BR klassik
Fridemann Leipold
19/02/2015
2013 starb der französische Klangmagier Henri Dutilleux in Paris – er
wurde 97 Jahre alt. Trotz dieser langen Lebensspanne blieb sein
Werkkatalog vergleichweise schmal. Umso ausgefeilter, fantasievoller und
exquisiter wirkt jede einzelne Partitur von Dutilleux.
Generationenmäßig steht Dutilleux zwischen Olivier Messiaen und Pierre
Boulez. Auch wenn sein flamboyanter Stil unverkennbar "französisch"
anmutet, entwickelte Dutilleux doch eine ganz eigene, ungemein
klangsinnliche Tonsprache.
Eine traumverlorene nächtliche Atmosphäre beschwört
Henri Dutilleux schon in seiner Ersten Symphonie, die noch klassisch
viersätzig angelegt ist. Die Uraufführung 1951 beim französischen
Rundfunk bescherte Dutilleux den Durchbruch. Dass in diesem frühen
Geniestreich aber auch vibrierende Motorik steckt, beweist Paavo Järvi
am Pult des Orchestre de Paris mit atemberaubender Prägnanz und
federndem Drive.
Fülle von Gesten auf engstem Raum
Musik von glühender Farbigkeit hat Dutilleux
geschrieben, schönheitstrunken wie schwerer Duft oder dunkler Samt. Das
gilt auch für sein Violin-Nocturne "Sur le même accord", das Dutilleux
2002 für Anne-Sophie Mutter komponierte. Das auf einem Sechstonakkord
aufgebaute Poem ist ein Meisterstück an Verdichtung, bietet es doch auf
engstem Raum eine Fülle von Gesten – und dem Solisten dankbare
Kantilenen. In der aktuellen Aufnahme ist es der souveräne Geiger
Christian Tetzlaff.
Vegetativ wuchernd
Das zentrale Werk auf Paavo Järvis Dutilleux-Album
ist "Métaboles", 1965 von George Szell und seinem Cleveland Orchestra
uraufgeführt. Der Titel stammt aus der Rhetorik und steht für raschen
Wechsel in Stilistik, Syntax oder Rhythmus, in der Chemie bezeichnet der
Begriff Metabolismus den Stoffwechsel. Und das trifft den
kontrastreichen, vegetativ wuchernden Stil von "Métaboles" genau, der
einmal mehr Dutilleux‘ Vorliebe für variative Formen widerspiegelt.
Sogar swingende Jazz-Elemente à la Strawinsky findet man darin.
Raffinierteste Metamorphosen
Mit schneidender Präzision lässt Paavo Järvi seine
fabelhaften Musiker vom Orchestre de Paris agieren, die mit Dutilleux‘
Idiom hörbar vertraut sind. "Métaboles" ist eben auch eine Art "Konzert
für Orchester", das in seinen fünf Sätzen die verschiedenen
Instrumentalgruppen brillant herausstellt. Nach raffiniertesten
Metamorphosen führt Järvi mit gekonnter Hand alle Klangfarben zu einem
gleißenden Finale zusammen und rundet diese imponierende
Dutilleux-Werkschau damit prachtvoll ab.
C'est avec un brin de tristesse que l'on a assisté à
l'ouverture de saison de l'Orchestre de Paris, après l'annonce faite en
août par Paavo Järvi – via Facebook
– qu'il ne renouvellerait pas son mandat après la saison 2015-2016.
Tristesse que dissipe le dialogue intact des musiciens et de leur chef :
le Concerto pour violon de Brahms reçoit une lecture vive et
imaginative, drue et tout en nervures, peut-être au détriment de la
chaleur romantique du son. Maxim Vengerov (dont c'est
le retour à l'Orchestre de Paris) rayonne désormais avec une intensité
plus mature et intérieure, moins tournée que naguère vers le brillant
immédiat – encore qu'il en reste des traces dans sa propre cadence pour
l'Allegro non troppo ! Le phrasé de l'Adagio, les échanges avec les bois sont superlatifs. Et en bis, la Méditation de Thaïs distille des inflexions et des respirations dignes d'un chanteur. Dernière saison de Paavo Järvi à Paris
Un mécanisme orchestral ténébreux envahit ensuite une Symphonie n° 3
de Roussel coulée sans ambages dans un métal digne de Prokofiev – ce
qui se comprend –, mais avec un sérieux peut-être excessif (Vivace, Allegro con spirito). Il tourne à la saturation dans La Valse. Appuyée, alternant linéarité et creusement (accents, contrastes), elle s'assimile à un Sacre du printemps
ravélien. Même Chostakovitch n'est pas si loin, tant sensualité
organique et mystère cèdent le pas à l'éruption obsessionnelle de la
matière – si style et esthétique interrogent, l'engagement est total,
l'impact incontestable. Main droite ferme et agile de Xavier Philips
La semaine suivante, Järvi imprègne les Métaboles
de Dutilleux d'une lumière plus minérale – un éclairage encore
différent de ceux de Gergiev, Rattle ou Gatti. Vision détaillée et
moderniste, tendue mais toujours organique, attentive aux rapports de
tempo comme à l'unité des longs tapis de cordes. Le Concerto pour violoncelle
de Lalo hérite ensuite d'une lecture presque rugueuse, aux volumes
puissants : Xavier Philips en délivre une vision d'une très haute
maîtrise, plutôt sombre de timbre, très concentrée (justesse impeccable,
main droite ferme et agile à la fois... une nécessité ici). Elle va de
l'avant sans jamais faiblir, tout en différenciant toujours subtilement
climats et phrasés (prolongés en bis par la Serenata de la Suite pour violoncelle seul n°1 de Britten). Expériences musicales marquantes
Comme un fait attendu, le chef porte ensuite au triomphe une Symphonie n° 5
de Tchaïkovski fervente et altière – rien de sentimental ni de
complaisant, mais un climat authentique posé d'emblée par deux
clarinettes extraordinairement nuancées. Début captivant, auquel répond
le solo de cor de l'Andante cantabile con alcuna licenza, dont
deux légers accrocs ne ternissent en rien la sensibilité ni la justesse
de phrasé. Les jeux de réponse du quatuor, la profondeur des
violoncelles et contrebasses, l'impeccable architecture d'ensemble
obéissent à un élan passionné et contagieux, jusqu'à une conclusion
naturellement flamboyante. Oui, on peut avoir des regrets pour l'avenir.
Mais dans l'immédiat, vivons ces expériences musicales marquantes dont
l'Orchestre de Paris et Paavo Järvi sont aujourd'hui coutumiers.
http://www.diapasonmag.fr/actualites/critiques/paavo-jarvi-et-l-orchestre-de-paris-ouvrent-la-saison-a-pleyel
This admirable disc highlights a pair of French orchestral works from
the 1960s which might once have seemed pallid and conservative when
compared to the scintillating radicalism on offer from Messiaen, Boulez
and Xenakis at the same time. Yet what comes across today from these
brilliantly vital accounts recorded in 2012 13 is the emotional
diversity and effortless intensity which Henri Dutilleux could achieve
without embracing the modish trappings of mid-20th-century
progressiveness. Even when evoking Dukas or Honegger, this is music that
consistently projects a persuasive and thoroughly unhackneyed manner.
Born in 1916, Dutilleux was already in his forties when he completed
his First Symphony in 1961. It’s true that the first and last of its
four movements both lapse briefly into earnestness as they search for an
appropriately weighty mode of expression. Yet such moments count for
little with material that avoids any hint of soft-centredness, and
Dutilleux even brings off an unusually quiet ending to the finale. Add
in a scherzo that out-dazzles The Sorcerer’s Apprentice and an intermezzo that is anything but lightweight, and you have a modern symphony of rare distinction.
Written soon after, the five short and highly diverse character pieces that comprise Métaboles
provide a more concentrated version of the symphony’s expressive range
and formal qualities. Both scores are performed with relish by Paavo
Järvi and an Orchestre de Paris on top form. This acoustically admirable
disc also includes a brief and much later piece, Sur le même accord
for violin and orchestra (2001 02). Though described as a ‘nocturne’,
there is nothing soporific about this forcefully delineated music, a
perfect miniature music drama.
http://www.gramophone.co.uk/review/dutilleux-symphony-no-1?pmtx=orange-all&utm_expid=32540977-3.FNZqseMjTvyRLIewfMgTiA.2&utm_referrer=http%3A%2F%2Fwww.google.com
Paavo Järvi
and the Frankfurt Radio Symphony Orchestra (in Germany the
hr-Sinfonieorchesters, "hr" standing for "Hesse Radio"), performed and
recorded the Mahler Symphonies at the Rheingau Musik Festival between
2007 and 2013. They were recorded in three different venues, the
Basilika of the Eberbach Abbey, the concert hall of the Kurhaus (now named Friedrich-von-Thiersch-Saal) and the Old Opera, the home of the Frankfurt RSO.
The orchestra isn't new to recording Mahler; it has recorded the
complete works (but with a performing version of the 10th, whereas this
set will only include the Adagio) for Denon in the 80s under Eliahu Inbal. (Now on Brilliant.) Three releases of five are now out in Europe, in the US, only the first DVD/Blu-ray seems out at this point.
Georgian pianist Khatia Buniatishvili impresses in Liszt
From the sound of the orchestra Friday night, it was as if Paavo Järvi had never left.
Järvi,
music director of the Cincinnati Symphony Orchestra from 2001-11,
returned to Music Hall with an intriguing program and his trademark way
of injecting intensity into every note.
The Estonian-born
conductor, now CSO music director laureate, has long championed Nordic
composers. He opened with the orchestra's first-ever performance of
Danish composer Carl Nielsen's "Aladdin" Suite, and closed with an early
work by the Russian master Shostakovich, his Symphony No. 1.
For
the centerpiece, pianist Khatia Buniatishvili, a native of Tbilisi,
Georgia, made her debut in Liszt's showy Concerto No. 2 in A Major.
Järvi
conducts a high-profile career as music director of the Orchestre de
Paris, which included opening in January the new, $505 million
Philharmonie de Paris, whose acoustics he praised as excellent. Next
season, he will become chief conductor of the NHK Symphony in Japan, and
he also is artistic director of the Deutsche Kammerphilharmonie in
Bremen, Germany.
The bold, energized sound Järvi drew from the
orchestra was eye-opening from the first note of Nielsen's "Aladdin"
Suite. The 24-minute suite of 1918 is from incidental music to a play.
Its seven movements include an Oriental Festive March and Hindu, Chinese
and African dances.
Orchestrated for large, colorful orchestra,
the piece unfolded almost cinematically. The winds phrased with
character and their sound disappeared into thin air at the end of
"Aladdin's Dream and Dance of the Morning Mist." The players were
precise and refined in the Hindu Dance, a palette of delicate orchestral
colors.
The most fascinating was "The Marketplace in Ispahan," in
which four groups of musicians each played their own exotic music,
simultaneously. It became a cacophony reminiscent of Charles Ives,
before each dropped out, one by one. Somehow under Järvi, it made sense.
Shostakovich's
First Symphony, which came after intermission, was extremely
well-played, although disjointed and a little quirky. The composer wrote
it at age 19 for his graduation piece. It predates his well-known
symphonies written during the Stalin Era, and some of its themes –
especially in the slow movement – anticipate the greatness that was to
come.
Frenzied moments turned on a dime into themes of atmospheric
beauty, seemingly with little rhyme or reason. Järvi later said he
believes its abrupt changes can be attributed to Shostakovich's work at
the time – as a piano player for silent movies.
The piano, which
was embedded in the orchestra in front of the podium, played an
important role in this performance. Michael Chertock managed to play all
of the notes of the phenomenal piano part, despite the frantic tempo
that Järvi set in the second movement. The scherzo included witty
contributions from bassoonist William Winstead.
The slow movement,
the heart of the work, was extraordinary. Järvi's gift for
communicating mood, whether filled with angst or beauty, worked to great
effect, and the orchestra played it magnificently. The many solo
contributions included a deeply felt oboe theme (Dwight Parry), a
romantic cello solo (Ilya Finkelshteyn), a sweet melody for violin
(Timothy Lees) and a theme for muted trumpet (Matthew Ernst).
The
finale, too, contrasted the drama of pounding timpani against intimate
sonorities. The conductor led with momentum and bite to an exhilarating
finish.
In
the first half, Buniatishvili, 27, took the stage in a vivid red gown
for her debut Liszt's Concerto No. 2. In much of this work, the pianist
accompanies the themes in the orchestra with decorative filigree. She
leaped through its hurdles with impressive technique, her hands a blur
in powerful double-octave passages and glittering runs.
In softer
passages, though, her tone seemed pale and the orchestra sometimes
covered her sound. Even so, the slow movement provided the evening's
most sublime collaboration, when the pianist accompanied Finkelshteyn's
solo cello. It was as intimate as chamber music, and she played with a
light, expressive touch.
In the finale, Buniatishvili balanced
powerhouse playing against moments of delicate sound. The crowd-pleasing
conclusion, featuring glissandos up and down the keyboard, had the
crowd on their feet.
http://www.cincinnati.com/story/entertainment/2015/02/28/cincinnati-symphony-orchestra-music-hall-paavo-jarvi/24082345/
ClassiqueFirst
Françoise
16/02/2015
On Wednesday 14 January 2015, the new Concerto for Symphonic
Orchestra by Thierry Escaich was premiered at the opening gala of the
Philharmonie de Paris. This new piece, performed by the Orchestre de
Paris and directed by Paavo Järvi, was specially commissionned for the
occasion by the Philharmonie de Paris and the Orchestre de Paris. The
Orchestre de Paris has frequently collaborated with Thierry Escaich,
most recently performing Saint-Saëns Symphony No.3 ‘Organ’ with Escaich
at the BBC Proms, Paris Salle Pleyel and on tour in Japan in 2013.
Composer, organist and improviser Thierry Escaich is a unique figure
in contemporary music and a leading representative of the new generation
of French composers. Escaich has composed in many genres and forms,
always exploring new sound horizons. His catalogue numbers around 100
works, drawing from the French line of composition of Ravel, Messiaen
and Dutilleux, and imbued with references from contemporary, folk and
spiritual music. Escaich has been Composer-in-Residence with the
Orchestre National de Lyon, Orchestre National de Lille and the Paris
Chamber Orchestra and his music has been honoured by three ‘Victoires de
la Musique’ awards (2003, 2006 and 2011). http://www.escaich.org/
http://www.french-music.org/classiquefirst/tag/paavo-jarvi/
Am Sonntag, den 8. Februar 2015, gewann Geigerin Hilary Hahn ihren dritten Grammy bei den 57. Grammy Awards in Los Angeles für ihr Album "In 27 Pieces: The Hilary Hahn Encores" in der Kategorie "Bestes Kammermusik Album".
Hilary Hahns von der Kritik gefeiertes Album "In 27 Pieces: The Hilary Hahn Encores"
wurde von der Recording Academy als hervorragend beurteilt und konnte
sich im starken Feld der Anwärter durchsetzen. Das Album enthält 27
kurze zeitgenössische Kompositionen, die von Hilary Hahn beauftragt worden sind, um frisches Leben in die Tradition der Konzertzugaben für Geige zu bringen.
"Manchmal lohnt es sich, eine verrückte Idee in die Tat umzusetzen.", sagte Hahn in ihrer GRAMMY Dankesrede.
Das neue Album von Hilary Hahn, welches sie zusammen mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen und Paavo Järvi
aufgenommen hat, erscheint Ende März bei der Deutschen Grammophon. Es
wird Mozarts Violinkonzert No. 5 in A-Dur und Vieuxtemps Violinkonzert
No. 4 in d-moll enthalten.
Wer die Grammys verpasst hat, kann die gesamte Verleihung noch 30 Tage lang im Stream auf grammy.com sehen.
http://www.klassikakzente.de/news/klassik/article:232141/hilary-hahn-bei-den-57-grammy-awards-ausgezeichnet
［収録曲］ ブルックナー: 交響曲第6番イ長調WAB106［ノーヴァク版］ 01. Ⅰ Majestoso 02. II Adagio. Sehr feierlich 03. III Scherzo. Nicht schnell – Trio. Langsam 04. IV Finale. Bewegt, doch nicht zu schnell
Dirigent Paavo Järvi tegutseb veebruarikuul oma ühe endise ja
ühe tulevase orkestri ees, juhatades kontserte Cincinnatis ja Tōkyōs.
Kuu algul töötas ta juba Cincinnati Sümfooniaorkestriga, valmistudes kontsertideks veebruari lõpul.
Mõni päev tagasi algas Paavo Järvi kolme nädalat ja kolme erinevat
kava hõlmav töö tema peatse orkestriga Tōkyōs, see on Jaapani
rahvusraadio NHK Symphony Orchestra, mille peadirigendi ametis alustab
Järvi järgmise hooaja algusest. Ta toob Tōkyōsse parimat Euroopa
muusikapärandist.
Selle sarja avakontsert toimub täna, 7 . veebruaril NHK
kontserdihallis Tōkyōs, kordusega homme samas: Edward Elgari
Tšellokontsert e-moll op. 85, solistiks ameeriklanna Alisa Weilerstein,
ning Gustav Mahleri Sümfoonia nr 1 D-duur, alapealkirjaga „Titaan".
Nädala pärast, 13. ja 14. veebruaril juhatab Järvi samas NHK
sümfooniaorkestri teist kava, millel kõlavad Jean Sibeliuse
Viiulikontsert d-moll op. 47 ning Dmitri Šostakovitši Sümfoonia nr 5
d-moll op. 47. On huvitav, et mõlemad teosed kannavad oopusenumbrit 47.
Sibeliuse solistiks on 32-aastane jaapanlanna, Genua Paganini konkursi
esimene võitja Jaapanist ja noorim, 16-aastane võitnu (1999) Sayaka
Shoji.
Kolmas jaapani kava tuleb nüüd publiku ette NHK SO ettekandes ja
Paavo Järvi käe all ka Tōkyōst väljaspool, kontserdid toimuvad 18. ja
19. veebruaril Tōkyō Suntory Hallis, 21. veebruaril Yokohama Minato
Mirai Hallis ning 22. veebruaril Nagoya Aichi kunstidekeskuses. Selles
programmis on vaid Richard Strauss ja Mozart: R. Straussi sümfoonilised
poeemid „Don Juan" op. 20 ja „Kangelase elu" op. 40, nende vahel
Wolfgang Amadeus Mozarti Klaverikontsert nr 25 C-duur K 503, solistiks
Piotr Anderszewski.
Pärast Jaapanit sõidab Paavo kohe Ühendriikidesse, et ette valmistada
ja välja tuua 27. ja 28. veebruaril kava Cincinnati Sümfooniaorkestriga
sealses Music Hallis, ettekandel süit Carl Nielseni muusikast draamale
„Aladdin", Ferenc Liszti Klaverikontsert nr 2, solistiks grusiinlanna
Khatia Buniatishvili, ning Dmitri Šostakovitši Sümfoonia nr 1 f-moll op.
10.
Märtsikuu algul dirigeerib Paavo Järvi taas oma teist varasemat
orkestrit, Frankfurti Raadio Sümfooniaorkestrit Saksamaal ning jõuab
siis ringiga tagasi juhatama oma Orchestre de Paris' juurde.
http://kultuur.erpmusic.com/uudised/262-dirigent-paavo-jaervi-juhatab-sellel-kuul-uehendriikides-ja-jaapanis
Sie gilt als problematisch und uneinheitlich, „klassizistische
Fassadenhaftigkeit“ wurde ihr vorgeworfen: Robert Schumanns Sinfonie Nr.
2 ist der Versuch, die Traditionen von Bach, Beethoven und Mendelssohn
im eigenen romantischen Zugriff zu verbinden. Nun hat sie sich Paavo
Järvi mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen vorgenommen, im Rahmen
der Gesamteinspielung der Schumann-Sinfonien. Die einzelnen Sätze sind
akribisch durchgearbeitet, stimmig und prägnant in ihren Charakteren.
Und gleichzeitig spürt man einen durchgehenden Zug, von den
Eingangstakten des ersten Satzes bis zum Finale. Die Spannungslinie
fällt nicht einen Moment ab, der Hörer wird permanent bei der Stange
gehalten, weil es sich lohnt, die Ohren zu spitzen. Insofern ist Järvi
und seinen Bremern hier tatsächlich die Quadratur des Kreises gelungen.
Dazu gibt es noch Ouvertüren in plastischer Dramatik. So geht Schumann!
Schumann: Sinfonie Nr. 2 C-Dur & Ouvertüren Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Paavo Järvi (Leitung) RCA
CD-Rezension Paavo Järvi & Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen
http://www.concerti.de/de/1354/cd-rezension-paavo-jaervi-und-die-deutsche-kammerphilharmonie-bremen.html
Paavo Järvi entstammt einer estnischen Dirigentenfamilie,
sein Vater Neeme und sein Onkel Vallo begründeten die Familientradition,
Paavo und sein zehn Jahre jüngerer Bruder Kristjan traten in ihre
Fußstapfen. Seit 2004 ist Paavo Järvi künstlerischer Leiter der
Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, seit 2006 auch Chefdirigent des
hr-Sinfonieorchesters. Mit Beginn der Saison 2010/11 übernahm er
außerdem das Orchestre de Paris, für das er sich vom Cincinnati Symphony
Orchestra getrennt hat, dem er zehn Jahre lang verbunden war.
„Das eigentliche
Dirigentenleben fängt wohl erst jenseits der 50 an“, äußerten Sie einmal
in einem Interview. Ende Dezember ist es bei Ihnen so weit – geht es
jetzt erst richtig los?
Das habe ich vor vielen Jahren gesagt, aber je näher ich der 50
komme, desto mehr merke ich, wie wahr das ist. Ich dirigiere
professionell seit 1985, aber ich kann ehrlich sagen, dass ich erst
jetzt genug Erfahrung und Vertrauen habe, um bewerten zu können, was ich
tue. Und ich ertappe mich immer öfter dabei, wie ich denke, jetzt habe
ich‘s, jetzt verstehe ich, wie es geht. Richtiges Dirigieren beginnt
erst mit größerer Erfahrung, nachdem man die Gelegenheit hatte, in das
Repertoire hineinzuwachsen, mit ihm zu wachsen. Auch persönlich,
menschlich.
Dirigenten scheinen eine Spezies zu sein, die mit zunehmendem Alter immer besser wird.
Das ist einerseits natürlich ein Klischee, denn für jeden guten alten
Dirigenten gibt es genug andere, die zu früh gestorben sind, um ihr
Potential entwickeln zu können. Allerdings gibt es auch irgendwo einen
Wendepunkt, ab dem gewisse Dirigenten eher schlechter werden, weniger
bedeutend und aus dem Blickfeld rücken. Und dann gibt es da diejenigen,
die zu diesen großen alten Männern werden, weil sie etwas Interessantes
zu sagen haben, weil sie ihrem Musizieren einen gewissen Wert, eine
gewisse Tiefe verleihen, Leute dazu bringen, ihnen zuhören zu wollen. Da
wir nun mal in einer sehr oberflächlichen Welt leben, schätzen wir am
Anfang die falschen Dinge, geben etwas auf heiße Luft, bedeutungslose
Gesten, Image und Showeffekte. Dinge also, die beeindruck-end sein
können, doch irgendwann gelangt man an einen Punkt, an dem man müde
wird, das alles durchzumachen. Und dann sieht man, wer nur das bietet
und wer auch Tiefe und Substanz hat. Das Merkwürdige ist, dass Alter
nicht gleich Tiefe oder Größe bedeutet. Es gibt eine Menge Leute, die
auch im vorgerückten Alter nicht viel zu sagen haben. Und umgekehrt.
„Das Talent muss reifen wie ein guter Wein“, lautet ein
anderer Ausspruch von Ihnen. Welcher Wein sind Sie? Weiß oder rot?
Italiener oder Franzose?
Rot, auf jeden Fall. Italiener oder Franzose, oder auch Spanier, ist
egal, ich liebe sie alle. Aber es gibt etwas bei diesem Reifeprozess.
Ich will jetzt nicht selbstgefällig oder angeberisch klingen, aber ich
kann sagen, wenn jemand die Musik nicht verdaut, nicht verarbeitet hat.
Nicht, weil er nicht hart gearbeitet hat oder die Musik nicht genug
liebt, sondern weil er einfach nicht genug Zeit hatte. Es braucht seine
Zeit. Mahlers Erste beispielsweise, die ich gestern geprobt habe, habe
ich bestimmt schon zwanzig Mal aufgeführt. Doch erst gestern Abend sind
mir einige Sachen aufgefallen, die ich bisher „falsch“ gemacht habe. Für
mich falsch, weil ich gemerkt habe, dass man sie besser machen kann.
Manchmal muss man auch den Mut haben, Dinge anders zu machen. Und der
kommt mit dem Alter.
Und noch ein letztes Järvi-Zitat: „Dirigent ist kein Job, sondern eine Lebensweise.“ Wie sieht diese Lebensweise aus? Es ist eigentlich ein schrecklich narzisstisches,
selbstbezogenes, geradezu lächerliches Leben, wenn man anfängt, darüber
nachzudenken. Erstens dreht sich alles, wirklich alles, um dich. Es geht
immer um deinen Terminplan, um deine Verfügbarkeit, Menschen
unternehmen alle möglichen Anstrengungen, um es dir recht zu machen.
Aber das ist nicht das Leben. Leben ist, mit Menschen in Kontakt zu
treten, sich zu verlieben, Kinder zu bekommen, morgens aufzuwachen und
mit deiner Familie zu frühstücken. Leben ist nicht, morgens aufzuwachen
und nicht zu wissen, in welcher Stadt du gerade bist. Und deshalb kann
man es – wenn man es als Job betrachtet – sehr schnell satthaben. Doch
wenn Musikmachen das Höchste für dich ist, dann nimmst du alles in Kauf.
Wie gesagt, es ist auf seltsame Weise ein absurdes, schrecklich
egozentrisches Leben.
Muss man als Künstler egozentrisch sein?
Ich versuche, auf dem Boden zu bleiben. Und nichts bringt einen
wieder besser zurück auf die Erde als Kinder. Ich habe zwei Töchter,
fünf und acht Jahre alt. Denen ist es völlig egal, ob du ein berühmter
Dirigent bist. Die wollen einfach mit dir zusammen sein. Wenn du morgens
aufwachst und sie springen einfach auf dich drauf, überlegst du nicht,
fühle ich mich heute Morgen gut, habe ich Kopfschmerzen, dann hat das
Leben einfach begonnen. Das ist das Beste auf der Welt. Dann weißt du,
was wichtig ist.
Bei Ihnen waren Bernstein und natürlich Ihr Vater die prägenden Figuren. An wen geben Sie Ihr Wissen weiter?
Das ist eine gute Frage. Es ist so offensichtlich, dass mein Vater
mir alles vermittelt hat, was er wusste. Und es ist genauso
offensichtlich, dass ich deswegen Dirigent bin. Nun habe ich zwei
Töchter, und ich bin mir nicht ganz sicher, ob ich überhaupt will, dass
sie Dirigentinnen werden – wobei die Ältere die Persönlichkeit dazu
hätte. Ich habe ein Sommerfestival in Estland, bei dem Dirigierkurse mit
einem Festivalorchester einen wesentlichen Teil ausmachen. Und da merke
ich, dass mir das Unterrichten enorm viel Freude bereitet, weil ich
eine Menge lerne. Ich glaube fast, dass ich für mich mehr lerne als die
Teilnehmer von mir. Es ist unglaublich interessant, den Prozess zu
verfolgen, wie man Dirigent wird. Wenn ich sehe, wie junge Dirigenten
ihren Weg finden und diese elementaren Fehler machen, wird mir klar,
dass es die gleichen Fehler sind, die ich gemacht habe, als ich am
Anfang stand. Deswegen hoffe ich auch, weiterhin unterrichten zu
können.
Sie sind quasi in einem Opernhaus groß geworden, weil Ihr
Vater damals Leiter der estnischen Oper war. Würde Sie eine tolle
Opernproduktion hier und da nicht reizen? Ich denke in letzter Zeit immer häufiger darüber nach. Denn ich
bin mittlerweile an einem Punkt angekommen, wo ich mit einigen
Ausnahmen den Großteil des Orchesterrepertoires, das ich dirigieren
wollte und sollte, gemacht habe. Natürlich gibt es nach wie vor eine
Menge Musik, auf die ich neugierig bin, aber Oper reizt mich immer
stärker, nur dass ich bisher mit drei Orchestern nie lange genug Zeit am
Stück dafür hatte. Und einfach mit nur einer Probe einige Vorstellungen
zu übernehmen, das ist nichts für mich, das befriedigt mich nicht.
Wahrscheinlich wäre es am besten, die Sache mit einem meiner Orchester
anzugehen und Zeit für ein solches Opernprojekt zu finden.
Gerade hat Ihre dritte Saison in Paris begonnen. Haben
Sie Unterschiede in der Publikumsmentalität im Vergleich zu Deutschland
festgestellt?
Die Deutschen sind vielleicht nicht das feurigste Publikum, aber sie
sind ernsthaft bei der Sache. Wenn ihnen etwas gefällt, klatschen sie
sehr lange, sie zeigen ihre Wertschätzung. Franzosen sind eher wie ein
Streichholz, sie entzünden sich ungeheuer schnell, aber die Flamme geht
auch schnell wieder aus. In Deutschland kann es durchaus passieren, dass
der Applaus nur mittelstark ist, nicht über ein Mezzoforte hinausgeht,
und man denkt, ach, es hat ihnen nicht so besonders gefallen. Doch dann
muss man 15 Mal auf die Bühne kommen, weil sie einen nicht gehen lassen
wollen. In Frankreich dagegen schreien die Leute ihre Begeisterung raus,
da gibt es sofort standing ovations – und im nächsten Moment ist schon
alles vorbei.
Den Test schlechthin – die Beethoven-Sinfonien – haben
Sie bravourös bestanden. Gibt es noch einen anderen Test, den man als
Dirigent bestehen muss?
Ich finde, dass es unmöglich ist, Brahms gut zu dirigieren. Für mich
ist das eine absolut unlösbare Aufgabe. Es ist mir noch nie gelungen,
Brahms so zu dirigieren, dass ich damit zufrieden war, nicht einmal
ansatzweise. Brahms klingt entweder immer aufgedonnert und erhaben à la
Karajan oder irgendwie interessant – nicht überzeugend – aber
interessant wie bei Harnoncourt. Das liegt daran, dass man sich kühn in
das Gebiet vorwagen muss, das Brahms uns nicht sehen lassen will, das er
vor uns zu verbergen sucht, indem er überall diese Wälle errichtet. Und
so sind die Interpretationen immer emotional unterbelichtet oder
übertrieben, die Balance stimmt irgendwie nie. Es gibt nur einige wenige
überzeugende, Furtwängler zum Beispiel. Oder Bernstein. Und deswegen
ist Brahms die nächste Herausforderung für mich, der ich mich mit der
Deutschen Kammerphilharmonie stellen werde.
Wie viele neue – für Sie neue – Werke führen Sie jede Saison auf?
Fünfzehn, zwanzig. Ja, ein Menschenleben ist nicht genug für das
Repertoire. Aber der Appetit und die Neugier sind da. Und die nehmen
auch nicht ab, im Gegenteil. Man muss sich einfach entscheiden, wie
wichtig einem diese Sachen sind, wie viel Zeit man sich dafür nimmt –
und wie hoch der Preis dafür ist. Für mich ist es mittlerweile klar,
dass ich dieses musikzentrierte Leben will, ich glaube, ich könnte gar
kein anderes ertragen.
Gibt es für Sie denn ein Leben neben der Musik? Haben Sie noch Zeit für Hobbies?
Nein, Hobbies habe ich nicht. Ich weiß, es klingt ein bisschen albern, aber die Musik ist mein Hobby.
Das heißt, wenn Sie lesen, lesen Sie keinen Roman, sondern Partituren …
Ich lese gern Biografien, nicht nur über Musiker, auch über Politiker. Aber einen Roman habe ich schon lange nicht mehr gelesen.
Und wie viel Zeit bleibt für die Familie?
Nicht genug. Aber ich versuche immer, wenn ich eine Woche frei habe,
in die Staaten zu fliegen. Und den Sommer verbringen wir immer zusammen
in Estland.
Das bedeutet aber auch, dass Sie nicht wirklich ausspannen können, wenn Sie zu Hause sind.
Ja, aber dafür wird man auf andere Weise entschädigt, die Batterien
wieder aufgeladen. Es gibt nichts Schöneres, als die Neugier eines
Kindes zu erleben. Wir Erwachsenen haben diese Neugier auch in uns, aber
unser Leben ist so angefüllt mit anderen Sachen, dass wir manchmal der
Neugier müde werden. Aber Neugier ist ein wichtiger Motor, der dich
immer vorantreibt.
Der estnische Stardirigent Paavo Järvi stellt sich den Fragen der concerti-Leser
Photo:Ixi Chen
Normalerweise sieht ihn das Publikum vor allem von
hinten – man beobachtet, wie er mit dem Orchester kommuniziert, hier
einen Ausbruch der Geigen heraufzubeschwören scheint, dort die Bläser in
betörender Leichtigkeit aufspielen lässt, den Stab immer am
musikalischen Puls der Zeit: Der Este Paavo Järvi, Teil einer
international gepriesenen Dirigenten-Familie und Chefdirigent der
Kammerphilharmonie Bremen, kennt die Gesten, die nötig sind, um
Orchester und Musik in Einklang zu bringen. "Richtiges Dirigieren
beginnt erst mit größerer Erfahrung, nachdem man die Gelegenheit hatte,
in das Repertoire hineinzuwachsen, mit ihm zu wachsen. Auch persönlich,
menschlich.", sagte er schon im concerti-Interview.
Am 22. Februar 2013 gastiert Järvi mit seinem Orchester in der
Laeiszhalle, auf dem Programm stehen Werke, die in der Musikrezeption
ihrer Zeit einzigartig sind: Guillaume de Machauts Motetten, die die
Kirchenmusik des ausgehenden Mittelalters revolutionierten; Felix
Mendelssohn Bartholdys "Reformationssinfonie", die den Luther-Choral
"Ein feste Burg ist unser Gott" ins romantische Gefüge integriert; das
"Monumentum pro Gesualdo di Venosa" von Igor Strawinsky, das sich nicht
nur klanglich an die Madrigale der Spätrenaissance annähert; und
schließlich Erkki-Sven Tüürs "Questions ...", das sich auf Aussagen
des Quantenphysikers David Bohm bezieht.
Für 20 ausgewählte concerti-Leser, die das Konzert besuchen,
gibt es Paavo Järvi nicht nur "von hinten" auf dem Podium zu sehen,
sondern regelrecht "zum Anfassen": Im Anschluss an das Konzert stellt
sich der Dirigent im Rahmen eines exklusiven Meet & Greet Ihren
Fragen. Als Moderator steht ihm dabei concerti-Redakteur Peter Krause
zur Seite.
Dutilleux: Sinfonie Nr. 1, Métaboles, Nocturne für Violine & Orchester „Sur le même accord“ Christian Tetzlaff (Violine), Orchestre de Paris, Paavo Järvi (Leitung) Erato
Paavo Järvi erweist sich als klug-dezenter Vermittler einer oft skrupulös gearbeiteten Musik
Seit Paavo Järvi im Jahr 2010 das Amt des Chefdirigenten beim Orchestre
de Paris übernommen hat, widmet er sich systematisch französischem
Repertoire. Nun hat er von Henri Dutilleux neben Métaboles auch die erste Sinfonie sowie, mit dem wunderbar gradlinig spielenden Christian Tetzlaff, das Konzert-Nocturne Sur le même accord aufgenommen.
Das Raffinierte dieser Musik arbeiten die Musiker glänzend heraus,
vieles wirkt wie Klang gewordene moderne Architektur aus Glas und
Spiegeln: einerseits nüchtern, andererseits sehr unmittelbar. Gerade in Métaboles entsteht,
selbst im dichtesten Tutti, eine beispielhafte Transparenz. Da gibt es
keine Instrumentengruppe, die schwächelt oder die – umgekehrt – die
anderen erdrücken würde. Järvis Arbeit beginnt Früchte zu tragen, zumal
er sich nicht krampfhaft als Aufklärer gibt, sondern als klug-dezenter
Vermittler einer oft skrupulös gearbeiteten Musik.
CLASSICAL
HENRI DUTILLEUX Metaboles; (Erato)
***1/2
THE
name Henri Dutilleux may not be as familiar as those of Bach, Mozart,
Beethoven or other classical music luminaries, yet Dutilleux, who died
in 2013, is considered one of the most important French composers of the
latter 20th century. This CD coincides with the inauguration of the
Philharmonie de Paris in January, with concerts conducted by Paavo
Järvi, who directs the orchestra. Described as a “daring and probing”
artist who conducts with visionary fire and exuberance, Järvi brings
these qualities to the six vivid movements of Métaboles, with titles such as “flamboyant’’, and “torpide’’. On only one Chord,
premiered in 2002 by dedicatee violinist Anne-Sophie Mutter, played
here with Christian Tetzlaff as soloist, displays Dutilleux’s lyrical
precision. But Symphony No 1, an early Dutilleux creation, is 30
minutes of intense development, blending lyricism with big brass
flashes. It demands attention from listeners who would miss the vigour
of a challenging adventure if they eschewed Dutilleux for the comforts
of Beethoven and Co.
Liberation.fr
Eric Loret
16/01/2015 A la Philharmonie, en janvier 2015. (Photos Julien Mignot)
La nouvelle
salle symphonique du XIXe arrondissement de Paris, jusqu’alors connue
pour ses dépassements de budget faramineux, a enfin été inaugurée
mercredi.
Paris,
te voilà doté d’une Philharmonie. La capitale n’a plus rien à envier à
Berlin et à son énorme et célèbre ensemble qui jouxte le Tiergarten.
Mercredi soir a été inauguré en grande pompe le bâtiment de la
Philharmonie de Paris, projet lancé en 2006 sous l’impulsion de l’Etat
et de la Ville de Paris, après des décennies de forcing de Pierre
Boulez. Et c’est Laurent Bayle, homme du sérail musical et proche du
compositeur, qui a assuré la tenue du projet sur presque une décennie.
Le lieu flambant neuf accueille deux résidents, l’Orchestre de Paris et
l’Ensemble intercontemporain, ainsi que trois formations associées :
l’Orchestre de chambre de Paris, l’Orchestre national d’Ile-de-France et
les Arts florissants. Bizet n’est peut-être pas au programme, mais il
n’empêche : cette toute nouvelle institution a été une formidable
arlésienne. Avec un chœur politique de première bourre (et fraîcheur) :
Jacques Chirac, Dominique de Villepin, Renaud Donnedieu de Vabres,
Bertrand Delanoë, Nicolas Sarkozy, François Hollande… Il était temps que
cela s’arrête.
«Aberrations décisionnelles»
Beaucoup de critiques ont été formulées sur les travaux,
leurs retards. Le coût total du bâtiment s’élève à 386 millions d’euros,
la somme originelle étant de 200 millions, selon l’institution. Les
caprices de l’architecte Jean Nouvel ont été évoqués pour expliquer ce
dépassement hors normes, de même que le cours de l’aluminium (qui couvre
la façade), monté en flèche depuis le milieu des années 2000, la
technocratie qui a enrouillé l’affaire, la mauvaise gestion politique…
Mais une question métaphysique a également fait polémique : pourquoi une
Philharmonie plutôt que rien ? Elle devait être un temple de la
symphonie et remplacer Pleyel (désormais dévolue aux musiques
actuelles), permettre d’accueillir les Troyens de Berlioz. Au
lieu de cela, sa programmation semble redoubler celle de l’ex-Cité de la
musique, rebaptisée Philharmonie 2, en se recentrant sur une politique
culturelle populiste du «il faut donner aux gens ce qu’ils veulent
entendre» plutôt que «ce qu’ils pourraient découvrir».
Par
ailleurs, beaucoup doutent que le public huppé de l’ouest parisien qui
fréquentait Pleyel se rende à la Philharmonie tant que les
infrastructures (métro, etc.) seront insuffisantes. Mais, sur le fond
politique, la plus virulente des critiques est venue, en novembre, du
célèbre compositeur Philippe Manoury qui, quoique réaffirmant son
soutien à Laurent Bayle, s’emportait contre les considérations de
rentabilité, écrivant que «si à une vue conformiste (la musique
savante comme patrimoine), la politique culturelle répond par une autre
tout aussi conformiste, malgré les apparences (le hip-hop dans une salle
philharmonique), si donc elle se contente d’organiser le divertissement
du peuple, entretenant, encore et sans fin, les vieux clivages qui
gangrènent notre société, alors, les yeux fermés, elle va droit dans le
mur». Et de soulever entre autres la question de l’éducation artistique et musicale dans les collèges, laissée «sur les bas-côtés». La Philharmonie s’ouvre donc dans un climat de dissonances. Mercredi dans le Monde, Jean Nouvel faisait savoir qu’il n’assisterait pas à l’inauguration, écrivant : «L’architecture
est martyrisée, les détails sabotés, les contribuables auront donc à
payer, une fois encore, pour corriger [des] aberrations décisionnelles.» De la fin des travaux à l’accouchement public, Libération a sillonné les interminables couloirs de l’édifice.
Montgolfière immobilisée
Pour
comprendre à quoi ressemble le bâtiment, à défaut de pouvoir arpenter
le ciel de Paris en hélico, on peut se pencher sur une modélisation ou
une maquette située au fond d’un couloir noir. Difficile de ne pas
constater que la dernière réalisation de Jean Nouvel a quelque chose
d’un soufflet de cheminée, voire d’une pompe à matelas gonflable. De la
structure énorme sort une excroissance triangulaire qui s’immisce entre
la Cité de la musique et le boulevard périphérique. Quant au gros de la
chose, c’est un drôle d’amas qui a été posé là, au cœur du parc de la
Villette. Nouvel, prix Pritzker 2008, retenu en 2007 pour la commande, a
construit un objet assez vivant, qui semble pouvoir s’étendre et se
gonfler comme une montgolfière immobilisée. Mais cet élément organique,
une paroi faussement souple conçue comme un moucharabieh, se retrouve
engoncé dans une structure rigide et anguleuse.
Le
bâtiment de la Philharmonie de Paris, comme l’institution elle-même, a
fait de la conciliation, du mariage entre les genres, son maître mot.
L’époque n’est plus à un courant stylistique dogmatique mais à
l’agglomération des allures. Avec cette Philharmonie, l’architecte
continue d’apposer sa patte sur la ville de Paris, sans grande
concurrence : il est notamment l’auteur de la Fondation Cartier, du
musée du Quai Branly, de l’Institut du monde arabe et même d’un magasin H
& M aux Champs-Elysées. Si l’on ajoute le palais de justice de
Nantes ou l’Opéra de Lyon, s’entérine l’image de Nouvel en grand
constructeur de nos cités.
Hasard du calendrier, sa Philharmonie suit les inaugurations de la Fondation Louis-Vuitton de Frank Gehry dans le XVIe arrondissement parisien ou du Musée des confluences à Lyon.
Les bâtiments sont très différents, mais partagent le même désir de
gigantisme, la même volonté de modifier l’aspect général d’une ville ou
d’un quartier. Paradoxalement, alors que ces inaugurations se succèdent,
le geste semble à contre-courant d’une architecture contemporaine
souvent rétive à toute incursion violente dans un paysage urbain. Nouvel
n’a pas eu peur du monumentalisme, a suivi à la lettre l’ambition du
lieu, voulu en son temps par Pierre Boulez comme «le centre Pompidou de la musique».
Les tuyaux de Beaubourg incarnaient les politiques culturelles
publiques de la France des années 70. Le chaos de fonte de la
Philharmonie, recouvert d’oiseaux de béton ou d’aluminium qui
s’imbriquent, façon Escher, sur sa façade, est le symbole de
l’institution actuelle : gigantesque, lourde, mais qui fait tout pour
trouver un nouvel envol.
Ligeti et Dvorák dans les embouteillages
Attention, la Philharmonie n’est pas un simple bâtiment. Elle est, dixit le dossier de presse, «un bâtiment minéral aux allures de butte, intégré au parc de la Villette».
Mais ce serait minimiser son ambition que de la considérer comme le
nouveau trophée d’un jardin des merveilles architecturales : une zone
conçue par Bernard Tschumi, une Cité de la musique adjacente et un
Conservatoire national conçu par Christian de Portzamparc, et évidemment
la fameuse Grande Halle, témoignage du passé industriel de Paris, ou
encore la Géode, le Zénith… Le bâtiment de Jean Nouvel a beau être là,
au milieu, il fait tout pour s’en distinguer, aller plus haut et jouer à
saute-mouton sur la barrière du périphérique, que politiques et
urbanistes peinent à abattre.
La Philharmonie ne prône pas l’arrivée de bulldozers sur le boulevard, mais invite à le surplomber. «Vous allez voir. D’en haut, c’est un autre Paris»,
entendait-on le jour de notre visite. Sur le toit du bâtiment, auquel
le passant (mélomane ou non) pourra accéder par un sentier de béton, une
vaste terrasse offre une vue sur le parc de la Villette d’un côté, et
de l’autre sur Le Pré-Saint-Gervais, Pantin, Aubervilliers, la Plaine
Saint-Denis… Une fois le belvédère - qui peut accueillir 700 personnes -
atteint, on est face à un paysage de tours de bureaux, d’habitations,
stades de foot ou centres commerciaux. La façade du bâtiment imprime en
immenses lettres lumineuses la programmation du soir, visible depuis
l’entrée principale mais surtout depuis le périph, comme un morceau de
Times Square exilé là. Ligeti et Dvorák n’auront plus de secret pour les
embouteillés.
Partout dans la Philharmonie surgit
l’ambition d’en faire le bâtiment du Grand Paris, la tour sentinelle du
pharaonique projet d’aménagement de l’agglomération. Mais organiser des
concerts de classique - genre au public très marqué CSP + - dans une
zone populaire a quelque chose d’un défi. Laurent Bayle, président de la
Philharmonie, cite l’exemple du Parco Della Musica romain, relativement
excentré. Il refuse de voir le nord-est parisien comme une zone
désertée mais comme «un espace à fort potentiel de développement commercial et immobilier». Et évoque le nombre croissant d’investisseurs, essentiellement des jeunes actifs, dans le secteur. D’ailleurs, si vous-même…
Quand
il parle de la Philharmonie, son président, Laurent Bayle, se place
dans la posture d’un maire de village : Cité et Musée de la musique,
Philharmonie 1 et 2, salle Pleyel. Le regard porté vers le futur et le
geste ample, manquant par deux fois de renverser son verre d’eau, il
explique les bienfaits d’une centralisation sur le modèle d’une culture
pour tous.«Quand on cumule quartier aisé et lieu fermé dans la journée [personne n’a évoqué Pleyel, ndlr], on favorise un usage qui replie la musique classique.»
Selon lui, la moyenne d’âge de ce public a vieilli de douze ans en
quelques décennies, quand celle de l’amateur de théâtre n’a pris que
quatre ans.
Xylophone géant
Comme les musées qui alignent expos, ateliers et librairie, Bayle veut inventer le week-end culturel musical intégral, «où
différentes formes sont proposées à une famille : aller à une expo à la
Cité de la musique, voir un concert en grand orchestre, laisser ses
enfants dans des ateliers… Dans un même lieu, tout devient cohérent». La famille est au cœur de cette offre pléthorique
à la tarification accessible (place à 40 euros maximum pour l’Orchestre
de Paris), qui comprend aussi conférences et expos - la première, très
attendue, sur Bowie ; la deuxième, comme par hasard, sur Boulez. Le site
est jalonné de restaurants et de bars, tel le Balcon, dont la plaquette
nous apprend qu’il a été «imaginé comme un bistrot contemporain informel et décontracté dans un environnement d’esthète».
Bigre. En semaine, l’organisation sera moins dense, accentuée sur la
pédagogie, en relation avec les écoles, où les enfants pourront par
exemple s’initier au xylophone géant d’Ouganda.
Pour
le moment, le pari est atteint, puisque, avant même son inauguration,
plus de 70% des places pour les concerts prévus jusqu’en mars avaient
été achetées. Et plus de 10 000 entrées sont déjà prévendues pour
l’exposition Bowie, qui n’ouvrira que le 3 mars.
A
l’intérieur du bâtiment, Emmanuel Hondré, le directeur de la production,
insiste lui aussi sur le caractère pédago et collectif du projet : «Contrairement
aux autres lieux parisiens, il y a ici beaucoup d’endroits pour
répéter, en petite ou en grande formation. Les musiciens commencent à
monter des projets entre eux. Le lieu devient un campus, c’est très
excitant !» Tout est ici agencé pour le plaisir de l’instrumentiste
ou du mélomane, et tant pis si les fenêtres du personnel donnent sur le
béton de la rampe du parking.
Dans une petite salle, un
accordeur travaille sur quatre Yamaha encore emballés. Donnant sur les
arbres du parc, deux grandes salles de répétition aux murs isolants en
bois gravé servent aussi de studio, l’une est construite aux dimensions
de l’orchestre sur la scène. Plus loin, des couloirs rouges ouvrent sur
une quinzaine d’ateliers individuels et collectifs où, selon une méthode
éprouvée au Venezuela et en Finlande, «quiconque ne pratiquant
aucun instrument pourra venir, apprendre avec l’aide des autres et, en
quelques heures, jouer un morceau». Nous ne savons pas encore dans
quel désarroi auditif se trouveront les profs mais, lecteurs, nous
prévoyons un reportage sur ces ateliers.
Et puis ily a la
salle. A 12 ans, quand Wagner est entré sur la scène du Hoftheater de
Dresde, il en est ressorti en courant avant sa première réplique.
Traumatisé. A une semaine de son inauguration, quand nous avons pénétré
dans la salle de la Philharmonie de Paris, nous sommes restés cois.
Tétanisés. Au plafond, les nuages acoustiques flottent dans la
poussière. A nos pieds, des fauteuils sont posés, sans dossier. En
contrebas, la scène au sol troué est éclairée par les étincelles des
arcs à souder. Dans cinq jours, le son des instruments remplacera celui
des scies sauteuses. Mais, pour l’instant, un quarteron d’ouvriers
s’affaire dans cette bulle torsadée située entre ciel et terre, à une
quinzaine de mètres de hauteur.
D’une capacité de 2
400 places, la salle est oblongue. A l’image de la Philharmonie de
Berlin, elle est enveloppante, esthétisante dans ses formes, séduisante
avec ses couleurs blanc, beige, jaune, et sert d’écrin à l’orchestre
installé en son centre. Les balcons volettent autour d’une fosse
relativement à-pic. Ils ne sont pas accrochés aux murs mais reposent sur
de grandes languettes, ce qui permet au son de circuler autour, pour,
nous dit-on, une qualité optimale quelle que soit la place du
spectateur, près de l’orchestre ou relégué 37 mètres plus loin, au
dernier rang. Si, à l’usage, l’acoustique déçoit, la salle peut évoluer,
explique Bayle : «Les six premiers mois, le résident [ici l’Orchestre de Paris, ndlr] sert
de référent et explique ses sensations. Les renseignements sont croisés
avec les avis d’invités. A la fin de la première saison, on y voit plus
clair sur les modifications éventuelles.»
Boîte à chaussures de 3 650 places
La
salle peut aussi se transformer : une paroi s’escamote et les sièges au
sol s’ensevelissent sous le plancher, le lieu devient alors une «boîte à
chaussures» de 3 650 places. Le tour de passe-passe prend la journée et
est plutôt destiné aux concerts avec scène ou aux musiques amplifiées.
Car, dans cette Philharmonie, on écoutera le pianiste Lang Lang, mais
aussi Oxmo Puccino et son Alice au pays des merveilles.
Mercredi
soir, Jean Nouvel était bien absent et Laurent Bayle, ému, l’a salué à
distance. Il a aussi, entouré d’Anne Hidalgo et de François Hollande,
loué «la permanence de l’engagement des pouvoirs publics». Charlie aussi était là. Dans le discours de la maire de Paris, contre «le
fanatisme qui veut imposer le silence, que ce soit en Irak, au Nigeria
ou dans les locaux de Charlie», «chaque mouvement d’une symphonie
conjure le terrorisme». Dans celui du Président : «On peut assassiner des hommes et des femmes, on ne peut tuer des idées. Charlie vit et vivra.» Si l’histoire peut oublier un slogan du chef de l’Etat («le meilleur de la musique pour le prix d’une salle de cinéma»), elle
se souviendra en revanche que la première standing ovation de cette
Philharmonie fut pour Hollande : 2 400 personnes debout quand le
Président a serré la main du Premier ministre avant le concert, dans une
salle pimpante sentant encore la sciure de bois.
Paavo Järvi, le chef de l’Orchestre de Paris, a démarré la soirée par un rigolo Tuning Up de Varèse, mise en scène acoustique d’un accordage au finale tonitruant, avant de lancer Renaud Capuçon Sur le même accord
de Dutilleux. Le violoniste star, toujours expressif, sautillait et
scandait ses pizzicati comme s’il voulait gratter le manche de son
guarnerius de 1737. Ovation.
La soprano Sabine Devieilhe et le baryton Matthias Goerne ont ensuite fait vibrer le Requiem de Fauré avec chœur et solennité, avant de laisser la place à Hélène Grimaud, de blanc vêtue, pour le Concerto en sol
de Ravel. Evidemment, au début du deuxième mouvement, entre les notes
mélancoliques du piano solo s’est glissée la sonnerie d’un téléphone. La
bonne acoustique amplifie aussi, hélas, les mauvais bruits. Et soudain,
au milieu du troisième mouvement, après deux éclairs frappés sur le
clavier, Grimaud a tourné la tête vers le public. Pour la première fois.
Elle a esquissé un sourire puis s’est lancée dans une nouvelle série
d’axels avant une conclusion aussi abrupte que la battue de Järvi, tout
en cassures, est sèche. Le troisième mouvement a été bissé. Puis
entracte, sur un constat dubitatif : de la puissance, la salle en a sous
le pied, c’est indéniable. Mais elle est aussi légèrement déséquilibrée
dans les aigus. Caisse claire, cymbales et toux sèche frappent quand
les basses sont en retrait. Tout cela n’est pas très grave.
Dans
la seconde partie, l’Orchestre de Paris a remis les choses au point.
Changement de configuration ou premiers émois de l’inauguration passés ?
Tout s’est rééquilibré, les teintes et les timbres ont retrouvé leur
territoire et nous avons pu assister à la création d’un magnifique Concerto pour orchestre
de Thierry Escaich. Dynamique, houleux, éclatant : une œuvre blessée,
meurtrie de coups et d’inquiétantes lacérations. Puis cette première
soirée s’est achevée par la suite n°2 de Daphnis et Chloé, avec
une aurore magnifique et une danse générale choquante de puissance et
de détermination. Musiciens et choristes ont marché de concert sur la
salle, les spectateurs étaient en leur empire. Ça promet.
http://www.liberation.fr/culture/2015/01/16/la-philharmonie-completement-a-l-est_1182250
À l’image des représentations aviaires en aluminium qui ornent sa façade et ses salles de répétition, la Philharmonie de Paris est un drôle d’oiseau.
Ceux qui se demandaient si les récents attentats parisiens allaient
entacher l’ouverture de la Philharmonie de Paris, mercredi, n’ont pas
tardé à s’apercevoir que l’atmosphère d’union sacrée régnant dans la
capitale a plutôt servi les premiers pas d’un projet jusqu’ici vilipendé
tous azimuts. Le président François Hollande, ovationné (c’est rare),
n’a pas manqué de déclarer : «C’est la culture que les terroristes voulaient atteindre.»
La direction de la Philharmonie insiste bien sur le fait qu’il ne
s’agit pas d’une salle de concert, avec des activités entre 20 h et
23 h, mais d’une sorte de « Beaubourg de la musique » accueillant salles
de répétition, expositions (la première sur David Bowie…) et espaces
éducatifs. La « main tendue » vers les nouveaux publics se fera aussi
par la mise à disposition de 400 à 500 places à moins de 20 euros. Les
revenus de billetterie compteront pour 50 % dans les recettes d’un
budget annuel de 30 millions d’euros (42 millions de dollars), dont
7 millions pour le seul fonctionnement et entretien du lieu, selon les
chiffres donnés au Devoir par Thibaud de Camas, directeur
adjoint de la Philharmonie. Étrange, toutefois, cette idée de se
départir du mot « Cité de la musique » pour en revenir à un concept
dix-neuviémiste, à connotation élitiste, de « Philharmonie »… Les nuages
Parmi les choses étranges entourant la Philharmonie il y a le volet
acoustique. Longtemps un tandem composé du Néo-Zélandais Harold Marshall
et du Japonais Yasuhisa Toyota a été crédité de l’acoustique. Mercredi,
le nom de Toyota n’a même pas été évoqué : il avait encore plus disparu
que l’architecte Jean Nouvel, très présent (et avec respect) sur toutes
les lèvres malgré son ostentatoire absence physique.
Harold Marshall, donc, pour une «nouvelle typologie de salle»,
qui n’adopte ni la forme « boite à chaussures » (Maison symphonique) ni
la forme « terrasses de vignobles » (Philharmonie de Berlin) et visant «l’intimisme dans un grand volume» et la conjugaison «de la clarté du son et d’une longue réverbération».
Le seul modèle approchant existe à Christchurch en Nouvelle-Zélande. On
comprend qu’à Paris le tandem Marshall-Nouvel a décidé de ce qu’était
la nouvelle réverbération adéquate dans le répertoire symphonique…
Interrogé sur la sensation inaccoutumée qui en résulte, l’acousticien
responsable des opérations, Thomas Scelo, a répondu que «la réverbération n’est pas plus longue; elle arrive plus tard»!
Suspendue, asymétrique et entourée d’un espace, la Philharmonie n’est
modulable qu’à travers une canopée centrale. Les chambres d’écho sont
créées par l’espace derrière les balcons et de superbes nuages
suspendus, qui invitent à l’élévation. Nouveau public, nouveau son
Dans nos premiers contacts avec la salle, nous avons été frappés par
une sensation inaccoutumée : loin d’être égalitaire, la spectaculaire
Philharmonie de Paris, où seules 1000 des 2400 places ont un
positionnement traditionnel par rapport à l’orchestre et au chef, offre
une variété d’expériences sonores, chose carrément revendiquée par
M. Scelo ! Peu nourri en graves derrière la scène ou au parterre, le
spectre se comble avec plénitude sur le côté de l’orchestre, mais comme
un mille-feuille, avec une expérience inouïe d’entendre non pas une
salle de concert mais une prise de son multimicro. La salle pour des
auditeurs qui écoutent la musique au casque ; c’est nouveau ! Plus on
monte vers la chambre de résonance (haut des balcons), plus le son
s’homogénéise et s’équilibre dans un sens « traditionnel ». Le grand
défi des musiciens y sera de ne pas surdoser les bois et les vents. Mais
pour quel « auditeur type » ; placé où ?
La Philharmonie, qui compte comme ensemble en résidence l’Orchestre
de Paris, l’Ensemble intercontemporain et Les Arts florissants, s’est
ouverte mercredi par un concert-marathon de trois heures débutant avec Tuning up! de Varèse, affichant notamment Hélène Grimaud dans le Concerto en sol de Ravel et comprenant la création mondiale d’un brillant Concerto pour orchestre de Thierry Escaich. Jeudi, Lang Lang était invité vedette dans le 1erConcerto de Tchaïkovski, le concert s’achevant par la Symphonie fantastique de Berlioz.
C’est un grand soir pour la Philharmonie de Paris, le premier soir. Comme Jean Nouvel et son peuple migrateur d’oiseaux, nichés au sol et sur les toits, le mélomane qui traverse ce mercredi 14 janvier la place de la Fontaine-aux-Lions, dans la nuit étoilée d’une myriade de petites lumières bleues – ce marquage bienveillant des pistes d’aéroport –, croit lui aussi à l’envol par la musique.
L’inauguration du grand auditorium parisien est placée sous surveillance maximale. Portiques détecteurs de métaux, chiens policiers et services de sécurité en alerte. Les journalistes ont été priés d’être là bien avant l’heure officielle du discours de François Hollande, initialement prévu à 19 heures.
Le président de la République est arrivé avec presque une heure de retard et, sur le visage, la solennité qu’il affiche depuis les attentats meurtriers perpétrés il y a une semaine contre Charlie Hebdo, avant la prise d’otages à l’Hyper Cacher de la porte de Vincennes, vendredi 9 janvier.
C’est d’ailleurs à quelques encablures de la Philharmonie, porte de Pantin, que les assassins ont réussi à donner le change momentanément aux forces de l’ordre lancées à leur poursuite.
Le discours du chef de l’Etat salue l’ouverture de ce lieu culturel « exceptionnel », le plus grand événement depuis l’Opéra Bastille en 1989, qui « sera sans doute un jour considéré comme le premier chantier du Grand Paris ».
Avant lui, la maire de Paris, Anne Hidalgo a souligné la haute pertinence « de ce lieu d’excellence dans un quartier populaire », cependant que le président de la Philharmonie, Laurent Bayle, rendait hommage au compositeur et chef d’orchestre, Pierre Boulez, qui a porté et soutenu le projet contre vents et marées depuis le début des années 1980. Son état de santé, devenu précaire à bientôt 90 ans, a rendu impossible qu’il assiste physiquement à cette réalisation tant attendue. Le président de la République acclamé
Le planning du protocole annonçait le départ de François Hollande après la cérémonie mais c’est une longue salve d’applaudissements, public debout, qui accueille le président de la République, accompagné de Manuel Valls, au premier rang du premier balcon de l’auditorium. Le gala de l’Orchestre de Paris peut alors commencer.
Heureuse métaphore du vent républicain qui souffle sur la France ? Ce premier concert est entièrement dédié à la musique française, il est interprété de surcroît, fors le baryton allemand Matthias Goerne et le chef estonien Paavo Järvi, par des musiciens français. Une « union nationale » de la musique que souligne d’emblée le symbolique Tuning Up d’Edgard Varèse, courte pièce fondée sur l’accord des musiciens d’orchestre avant le concert, d’où émergent çà et là… sirènes de police et bribes de Marseillaise. Baptême du feu musical
Lui succédera le non moins symbolique Sur le même accord qu’Henri Dutilleux (1916-2013) écrivit pour la violoniste Anne-Sophie Mutter, interprété ici par le magnifique Guarnerius del Gésu de 1737 de Renaud Capuçon. Plus prémonitoires encore, les quatre extraits du Requiem de Fauré, de l’« Offertoire » au « Paradisum », en passant par le « Pie Jesu » et le « Libera me ». Un recueillement de circonstance, porté avec cœur par le Chœur de l’Orchestre de Paris et la sobriété des solistes, la jeune soprano Sabine Devieilhe et Matthias Goerne. Un ange musicien passera ensuite : Hélène Grimaud tout de blanc vêtue s’incarnant en pianiste le temps d’un terrestre Concerto en sol de Ravel, dont elle se laissera convaincre de bisser le dernier mouvement. Vue d'ensemble de la Philharmonie de Paris, le 14 janvier 2015. | REUTERS/CHARLES PLATIAU
Le temps d’un cocktail minute, le public reprend place pour la seconde partie du concert. Le président de la République, décidément gagné à la cause symphonique, s’est rassis pour assister à création mondiale du jubilatoire Concerto pour orchestre en quatre mouvements, de Thierry Escaich. Une bonne idée que d’avoir commandé au compositeur du fameux Claude,opéra d’après Victor Hugo sur un livret de Robert Badinter mis en scène par Olivier Py à l’Opéra de Lyon, cette partition admirablement écrite pour l’orchestre, à l’hédonisme séducteur.
Des musiciens galvanisés
Une parfaite mise en appétit pour la Suite n° 2 du Daphnis et Chloé de Ravel, emporté par la baguette flamboyante d’un Paavo Järvi coloriste à la tête de ses troupes instrumentales et chorales galvanisées. L’auditorium de la Philharmonie (2 400 places) vient de vivre sans démériter son baptême du feu musical, confirmant les espérances de son résident principal, l’Orchestre de Paris, ainsi que de ses auditeurs et commanditaires.
Dans l’après-midi, un coup de théâtre a pourtant failli gâcher la fête : Jean Nouvel a fait savoir, par une virulente tribune publiée sur Lemonde.fr, qu’il ne participerait pas à l’inauguration de sa salle. Inimaginable ! Envolé, l’oiseau ! Ne l’avait-t-on pas vu deux jours plus tôt, lundi 12 janvier, boire le champagne en compagnie des équipes de la Philharmonie et de son président, Laurent Bayle, à l’issue de l’émouvant « concert des casques », qui marquait la première rencontre de l’Orchestre de Paris avec son auditorium ? Cette pré-générale destinée aux ouvriers du chantier ainsi qu’aux valeureuses équipes de feu la Salle Pleyel et Cité de la Musique (rassemblées désormais sous l’unique bannière de la Philharmonie), Jean Nouvel l’avait honorée non seulement de sa présence mais d’un assez long discours liminaire. Il y parlait effectivement de l’inachèvement de son projet, de ses rapports tendus avec la maîtrise d’ouvrage, regrettant une ouverture prématurée à son goût. Mais rien dans la formulation et le ton ne laissait présager cette déclaration de guerre que d’aucuns considèrent déloyale, au moins dans sa forme.
Le « Guinness des records »
L’architecte avait en effet aussi évoqué l’achèvement de son œuvre à l’été 2015, formulant même des vœux pouvant faire office d’assentiment : « Nous sommes entrés dans des jours difficiles, mais malgré cela, nous allons essayer de figurer dans le Guinness des records », avait-il lancé, faisant allusion à la conception inédite de sa salle, « la première salle symphonique de ce niveau ».
A la position du maître d’œuvre esthète, soucieux de son œuvre, Laurent Bayle a répondu projet artistique et sociétal. Pour lui, la Philharmonie répond avant tout à une mission de service public. Plaident donc en faveur de son ouverture dès janvier 2015 l’impatience des musiciens résidents ou non, dont la programmation est bouclée depuis plus d’un an, le respect des publics à qui sont destinés les équipements, et surtout « le fait que chacun des espaces – bureaux, espaces pédagogiques, salles et studios de répétition, et bien sûr, l’auditorium – a été dûment réceptionné par les autorités compétentes, ce qui autorise leur utilisation ».
La « saga philharmonia »
Ce bras de fer s’ajoute à la liste déjà longue de la « saga philharmonia », un modèle du genre en termes de revirements multiples sur fond de guérilla politico-financière, dont la dernière ligne droite, si l’on peut dire, a mis les nerfs de tous à plus ou moins rude épreuve. Jusqu’au bout, les plannings ont dû être modifiés, les plages réservées aux essais acoustiques fondant comme neige au soleil au fur et à mesure que s’amoncelaient les retards sur le chantier. Idem pour l’Orchestre de Paris, certes fort content de sa salle de répétition, qui n’aura finalement eu accès à l’auditorium que deux jours avant l’ouverture.
Reste que la Philharmonie aura finalement le dernier mot : ce concert a confirmé nos premières impressions. Une acoustique chaleureuse, dont la belle réverbération ne nuit pas à la lisibilité de la musique. Avec la sensation inédite d’être plongé au cœur de la partition. Certains équilibres devront bien sûr être travaillés, celui entre l’orchestre et le chœur notamment, entre vents et cordes, ces dernières souffrant d’une certaine matité, entre aigus et graves, ceux-là manquant de présence. Mais les prochaines semaines devraient bénéficier des essais acoustiques qui n’ont pu être réalisés jusqu’alors. Une sensation d’enveloppement
Il conviendra notamment d’ajuster la hauteur du canopy, ce réflecteur central en forme de soucoupe volante, capable de varier de 8 mètres à 16 mètres du sol, qui permet aux musiciens de s’entendre jouer, d’entendre les autres tout en percevant la « réponse » de la salle. Celle-ci, dotée de puissants réflecteurs, murs, parois des balcons et panneaux flottants appelés nuages, a été conçue pour donner à l’auditeur une sensation d’enveloppement, à la manière d’un énorme casque, la sensation de l’espace en plus. Elle a, en revanche, laissé peu de place aux matériaux absorbants : ce sont les sièges et les spectateurs qui en constituent les 80 %. L’expectoration d’une toux, le chuchotis ou le froissement d’une page tournée sans précaution sont donc particulièrement perceptibles.
Mais quel bonheur d’entendre un puissant tutti d’orchestre résonner sans la moindre saturation, avec le sentiment confortable d’avoir encore, comme on dit, de la marge. En fin de semaine dernière, nous avions rencontré les acousticiens de la firme néo-zélandaise Marshall Day Acoustics. Il y avait Christopher Day, son co-fondateur avec Harold Marshall, Peter Exton et Thomas Scelo, tous trois réduits à l’impuissance sous le regard compassionnel de leur collègue du Studio DAP, Federico Cruz-Barney, responsable de l’acoustique de la salle de répétition de l’orchestre. Plutôt confiants. Ils nous avaient fait remarquer qu’ils n’étaient pas là pour découvrir une acoustique mais pour vérifier son bon fonctionnement. Dix-sept configurations acoustiques
L’élaboration du projet avait nécessité quelque trois longues années d’étude et le chantier a été suivi pas-à-pas grâce à la modélisation informatique d’une maquette de la salle construite au un dixième.
Restait à effectuer les mesures scientifiques destinées à prendre les repères acoustiques de la salle afin d’en faire la mise au point, avant de passer le relais aux musiciens. Ceux-ci devront apprendre à se servir de cet instrument de haute précision qui comprend pas moins de 17 configurations acoustiques différentes, à quoi s’ajoute le jeu d’éventail de leurs combinatoires.
La Philharmonie sera-t-elle « la plus belle salle du monde » ? Elle a en tout cas envoûté le président François Hollande resté, contre toute attente, jusqu’au bout du gala inaugural.
Le cycle Schumann de Paavo Järvi culmine dans la
Symphonie en ré mineur, sur le qui-vive en permanence, aux antipodes des
rumeurs et des abîmes de Furtwängler, éloquente et urgente.
Exterior of the new Philharmonie de Paris concert hall
Mind the cement mixer. Since building started in 2006, France’s ambition to provide Paris with a concert hall to rival Amsterdam’s Concertgebouw, Vienna’s Musikverein and, most importantly, Berlin’s Philharmonie, the building most music lovers will compare the new structure with, has had a troubled history. The €381m bill is double the initial estimate but no major project would ever get off the ground if sponsors were honest about the final amount. Still, given the already substantial delays and feuding over cost-cutting — the architect, Jean Nouvel, snubbed the opening and vented his spleen in Le Monde only a few hours before — would it not have been wiser to wait a few more months until everything was in place and the acoustics properly tested?
The hall itself is finished. More or less. And despite the strong whiff of 1960s eastern European aesthetics in the black and cream auditorium’s detailing, its asymmetrical vineyard structures are a relief after the forbiddingly grey exterior and soulless foyer areas.
In a slight affront to liberté d’expression, the official message to patrons is that the acoustics are excellent. French President François Hollande, who received an emotional standing ovation when he took his seat, described them later as exceptional. Perhaps so from his balcony vantage point — they are certainly an improvement on the Salle Pleyel, which, even after its last major makeover, still suffers from saturation problems — but my initial verdict from the stalls is that they are not yet in the same league as international benchmarks.
The sound was patchy, lacking in clarity in grand orchestral tutti and generally over-reverberant. The solo piano in Ravel’s G major concerto, despatched with thrilling verve by Hélène Grimaud, occasionally struggled to be heard and the low chamber strings in the Offertoire from Fauré’s Requiem sounded bizarrely as if twice as many musicians were involved. These birth pangs are only natural in a new hall, especially one that has rushed to respect its opening date. More when the engineers have finished testing and tweaking.
Musically, the evening was a display of sober rather than festive excellence, appropriately given the recent terrorist attacks. Paavo Järvi has turned the hall’s main resident, the Orchestre de Paris, into a crack formation with exciting attacks, often a weak point for French formations. Renaud Capuçon’s solo violin was poetically intense in Dutilleux’s short nocturne Sur le même accord and Sabine Devieilhe and Matthias Goerne were well nigh unbeatable in excerpts from the Fauré.
Sadly, the token new work, Thierry Escaich’s Concerto for orchestra, is a 30-minute pudding that gives everyone masses to do but at the expense of any memorable or original content — no competition for the Bartók work that pioneered the genre. http://www.ft.com/intl/cms/s/0/fa0948fa-9ca4-11e4-971b-00144feabdc0.html
Acht Tage früher hätte Frankreichs Präsident einfach einen schönen, langersehnten Konzertsaal eröffnet. Jetzt weihte Francois Hollande die neue Pariser Philharmonie als stolzes Symbol der Kunst ein. Zuerst zählt, wir sind schließlich in einer neuen Konzerthaus, die Akustik. Die ist grandios. Doch davon später. Denn die endlich, freilich genau eine Woche nach den islamistischen Terrormorden von Paris in der noch tief traumatisierten französischen Hauptstadt eröffnete Philharmonie, sie steht plötzlich und sehr richtig für etwas ganz anderes als nur für formidablen Orchesterklang.
Dieses Andere, es teilt sich, auch das ist ein Glück, auf der Dachterrasse des 380 Millionen Euro teuren Gebäudes mit. Das Luxus-Ufo von Jean Nouvel, dessen hässlich brutaler Dekonstruktivismus, der auch von 340.000 in fünf Aluminiumgrauschattierungen blinkernden Metall- und Betonfliesen als Außenhautverkleidung nicht abgemildert wird, gnädigerweise von hier oben nicht zu sehen ist, offenbart nämlich einen sehr sinnfälligen Panoramablick.
Der reicht an diesem tristen Januarmorgen, an dem die Stadt irgendwie immer noch Trauer trägt und in weit mehr Paris-Grau-Valeurs gehüllt scheint als sonst, von der meist zugestauten Peripherie-Autobahn und einen neuen Straßenbahnknotenpunkt über den aus allen möglichen (und leider unmöglichen) Baustilen zusammengefügten Parc de la Villette über die islamischen Migrantenaußenbezirke Aubervilliers und Saint-Denis, die alte Kunstmühle von Pantin, jetzt ein Bank-Hauptquartier mit 4000 Beschäftigten, bis zur Hermès-Zentrale samt Handwerker-Ateliers. Die große, edle und ernste Musik
Jetzt, wo plötzlich der Himmel aufreißt und die Sonne blendend über den Pariser Hochhausgürteln am Horizont steht, erkennt man, ganz weit weg und spielzeugklein, zudem die Spitzen der berühmten Silhouette: die Tour Montparnasse, den Invalidendom, den Eiffelturm, Sacre Coeur und La Defense.
Ganz weit weg. Am reichen Rive Gauche und im noch reicheren Westen. Dort, wo im feinen 8. Arrondissement in der Rue Montaigne zwischen Couture-Flagship-Stores und 5-Sterne-Hotels die von einer staatlichen Bank betriebene Art-Deco-Ikone Théâtre des Champs-Élysees mit ihrem Gastspielreigen der Weltklasseklangkörper ragt. Und an der Rue Faubourg Saint Honoré 525 – außen ebenfalls Art Deco, innen nach der Renovierung 2006 akustisch optimiert, aber optisch verpfuscht – mit der Salle Playel, dem einstigen Demonstrationssalon des berühmten Klavierbauers, bis zu diesem Tag der Pariser Klassiktempel lag.
Das war einmal. Jetzt soll die große, edle und ernste Musik vor allem im 19. Arrondissement spielen. Für ein anderes, neues Publikum. Fast rund um die Uhr soll die neue Philharmonie offen sein, genauso wie hier jede Art von Klangerzeugung möglich sein muss. Und die Leute aus den Vorstädten, besonders auch die Migranten, sollen in dieses in jedem Sinn schrankenfreie Gebäude kommen, das von hinten aussieht wie ein versteinerter Haufen Elefantenkot und von vorn wie ein Plattenhaufen aus dem silberne Soße quillt. Eine schöne Utopie?
Eine schöne Utopie? So will es jedenfalls der Staat. Und der, wir sind schließlich in Frankreich, schafft an – und bezahlt auch. Heute eben die Philharmonie de Paris. Schon Berlioz ersehnte sie, Pierre Boulez, der Pate des Pariser Nachkriegsmusikbetriebs, setzte sie schließlich durch. Allerdings mehr als 30 Jahre nachdem Valéry Giscard d'Estaing sie vorgeschlagen, Francois Mitterrand mit seinem Turbo-Kulturminister Jack Lang sie im 1983 begonnenen Parc de la Villette neben der Gusseisenhalle des ehemaligen Zentralschlachthofes als Cité de la Musique konkretisieren wollte.
1995 eröffneten hier freilich, situiert in Christian de Portzamparcs wie auch beim gegenüberliegenden Konservatorium grässlich aus der Mode gekommenem Quaderbruitismus, nur der Kammermusiksaal mit 900 Plätzen für das von Boulez gegründete Ensemble Intercontemporain sowie später das Musikmuseum. Denn 1989 bereits hatte Mitterrand lieber als zweites Haus der Opéra die Bastille-Oper zum 200. Revolutionsjubiläum eingeweiht – und gleich wieder geschlossen; denn das Monsterbauwerk war noch längst nicht fertig.
Der repräsentative, klangprächtige, international konkurrenzfähige Konzertsaal für Paris, der musste noch drei weitere Präsidenten und 20 Jahre warten. Am Ende wurde er, wir sind immer noch in der Grande Nation, natürlich ein Grand Project. Heftig umstritten, von Bauskandalen, Verteuerungen und Streitereien mit dem Stararchitekten wie den Geldgebern geschüttelt, kaum noch für möglich gehalten, vom Abbruch bedroht, aber schon zu weit fortgeschritten, schließlich realisiert. Dann allerdings doppelt so aufwändig, aber immer noch nur die Hälfte der Mittel der Hamburger Elbphilharmonie benötigend. Foto: Philharmonie de Paris / Jean Nou Sturmgeschütz der Hochkultur: die neue Pariser Philharmonie Ja, man muss sagen: Steht man jetzt bei der Probe des Hausensembles Orchestre de Paris mal im kurzen Parkett mit seinen schwarzglänzenden Sitzen, mal in einem der beiden schwarz und weiß oder mit naturlackiertem Holz verkleideten Ränge hinter und über den Orchester, schließlich in den scheinbar fliegenden, asymmetrisch gebogenen Logen über den indirekt beleuchtet die bumerangartigen gekrümmten oder zur zentralen Wolke geklupptem Akustiksegel hängen, es ist ein fantastischer Saal geworden. 2400 Besucher fassend und doch intim. Als formvollendet organische, fast eckenlos weich gerundete Mischung aus Schuhkarton- und Weinberg-Prinzip, den beiden von den Akustikern präferierten Formen.
Wie in einer Gebärmutter versinkt man darin kuschelig im weich abgefederten Klang. Der aber ist, auch am Abend, bei vollem Saal, warm und gleichzeitig klar, mit einem noblen, langen, dunklen Nachhall und trotzdem fein strukturiert und kristallin. Eben noch hat Paavo Järvi, der estnische Chefdirigent geschwärmt, wie gut sich auch die Musiker hören können, was hier nur für Differenzierungen im Spiel möglich sind. Dann proben sie unbeirrt vom Bohren und Hämmern der längst noch nicht fertigen Bauarbeiter im Saal das Konzert für Orchester von Thierry Escaich, eine wohlfeil aus zweiter Moderne-Hand klingende, 30-minütige Uraufführung.
Auch die anderen Künstler, Frankreichs Stargeiger Renaud Capucon, der ein kleines Henri-Dutilleux-Stück beisteuert, und der von Järvi hochgeschätzte deutsche Bariton Matthias Goerne, der mit der Sopranistin Sabine Devieilhe und dem natürlich vorkommen müssenden Chor des Orchesters Teile aus Gabriel Faurés Requiem innig berührend aufführt, sie sind einschränkungslos begeistert. Obwohl sie im Staub proben mussten, im Saal noch ganze Sitzreihen fehlen, die Außenhaut nicht fertig ist, überall Löcher und aufgerissen Wandflächen klaffen, hinter der Bühne Geröllhaufen liegen, in den fast atmungsaktiv sich verjüngenden und aufpumpenden Foyers die Deckenverkleidung aus tausenden Metallstreifen aufgehängt wird – und noch nicht einmal das Dirigentenzimmer bezugsfertig ist. "Je suis Charlie"-Signum den Toten gewidmet
Dieses so weltlich abgeklärt Requiem das mit dem "In Paradisum" ätherisch zart verklingt, es stand schon vor dem schwarzen Mittwoch auf dem Programm, das jetzt einfach nur unter dem "Je suis Charlie"-Signum den Toten gewidmet ist. Genauso wie die Farbe der Philharmonie-Publikationen mit dem doppelt verschlungenen, auch zwei Flügeln von oben ähnelnden P schon Schwarz gewesen ist, bevor Francois Hollande wusste, dass er noch am Tag vorher an Polizistensärgen vorbeidefilieren würde.
Paris war nie wirklich eine Konzertstadt, und wenn, dann eine sehr snobistisch-konservative, mit elitärem Publikum und langweiligen Programmen. Was erst nach 1950 durch die gut vernetzten zeitgenössischen Komponisten wie durch die vielen hervorragenden, aber freien Barockensembles ein wenig besser wurde. Schon das Paris des 19. Jahrhunderts, war vor allem die Opernhauptstadt der Welt, Komponisten von Rossini bis Wagner, Meyerbeer bis Verdi wollten hier Karriere machen. Die tonangebenden Klangkörper sind, neben dem 1672 gegründeten Opernorchester, das unter seinem brillanten Chef Philippe Jordan seine Konzerttätigkeit gegenwärtig ausweitet, das Orchestre de Paris (seit 1967 existent) und die zum Rundfunk gehörenden Orchestre National de France und Orchestre Philharmonique de Radio France, 1934 bzw. 1937 ins Leben gerufen.
Und während an der Seine lange das Konzertleben in minderen Sälen vor sich hin lief, herrscht jetzt plötzlich Bauboom. Im November weihte Radio France ein neues Auditorium mit 1000 Plätzen in zwei für 32 Millionen Euro entkernten Studios ein; gegenwärtig ist auch Jean Nouvel dabei, auf dem Gelände des ehemaligen Renault-Werkes auf der Seine-Insel Seguin im Pariser Süden ein Kulturzentrum zu entwickeln, das ebenfalls einen Konzertsaal mit über 1000 Plätzen bekommt. Dort ist der japanische Akustikguru Yasuhisa Toyota eingebunden, der sich bei der Philharmonie schon früh zurückgezogen hatte und den Neuseeländern Marshall Day Acoustics das prima gemeisterte Klangfeld überließ. Auch der kranke, bald 90-jährige Pierre Boulez und der schmollende Architekt fehlten bei der Eröffnung. Die Herkulesaufgabe von Laurent Bayle
Philharmonie-Direktor Laurent Bayle, schon lange systematisch als Boulez-Dauphin aufgebaut, muss nun eine Herkulesaufgabe schultern. Er hat nicht nur im, was Garderoben, Wegführung und andere Alltagsdinge betrifft, nicht sonderlich praktischen Zentralhaus den großen, erstaunlich wandelbaren und bis auf 3600 Zuschauer erweiterbaren Saal, den nobel mit Tageslicht ausgestatteten Probensaal und im Keller 15 mit allen multimedialen Finessen ausgestattete Education-Studios zu bespielen. Es gibt zudem eine mit der auch schon in Berlin gezeigten David-Bowie-Schau startende Wechselausstellungsfläche, einen Laden und zwei Restaurants.
Bayle wird hier zu moderaten Preisen (40 Euro Spitze) seine weiteres Hausensemble Intercontemporain sowie die assoziierte Barocktruppe Les Arts Florissants, das Orcheste de Chambre de Paris und das Orchestre National de l'Île de France, aber auch die besten ausländischen Orchester als Dauerfestival präsentieren. Er ist zudem für den jetzt als Philharmonie 2 laufenden Cité de la Musique-Saal verantwortlich und muss, als Schuldenausgleich, vier bis fünf Millionen Euro bei einem Pop-Promotor für die vermietete Salle Playel eintreiben, in der keine Klassik mehr stattfinden darf.
Das verschnupft natürlich die Stammklientel, die jetzt lange Anfahrtswegen zu Porte de Pantin, wohin auch die Jugend in die Zeltkonstruktion Zenith zu Rockkonzerten pilgert, in Kauf nehmen muss – ohne ihr gewohntes Restaurant- und Sozialumfeld. Ob die bisherigen Besucher kommen, ob neue generiert werden, das muss die Zukunft zeigen. Bisher ist Laurent Bayle mit einem 36 Millionen-Etat üppig ausgestattet, aber Frankreich ist nicht nur politisch und moralisch in der Krise, es wurde, nach politischen Rangeleien zwischen Staat und Stadt, auch schon wieder kräftig gekürzt.
Doch während Francois Hollande acht Tage früher einfach ein neues, lang erwartetes, akustisch sehr gutes Konzerthaus eingeweiht hätte und dafür nicht unbedingt schon beim Eintreten mit langen Standing Ovations begrüßt worden wäre, wurde die neue Philharmonie jetzt zu einem trotzig eröffneten Fanal der Freiheit im Namen der Kunst. Nicht nur spielte man am ersten Abend, wie lange geplant, nur französisch Werke, darunter noch eine ironische Einstimmübung von Edgar Varèse sowie Ravels jazziges G-Dur-Klavierkonzert (mit der quicken Hélène Grimaud) und dessen erste "Daphnis et Chloe"-Suite. Holland konnte mit voller Überzeugung am Ende seiner Rede sagen. "Vive la musique, vive l'art, vive la republique, vive la France!"
Und so lange das so patriotisch begeistert aufgenommen wird und so schön klingt, ist in der neuen Philharmonie de Paris alles gut.
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