Friday, January 29, 2016

The best Schumann recordings of the last five years - SCHUMANN Symphonies 1 & 3
Rob Cowan

Symphony No. 3, 'Rhenish'
Symphony No. 1, 'Spring'

SCHUMANN Symphonies 1 & 3

Chamber-sized Schumann from Järvi’s Bremen band`

A telling litmus test for performances of the Rhenish is the gently flowing, song-like third movement (marked simply Nicht schnell), which sorts out those who prefer to underline the lyrical aspects of Schumann’s writing from those who don’t. Paavo Järvi evidently does: he starts lightly and breezily, and when he reaches the tripping second subject for strings, gently accelerates. Fabio Luisi (with the Vienna SO) has a similar notion, though he makes more of a meal of the tempo-shift, whereas neither Norrington (with the Stuttgart RSO) nor Dausgaard (with the Swedish CO) alter the pulse. Theirs are energetic performances, prioritising clarity in music that is too often (wrongly) accused of sounding overly stodgy.

Järvi is always animated and alert to the music’s expressive potential: he achieves the best of both worlds. His tempi are swift but never rushed; he runs the cursor along significant inner voices (these are extremely transparent readings), and his judgement of key musical transitions attests to genuine musical intuition. He doesn’t baulk at making some fairly unconventional interpretative decisions: in the Scherzo of the First Symphony, for example, he doubles the tempo for the first Trio and takes the second ‘in tempo’, which works beautifully. Järvi allows the same work’s Larghetto to sing unaffectedly and the Rhenish’s ‘cathedral’ fourth movement is imposing without sounding portentous. The resourceful Deutsche Kammerphilharmonie Bremen is evidently manned by players who listen very closely to one another (these performances are rather like ‘chamber music writ large’), and the sound is superbly balanced. So, an unreserved recommendation.

Album review: Capuçon's 'fresh-as-paint' violin concertos
David Mellor

Violin Concertos by Max Bruch and others
Renaud Capuçon/ Warner Classics

The French violinist Renaud Capuçon, who celebrates his 40th birthday on Wednesday, already has a formidable discography that attests not only to his virtuosity and warm, ingratiating tone, but also to his wide range of musical sympathies both in concertos, and chamber music.

This celebratory album winningly combines the familiar and the unfamiliar, and offers a snapshot of classical music between 1868 and 1878, when these three pieces were premiered.

Obviously the Bruch Concerto is incredibly well known, but it comes up fresh as paint here, with a particularly effective, fleet footed finale.

Edouard Lalo’s Symphonie Espagnole is shamefully neglected. Its five movements are beautifully laid out for violin and orchestra, and each one contains a memorable melody. It was premiered in 1874 by the Spanish virtuoso Pablo de Sarasate, so it was a charming idea to complete this exceptional album with Sarasate’s Zigeunerweisen, a memorable ramble through Hungarian gypsy themes.

Capuçon plays well throughout, and the Orchestre de Paris accompany attentively under Paavo Jarvis

In today’s programme from 7pm, I will be playing the first and third movements of the Bruch, and Zigeunerweisen - a feast for violin lovers.

Orchestre De Paris

When: April 15, 2016
Where: Emirates Palace Auditorium

One of the finest symphony orchestras in the world, under the baton of its acclaimed Music Director Paavo Järvi, presents two sublime concerts. The first consists entirely of French music – Berlioz’s Le Corsaire Overture, Lalo’s Cello Concerto and Saint-Saëns’ Symphony No. 3 (Organ Symphony) – while the second features Tchaikovsky’s Violin Concerto and Sibelius’ Symphony No. 2.

‘Outstanding musical experiences have become customary with Paavo Järvi at the helm of the Orchestre de Paris.’ Diapason.

Paavo Jaervi: Conductor
Xavier Phillips: Cello
SergeyY Khachatryan: Violin
Thierry Escaich: Organ

Emirates Palace Auditorium
Diamond AED 350
Pearl AED 250
Balcony AED 125
Students 50% discount (please bring ID)

Friday, January 15, 2016

Nielsen: The Complete Symphonies 1-6

Classic FM
David Mellor

Nielsen’s 150th last year passed relatively unnoticed compared to Sibelius’s 150th, but Nielsen was a genuine symphonist of real stature, who, like Sibelius, met the symphonic challenge differently in each of his six symphonies. These recordings derive from Hess Radio recordings from 2009-2013, and are very sympathetically played and recorded under Paavo Jävi, one of today’s fastest rising conductors, despite being a dead ringer for Putin.

Friday, January 08, 2016

イギリス英語発音スクール Stellavoce 主宰、時々通訳の高島まきです。


先日はNHKの「あさイチ」にも出演なさったり(上沼恵美子さんに「ええおっさんやな」と言われてたのがおかしかった 笑) (あ、通訳は私ではありません)、従来の音楽雑誌や新聞文化欄以外での露出も多い今日この頃。






Tuesday, January 05, 2016

RACHMANINOV: Symphony No. 3; Capriccio on Gypsy Themes; Symphonic Dances; The Rock; Vocalise – Orch. de Paris/ Paavo Jarvi – Erato (2 CDs)
Gary Lemco

Paavo Jarvi embarks on a series of recordings dedicated to the composer’s orchestral oeuvre.

RACHMANINOV: Symphony No. 3 in a minor, Op. 44; Capriccio on Gypsy Themes, Op. 12; Symphonic Dances, Op. 45; The Rock, Op. 7; Vocalise, Op. 34, No. 14 – Orch. de Paris/ Paavo Jarvi – Erato 0825646195794, 60:18, 56:42 (2 CDs) (10/2/15) [Distr. by Warner Classics] ****:
RACHMANINOV: Symphony No. 3; Capriccio on Gypsy Themes; Symphonic Dances; The Rock; Vocalise – Orch. de Paris/ Paavo Jarvi – Erato (2 CDs)
As part of the Serge Rachmaninov Foundation, conductor Paavo Jarvi undertook several recordings at the Salle Pleyel in Paris – 19-21 October 2011 and 27-28 March 2013 – “to preserve the cultural heritage of Villa Senar in Switzerland. . .and to bring the whole of his oeuvre. . .to public attention.”
The concert opens with the 1936 Symphony No. 3, in which Rachmaninov maintains – even in exile – his basic nostalgia for Mother Russia, while incorporating a new economy of means and sparser sonority than he had invested into his last orchestral works, dating from 1909. The modal threnody that dominates the first movement Lento – Allegro moderato – Allegro will reappear in various guises, typical of the composer’s tendency to cyclic form. The combined instruments occasionally splash passionately in rich colors, with touches from a Russian wedding song.  Conductor Jarvi has commented on his fondness for the Orchestre de Paris wind players, whom he credits for ability to project their individual personalities. The happy color mix comes to the fore in the Adagio movement, in which violin, French horn, harp, flute, bass clarinet, and celesta combine in effective palette. The color borders on the exotic, with touches of Tchaikovsky, Borodin, and Rimsky-Korsakov. The slow movement segues into Allegro vivace, a nervously skittish episode whose colors combine martial and balletic elements. An originally optimistic impulse drives the last movement forward – at least at first – with a dance motif that will evolve into a learned, extended fugato.  Yet, despite the energy, the folk-inspired rhythms, and nostalgic melos, the ubiquitous Dies Irae intrudes itself, like the Red Death in the Poe tale. Jarvi permits some sunlight to exorcise the shadows, but whether the last pages mean that Rachmaninov has found his imaginative El Dorado remains debatable.
Jarvi turns to the first of the early Rachmaninov compositions on this set, with the Caprice bohemian on Gypsy Themes from 1894. This Capriccio obviously means to pay homage to Tchaikovsky and Rimsky-Korsakov – and even Glinka – for their contributions to the orchestral celebration of native folk tunes. Relatively absent are the gypsy tunes – no Liszt influence here – but the dominant bassoon motif of G-F#-E in descending order dominates the evolution of the piece.  The flute announces the transition to the second section, in which the young composer’s native gift for melody emerges. A solo cello, flutes, and clarinets take us to the dance of the final section, a rather ceremonial Russian affair well within the Glinka model.  Suave string work, along with Jarvi’s favored winds and brass, provides us a sense that the composer did well to preserve this piece, which gave him misgivings.

The 1940 Symphonic Dances, dedicated to the Philadelphia Orchestra, was clearly meant to display that ensemble’s individual color capacities, and here the Orchestre de Paris rises to the occasion. The bluesy saxophone, in concert with gurgling winds of the opening Non allegro, raises the specter of Mother Russia, soon to suffer siege from National Socialist aggression. The piano, too, adds a degree of sentimental color, almost a swan song to the many wonderful collaborations Rachmaninov had created for that instrument. Its spirited, martial character, rife with orchestra battery and high flutes, makes a potent impression from this French orchestra. The second movement – Andante con moto. Tempo di valse – first had its persuasive beauty revealed to me by way of Sir Eugene Goossens and the London Symphony. Some have likened the diaphanous, swirling atmosphere of the opening bars to Ravel’s La Valse, another lament for a bygone sensibility. Violin leader Philippe Aiche makes his presence felt as he intones the lead-in to the oboe theme. The string legato certainly warrants just comparison with Ormandy’s fabulous Philadelphians. Credit the splendid, even acerbic, sound effects to Laure Casenave-Pere and Etienne Crossein, producer and engineer, respectively. The final movement combines Rachmaninov’s gloomy, liturgical romanticism with his martial, even aggressive embrace of mortality, in his persistent embrace of the Dies Irae in brilliant brass flourishes. If ever Poe had a musical equivalent, Rachmaninov provided that alter ego.

The remaining pair of pieces – The Rock and the Vocalise – allow Jarvi to address the literary and purely lyric aspects of Rachmaninov’s art. The 1894 tone-poem, dedicated to Rimsky-Korsakov and much admired by Tchaikovsky, invokes a quote from Lermontov and splices it to a narrative by Chekhov, a story entitled “On the Road.” The confrontation between an old, embittered man and vivacious young woman at an inn during a snowstorm captures the psychology of loss and hope, with Rachmaninov’s juxtaposition of short, spare motifs for the man and a flute to embody the aspirations of the woman. At the conclusion, according to Chekhov, a blizzard covers the old man until he resembles an isolated, neglected crag. Wistfully intense, this performance quite warrants the price of admission, if the already vibrant accompanying works had not convinced us. Echoes of the Philadelphia Orchestra strings resonate once more, by way of the 1912 wordless song, the Vocalise, which by now requires no justification for its nostalgic poignancy.

Saturday, December 19, 2015

Paavo Järvi and Baiba Skride join the RCO for great Britten and Ravel
Olga de Kort

Paavo Järvi
© Ixi Chen

A debut and a substitution in the same concert: it happens not very often that a debutant plays with another conductor than she or he has expected and already long ago counted upon. It befell the Latvian violinist Baiba Skride at her debut with the Royal Concertgebouw Orchestra in Amsterdam when the injured Andris Nelsons was replaced by Paavo Järvi. For Järvi meant a successful return to the RCO after eight years. For Skride – an unexpected chance to play Benjamin Britten’s Violin Concerto with the conductor who has already proved to be the best choice possible for this composition. Järvi’s recording with the Dutch violinist Janine Jansen made Britten’s only violin concerto tremendously popular here in the Netherlands.
Järvi has acquired much experience since his last appearance here and the Chief Conductor of the Orchestre de Paris has just been appointed chief of the NHK Symphony Orchestra in Tokyo. He took over an unchanged programme and gave Baiba Skride just enough space for her own interpretation, which sparkled from the first note to the last. She demonstrated a gentle and sophisticated sound, impeccable technique and a rhythmic and intonational flexibility of phrasing. She added just the right dose of brightness and vividness to this irresistibly fickle concerto with its remarkable changes of tonalities and moods. Skride was lyric, resolute and even pithy – as was her pizzicato. Her thrilling pianissimos deserve a special mention, as well as an impressively played cadenza which connected the various themes from the concerto's first two parts with the variations of the Passacaglia: Andante lento. In her peerless interpretation, Skride was ably assisted by the orchestra.
After the interval the Royal Concertgebouw Orchestra moved with the same ease from pure sounds and intense colored moods of Britten to Ravel. The world of classical purity, dreams, finesse and inevitable dissonance resonated in the six parts of Le tombeau de Couperin. And the world of ancient Greece, dreamed by the French painters of the 18th century, was portrayed with the brightest colours and rhythms in the second Daphnis et Chloé suite. Under the baton of Paavo Järvi, the RCO recreated this ‘choreographic symphony’ with boiling passion right up to the final “Danse générale”. These glowing performances of Britten and Ravel needed just this kind of finale to close an evening which turned out to be beyond all expectations.

Järvis Mahler-Zyklus beginnt mit spannenden Interpretationen
Remy Franck

Gustav Mahler: Symphonien Nr. 1 & 2; Camilla Tilling, Sopran, Lilli Paasikivi, Mezzosopran, Frankfurt Radio Symphony Orchestra (hr-Sinfonieorchester), Paavo Järvi; 1 Blu-ray C-major 718104; Bild 16:9; Stereo & Surround; Live 2010/2012 (169') – Rezension von Remy Franck

C-major beginnt mit der Edition aller Symphonien Gustav Mahlers unter der Leitung von Paavo Järvi. Den Auftakt macht eine Videodisc mit den Symphonien Nr. 1 und 2, jeweils mit einer Einführung durch den Dirigenten. Die Erste wurde im Kurhaus in Wiesbaden, die Zweite im Kloster Eberbach aufgenommen.

Die Erste Symphonie Gustav Mahlers dirigiert Paavo Järvi ohne uns ein Aha-Erlebnis zu bescheren. Es ist eine Aufführung auf hohem Niveau, gut einstudiert, intensiv ausmusiziert, spannungsvoll, sehr demonstrativ im Hervorstreichen von folkloristischen Elementen und Naturlauten, aber neue Erkenntnisse gewinnt der Mahler-Freund hier ganz gewiss nicht.

Man missverstehe mich nicht. Die Interpretation hat nichts mit Routine zu tun, aber es fehlt ihr der Charakter des Besonderen, des Exzeptionellen, abgesehen von den letzten Minuten des Finalsatzes, der einen wirklich packt.
Auf die Aufführung der Auferstehungssymphonie waren wir besonders gespannt, denn Järvis CD-Einspielung mit dem Chor ‘Orfeon Donostiarra’ aus San Sebastian bei Virgin Classics gehört zu den Spitzenaufnahmen dieser Komposition.

Allein schon durch die zwar nicht direkt schlechte, aber doch etwas hallige Akustik des Klosters Eberbach erlangt diese Videoaufnahme nicht den hohen Grad an Erregungskraft, die die Virgin-CD hat. Dennoch bleibt noch genügend übrig von dem auf der CD direkt sensationell dynamischen und farblichen Kontrastreichtum, um durchaus ergreifende Gefühlswelten zu eröffnen, die den Zuhörer auf eine erlebnisreiche Reise durch diese Mahler-Partitur mitnehmen.

« Man wird mit Keulen zu Boden geschlagen und dann auf Engelsfittichen zu den höchsten Höhen getragen », sagte Mahler über seine Auferstehungssymphonie. Järvi macht genau das hörbar, in einer langen Folge von gewaltigen orchestralen Ausbrüchen und zartesten Strecken wunderbarster Klangseligkeit, von brutalsten Klangeffekten und kammermusikalisch feinen Passagen: Hölle und Himmel liegen hier so nahe beieinander!

Und so intelligent, so analytisch und differenzierend Paavo Järvi seinen Mahler auch dirigiert, so neuartig einiges klingt, so aufregend das Mahler-Klanggeschehen verdeutlicht wird, so sehr ist er auch mit dem Herzen dabei, so sehr lässt er uns in unserem Innersten erbeben. Entrückte Pianissimi, aufgewühlte Fortissimi, fragile Menschenstimmen, tosendes Blech, das alles wäre nichts, wäre die Musik nicht auch geistig durchdrungen.

Chor (Bayerischer Rundfunk, NDR) und Orchester (HR) sind exzellent, genau wie die sehr engagierte Mezzosopranistin Lili Paasikivi und die Sopranistin Camilla Tillingl

Der Ton ist trotz Hall in der Kirche sehr gut und direkt aufgenommen, die Bildgestaltung ist nicht besonders phantasievoll und allzu ‘Järvi-lastig’. So viel hat sich ja nicht einmal Karajan ins Bild bringen lassen…

In Mahler’s First Symphony, structure, sound and emotion are held in a good equilibrium by conductor Paavo Järvi, but except for the final minutes, the performance lacks the very exceptional momentum. The Second symphony has a lot of power, incredible delicate moments and the overall impact is just miraculous.


Am 29. Januar 2014 feierte Menahem Pressler seinen 90. Geburtstag mit dem ‘Orchestre de Paris’ unter Paavo Järvi. Er spielte Mozarts Klavierkonzert Nr. 23 KV 488, und niemand, der im Konzert dabei war oder sich diese Videodisc ansieht, wird Presslers Alter bestreiten. Zwei Jahre zuvor hatte er mit denselben Partnern das 27. Konzert KV 595 aufgenommen, wesentlich fähiger noch zu diversifizierender Gestaltung und auch etwas präziser als im KV 488. Hauptmerkmal beider Aufnahmen ist Presslers Kunst, Mozart in völliger Natürlichkeit poetisch werden zu lassen. Ein schönes Dokument über eine Klavierlegende, bereichert durch ein Gespräch von Pressler und Järvi über Mozart (EuroArts 20598849).

Packender Poulenc

Francis Poulenc: Stabat Mater, Gloria, Litanies à la Vierge noire; Patricia Petibon, Choeur & Orchestre de Paris, Paavo Järvi, 1 CD Deutsche Grammophon 4791497; 3/13(64’09) – Rezension von Guy Engels

Selbst in seinen religiösen, mystisch geprägten Werken kann Francis Poulenc seinen neckischen musikalischen Humor nicht verbergen. Diese heitere Art verleiht den Sakralkompositionen eine sehr menschliche, zutiefst humane Aura, eine positive, frohe Hinwendung zum Göttlichen. Patricia Petibon schätzt diese Facette von Poulencs Musik. Das hört man in jeder Note, in jeder Phrase. Ihr unbeschwerter, erfrischender Zugang zu Poulenc, ihre stimmliche Leichtigkeit nehmen den Zuhörer mit. Petibons Interpretation ist bekenntnishaft. Sie macht sich Poulencs Demut ebenso zu eigen wie seine Leichtigkeit, dank einer stimmlichen Flexibilität und einem Verständnis für Klangfarben, die sie sich von ihrer barocken Schulung bewahrt hat. Nicht minder klangreich lässt Paavo Järvi Orchestre und den Choeur de Paris musizieren.

In her fine, light and refreshing performances Patricia Petibon matches the bright if not humorous character of Poulenc’s music. Her colorful and flexible singing is a pure delight!

Paavo Järvi conducts Nielsen's complete symphonies

A bumper review this week – Estonian conductor Paavo Järvi’s complete Nielsen symphonies with the Frankfurt Radio Symphony Orchestra, released to mark the 150th anniversary of the composer’s birth. Listening to these has been a mammoth task, but by no means an arduous one – some of these works were new to me and it’s been a pleasure to make their acquaintance.

Although none of his symphonies lasts much over half an hour, there are still six of them – so I hope you’ll forgive me for picking out a few particular highlights that show both Nielsen’s gift as a composer and Järvi’s as an interpreter.

Paavo Järvi

The relatively little-known First Symphony is in many ways quite Brahmsian, though already shows foretastes of Nielsen’s bold, progressive style. Järvi’s musicians respond sensitively to the soaring tutti phrases of the opening, and his wind principals start as they mean to go on with several flawlessly-executed solo passages – listen out for the striking contrary-motion chromatic scale midway through the first movement! Nielsen at his unpredictable, irrepressibly unorthodox best.

By contrast, the “Four Temperaments” symphony is fairly often performed. Its slow movement (depicting Melancholy) is one of Nielsen’s most beautiful compositions – rising to some terrifically tragic climaxes, and putting the spotlight on the glorious sound of the horn section before the cheerful Sanguine finale restores an upbeat mood.

Nielsen seems to have a particular affinity for waltz-inspired writing – several of his movements lean towards this form, for instance the first movement of the Third Symphony. This opens in chaotic mood, but after several false starts and diversions a stirring (and it must be said, extremely hummable!) waltz manages to emerge – a true Big Tune that sweeps all before it and that the orchestra audibly relish.

Symphonies 4 and 5 form something of a pair – both written under the cloud of war and both featuring fairly overt musical responses to it. The Fourth features a “duel” between two sets of timpani, placed antiphonally on either side of the stage – a truly thunderous combat which, under Järvi’s baton, with the strings shrieking away and even the trumpets struggling to make themselves heard over the din (yes, really!), has a real sense of violence to it.

The Fifth takes this idea even further with a uniquely disruptive, out-of-time cadenza for the snare drum. Towards the end of the second movement, the player is instructed in Nielsen’s own words to play “as if at all costs he wants to stop the progress of the orchestra”. It’s a striking technique, and extremely effective here – the balance of volume between the orchestra and the drummer has to be just right in order for the interruption to be invasive but not overpowering, and it’s a balance Järvi strikes well.

After these warlike works, the final symphony represents a move into the realms of anarchic humour. The bizarre, jumbled second movement for wind and percussion is particularly tricky to bring off, as the writing is quarrelsome and counter-intuitive, with little harmony or indeed melody to latch onto. It’s speculated that this is Nielsen poking fun at the musical community of his time, with various composers and schools stubbornly going their own way; at any rate, it’s certainly a disorientating experience, and it’s a relief when the strings restore some lyrical sanity in the third!

It seems a great injustice to say so little about these fascinating works. I’ve had to gloss over a lot of really glorious music – all six are very much worth listening to, and I can’t think of a better navigator than Paavo Järvi to guide the ear through Nielsen’s changing symphonic languages.




Eesti Pillifond loob eesti interpreetidele võimaluse vääriliseks eneseteostuseks
7.dets 2015
Esmaspäeval, 7. detsembril asutati Kultuuriministeeriumi eestvedamisel Swedbanki, Eesti Rahvuskultuuri Fondi ning maestro Paavo Järviga koostöös SA Eesti Pillifond, mille eesmärk on Eesti helikunsti toetamine ja eesti muusikute rahvusvahelise konkurentsivõime tõstmine. Koostöös erasektori ja -annetajatega soetatakse fondi 1-4 instrumenti aastas, mis antakse interpreedile rendile kuni viieks aastaks. Fondi algkapital on 200 000 eurot.

ERSO kontsertmeister Triin Ruubeli pill on üle 200 aasta vana. Foto: Kultuuriministeerium

Kultuuriminister Indrek Saare hinnangul on asutatud pillifond suurepärane näide, kuidas riik ja erasektor saavad koostöös anda kaaluka panuse eesti kultuuri arengusse. „Pillifond loob võimaluse eesti tippinterpreetidel mängida nende andele väärilistel muusikainstrumentidel, mis tõstab veelgi eesti helikunsti silmapaistvust rahvusvahelisel areenil. Mul on tõeline heameel tunnustada ning tänada pillifondi asutajaid ning kutsun siikohal kõiki missioonitundega muusikasõpru sellesse panustama,“ lisas Saar.
„Täna on suur päev Eesti kultuuriloos. Pillifond on meie muusika tulevik, instrumentalistide ja orkestrite ning heliloojate tulevik. Meil on võimalus selle fondi abil soetatud pillidel luua lisaväärtust oma kultuurilukku,“ ütles Eesti Rahvuskultuuri Fondi nõukogu esimees maestro Eri Klas.
„Swedbanki ühiskondlik tegevus toimub koostöös tugevate Eesti organisatsioonidega. Mõnikord on toimivad ühendused juba olemas, kuid oleme mitmeid kordi õla alla pannud ka uute algatuste käivitamisele, et heast ideest sünniksid Eesti elu muutvad lahendused,“ sõnas Swedbank Eesti juht Robert Kitt. „Pillifondi asutajaks tulime põhjusel, et see on suurepärane näide sektorite vahelisest koostööst ja fondi suuremahuline rahastuslik iseloom haakub meie põhitegevusega. Saame tuua sellesse era- ja avaliku sektori koostöömudelisse omaltpoolt finantsnõu ja soovitada seda raha paigutamiseks Eesti kultuuri edasikestvuse missiooni jagavate klientidega, “ lisas Kitt.
Pillifondi asutajaliige, dirigent maestro Paavo Järvi sõnul on loodud pillifond on väga vajalik ja väärt mõte. „See on missioonitundega investeering, mis aitab eesti kultuuri, eesti noori ja eesti muusikat. Ma olen väga tänulik kõikidele inimestele, kes sellest aru saavad ja seda toetavad. Olen väga õnnelik, et ma saan selle organisatsiooni sünni juures olla ja sellele kasulik olla“, sõnas maestro Järvi.
SA Eesti Pillifond võimaldab Eesti tippvormis olevatel interpreetidel lepinguliselt kasutada kõrge väärtusega või ajaloolise tähtsusega fondile soetatud muusikainstrumente, mis tõstab Eesti muusikutel konkurentsivõimet rahvusvahelisel areenil. 
Vastselt asutatud Eesti Pillifondi juhatuse liige Marje Lohuaru toonitas, et pillifondi fookuses on eelkõige ajaloolise tähtsuse ja kõrge väärtusega muusikainstrumentide, eelkõige 18.-20. sajandi keelpillide soetamine, maksumusega alates 50 000 eurost. „Esialgu on eesmärk soetada 1-4 keelpilli aastas. Pillide ostuotsused langetab fondi pillide soetamise ekspertkogu, kuhu on kaasatud rahvusvaheline ekspertiis. Konkureerida pilli lepingulisele kasutamisele võivad kõik Eesti interpreedid, otsused langetab Eesti Pillifondi juurde loodav pillide väljastamise ekspertkomisjon“, selgitas Lohuaru.

Pillifondi algkapital on 200 000 eurot, millest poole moodustab Eesti Kultuurkapitali toetus, ning teise poole erainvestorite panus. Fond  võtab vastu annetusi ja investeeringuid. Kultuuriministeerium toetab pillifondi iga-aastase tegevutoetusega 20 000 eurot alates 2016. aastast.
SA Eesti Pillifondi loomine on kooskõlas kultuuripoliitika alusdokumendis „Kultuuripoliitika põhialused aastani 2020“ püstitatud eesmärgiga luua riigi ja erasektoriga koostöös pillifonde, et muusikainstrumentide soetamise, haldamise ja väljarentimisega tõsta eesti muusikute rahvusvahelist konkurentsivõimet.

Wednesday, December 02, 2015

Poeten wie wir
Ulrich Amling

Janine Jansen im Konzerthaus
Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen und die Geigerin Janine Jansen bringen das Konzerthaus zum Schwingen.

Hin und wieder muss man sich schon die Frage stellen, warum in der Klassik ewig die immergleichen Stücke aufs Programm kommen. Manchmal fällt die Antwort darauf vor lauter Gewöhnung erschreckend vage aus. Nicht so beim Auftritt der Geigerin Janine Jansen mit der Kammerphilharmonie Bremen im prall gefüllten Konzerthaus. Hier kann man erleben, wie ein Werk über 200 Jahre hinweg seine Widerständigkeit zu bewahren vermag. Denn Beethovens Violinkonzert lässt sich nicht einfach runterspielen, obwohl es alles andere als ein Spielverderber ist. Hier muss sich der Solist neu erfinden – und nur, wenn ihm das gelingt, kann er überhaupt die Themen des Konzerts zusammenzufügen.

Eine raffinierte Sperre gegen uninspirierten Gebrauch hat Beethoven seinem Werk einkomponiert. Er konnte ja nicht ahnen, das sie eines fernen Tages unnötig sein würde, weil Janine Jansen sein Violinkonzert spielt. Sie tut es, ohne sich dabei durch geborgte Sprödigkeit rückzuversichern. Die Poesie, die Beethoven als fragmentierten Code notiert hat, bringt sie vom ersten Ton an zum Schwingen. Zart und tastend geht sie dabei vor, was keinesfalls mit Zögerlichkeit verwechselt werden sollte. Die Solistin fädelt nur keine fertigen Klangversatzstücke auf die langen Triolenketten, vielmehr wird man Zeuge, wie der Ton entsteht und zum Träger der poetischen Idee wird. Man lauscht gebannt und staunt – auch über das traumwandlerische Einverständnis, das Janine Jansen mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen verbindet. Über eine Vertrautheit, die Gewohnheit nicht kennt. Und über ein Musizieren, das sich immer selbst befragt, ob es nicht noch leichter, zarter gehen könnte, dem dabei aber die Kraft niemals ausgeht.

Wie sehr dies das Verdienst des sich selbst unternehmenden Orchesters ist, wird deutlich, wenn die Musiker mit Chefdirigent Paavo Järvi durch Brahms’ 4. Symphonie rauschen. Als Järvi vor Kurzem mit seinem Orchestre de Paris in der Philharmonie gastierte, behielt der effiziente Klangregisseur die Oberhand. Vor der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen aber steht kein Musikdirektor, sondern ein Musikerkollege, durch den die Energieströme mit jeder Durchführung nur noch intensiver fließen. Traditionsmüdigkeit kennt diese verschworene Gemeinschaft nicht. Nur die Lust, an Brahms die eigene Auffassungsgabe immer weiter zu schärfen.

Die begeisternden Bremer kommen damit an diesem prallen Abend sehr weit. Als hochfeine Zugabe spielen sie noch Brahms’ 3. Ungarischen Tanz – und ein Reigen seliger Geister schwirrt durchs Konzerthaus.

Пааво Ярви – дирижер года
Виктор Александров

Выдающийся эстонский музыкант современности, маэстро Пааво Ярви стал «дирижером года». Эту награду учредил экспертный совет ведущего французского журнала классической музыки «Diapason».

Церемония награждения проходила в Париже 26 ноября, спустя два месяца после того, как Пааво Ярви удостоился аналогичной премии по версии музыкального журнала «Gramophone» в Лондоне.

Пааво Ярви не смог присутствовать на парижских торжествах, так как в настоящее время находится в Германии на гастролях с Немецким камерным филармоническим оркестром Бремена.Эстонский маэстро представляет цикл симфоний Иоганнеса Брамса в Берлине, Гамбурге, Вене, Париже и Баден-Бадене.

Пааво Ярви:

«Мне очень приятно, что такие авторитетные музыкальные издания Европы обратили внимание на мою работу с разными оркестрами мира. Это делает им еще большую честь и признание.

В каждой новой программе, будь то концерт, или аудиозапись, я всегда стараюсь добиваться максимального качества в сотрудничестве с тем, или иным коллективом, ориентируясь на традиции и принципы работы исторически сложившейся практики данных оркестров. С оркестром Франкфуртского радио после недавней антологии видеозаписей симфоний Малера сейчас мы завершили аудиозапись цикла симфоний датского композитора Карла Нильсена, 150-летие со дня рождения которого широко отмечается в музыкальном мире»

Пааво Ярви в этом сезоне также был удостоен еще одной престижной музыкальной награды – медали Сибелиуса.

Начиная с 1965 года, медаль присуждается Обществом Сибелиуса Финляндии за выдающиеся достижения в исполнении и исследовании музыки Яна Сибелиуса. В числе первых награжденных – президент Финляндии Урхо Кекконен, Айно Сибелиус, Герберт фон Караян.

Пааво Ярви стал обладателем медали Сибелиуса как дирижер оркестра Парижской филармонии. Это единственный музыкальный коллектив Франции, с которым маэстро Ярви исполнил и записал все семь симфоний Яна Сибелиуса.

Немаловажна творческая деятельность Пааво Ярви и в странах Азии. В октябре он провел свои первые концерты в качестве главного дирижера симфонического оркестра NHK (Токио), а в середине декабря совершит гастрольный тур по Южной Корее с Немецким камерным филармоническим оркестром Бремена, после чего снова вернется в страну восходящего солнца, где в период Рождества даст несколько концертов с оркестром и хором NHK (Токио). Это будет Девятая симфония Людвига Ван Бетховена.

Виктор Александров, ClassicalMusicNews.Ru

Пааво Ярви


Classical Source 
Colin Anderson 

Paavo Järvi conducts Rachmaninov - Symphony No.3, Symphonic Dances, The Rock, Caprice bohémien, Vocalise [Orchestre de Paris; Erato]
Reviewed by Colin Anderson
These are excellent and engrossing accounts of early and late Rachmaninov opuses, a cross-section including the Caprice on Gypsy Airs, here soulful and scintillating, with brilliant timpani descriptions at the opening, and full of enchanting atmosphere and with richly lyrical clarinet and flute solos over shimmering strings. Also included is The Rock, inspired by Lermontov's poem, or maybe it was Chekhov's story, On the Road, for Rachmaninov confided to the latter writer it was indeed his tale that had motivated the composition. Whether concerning a flyaway cloud, a lonely crag or Chekhov's disillusioned traveller, the invention itself is certainly illustrative. From the brooding depths and with much sun-hazed colouring, the music's delicate textures, drama and final sense of tragedy are given full value.
As for the late, great masterpieces that are the Symphony No.3 and the Symphonic Dances, the latter is specified an exceptionally impassioned outing, notable for incisive detailing and vivid projection, but there is subtlety and intimacy, too. Paavo Järvi ploughs ahead in the first movement, and the bittersweet central section, introduced by a saxophone, is deeply affecting, as is the broad expanse of the coda. Written for Eugene Ormandy and the Philadelphia Orchestra (they made a never-bettered recording of this swansong for CBS), Järvi and his Parisian forces run that august team close, whether in the macabre machinations of the second-movement waltz or the volatility of the Finale, which here is a real rollercoaster of a ride, a gamut of sensations rubbing shoulders with solemn chant and intense reminiscences. Järvi, through telling tempos and their relationships leaves in no doubt of Rachmaninov's white-hot frenzy, and the ultimate cut-off is, like Ormandy's, brutal, whereas many conductors allow the gong to sound for numerous seconds and die away.
Both the Dances and the Third Symphony are marvellously scored, something the Paris Orchestra and Järvi relish, and they also dig into emotions and energies. The Symphony also has Philadelphia connections, the premiere given there in 1936 under Stokowski and followed by a composer-conducted recording. It's a kaleidoscopic and imperishable work, in its unpredictability, beauty, power and sorcery. Järvi gives it an ebb and flow, avoiding mannerisms; he observes the first-movement exposition repeat (which the composer passed over) and goes on to capture fully the music's depth of feeling and, in terms of creation, sheer virtuosity.
Placed last on the second disc is the (an) orchestral version of the Vocalise, heartfelt and touching, to close a very distinguished release made from concerts, applause removed, documenting interpretations that really get inside all the music here and offers further illumination of it. In terms of the major pieces here, and with glowing and tangible sound quality (a pertinent complement to the music-making), Paavo Järvi's versions jump straight into the 'among the very best' category.

Thursday, November 26, 2015

Orchester auf Welttournee
Gespräch mit Albert Schmitt, Kammerphilharmonie Bremen

Ob im New Yorker Lincoln Center, bei den Salzburger Festspielen oder in der Kyoi Hall in Tokio – die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen mit seinem künstlerischen Leiter Paavo Järvi ist ein gern gesehener Gast in Konzertsälen und auf namhaften Festivals in der ganzen Welt. Nun startet das Orchester zu einer Welttournee. Wir haben mit Albert Schmitt, Geschäftsführer der Bremer Kammerphilharmonie, über die bevorstehenden Konzertreisen und das Programm gesprochen.

Albert Schmitt, Geschäftsführer der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen

Auch in der aktuellen Spielzeit kann sich das Publikum in vielen Ländern auf Konzerte aus Bremen freuen. Seit 2004 leitet der estnische Dirigent Paavo Järvi die Bremer Kammerphilharmonie. Mit ihren Einspielungen von Beethoven und Schumann hat das Orchester internationale Erfolge gefeiert.

Auftritte in Europa und Asien
Die Bremer Kammerphilharmonie tritt unter anderem in Berlin, Hamburg, Wien, Amsterdam, Paris, Japan und Südkorea auf – mit Werken von Beethoven, Brahms und Schumann. Nach den Anschlägen, Terrorwarnungen und Ausnahmezuständen in Paris und Brüssel muss sich das Orchester auf seinen Reisen auch auf die jeweilige Sicherheitslage einstellen. Albert Schmitt:
Wir beobachten die Situation sehr genau und halten es immer für möglich kurzfristig zu reagieren. Aber im Grunde ist man schlecht beraten, wenn man sich zu sehr nervös machen lässt.

Die Konzertreise führt auch nach Asien. Dort sei man mittlerweile sehr berühmt, so Schmitt. Mit Japan und Süd-Korea habe man Verabredungen bis 2020, "da ist das Orchester ein großer Star."

Das Klassik begeisterte Publikum in Japan ist unglaublich konzentriert und fachkundig. Wir haben in Deutschland und Europa eher die Situation, dass die Klassik ein bisschen um Aufmerksamkeit kämpfen muss und das ist dort noch anders.










1.交響曲第1番 ト短調 作品7

2.交響曲第2番 ロ短調 作品16「4つの気質」


3.交響曲第3番 二短調 作品27「おおらかな交響曲」

4.交響曲第4番 作品29「不滅」


5.交響曲第5番 作品50


Philharmonia / Järvi @ Royal Festival Hall, London
Christian Hoskins

Paavo Järvi
(Photo: Julia Baier)

The Royal Festival Hall was less than half full for this concert, the third in Paavo Järvi’s ongoing cycle of the Nielsen symphonies; perhaps the programme seemed challenging for some concertgoers, or perhaps the lack of a big name soloist was a contributory factor. Whatever the reason, those who stayed away missed a stirring and memorable evening of music-making.

As with his two previous Nielsen concerts, Järvi opened with a Haydn symphony, this time No 100 in G major, also known as ‘The Military’. Järvi’s use of natural trumpets and antiphonal violins kept the sound lithe and transparent, although the size of the string section (twelve first violins) was sufficiently large to bring a sense of grandeur to the first movement development and to provide a natural counterbalance to the weight of the percussion in the martial second movement. Possibly the Menuetto third movement could have sprung a little more flexibly, but the final was suitably energetic and festive.

Nielsen’s distinctive and original Flute Concerto was written in 1926, slightly postdating the last of his six symphonies. The demanding solo part was played here by Samuel Coles, the orchestra’s principal flautist, with considerable panache and sympathy for the composer’s idiom. Järvi’s interpretation highlighted the humour, volatility and mystery in the orchestral writing, and there were excellent contributions from clarinettist Mark van der Wiel and bass trombonist David Stewart. This was altogether a superb performance.

Although Nielsen’s Fifth Symphony is only 35 minutes long, it somehow seems a much more substantial work, so packed is it with striking ideas and on such a rich emotional journey does it take the listener. In this concluding performance of the evening, Järvi’s insight into the symphony’s musical course and his ability to communicate that to the players was second to none. Control of balance and dynamics were exemplary and the music’s tension, lyricism, loneliness and ultimately triumph were powerfully conveyed. The playing, especially that of the percussion, was exciting and virtuosic. Järvi’s Nielsen cycle, continuing in 2016, is definitely one to watch.