and rhythmical music will make people bathe in pleasure and feel life's pulse and rhythm."
Filmed at Pier2, a former dockyard in the harbor of Bremen where pop and rock concerts usually take place, the documentary aims to present Schumann's works, interpreted by conductor Paavo Järvi and the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, to a young audience.
"I'm especially pleased that the jury honored our film as 'most innovative,'" commented DW director Christian Berger. "After all, it was our goal from the very beginning to present classical music in a contemporary way."
The Gold Panda is the latest in a string of awards for Schumann at Pier2, which was also nominated as one of the finalists in the "Best Programme" category at the Eutelsat TV Awards in Venice one day before the Sichuan TV Festival. This year it also won the renowned Japan Record Academy Award and was screened as part of the Eugene International Film Festival in the US in November.
With altogether twelve prestigious awards at international film and TV festivals, Schumann at Pier2 is one of the most successful classical music documentaries presented by Deutsche Welle.
http://www.dw.de/prestigious-gold-panda-award-for-dw-documentary/a-17241242

Friday, November 22, 2013

Gegen alle Klischees

Klassik.com
Dr. Stefan Drees 
15/11/2013
 
Hindemith, Paul - Violinsonaten & Konzerte



Frank Peter Zimmermann präsentiert eine phänomenale Einspielung unterschiedlicher Kompositionen Paul Hindemiths.
Es sei vorweg gesagt: Was Frank Peter Zimmermann auf dieser SACD-Produktion des Labels BIS mit der Musik des 1963 verstorbenen Paul Hindemith anstellt, ist phänomenal. Fast scheint es, als habe sich der Geiger eine Liste mit all jenen Klischees vorgenommen, die über den Komponisten im Umlauf sind, um sie mit seiner Einspielung zu widerlegen. Dies tut er, indem er insgesamt fünf Kompositionen präsentiert, die auf unterschiedliche Weise über die profunden Kenntnisse Hindemiths von der Violine und ihren spieltechnischen wie klanglichen Möglichkeiten Zeugnis ablegen. Den Anfang macht eine elektrisierende Aufnahme des optimistischen, sinfonisch konzipierten Konzerts für Violine und Orchester (1939), das Zimmermann gemeinsam mit dem Radiosinfonieorchester Frankfurt unter Leitung Paavo Järvi zu Gehör bringt.
Man glaubt diesem Gespann die Freude an der Darstellung des immer noch eher selten aufgeführten Werkes unmittelbar anzuhören: Gleich zu Beginn artikuliert sich auf beiden Seiten ein in höchstem Maße gespanntes, voller Energie steckendes Musizieren, das dem Solisten immer wieder Raum für klanglich zarte Passagen oder wohlklingende Kantilenen gibt. Von der Aufnahmetechnik exzellent unterstützt, bleibt das musikalische Geschehen selbst in den massiven Tuttipassagen des Werkes transparent, während die ausgedünnteren Abschnitte eine geradezu kammermusikalische Intensität erreichen. Zimmermanns ideen- und abwechslungsreiche Gestaltung des Violinparts – das Dialogisieren mit solistisch eingesetzten Holzbläserstimmen, die gewitzte Umsetzung von Akkorden oder Laufwerk und vor allem die im Vibrato sorgfältig abgestufte Formung melodischer Linien, die im Mittelsatzes ihren klanglichen Höhepunkt erreicht –, hebt diese fantasievolle Einspielung weit über den Durchschnitt und macht das Hören zu einem Vergnügen.
Hindemiths kammermusikalischer Auseinandersetzung mit der Violine widmen sich Zimmermann und sein ständiger Klavierpartner Enrico Pace in der Sonate in Es für Violine und Klavier op. 11 Nr. 1 (1918), der Sonate in E für Geige und Klavier (1935) und der Sonate in C für Geige und Klavier (1939). Auch hier ist nicht die geringste Spur von unterkühltem oder trockenem Musizieren zu entdecken; stattdessen überraschen die Musiker mit einer ebenso affektreichen wie poetischen Darstellung dieser drei Kompositionen: Die Leidenschaft, mit der die Sonate in Es anhebt, um dann bereits kurz darauf in einen fein gesponnenen Dialog zu münden, die bisweilen höchst klangsinnliche Darstellung der strengen Schlussfuge aus der Sonate in C, der rhythmisch elastische Zugriff auf die eng miteinander verschränkten Stimmen im Kopfsatz der Sonate in E oder die ins Fahle abgetönten Klangfarben im zweiten Satz der Sonate in Es gehören zu den stärksten Momenten dieser an Höhepunkten so reichen Produktion.
Zwischen diese beiden gewichtigen Blöcken mit Orchester auf der einen und Klavier auf der anderen Seite hat Zimmermann noch eine von Hindemiths Solosonaten, nämlich die Sonate für Violine allein ('Es ist so schönes Wetter draußen') op. 31 Nr. 2 (1924), geschoben. In diesem Stück lassen sich die Qualitäten des Geigers in Reinkultur ohne Mitwirkung anderer Musiker bewundern, treten seine Sicherheit in der Intonation, die überlegte Gestaltung von Spannungsaufbauten oder – wie im Variationssatz – der selbst auf kleinstem Raum voller klanglicher Varianten und Spielwitz steckende Zugriff ins Zentrum der Aufmerksamkeit. Auch dies trägt letzten Endes zum Gelingen dieser musikalisch lohnenden Veröffentlichung bei, die Hindemiths Musik zu einem abwechslungsreichen und vielschichtigen Ereignis werden lässt.
Interpretation:
Klangqualität:
Repertoirewert:
Booklet:


http://magazin.klassik.com/reviews/reviews.cfm?TASK=REVIEW&RECID=24843&REID=14722

Monday, November 18, 2013

Gegen alle Klischees

Klassik.com
Stefan Drees
15.11.2013


Hindemith, Paul - Violinsonaten & Konzerte

Frank Peter Zimmermann präsentiert eine phänomenale Einspielung unterschiedlicher Kompositionen Paul Hindemiths.
Es sei vorweg gesagt: Was Frank Peter Zimmermann auf dieser SACD-Produktion des Labels BIS mit der Musik des 1963 verstorbenen Paul Hindemith anstellt, ist phänomenal. Fast scheint es, als habe sich der Geiger eine Liste mit all jenen Klischees vorgenommen, die über den Komponisten im Umlauf sind, um sie mit seiner Einspielung zu widerlegen. Dies tut er, indem er insgesamt fünf Kompositionen präsentiert, die auf unterschiedliche Weise über die profunden Kenntnisse Hindemiths von der Violine und ihren spieltechnischen wie klanglichen Möglichkeiten Zeugnis ablegen. Den Anfang macht eine elektrisierende Aufnahme des optimistischen, sinfonisch konzipierten Konzerts für Violine und Orchester (1939), das Zimmermann gemeinsam mit dem Radiosinfonieorchester Frankfurt unter Leitung Paavo Järvi zu Gehör bringt.
Man glaubt diesem Gespann die Freude an der Darstellung des immer noch eher selten aufgeführten Werkes unmittelbar anzuhören: Gleich zu Beginn artikuliert sich auf beiden Seiten ein in höchstem Maße gespanntes, voller Energie steckendes Musizieren, das dem Solisten immer wieder Raum für klanglich zarte Passagen oder wohlklingende Kantilenen gibt. Von der Aufnahmetechnik exzellent unterstützt, bleibt das musikalische Geschehen selbst in den massiven Tuttipassagen des Werkes transparent, während die ausgedünnteren Abschnitte eine geradezu kammermusikalische Intensität erreichen. Zimmermanns ideen- und abwechslungsreiche Gestaltung des Violinparts – das Dialogisieren mit solistisch eingesetzten Holzbläserstimmen, die gewitzte Umsetzung von Akkorden oder Laufwerk und vor allem die im Vibrato sorgfältig abgestufte Formung melodischer Linien, die im Mittelsatzes ihren klanglichen Höhepunkt erreicht –, hebt diese fantasievolle Einspielung weit über den Durchschnitt und macht das Hören zu einem Vergnügen.
Hindemiths kammermusikalischer Auseinandersetzung mit der Violine widmen sich Zimmermann und sein ständiger Klavierpartner Enrico Pace in der Sonate in Es für Violine und Klavier op. 11 Nr. 1 (1918), der Sonate in E für Geige und Klavier (1935) und der Sonate in C für Geige und Klavier (1939). Auch hier ist nicht die geringste Spur von unterkühltem oder trockenem Musizieren zu entdecken; stattdessen überraschen die Musiker mit einer ebenso affektreichen wie poetischen Darstellung dieser drei Kompositionen: Die Leidenschaft, mit der die Sonate in Es anhebt, um dann bereits kurz darauf in einen fein gesponnenen Dialog zu münden, die bisweilen höchst klangsinnliche Darstellung der strengen Schlussfuge aus der Sonate in C, der rhythmisch elastische Zugriff auf die eng miteinander verschränkten Stimmen im Kopfsatz der Sonate in E oder die ins Fahle abgetönten Klangfarben im zweiten Satz der Sonate in Es gehören zu den stärksten Momenten dieser an Höhepunkten so reichen Produktion.
Zwischen diese beiden gewichtigen Blöcken mit Orchester auf der einen und Klavier auf der anderen Seite hat Zimmermann noch eine von Hindemiths Solosonaten, nämlich die Sonate für Violine allein ('Es ist so schönes Wetter draußen') op. 31 Nr. 2 (1924), geschoben. In diesem Stück lassen sich die Qualitäten des Geigers in Reinkultur ohne Mitwirkung anderer Musiker bewundern, treten seine Sicherheit in der Intonation, die überlegte Gestaltung von Spannungsaufbauten oder – wie im Variationssatz – der selbst auf kleinstem Raum voller klanglicher Varianten und Spielwitz steckende Zugriff ins Zentrum der Aufmerksamkeit. Auch dies trägt letzten Endes zum Gelingen dieser musikalisch lohnenden Veröffentlichung bei, die Hindemiths Musik zu einem abwechslungsreichen und vielschichtigen Ereignis werden lässt.
Interpretation:
Klangqualität:
Repertoirewert:
Booklet:

http://magazin.klassik.com/reviews/reviews.cfm?TASK=REVIEW&RECID=24843&REID=14722

Irritant ou original?

ForumOpera
Pierre-Emmanuel Lephay
10/29/2013

Cet enregistrement des plus belles pièces sacrées de Francis Poulenc sonne avant tout comme une confirmation : confirmation que Paavo Järvi a de grandes affinités avec la musique française et que son Orchestre de Paris est dans une forme superlative, avec notamment des bois remarquables. Dans ce répertoire qui les met tant en valeur, il s'agit d'un atout considérable. On a rarement entendu ces œuvres aussi bien jouées.

Järvi semble quant à lui comme un poisson dans l’eau avec ces partitions où il trouve toujours le tempo juste et dont il exalte tant la fantaisie que la profondeur. Seules les Litanies à la Vierge Noire (jouées dans leur superbe transcription pour orchestre à cordes et timbales) manquent de mystère, de demi-teintes, d’émotion. La faute aussi à un chœur trop sonore et charnu alors qu’on aurait souhaité quelque chose de plus évanescent dans une partition approchant le sublime.

Le Chœur de l’Orchestre de Paris est par ailleurs l’un des points problématiques de cet enregistrement. Même s’il a été remarquablement préparé par son chef Lionel Show, il n’en affiche pas moins les couleurs d’un chœur amateur, ce qui est surtout sensible chez les messieurs… La comparaison avec d’autres enregistrements, par exemple celui – magnifique, et avec le même programme – de Richard Hickox (Westminster Singers), est assez cruel.

Quant à Patricia Petibon… elle fait du Petibon. La pochette du CD (superbe, avec une photo qui semble sortie d’un film de Jane Campion) montre qu’elle est d’ailleurs au centre du projet… un peu trop sans doute pour des œuvres essentiellement chorales.Très investie, la chanteuse impose sa personnalité fantasque dans des œuvres qui n’en demandent pas tant. (Ab)usant de sons plats éthérés et d’une langueur un peu surprenante, on est parfois au bord du minaudage… (par exemple dans le Domine Deus du Gloria). Selon les goûts, on trouvera cela irritant ou original…
Francis POULENC
Stabat Mater, Gloria, Litanies à la Vierge Noire




Soprano
Patricia Petibon
Chœur de l’Orchestre de Paris
Direction
Lionel Show
Orchestre de Paris
Direction musicale
Paavo Järvi
1 CD Deutsche Grammophon

http://www.forumopera.com/index.php?mact=News,cntnt01,detail,0&cntnt01articleid=5738&cntnt01returnid=55

Monday, November 04, 2013




Nhạc trưởng đoạt giải Grammy khiến khán giả Việt bất ngờ

Vietnam.net
Hồ Hương Giang
31/10/2013
Với một cơ cấu hết sức tinh giản, 30 nhạc công của Dàn nhạc giao hưởng Paris đã chơi dày dặn, đầy sức sống như thể có tới 50 người.
Khán giả cảm thấy hồi hộp ngay từ những phút đầu tiên. Hiếm khi sân khấu Nhà hát TP.HCM lại được thiết kế tối giản đến thế cho một buổi trình diễn nhạc cổ điển. Chỉ có những tấm màn nhung màu đen sẫm, không có bất cứ hình thức trang trí nào. 30 nhạc công xuất hiện trong trang phục đen, làm nổi bật lên ánh sáng ấm áp của những nhạc cụ màu cánh gián.
Paavo Järvi, dàn nhạc giao hưởng Paris, nhạc cổ điển, Tổ khúc Holberg, Orchestre de Paris
Dàn nhạc giao hưởng Paris tại Việt Nam tối 30/10
Phong cách Pháp tiếp tục hiện hữu trong bản Giao hưởng số  83 của nhà soạn nhạc thời kì cổ điển. Joseph Haydn được coi là cha đẻ của giao hưởng và bản giao hưởng "Con gà mái" được chơi tối 30/10 tại TP.HCM nằm trong chuỗi 6 bản Giao hưởng Paris. Có thể nói, nhạc trưởng Paavo Järvi đã lựa chọn ra một nhạc mục vô cùng thông minh, tinh tế.
Với quy mô nhỏ chỉ 30 nhạc công chơi tại Việt Nam, bởi không gian hạn chế của hai nhà hát (trong khi đó dàn nhạc giao hưởng Paris sẽ chơi ở Nhật Bản trong những ngày kế tiếp với đầy đủ 100 người), Paavo Järvi đưa đến cho khán giả năm bản giao hưởng/tổ khúc có nhiều chương ngắn, xen kẽ giữa những giai điệu vui tươi và tính trữ tình.
Như thế, tổng thể của đêm diễn vừa có tính mảng miếng, vừa có tính chi tiết. Giữ được sự thay đổi liên tục trong không gian âm nhạc như vậy, những khán giả chưa thực sự quen thuộc với nhạc cổ điển sẽ không cảm thấy mệt mỏi, nặng nề.
Khúc phóng tác cho sáo flute của Faure và hai chương đầu của bản giao hưởng số 33 (Mozart) được chơi sạch sẽ, chuyên nghiệp, tuy nhiên không tạo ra nét đặc sắc riêng của dàn nhạc. Nhưng Tổ khúc Holberg của nhà soạn nhạc vĩ đại nhất Na Uy - Evard Greig - đã được chơi thực sự tuyệt vời, đỉnh cao.
Ở đây, nó thể hiện được tinh thần của nhạc trưởng Paavo Järvi và dàn nhạc trong cách ông lựa chọn tốc độ, làm nổi bật âm sắc dày trầm của những cây cello, contrabass bên cạnh bè cao của violin. Một tác phẩm được chơi tuyệt đẹp với âm nhạc tiến sâu vào tâm khảm, đến mức có thể khiến người nghe rơi lệ.
Sinh ra tại Estonie và trưởng thành trên đất Mỹ, nhạc trưởng Paavo Järvi không khiến cho người nghe có cảm giác về dấu ấn Mỹ trong cách chỉ huy của ông. Như là linh hồn của dàn nhạc, ông dẫn dắt các nhạc công một cách tinh tế, ra hiệu ở những chi tiết nhỏ và chú ý đến các biến điệu. Một nhạc trưởng tuyệt vời.
Paavo Järvi, dàn nhạc giao hưởng Paris, nhạc cổ điển, Tổ khúc Holberg, Orchestre de Paris
Nhạc trưởng Paavo Järvi và các nhạc công dàn nhạc chào khán giả

http://m.vietnamnet.vn/vn/van-hoa/147210/nha-c-truo-ng-doa-t-gia-i-grammy-khie-n-kha-n-gia--vie-t-ba-t-ngo-.html#