Thursday, January 28, 2021

Orchestre de Paris – Beatrice Rana plays Tchaikovsky’s First Piano Concerto, Paavo Järvi conducts Berlioz’s Fantastic Symphony [live webcast]

Colin's Column
Guest Reviewer, Ateş Orga
27.01.2021


Last week Paavo Järvi was recording Tchaikovsky with the Tonhalle-Orchester Zürich. Continuing the groove in this Paris concert, he crafted a view of the First Piano Concerto neither bloated nor histrionic, attentive to detail and smooth joining, tactfully steering back moments in danger of side-tracking into gratuitous effect. A quietly tensioned structure seemed to be the aim. Beatrice Rana proved largely reliable – rippling away, thundering her double octaves, mixing canzona and glitter in the slow movement, venturing those (?mannered) twists in the first’s cadenza familiar from her Santa Cecilia recording with Pappano. But her coolness, somewhat tense body language, and air of disdain made for a remote listening and watching experience, little more than an efficient run-through wanting in warmth and passion, the big moments held at arm’s length, the electricity at reduced voltage.

Which couldn’t be said of Berlioz’s Symphonie fantastique, premiered little more than three years after Beethoven’s death yet of an advancement, orchestral modernity and risk that still captivates, astonishes and challenges. The Orchestre de Paris (of which Järvi was music director, 2010-16) has virtuoso command of its world. As much as atmosphere, water and air, streets and monuments, history and tradition, the sounds, rhythms and cadences of language, the countless indeterminables that go into defining the life, love, culture and psyche of place, it’s in the blood of everyone. These players don’t need to be taught this music, they don’t need high-octane choreography on the podium. Just a little policing at the crossroads. Järvi knows that.

Following him this past twelve months – from public concerts with the NHK Symphony and at his Pärnu Festival in Estonia to lockdown, no-audience pandemic-restricted webcasts with the Philharmonia and the Tonhalle-Orchester – it’s easy to see why he’s in such demand. Put plainly, he does his homework, his technique is crystal-clear. He’s an encouraging presence, not an invasive one. He does what’s necessary, his grounded physical communication is authoritative without being dictatorial. Making music harmoniously is what matters. He doesn’t have to manufacture drama or dreams. An occasional double-handed baton, the slightest movement of a shoulder, a stoop, a pursing of the mouth, a look in the eye, is enough to liberate. As one of his Zürich violinists put it to me last week, “there is so much the eyes can tell”.

First movement. The introduction’s woodwind balancing, that wonderful horn solo at Letter F, boded well. Crisp articulation. Boldly contrasted dynamics. Exposition repeat. The most haunting of hushed codas, the composer’s “whole orchestra as soft as possible”, the C major ensemble glowingly at rest. ‘A ball’. Three harps. A Parisian waltz, graceful, vigorous, rubato veined. “Scene in the Country”. Järvi these days has a way with slow movements. This one was another canvas of masterly mood-painting and lyric atmosphere. Poetic richesse, a magical leaning, from the opening cor anglais and offstage oboe exchanges. Glorious string playing. Sulphuric, mysterious thunder from the four timpani at the end, rolling yet rhythmic. Nightfall, solitude. “March to the Scaffold”. Inevitably onward moving, menacing. Interesting string detailing (the slurred/staccato precision attack at Letter H for one, the crescendo scale into Letter J for another). Maybe the pizzicato guillotine drop didn’t quite come off (a mezzo-forte miscalculation on Berlioz’s part, I’ve always thought), but the ascending first-violin arpeggiated G-major notes at the very end certainly did (rarely played so clearly, and the more satisfying because of that). ‘Dies Irae’ Finale. More-prominent bells than usual but clearly effective programmatically. Pertinent distinction between Allegro = 112 at letter C (clarinet, bell raised = screeching bat) and Allegro = 104 at letter E. Monstrous downbeat pianissimo-offbeat fortissimo string/bass drum swells at Letter Q, Berlioz’s unnerving metric displacement sabre slashed.

Busy while other places are shut or in suspension – albeit without audience, and with masks, spacing restrictions and individual music stands in place – the Philharmonie’s webcast was tutti reverberant. Visually, the blue lighting, white spots and faint washes of mist created an evocative backcloth, any number of images and allusions rising out of the dark. Some of the camerawork focussing on Järvi made for striking shots, backlit scenes in Fantasia and old period black-and-whites coming to mind.

Das Dunkle überwinden: Paavo Järvis Tschaikowsky-Zyklus mit dem TOZ

Bachtrack
Jens Klier
22.01.2021

Der erste Zyklus zum Amtsantritt Paavo Järvis als Musikdirektor des Tonhalle-Orchesters Zürich ist den Werken von Tschaikowsky gewidmet. Die Initialzündung mit der Fünften Symphonie und Francesca da Rimini konnte noch vor der Corona-Zäsur stattfinden, dessen Resultat der Dirigent wie folgt beschreibt: „Ich habe versucht, mit dem Tonhalle-Orchester Zürich einen grundlegend neuen Ansatz in der Interpretation der so bekannten Klänge zu finden“. Da die Pandemie noch weiter andauert, Publikum, Orchester und Dirigent ihre Reise mit dem Komponisten aber in drängender Neugier fortsetzen wollen, wurde ein Livestream eingerichtet, mit dem zur passenden Jahreszeit zur Symphonie Nr. 1 geschritten wurde, die allerdings mit der unabhängig vom meteorologischen Aspekt intendierten Fantasieanregung in existenziell bedrohten Umständen mit der Aktualität übereinstimmte. Den „Winterträumen” beigestellt war zudem das Capriccio Italien, mit dem wiederum auf die tatsächlich touristische Aktivität Tschaikowskys geblickt werden konnte.

Das alle Dunkelheit überwindende Programm startete allerdings mit dem Feierlichen Krönungsmarsch. Und damit selbstprophezeiend? Ja, denn für das TOZ und seinen ganz überwiegend brillanten Tschaikowsky könnte es keinen stimmungsvolleren und die Aussage Järvis unterstreichenderen Einstand in das neue Jahr gaben als diesen Pomp für Zar Alexander III., der eine Huldigung für die den Auftritt herbeisehnenden Musiker und an alle wahren Königinnen und Könige in der heutigen unglaublichen Zeit der Krise wurde. Größte Spielfreude sprang da aus allen Sektionen über den Bildschirm in die Sessel und Synapsen daheim, die auf Geist und Ohr wie eine Frischzellenkur wirkte. Wann lässt sich das schon einmal über ein martialisches Prunkstück sagen?!

Aufgeweckt riefen die Bläser im Capriccio anschließend noch zu einem weiteren Appell, dem der römischen Kaserne. Und wenn er so akkurat erklang wie von der eidgenössischen Truppe in der Tonhalle Maag, dann mag man sich gut vorstellen, wie der Tourist die Aufwachfanfaren als Ansporn für den Tag genommen hat. Die Streicher gaben dabei ihriges, die warm-knackige Grundbalance mit Leidenschaft zu füllen, ohne den gefundenden Orchestersound durch zu breit Gequollenes wieder zu Brei zu schlagen. Die aufgeschnappte italienische Temperamentsbeschau und Idiomatik entfaltete sich so viel feinfühliger und eleganter, schließlich mit Oboe, Flöte und Bässen derart sinngespitzt, dass die Lust auf ein erstes Tänzchen in der Morgensonne nachvollziehbar und ohne schweren Bauch oder Schädel reifte. Mit der zuträglich befreienden Gemütlichkeit hörte man nach und nach die weiteren, flotteren Melodien bis zur karnevalistischen Tarantella, die in den Straßen zirkulierte oder mit dem Land verbunden wird. Die ausgelassenen Eindrücke sollten in einem fulminanten Fernweh-Rausch münden, der in passepartouthafter Eminenz nicht größer ging als in diesen beladenen Monaten.

Die Sehnsucht nach helleren Tagen ist im Winter nun einmal unweigerlich am stärksten, selbst wenn die kalte Jahreszeit seine eigenen, vor allem weißen, Reize hat. Zu Tschaikowskys und vorigen Zeiten barg der Winter größte Gefahren und Ängste, umso dringlicher war eine gewisse Beruhigung. Allegro tranquillo – Träume einer Winterreise ist demnach der erste Satz der Ersten Symphonie überschrieben, den Järvi allerdings als eine jugendliche Finte, zumindest ja die widersprüchliche Doppelseitigkeit entlarvte. Denn so wenig wie man bei der Winterreise oder deren Erträumen auf konkrete Erlebnisse des Komponisten schließen kann, so wenig ließ man sich beruhigen, als es vorstellungshalber auf eine veritable Schlittenfahrt ging, bei der die risikofreudigen Kids auf ihre Kosten kamen. Geschwindigkeit und Bedrohungspotenzial entwickelten sich in dem voller Kontraste steckenden Satz grandios, ebenso wie das Lichtspiel im langsamen Land der Öde, Land der Nebel, in dem sich bei allem melancholischen Augenreiben der Schleier kühler Einsamkeit hob. Denn statt eines Einigelns in oder Abfindens mit den hornistisch mahnenden Herausforderungen konnte dem Winterlichen der Zauber des Aufbäumens und baldigen Lichtens abgewonnen werden, der eine vorsichtige, im Scherzo nicht zu tänzerisch-pointierte Sursprise erfuhr. Manch ungläubiges Fragen glühte deshalb noch im Andante lugubre, das aber von energisch-verlangenden Fugati und Bestätigungssalven des Trotzes weggewirbelt wurde. Obwohl das stürmische Finale kleinere rhythmische Unebenheiten provozierte, avancierte das Konzert zum Wintertraum.

Die Vorstellung wurde vom Livestream auf IDAGIO rezensiert.

Sunday, January 24, 2021

Tonhalle-Orchester Zürich – Paavo Järvi conducts Tchaikovsky’s Winter Daydreams Symphony [live Idagio webcast]

Colin's Column
22.01.2021
Guest Reviewer, Ateş Orga

Friday, January 22, 2021
Konzertsaal Tonhalle Maag, Zürich, Switzerland


In the midst of high-profile cancellations, starved of music-making these past months, hungry to get back, the Tonhalle-Orchester Zürich under its music director Paavo Järvi mustered strong forces and familiar faces for this Tchaikovsky webcast.

Common to all three works in the programme was traditional material. Russian/Danish in the D-major Coronation March written for the instalment of Alexander III (1883, premiered under Taneyev, recalling the Imperial Hymn of 1812 and Marche slave); Russian in the First Symphony (1874 revision); Latin in the Capriccio Italien (1880). Järvi’s grandiose take on the March was robust, mindful of pomp without exaggeration, all departments of the orchestra (virus-tested, masked, distanced, separate stands, antiphonal violins, cellos and violas to left and right of twelve o’clock) given an opportunity to flex and shine, the final unison notably imposing in quality and sign-off. The Capriccio sauntered its familiar way, rich in string tone and brass weighting, the woodwind solos shaped and eloquent, the simplest musical gestures and cadences invested with narrative depth, no speed too extreme. Italy from the perspective of a mimosa-scented summer day, less parade-ground focussed than lyrically embracing.

“Snow swept the world from end to end. A candle burned on the table” – Pasternak … Conceived during a period of nervous disorder, insomnia and hallucinations, generally after dark, the First Symphony, mined in part from earlier compositions, occupied Tchaikovsky for almost a decade, giving him no end of misgivings, heart-ache and feelings of inadequacy. Yet he retained a soft spot for what he’d written. “Despite all its huge shortcomings, I still nourish a weakness for it … a sin of my sweet youth […] In many respects it is very immature, although fundamentally it is still richer in content than many of my other, more mature works.” ‘Winter Daydreams’ he called it, subtitling the first two movements “Daydreams of a Winter Journey” and “Land of Gloom, Land of Mist”. If a descriptive, extramural programme lay within, he never said. Beyond possible (vague) folk allusions in the Finale relating to flowers or a young girl, the mystery remains. But as a “winter” work it reached the public. And a “winter” tale it remains. G-minor angst, G minor regret. “A January day was drawing to its close; the evening cold pierced keenly through the motionless air” – Turgenev …

Distant Alps, the sun long dropped “out of sight behind the hills west of the lake” (Charif Shanahan). Snow on the ground, houses still with their Christmas lights, fires burning in grates. Within the hall an orchestra in its stride, responsive to Järvi’s expectations, the players’ appreciation making up for the absence of an audience, a week of rehearsals and recording behind them, Alpha’s microphones and production crew on hand to the end. Averaging forty-three minutes (both on this occasion and in 2012 with his old Frankfurt band), Järvi, contrasting/questioning the brisk forty of his father Neeme in Gothenburg, stands broadly with Jansons and Fedoseyev in this music. Fifty-plus years ago, quicker overall, Maazel and Markevitch proposed a variety of phrased tempo fluctuations without the progressive rush Gergiev has since come to instil. Svetlanov in Moscow adjusted his account between forty-two minutes (1967) and forty-eight (1993). Karajan, Bernstein, Rostropovich favoured the forty-five mark.

Taking advantage of Idagio’s catch-up facility reinforced the solidarity of Järvi’s reading. Things like the barely murmured tremolando at the start provided the perfect backdrop for the flute and bassoon entry. Throughout he made the most of Tchaikovsky’s tensioned transitions, easing back the pulse to turn implication into sepulchred theatre. Time and again, living the 1918 words of Maximilian Rudwin, Polish-American “scholar of the fantastic”, he walked us through the “Valley of Shadow … overwhelmed by a wealth of woe … steeped in gloom … [Russia’s] heaven-rending cry of anguish.” Gem of the night was the E-flat Adagio, luxuriantly expressive and sculpted, followed by the Scherzo, so many of Tchaikovsky’s deft later orchestral touches arrayed before us. Challenge accepted, everyone went for the fugato entries of the Finale. With so many fine players and pedigree section principals in the Tonhalle, two especially held the attention. Sabine Poyé Morel (flute), Simon Fuchs (oboe). Cultured artists of supreme sound and delivery, the most conversationally refined interaction. A joy to experience.

Monday, January 18, 2021

The Sunday times / On record: classical

The Sunday Times
Hugh Canning
17.01.2021

Photo: Kaupo Kikkas

Album of the week
Franz Schmidt
Complete Symphonies
Frankfurt Radio Symphony, cond Paavo Järvi

The four symphonies of Franz Schmidt span the first 30 years of the 20th century, his first a remarkable, if not startling, essay of a budding composer in his twenties. By the standards of his peers his works may sound old-fashioned, but his melodic material and gift for orchestration, especially his writing for solo woodwinds, make these works worth exploring, especially in Järvi's new Frankfurt set. His father, Neeme Järvi, shared them between the Detroit and Chicago symphony orchestras in his mid-1990s recordings, originally coupled with rare Strauss. The famous Bavarian makes a fleeting "appearance" in the first movement of No 2, but Schmidt's influences are not easy to place and the cycle inhabits its own sound world. The Frankfurt band - conducted with luminous transparency - bring a more Central European sound to the music than Neeme Järvi's high-gloss Americans.

Schönheit ohne Scheu

Frankfurter Allgemeine Zeitung
Clemens Haustein
11.01.2021

Paavo Järvi dirigiert Franz Schmidt

Die klassische Moderne hat uns ein Misstrauen in die Schönheit vererbt. Deshalb mag Franz Schmidt mit seiner schönheitstrunkenen Musik nach wie vor zu den Komponisten gehören, die entschiedener Plädoyers bedürfen. Es waren stets wenige Dirigenten, die sich mit dem symphonischen Schaffen des 1874 in Pressburg geborenen, später in Wien lebenden Komponisten auseinandersetzten. Neeme Järvi etwa, der mit dem Chicago Symphony Orchestra eine der ersten Gesamteinspielungen der vier Symphonien vornahm. Und Zubin Mehta, der dabei auch seinen Sinn bewies für die Verästelungen der Wiener Musiktradition. Fünfzehn Jahre lang war Franz Schmidt Cellist im Orchester der Hofoper und bei den Wiener Philharmonikern; das Orchester pflegt die Erinnerung an sein früheres Mitglied bis heute. Kürzlich kam Kirill Petrenko hinzu, der Schmidts Vierte bei den Berliner Philharmonikern aufs Programm setzte, kaum dass er zum neuen Chefdirigenten gewählt worden war.

Und nun Paavo Järvi mit dem Sinfonieorchester des Hessischen Rundfunks, dessen Chef er von 2006 bis 2013 war. Aus dem letzten Jahr seiner Amtszeit datiert die Einspielung der zweiten Symphonie, die übrigen drei Symphonien wurden in den folgenden Jahren live mitgeschnitten: Nachschwingungen der äußerst fruchtbaren Zusammenarbeit während Järvis Frankfurter Jahren.

Kraft und Stabilität verbinden sich mit Lust und Klangsinnlichkeit. Für Schmidts Musik sind die Beteiligten damit bestens gerüstet: Man verliert sich nicht in der Pracht, die die Partituren des Komponisten bereithalten, und muss dafür nicht einmal die Atmosphäre herunterkühlen, wie es noch Paavo Järvis Vater Neeme in Chicago mit eiliger Geradlinigkeit tat. Schmidt, das bestätigt die neue Aufnahme, war ein Könner in vielfacher Hinsicht. Sein Orchestersatz ist von perfekt berechneter Statik, gebaut auf ein sicheres Bassfundament, in die Höhe verästelt er sich in feinste Bläserlinien. Darin zeigt sich nicht nur die praktische Erfahrung des Orchestermusikers Schmidt, sondern auch der Horizont des Pianisten und Organisten Franz Schmidt. Kontrapunktische Komplexität zeigen seine Symphonien ebenso, wie sie den sicheren Umgang mit der großen Form bezeugen. Wenn sich im Variationssatz der zweiten Symphonie plötzlich und „sehr leidenschaftlich“ eine ekstatische Kantabilität Bahn bricht, eingeleitet von einem Signal des Tamtams, beglänzt von Hörnern, die wie im Taumel in höchste Höhen aufsteigen, dann verpasst es Schmidt nicht, nachträglich noch einmal die Außerordentlichkeit dieses Ereignisses zu bestätigen. Er zitiert diese achte Variation im letzten Satz zum triumphalen Schluss.

Überhaupt fällt in der Zusammenschau der vier Symphonien Schmidts kreativer Umgang mit der traditionellen Form auf: die Verbindung mit der barocken Suite etwa, wie sie in der ersten Symphonie im ouvertürenhaften Beginn des ersten Satzes und im verspielten Anfang des Schlusssatzes zum Ausdruck kommt. In der zweiten Symphonie verschmilzt Schmidt kunstvoll den langsamen Satz mit dem Scherzo, in der vierten entfallen alle Satzpausen. Das Werk kommt und geht, von einem nackten Trompetensolo aus der Ferne geholt und am Ende wieder in die Ferne entlassen.

Hier, in der Vierten, die Franz Schmidt nach dem Tod seiner Tochter schrieb, deutet sich auch eine Gebrochenheit an, die die vorangegangenen Symphonien kaum zeigen. Dem an der Musik Gustav Mahlers geschulten Hörer wird die existentielle Dringlichkeit abgehen, wenn im Kopfsatz der Zweiten (komponiert 1913) ein Marschthema erscheint in deutlicher Nachfolge Mahlers. Das triumphale Gehabe dieses Marsches bleibt unhinterfragt. Und wer sich bei Schmidts Musik an Richard Strauss erinnert fühlt, wird womöglich die intelligente Überlegenheit vermissen, die er von Strauss gewohnt ist. Schmidt ist ein Schönheitssüchtiger, der mit aparten Harmonien spielt, entwaffnend offen den Effekt sucht, wenn er atonal anmutende Klangvernebelungen einsetzt zur Schattierung seiner Instrumentation, und der ein durchaus gesundes Pathos ebenso liebt wie die dekorative Geste. Dass er in seinen letzten Jahren auch für die Nationalsozialisten interessant wurde, gehört zur Tragik seines Lebenslaufs. Könnerschaft und Schönheiten seiner Musik aber lohnen die Entdeckung. Paavo Järvi und das hr-Sinfonieorchester helfen dabei.

Friday, January 08, 2021

Paavo Järvi: „Glatzköpfige Dirigenten sind besser“

Rondo Magazin
Robert Fraunholzer
RONDO Ausgabe 6 / 2020


Photo: Kaupo Kikkas

Paavo Järvi über seinen Tschaikowski-Zyklus in Zürich, seinen legendären Bremer Beethoven – und das Dirigieren ohne Haare.


RONDO: Herr Järvi, wodurch zeichnet sich für Sie eine gute Tschaikowski-Interpretation aus?

Paavo Järvi: Das ist eine große Frage. Meine Ansicht dazu hat sich drastisch verändert. Die Modell-Deutungen der Sinfonien von Tschaikowski stammen, wie Sie vielleicht wissen, von dem großen Dirigenten Jewgeni Mrawinski. Bei ihm kam alles darauf an, sehr gut zu strukturieren und nicht zu viele Gefühle hochkochen zu lassen. Man fürchtete Sentimentalität. Mich ermüdet dieses Dogma. Schließlich stammte Mrawinski, bei dem noch Mariss Jansons gelernt hat, aus der härtesten Stalin-Zeit. Man hatte immer einen Koffer hinter der Tür, für den Fall, dass man fliehen müsse. Wir sollten Tschaikowski neu denken.

RONDO: Wie sieht Ihr neuer Tschaikowski aus?

Järvi: Weniger strikt. Er verträgt, wie ich glaube, etwas mehr Sentimentalität. Denn er ist russischer als wir denken, insofern als er – ganz so wie die russischen Romanautoren – ein großer Erzähler war. Man soll die Nähe zu Tolstoi und Dostojewski wieder hören! Sie waren nur wenig älter. Übrigens, wer mich zu Tschaikowski zurückbrachte, war der späte Bernstein. Bei ihm hat es an Gefühlen nie gefehlt.

RONDO: Warum beginnen Sie Ihre Arbeit beim Tonhalle-Orchester russisch?

Järvi: Weil man, wie bei allen Zyklen, vor allem eines braucht: Zeit. Also muss man, bei großen Baustellen, früh genug anfangen. Ich habe auf ein Orchester dieser Qualität gewartet, um Tschaikowski in Angriff zu nehmen. Wir wollen Dinge tun, die mein wichtigster Vorgänger, David Zinman, nicht so oft gemacht hat.

RONDO: Was wollen Sie mit dem Tonhalle-Orchester erreichen?

Järvi: Das Tonhalle-Orchester ist eines jener Spitzenensembles, die zwar jeder kennt, aber von denen kaum einer weiß, wie gut es ist. Ich kannte es von CDs, vor allem durch Zinman. Ich habe inzwischen so ziemlich alle großen Orchester weltweit dirigiert. Es gibt Städte wie etwa Amsterdam oder Leipzig, bei denen man sofort an das dortige Orchester denkt. Das ist genau, was ich für Zürich erreichen will.

RONDO: Der wichtigste Körperteil eines Dirigenten, so haben Sie einmal geäußert, sei der Rücken. Würde das nicht bedeuten, dass Sie vor allem für das Publikum da sind?

Järvi: Absolut, und deswegen war die Antwort auch nur ein Scherz. Ich gebe zu, dass ich bei Leonard Bernstein sofort an den rollenden Rücken und an die Schultern denken muss. Wichtiger noch sind für jeden Dirigenten: die Augen. Ich habe Karajan nie verstanden, dass er sie beim Dirigieren schloss. Die Augen sind das, wodurch ein Dirigent mit dem Orchester intim verbunden ist. Viel wichtiger als die Hände.

RONDO: Was machen Sie dann, wenn die Musiker nicht schauen?

Järvi: Wenn Musiker nicht hinschauen, hat das fast immer mit dem Chefdirigenten zu tun. Sie trauen sich nicht hinzuschauen, weil sie fürchten ‚rauszukommen‘. Ich brauche, wenn ich vor ein neues Orchester trete, genau zwei Minuten, um herauszufinden, wie gut der Chef ist. Was tut man also, wenn sie wegschauen? Man fängt an zu reden. Und versucht Vertrauen zu bilden. Man fragt: Glauben Sie nicht, dass wir durch Augenkontakt besser verbunden wären?

RONDO: Ihr Beethoven-Zyklus mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen galt, als er vor über zehn Jahren erschien, als Sensation. Heute, wo der Zyklus in einer Box erscheint, gibt es weit mehr Kammerorchester, die Beethoven spielen?!

Järvi: Nachdem ich es mich jahrelang nicht getraute, habe ich kürzlich noch einmal reingehört in diesen Zyklus, und war erstaunt, wie frisch er klingt. Das ist das Entscheidende. Deswegen bin ich in Bezug auf den Vergleich mit jüngeren Zyklen ohne Sorgen. Die ‚Test-Sinfonie‘ ist übrigens immer die Eroica. Als Box waren alle Neune bislang nur in Japan erhältlich, nicht bei uns. Außerdem sind jetzt auch die Ouvertüren mit dabei. Ich glaube, die Aufnahme hat ihren Platz gefunden. Und wird bleiben.

RONDO: Sie selber werden in Bremen auch für immer bleiben?

Järvi: Ich hoffe es. Nach 25 Jahren, davon 15 als künstlerischer Leiter, ist das natürlich schwer vorauszusagen. Der Vertrag immerhin erneuert sich von selbst. Wir gehören zusammen und wenden uns aktuell den Sinfonien von Joseph Haydn zu. Was kann es Schöneres geben!?

RONDO: Sie haben früher einmal behauptet, der Unterschied zwischen der Kammerphilharmonie und einem traditionellen Orchester bestehe darin, dass Sie die Kammerphilharmonie nicht dirigieren müssen!

Järvi: Das war vielleicht etwas selbstlos ausgedrückt. Aber tatsächlich ist es so, dass die Kammerphilharmonie derart gut ist, dass ich mich ganz aufs Gestalten konzentrieren kann. Technisch gesehen sind sie selbständig.

RONDO: Wie verändert man den Klang eines Orchesters? Oder wollen Sie das nicht?

Järvi: Gute Orchester bringen immer bereits einen spezifischen Klang mit. Und was wichtiger ist: Sie werden ihn nie verlieren. Unter ganz schlechten Dirigenten kann man den Klang vielleicht manchmal nicht wiedererkennen. Das Orchester wird sich davon aber rasch wieder erholen. Als ich Chefdirigent beim Cincinnati Symphony Orchestra war, empfand ich das Orchester zwar als sehr gut, wünschte mir aber mehr ‚Fleisch‘ in den Streichern und weniger Brillanz bei den Bläsern. Bei den Londoner Orchestern, um ein anderes Beispiel zu nennen, sind die Streicher vorzüglich, aber bisweilen ziemlich uniform. Ich kann nur sagen: Es ist sehr viel Arbeit, daran etwas zu drehen.

RONDO: Bei der Deutschen Grammophon erschien kürzlich Ihr Zyklus mit den vier Sinfonien von Franz Schmidt. Bislang gab es nur eine Gesamteinspielung mit Ihrem Vater, Neeme Järvi. Da wird der aber sauer sein!

Järvi: Ganz im Gegenteil. Er wird glauben, dass die Saat aufgegangen ist. Und das stimmt ja auch. Ich kenne vieles, auch die Werke von Max Reger, Alexander Glasunow oder Hans Rott, hauptsächlich durch meinen Vater. Er ist der Chefausgräber der Familie. Zu Weihnachten wird er mir überglücklich in die Arme fallen. Und mir gleich 100 neue Aufträge erteilen.

RONDO: Ziehen Sie demnächst von London nach Zürich um?

Järvi: Wenn wir im nächsten Jahr in die renovierte Tonhalle zurückkehren, könnte ich mir das schon vorstellen. Einstweilen wohne ich in Zürich noch im Hotel. Es gibt dort sehr schöne Hotels. Sie sind gegenwärtig nicht überbucht.

RONDO:
Sie sind einer der wenigen Dirigenten, die auch ohne Haare großen Erfolg haben. Machen wenig Haare den Beruf schwieriger? Oder ist die Frage unsinnig?

Järvi: Zunächst einmal: Diese Schlacht habe ich vor vielen Jahren bereits verloren. Dirigentisch gesehen: kein sehr großer Unterschied. Mir kommt es eher so vor, als wenn ich seitdem über mehr Gesicht verfüge. In der Vergangenheit gab es eine ganze Reihe glatzköpfiger Dirigenten, die vorzüglich waren. Zum Beispiel Erich Leinsdorf.

RONDO: Ebenso Georg Solti und Dmitri Mitropoulos.

Järvi: Sie haben sich durch fehlende Haare nicht irritieren lassen. Und auch das Publikum nicht verwirrt.




Tuesday, January 05, 2021

Grossartig verrückt. Seit einem Jahr ist Paavo Järvi Chefdirigent des Zürcher Tonhalle-Orchesters. Er hat eine kühne Vision.

Klassik
Christian Berzins

Paavo Järvi/Tonhalle-Orchester Zürich:
Tschaikowsky, Sinfonie Nr. 5 u.a.,
Alpha Classics 2020.



Über Paavo Järvis Vorgänger beim Tonhalle-Orchester gab es kein einziges Gerücht – weder ein gutes noch ein schlechtes. Über Järvi, seit Herbst 2019 Chefdirigent des Orchesters, kursieren hingegen zahlreiche schlechte. Dass er aussieht wie Wladimir Putin, macht die Sache nicht besser. Aus gerechnet er, der Este, dessen Heimat von 1944 bis 1991 von den Russen besetzt war.

Bei jedem Gespräch seit 2017 habe ich mich mit Järvi darüber unterhalten. Er wusste, dass der Kritiker mit dem lettischen Nachnamen das tun würde, sprach vorsichtig – und doch sehr klar. Aber der 57-jährige Järvi redete nicht böse gegen Russland, sondern blumig für Estland: «Es gilt, die estnische Souveränität und die estnische Kultur zu bewahren, aber ‹bewahren› bedeutet nicht nur, gegen etwas zu sein, sondern auch, etwas zu etablieren. 1991 war hier alles zerstört: die schmucken Holzhäuser, die breiten Strassen und sogar die Mentalität der Menschen. Das war das Resultat des Sowjetsystems. Deswegen wollte ich hier etwas Neues schaffen.» Als Estland von den Sowjets befreit war, beantragte Järvi den estnischen Pass; die Steuerresidenz blieb Palm Beach, Florida.

Immer entschlossen

Mit Paavo Järvi zu sprechen, heisst auch, zu pokern. Beim vorletzten Treffen hatte er mit geradezu spitzbübischer Freude auf meine Frage gewartet. «Warum spielen Sie Messiaen ein zum Amtsantritt in Zürich?» Genüsslich cool sagte er: «Weil ich Fan von Olivier Messiaen bin. Ich habe keine ungemein tiefgründige philosophische Erklärung dafür, aber diese Musik ist einfach toll, wird viel zu selten aufgeführt.» Und er fuhr fort: «Was passiert, wenn ein Dirigent zu einem Deutschschweizer Orchester kommt? Er spielt die Sinfonien von Mahler, Bruckner oder Brahms ein. Ich wollte es anders machen, das Zürcher Publikum überraschen.» Dass sich Messiaen nicht einfach verkauft, ist ihm auch egal: «Die künstlerischen Aspekte sollten nicht vom Marketing gelenkt werden. Wir Künstler machen etwas, dann soll es jemand verkaufen. Das ist mein Weg.»

Die Tonhalle-Marketingabteilung liebt den Esten noch mehr, als es Intendantin Ilona Schmiel tut. Wo und wann immer der Dirigent in ein Mikrofon oder eine Kamera sprechen soll, ist er parat. Das erstaunt, denn im Vergleich zu einem Simon Rattle sei Järvi ein zurückhaltender, ja konservativer Mensch, sagen seine Freunde. Järvi brauche ein Team, eine starke Kommunikationsabteilung. Er sei nicht derjenige, der mit grossen Innovationen komme, OrchesteProjekte mit einem DJ wie einst in Frankfurt hin oder her. Er spricht – offiziell – auch kein Deutsch, obwohl er jahrelang mit deutschen Orchestern gearbeitet hat.

Wenn die Zürcher und Zürcherinnen ihren Chefdirigenten verstehen wollen, müssen sie aber zuerst akzeptieren, dass er verrückt ist. Grossartig verrückt! Um es zu merken, muss man im Sommer nach Pärnu reisen. Im hübschen Kaff mit Bäderhotels, farbigen Holzhäusern und drei hässlichen Einkaufszentren machte er aus einem unbedeutenden sowjetischen Festival ein einzigartiges estnisches. 

Järvi steht während acht Festivaltagen fünf Abende auf dem Podium. Daneben leitet er stundenlange Dirigenten-Workshops, ist bereit für einen Nacht-Talk auf dem Podium. Fundament des Festivals ist sein Orchester, das innerhalb von zehn Jahren zu einem TopKlangkörper reifte. Der Durchlauf zur Weltspitze ist umso erstaunlicher, als diese Gemeinschaft bloss zehn Tage in Pärnu und auf einer dem Festival folgenden Tournee existiert.

Das Modell kennen wir aus Luzern. Dort hat man um Claudio Abbado herum im Jahr 2003 das Lucerne Festival Orchestra geschaffen. Die Frankfurter Allgemeine Zeitung behauptete im Sommer 2020 keck, dass Järvis Orchester das Niveau habe, wie es das Luzerner unter der Leitung Abbados einmal hatte. Hatte ... Im Unterschied zu Abbados Orchestergründung hat Järvi nicht einfach den Ort mit den besten Bedingungen (und Top-Gagen) dafür ausgewählt, sondern das Gegenteil. Der Enthusiasmus und die Liebe zur Musik machen alles wett.

Die Frage, warum diese Musiker von weit her kommen und im Festspielorchester mittun, beantworten alle gleich: «Wegen Paavo!» Järvi weiss, wie gut seine Musiker sind: «Die Mittel sind viel kleiner als unsere Ambitionen. Aber haben Sie gehört, wie das Orchester klingt? Besser als viele mit grossen Namen.» In seinen Worten steckt kein Stolz, sondern estnische Nüchternheit. Dieser Mann wirkt immer entschlossen. Als einst beim Open-Air-Gastspiel im lettischen Jurmala jemand zu früh applaudierte, wehrte er sich verärgert dagegen, gab aber am Schluss jovial das Zeichen zum Applaus.

Da hatte Järvi am sechsten Festivaltag im Sommer 2020 Mendelssohns 1. Sinfonie so stürmisch belebt, dass sie klang wie vier «Italienische» zusammen. Und schon stand er entspannt auf dem Balkon des Konzertsaals, um mit dem Kulturminister zu plaudern. Keine fünfzehn Minuten später tauchte er im T-Shirt beim Empfang an der Bar auf und schmunzelte ob des Lobs, das von allen Seiten auf ihn niederprasselte. Wer um 1.30 Uhr nach Hause ging, gehörte zu den Ersten. Ob man getanzt habe, wurden wir am nächsten Morgen gefragt. Und nicht mal ins Meer schwimmen sei man gegangen?! Wir verkniffen uns die Gegenfrage: «Und um 10 Uhr zur Probe?», denn wir hatten schnell gelernt, dass in Pärnu eine Frage tabu ist: «Wann schläft ihr?». Grinsend meint Järvi: «Wir schaffen uns hier unsere eigenen Regeln. Das ist eine Sache für Fanatiker und Enthusiasten, hier ist keiner, um Geld zu machen.»

Furiose Aufführungen Jemand mit einem solchen Geist hat dem Tonhalle-Orchester Zürich bisher gefehlt. Gefragt, ob denn die Zürcher dereinst unter den Top Ten der Welt figurieren könnten, sagte mir Järvi beim ersten langen Gespräch im Sommer 2017 trocken: «Das werden sie – gar keine Frage. Wir haben eine Vision. Wir müssen gross denken – und langfristig. Aber es geht nicht nur ums Spielen, sondern auch ums Präsentieren.»

Die ersten Begegnungen mit dem Tonhalle-Orchester waren für beide Seiten elektrisierend. Der Este sagte dazu: «Es ging nicht darum, ob dieses recht oder jenes falsch sei – das ist wichtig, aber nicht alles: Diese Musiker wollten zum Kern. Man muss in der Musik eine innere Welt finden. Das war cool! Wir konnten Musik machen, ohne Akademismus. Das Fundament ist sehr stark. Ich will an einer Tradition bauen. Das Wichtigste ist, dass wir uns im Musikalischen verstehen. Wenn das klappt, wird alles andere klappen, wenn nicht, wird alle PR nichts nützen.» Der ehrgeizige Järvi weiss, dass in Zürich viel zu erreichen ist. Sosehr er die Tonhalle Maag liebt, so sehr sehnt er sich nach der Wiedereröffnung der alten, renovierten Tonhalle.

Järvi ist jener Dirigent, der nicht nur die Zeit mit Vorgänger Lionel Bringuier (Jahrgang 1986) in wenigen Monaten vergessen machte, sondern auch die verklärten Jahre mit David Zinman (Jahrgang 1936) überflügeln wird. Järvis Schwärmen über das Tonhalle-Orchester ist keine Schmeichelei. Er weiss: Zürich kann auch ihm zu einem weiteren Karriereschub verhelfen.

Im Tonhalle-Orchester war nach den ersten Konzerten ein enormer Enthusiasmus zu spüren. Järvi wie Musiker waren bereit für Grosses, viele furiose Aufführungen haben es gezeigt: Schon 2017 auf China-Tournee triumphierte man mit Mahlers 5. Sinfonie. Doch der Enthusiasmus hat nicht nachgelassen, sondern zugenommen. Wie gelöst und zielgerichtet erklang doch beim letzten Zürcher Konzert vordem erneuten Kultur-Lockdown am 22. Oktober 2020 Mozarts 39. Sinfonie!

Corona machte viele Pläne zunichte. Die Aufnahmen der Tschaikowsky-Sinfonien wurden unterbrochen, statt einer Box ist bisher nur eine einzige CD erschienen. Aber die ist grossartig.

Presto Personal Favourites from 2020

Presto Classical
James Longstaffe


Franz Schmidt Complete Symphonies (Frankfurt Radio Symphony Orchestra, Paavo Järvi; Deutsche Grammophon)


Ah, Franz Schmidt, where have you been all my life? I must admit that before I got stuck in to this set of his complete symphonies, I was unfamiliar with the output of this late-Romantic/early twentieth-century Austro-Hungarian composer. While Symphony No. 1 (written when Schmidt was 22) is fairly conservative, and clearly heavily influenced by composers such as Brahms and Weber, the latter two symphonies in particular are more adventurous, with echoes of Mahler, Strauss, Schoenberg, and others.

They are all richly orchestrated, littered with gorgeous melodies (not least the exquisite cello solo in the Fourth Symphony's slow movement), and containing several unexpected harmonic twists and turns. I have no doubt that this ravishing, sumptuously-performed set from Paavo Järvi and the Frankfurt Radio Symphony Orchestra will do much to turn many more people on to Schmidt's music, and I'm thrilled to have made this new discovery!

https://www.prestomusic.com/classical/articles/3699--recording-of-the-week-presto-personal-favourites-from-2020

Ein Fest zum Fest - auf CD!

rbbKultur
Kai Luehrs-Kaiser

Im letzten Türchen unseres Adventskalenders stellt Kai Luehrs-Kaiser ein echtes Highlight vor: die CD-Box "Beethoven: Die neun Symphonien & Ouvertüren"


Knackfrisch und unverwelkt, ist dies der virtuoseste aller klein besetzten Beethoven-Zyklen – und immer noch der Beste. Als die neun Symphonien mit der Deutschen Kammerphilharmonie in den 00er Jahren sukzessive entstanden, war es zwar nicht das erste Mal, dass Beethoven-Symphonien mit einem Kammerorchester aufgeführt wurden (vorher hatten Ähnliches schon Harnoncourt, Gardiner u.a. getan).

Trennschärfer, besser durchgeschliffen und zugleich lässiger hinwirbelnd hörte man diese Werke trotzdem nie.

Paavo Järvi, Chef der Deutschen Kammerphilharmonie, legte hier gleichfalls sein Meisterstück vor. Er ist ehrlich genug zuzugeben, dass der Unterschied zwischen anderen, traditionellen Orchestern und der Kammerphilharmonie darin besteht, dass er diese einfach gar nicht dirigieren muss. Sie funktionieren, perfekt austariert wie Streichquartett, auch ohne ihn.

In der neu zusammengestellten 6 CD-Box sind erstmals auch die Ouvertüren mit beigepackt. Ein Fest zum Fest. Bin begeistert.


Machen Sie mit! Schreiben Sie uns und gewinnen Sie mit etwas Glück die vorgestellte Beethoven-CD-Box!

A major addition to the symphonic repertoire: Erkki-Sven Tüür's 'Mythos', commissioned for the centenary of the Republic of Estonia

Planet Hugill
30.03.2020


The centenary of the Republic of Estonia celebrated in a powerful new symphony

Erkki-Sven Tüür's Symphony No. 9 'Mythos' was commissioned by the Government Office of Estonia to celebrate the 100th anniversary of the Republic of Estonia, and the work was premiered in Tallinn and Brussels in January 2018 by the Estonian Festival Orchestra conducted by Paavo Järvi.

On this new disc from Alpha Classics, Paavo Järvi conducts the Estonian Festival Orchestra in live recordings of Erkki-Sven Tüür's Symphony No. 9 'Mythos', Incantation of Tempest and Sow the Wind..., and the disc also celebrates the composer's 60th birthday.


Erkki-Sven Tüür is one of the major contemporary Estonian composers; he studied at Tallinn Conservatoire with Jaan Rääts, and with Lepo Sumera. For a period he was part of the progressive rock group, Spe. His output includes nine symphonies and an opera, Wallenberg. We caught music by Tuur and by Raats at the Tallinn Chamber Orchestra's concert at the 2015 Vale of Glamorgan Festival.

Paavo Järvi founded the Estonian Festival Orchestra in 2011 as being resident at the Pärnu Music Festival, bringing together the best of Estonian talent alongside leading musicians from around the world. The orchestra became the first Estonian orchestra to perform at the BBC Proms in 2018.

The symphony starts from 'primordial chaos', with Tüür gradually creating a sense of order through an emerging string figure which develops.
But even in gurgling chaos, Tüür's writing is full of colour and texture, and the timbres throughout the work are striking. In his programme note, Tüür is reluctant to give a programmatic description for the piece, yet there is very much a sense of Tüür using the orchestra to create a world, complex, richly textured and dynamic.

The symphony is in a single over-arching movement, with a strong sense of structures developing out of primitive material. Yet throughout, there is an underlying feeling of power surging, complex string textures take place over burgeoning waves of brass sound, and there is a sense of excitement, the stirrings of something being created. As the work progresses, we become aware of Tüür gradually bringing musical fragments into focus to create something new, the dramatic textures coalesce at the end of the work into a striking new sonic world.

The result is a powerfully striking new work, a world away from any sort of nationalistic tub-thumping, and a major addition to the symphonic repertoire. Remarkably the performance here is the premiere, recorded live in January 2018 in Tallinn; the sound is terrific and the recording captures both the excitement of a premiere and the depth and complexity of the writing. You get no sense of the performance being a work in progress, this springs fully-formed and vibrantly exciting from the loud speakers.

Tüür's The Incantation of Tempest is a short work commissioned by the Bamberg Symphony Orchestra as part of its Encore! programme creating new music suitable for encores. It was premiered in 2015 by the Bamberg Symphony Orchestra conducted by Jakub Hrusa, and Järvi later started using it as a concert opener. It starts with drama, and throughout Tüür achieves a gradual building of excitement.

Paavo Järvi premiered Sow the Wind... in Paris in 2015 with the Orchestra de Paris. The title comes from a passage in the book of Hosea, 'For they sow the wind, and they shall reap the whirlwind', and the work is an evocation of the effects of reckless human activity whether it be climate change, mass migration of people or extremist movements.

Here we have complex and dramatic textures, with Tüür again seeming to create a complete world. The work opens with what the composer describes as a 'tidal wave' which washes by, leaving an evocative violin solo and a sense of evolving drama. Again, the musical writing is full of wonderful sonorities and textures.

All three performances are recorded live, the second two works at the Pärnu Music Festival, and throughout the disc you sense the orchestra's responsiveness and its sympathy to the composer's style. You could buy this disc for the outstanding orchestral performances or for the powerful new works, or both; but you should indeed buy it.