Sunday, January 24, 2021

Tonhalle-Orchester Zürich – Paavo Järvi conducts Tchaikovsky’s Winter Daydreams Symphony [live Idagio webcast]

Colin's Column
22.01.2021
Guest Reviewer, Ateş Orga

Friday, January 22, 2021
Konzertsaal Tonhalle Maag, Zürich, Switzerland


In the midst of high-profile cancellations, starved of music-making these past months, hungry to get back, the Tonhalle-Orchester Zürich under its music director Paavo Järvi mustered strong forces and familiar faces for this Tchaikovsky webcast.

Common to all three works in the programme was traditional material. Russian/Danish in the D-major Coronation March written for the instalment of Alexander III (1883, premiered under Taneyev, recalling the Imperial Hymn of 1812 and Marche slave); Russian in the First Symphony (1874 revision); Latin in the Capriccio Italien (1880). Järvi’s grandiose take on the March was robust, mindful of pomp without exaggeration, all departments of the orchestra (virus-tested, masked, distanced, separate stands, antiphonal violins, cellos and violas to left and right of twelve o’clock) given an opportunity to flex and shine, the final unison notably imposing in quality and sign-off. The Capriccio sauntered its familiar way, rich in string tone and brass weighting, the woodwind solos shaped and eloquent, the simplest musical gestures and cadences invested with narrative depth, no speed too extreme. Italy from the perspective of a mimosa-scented summer day, less parade-ground focussed than lyrically embracing.

“Snow swept the world from end to end. A candle burned on the table” – Pasternak … Conceived during a period of nervous disorder, insomnia and hallucinations, generally after dark, the First Symphony, mined in part from earlier compositions, occupied Tchaikovsky for almost a decade, giving him no end of misgivings, heart-ache and feelings of inadequacy. Yet he retained a soft spot for what he’d written. “Despite all its huge shortcomings, I still nourish a weakness for it … a sin of my sweet youth […] In many respects it is very immature, although fundamentally it is still richer in content than many of my other, more mature works.” ‘Winter Daydreams’ he called it, subtitling the first two movements “Daydreams of a Winter Journey” and “Land of Gloom, Land of Mist”. If a descriptive, extramural programme lay within, he never said. Beyond possible (vague) folk allusions in the Finale relating to flowers or a young girl, the mystery remains. But as a “winter” work it reached the public. And a “winter” tale it remains. G-minor angst, G minor regret. “A January day was drawing to its close; the evening cold pierced keenly through the motionless air” – Turgenev …

Distant Alps, the sun long dropped “out of sight behind the hills west of the lake” (Charif Shanahan). Snow on the ground, houses still with their Christmas lights, fires burning in grates. Within the hall an orchestra in its stride, responsive to Järvi’s expectations, the players’ appreciation making up for the absence of an audience, a week of rehearsals and recording behind them, Alpha’s microphones and production crew on hand to the end. Averaging forty-three minutes (both on this occasion and in 2012 with his old Frankfurt band), Järvi, contrasting/questioning the brisk forty of his father Neeme in Gothenburg, stands broadly with Jansons and Fedoseyev in this music. Fifty-plus years ago, quicker overall, Maazel and Markevitch proposed a variety of phrased tempo fluctuations without the progressive rush Gergiev has since come to instil. Svetlanov in Moscow adjusted his account between forty-two minutes (1967) and forty-eight (1993). Karajan, Bernstein, Rostropovich favoured the forty-five mark.

Taking advantage of Idagio’s catch-up facility reinforced the solidarity of Järvi’s reading. Things like the barely murmured tremolando at the start provided the perfect backdrop for the flute and bassoon entry. Throughout he made the most of Tchaikovsky’s tensioned transitions, easing back the pulse to turn implication into sepulchred theatre. Time and again, living the 1918 words of Maximilian Rudwin, Polish-American “scholar of the fantastic”, he walked us through the “Valley of Shadow … overwhelmed by a wealth of woe … steeped in gloom … [Russia’s] heaven-rending cry of anguish.” Gem of the night was the E-flat Adagio, luxuriantly expressive and sculpted, followed by the Scherzo, so many of Tchaikovsky’s deft later orchestral touches arrayed before us. Challenge accepted, everyone went for the fugato entries of the Finale. With so many fine players and pedigree section principals in the Tonhalle, two especially held the attention. Sabine Poyé Morel (flute), Simon Fuchs (oboe). Cultured artists of supreme sound and delivery, the most conversationally refined interaction. A joy to experience.

Monday, January 18, 2021

The Sunday times / On record: classical

The Sunday Times
Hugh Canning
17.01.2021

Photo: Kaupo Kikkas

Album of the week
Franz Schmidt
Complete Symphonies
Frankfurt Radio Symphony, cond Paavo Järvi

The four symphonies of Franz Schmidt span the first 30 years of the 20th century, his first a remarkable, if not startling, essay of a budding composer in his twenties. By the standards of his peers his works may sound old-fashioned, but his melodic material and gift for orchestration, especially his writing for solo woodwinds, make these works worth exploring, especially in Järvi's new Frankfurt set. His father, Neeme Järvi, shared them between the Detroit and Chicago symphony orchestras in his mid-1990s recordings, originally coupled with rare Strauss. The famous Bavarian makes a fleeting "appearance" in the first movement of No 2, but Schmidt's influences are not easy to place and the cycle inhabits its own sound world. The Frankfurt band - conducted with luminous transparency - bring a more Central European sound to the music than Neeme Järvi's high-gloss Americans.

Schönheit ohne Scheu

Frankfurter Allgemeine Zeitung
Clemens Haustein
11.01.2021

Paavo Järvi dirigiert Franz Schmidt

Die klassische Moderne hat uns ein Misstrauen in die Schönheit vererbt. Deshalb mag Franz Schmidt mit seiner schönheitstrunkenen Musik nach wie vor zu den Komponisten gehören, die entschiedener Plädoyers bedürfen. Es waren stets wenige Dirigenten, die sich mit dem symphonischen Schaffen des 1874 in Pressburg geborenen, später in Wien lebenden Komponisten auseinandersetzten. Neeme Järvi etwa, der mit dem Chicago Symphony Orchestra eine der ersten Gesamteinspielungen der vier Symphonien vornahm. Und Zubin Mehta, der dabei auch seinen Sinn bewies für die Verästelungen der Wiener Musiktradition. Fünfzehn Jahre lang war Franz Schmidt Cellist im Orchester der Hofoper und bei den Wiener Philharmonikern; das Orchester pflegt die Erinnerung an sein früheres Mitglied bis heute. Kürzlich kam Kirill Petrenko hinzu, der Schmidts Vierte bei den Berliner Philharmonikern aufs Programm setzte, kaum dass er zum neuen Chefdirigenten gewählt worden war.

Und nun Paavo Järvi mit dem Sinfonieorchester des Hessischen Rundfunks, dessen Chef er von 2006 bis 2013 war. Aus dem letzten Jahr seiner Amtszeit datiert die Einspielung der zweiten Symphonie, die übrigen drei Symphonien wurden in den folgenden Jahren live mitgeschnitten: Nachschwingungen der äußerst fruchtbaren Zusammenarbeit während Järvis Frankfurter Jahren.

Kraft und Stabilität verbinden sich mit Lust und Klangsinnlichkeit. Für Schmidts Musik sind die Beteiligten damit bestens gerüstet: Man verliert sich nicht in der Pracht, die die Partituren des Komponisten bereithalten, und muss dafür nicht einmal die Atmosphäre herunterkühlen, wie es noch Paavo Järvis Vater Neeme in Chicago mit eiliger Geradlinigkeit tat. Schmidt, das bestätigt die neue Aufnahme, war ein Könner in vielfacher Hinsicht. Sein Orchestersatz ist von perfekt berechneter Statik, gebaut auf ein sicheres Bassfundament, in die Höhe verästelt er sich in feinste Bläserlinien. Darin zeigt sich nicht nur die praktische Erfahrung des Orchestermusikers Schmidt, sondern auch der Horizont des Pianisten und Organisten Franz Schmidt. Kontrapunktische Komplexität zeigen seine Symphonien ebenso, wie sie den sicheren Umgang mit der großen Form bezeugen. Wenn sich im Variationssatz der zweiten Symphonie plötzlich und „sehr leidenschaftlich“ eine ekstatische Kantabilität Bahn bricht, eingeleitet von einem Signal des Tamtams, beglänzt von Hörnern, die wie im Taumel in höchste Höhen aufsteigen, dann verpasst es Schmidt nicht, nachträglich noch einmal die Außerordentlichkeit dieses Ereignisses zu bestätigen. Er zitiert diese achte Variation im letzten Satz zum triumphalen Schluss.

Überhaupt fällt in der Zusammenschau der vier Symphonien Schmidts kreativer Umgang mit der traditionellen Form auf: die Verbindung mit der barocken Suite etwa, wie sie in der ersten Symphonie im ouvertürenhaften Beginn des ersten Satzes und im verspielten Anfang des Schlusssatzes zum Ausdruck kommt. In der zweiten Symphonie verschmilzt Schmidt kunstvoll den langsamen Satz mit dem Scherzo, in der vierten entfallen alle Satzpausen. Das Werk kommt und geht, von einem nackten Trompetensolo aus der Ferne geholt und am Ende wieder in die Ferne entlassen.

Hier, in der Vierten, die Franz Schmidt nach dem Tod seiner Tochter schrieb, deutet sich auch eine Gebrochenheit an, die die vorangegangenen Symphonien kaum zeigen. Dem an der Musik Gustav Mahlers geschulten Hörer wird die existentielle Dringlichkeit abgehen, wenn im Kopfsatz der Zweiten (komponiert 1913) ein Marschthema erscheint in deutlicher Nachfolge Mahlers. Das triumphale Gehabe dieses Marsches bleibt unhinterfragt. Und wer sich bei Schmidts Musik an Richard Strauss erinnert fühlt, wird womöglich die intelligente Überlegenheit vermissen, die er von Strauss gewohnt ist. Schmidt ist ein Schönheitssüchtiger, der mit aparten Harmonien spielt, entwaffnend offen den Effekt sucht, wenn er atonal anmutende Klangvernebelungen einsetzt zur Schattierung seiner Instrumentation, und der ein durchaus gesundes Pathos ebenso liebt wie die dekorative Geste. Dass er in seinen letzten Jahren auch für die Nationalsozialisten interessant wurde, gehört zur Tragik seines Lebenslaufs. Könnerschaft und Schönheiten seiner Musik aber lohnen die Entdeckung. Paavo Järvi und das hr-Sinfonieorchester helfen dabei.

Friday, January 08, 2021

Paavo Järvi: „Glatzköpfige Dirigenten sind besser“

Rondo Magazin
Robert Fraunholzer
RONDO Ausgabe 6 / 2020


Photo: Kaupo Kikkas

Paavo Järvi über seinen Tschaikowski-Zyklus in Zürich, seinen legendären Bremer Beethoven – und das Dirigieren ohne Haare.


RONDO: Herr Järvi, wodurch zeichnet sich für Sie eine gute Tschaikowski-Interpretation aus?

Paavo Järvi: Das ist eine große Frage. Meine Ansicht dazu hat sich drastisch verändert. Die Modell-Deutungen der Sinfonien von Tschaikowski stammen, wie Sie vielleicht wissen, von dem großen Dirigenten Jewgeni Mrawinski. Bei ihm kam alles darauf an, sehr gut zu strukturieren und nicht zu viele Gefühle hochkochen zu lassen. Man fürchtete Sentimentalität. Mich ermüdet dieses Dogma. Schließlich stammte Mrawinski, bei dem noch Mariss Jansons gelernt hat, aus der härtesten Stalin-Zeit. Man hatte immer einen Koffer hinter der Tür, für den Fall, dass man fliehen müsse. Wir sollten Tschaikowski neu denken.

RONDO: Wie sieht Ihr neuer Tschaikowski aus?

Järvi: Weniger strikt. Er verträgt, wie ich glaube, etwas mehr Sentimentalität. Denn er ist russischer als wir denken, insofern als er – ganz so wie die russischen Romanautoren – ein großer Erzähler war. Man soll die Nähe zu Tolstoi und Dostojewski wieder hören! Sie waren nur wenig älter. Übrigens, wer mich zu Tschaikowski zurückbrachte, war der späte Bernstein. Bei ihm hat es an Gefühlen nie gefehlt.

RONDO: Warum beginnen Sie Ihre Arbeit beim Tonhalle-Orchester russisch?

Järvi: Weil man, wie bei allen Zyklen, vor allem eines braucht: Zeit. Also muss man, bei großen Baustellen, früh genug anfangen. Ich habe auf ein Orchester dieser Qualität gewartet, um Tschaikowski in Angriff zu nehmen. Wir wollen Dinge tun, die mein wichtigster Vorgänger, David Zinman, nicht so oft gemacht hat.

RONDO: Was wollen Sie mit dem Tonhalle-Orchester erreichen?

Järvi: Das Tonhalle-Orchester ist eines jener Spitzenensembles, die zwar jeder kennt, aber von denen kaum einer weiß, wie gut es ist. Ich kannte es von CDs, vor allem durch Zinman. Ich habe inzwischen so ziemlich alle großen Orchester weltweit dirigiert. Es gibt Städte wie etwa Amsterdam oder Leipzig, bei denen man sofort an das dortige Orchester denkt. Das ist genau, was ich für Zürich erreichen will.

RONDO: Der wichtigste Körperteil eines Dirigenten, so haben Sie einmal geäußert, sei der Rücken. Würde das nicht bedeuten, dass Sie vor allem für das Publikum da sind?

Järvi: Absolut, und deswegen war die Antwort auch nur ein Scherz. Ich gebe zu, dass ich bei Leonard Bernstein sofort an den rollenden Rücken und an die Schultern denken muss. Wichtiger noch sind für jeden Dirigenten: die Augen. Ich habe Karajan nie verstanden, dass er sie beim Dirigieren schloss. Die Augen sind das, wodurch ein Dirigent mit dem Orchester intim verbunden ist. Viel wichtiger als die Hände.

RONDO: Was machen Sie dann, wenn die Musiker nicht schauen?

Järvi: Wenn Musiker nicht hinschauen, hat das fast immer mit dem Chefdirigenten zu tun. Sie trauen sich nicht hinzuschauen, weil sie fürchten ‚rauszukommen‘. Ich brauche, wenn ich vor ein neues Orchester trete, genau zwei Minuten, um herauszufinden, wie gut der Chef ist. Was tut man also, wenn sie wegschauen? Man fängt an zu reden. Und versucht Vertrauen zu bilden. Man fragt: Glauben Sie nicht, dass wir durch Augenkontakt besser verbunden wären?

RONDO: Ihr Beethoven-Zyklus mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen galt, als er vor über zehn Jahren erschien, als Sensation. Heute, wo der Zyklus in einer Box erscheint, gibt es weit mehr Kammerorchester, die Beethoven spielen?!

Järvi: Nachdem ich es mich jahrelang nicht getraute, habe ich kürzlich noch einmal reingehört in diesen Zyklus, und war erstaunt, wie frisch er klingt. Das ist das Entscheidende. Deswegen bin ich in Bezug auf den Vergleich mit jüngeren Zyklen ohne Sorgen. Die ‚Test-Sinfonie‘ ist übrigens immer die Eroica. Als Box waren alle Neune bislang nur in Japan erhältlich, nicht bei uns. Außerdem sind jetzt auch die Ouvertüren mit dabei. Ich glaube, die Aufnahme hat ihren Platz gefunden. Und wird bleiben.

RONDO: Sie selber werden in Bremen auch für immer bleiben?

Järvi: Ich hoffe es. Nach 25 Jahren, davon 15 als künstlerischer Leiter, ist das natürlich schwer vorauszusagen. Der Vertrag immerhin erneuert sich von selbst. Wir gehören zusammen und wenden uns aktuell den Sinfonien von Joseph Haydn zu. Was kann es Schöneres geben!?

RONDO: Sie haben früher einmal behauptet, der Unterschied zwischen der Kammerphilharmonie und einem traditionellen Orchester bestehe darin, dass Sie die Kammerphilharmonie nicht dirigieren müssen!

Järvi: Das war vielleicht etwas selbstlos ausgedrückt. Aber tatsächlich ist es so, dass die Kammerphilharmonie derart gut ist, dass ich mich ganz aufs Gestalten konzentrieren kann. Technisch gesehen sind sie selbständig.

RONDO: Wie verändert man den Klang eines Orchesters? Oder wollen Sie das nicht?

Järvi: Gute Orchester bringen immer bereits einen spezifischen Klang mit. Und was wichtiger ist: Sie werden ihn nie verlieren. Unter ganz schlechten Dirigenten kann man den Klang vielleicht manchmal nicht wiedererkennen. Das Orchester wird sich davon aber rasch wieder erholen. Als ich Chefdirigent beim Cincinnati Symphony Orchestra war, empfand ich das Orchester zwar als sehr gut, wünschte mir aber mehr ‚Fleisch‘ in den Streichern und weniger Brillanz bei den Bläsern. Bei den Londoner Orchestern, um ein anderes Beispiel zu nennen, sind die Streicher vorzüglich, aber bisweilen ziemlich uniform. Ich kann nur sagen: Es ist sehr viel Arbeit, daran etwas zu drehen.

RONDO: Bei der Deutschen Grammophon erschien kürzlich Ihr Zyklus mit den vier Sinfonien von Franz Schmidt. Bislang gab es nur eine Gesamteinspielung mit Ihrem Vater, Neeme Järvi. Da wird der aber sauer sein!

Järvi: Ganz im Gegenteil. Er wird glauben, dass die Saat aufgegangen ist. Und das stimmt ja auch. Ich kenne vieles, auch die Werke von Max Reger, Alexander Glasunow oder Hans Rott, hauptsächlich durch meinen Vater. Er ist der Chefausgräber der Familie. Zu Weihnachten wird er mir überglücklich in die Arme fallen. Und mir gleich 100 neue Aufträge erteilen.

RONDO: Ziehen Sie demnächst von London nach Zürich um?

Järvi: Wenn wir im nächsten Jahr in die renovierte Tonhalle zurückkehren, könnte ich mir das schon vorstellen. Einstweilen wohne ich in Zürich noch im Hotel. Es gibt dort sehr schöne Hotels. Sie sind gegenwärtig nicht überbucht.

RONDO:
Sie sind einer der wenigen Dirigenten, die auch ohne Haare großen Erfolg haben. Machen wenig Haare den Beruf schwieriger? Oder ist die Frage unsinnig?

Järvi: Zunächst einmal: Diese Schlacht habe ich vor vielen Jahren bereits verloren. Dirigentisch gesehen: kein sehr großer Unterschied. Mir kommt es eher so vor, als wenn ich seitdem über mehr Gesicht verfüge. In der Vergangenheit gab es eine ganze Reihe glatzköpfiger Dirigenten, die vorzüglich waren. Zum Beispiel Erich Leinsdorf.

RONDO: Ebenso Georg Solti und Dmitri Mitropoulos.

Järvi: Sie haben sich durch fehlende Haare nicht irritieren lassen. Und auch das Publikum nicht verwirrt.




Tuesday, January 05, 2021

Grossartig verrückt. Seit einem Jahr ist Paavo Järvi Chefdirigent des Zürcher Tonhalle-Orchesters. Er hat eine kühne Vision.

Klassik
Christian Berzins

Paavo Järvi/Tonhalle-Orchester Zürich:
Tschaikowsky, Sinfonie Nr. 5 u.a.,
Alpha Classics 2020.



Über Paavo Järvis Vorgänger beim Tonhalle-Orchester gab es kein einziges Gerücht – weder ein gutes noch ein schlechtes. Über Järvi, seit Herbst 2019 Chefdirigent des Orchesters, kursieren hingegen zahlreiche schlechte. Dass er aussieht wie Wladimir Putin, macht die Sache nicht besser. Aus gerechnet er, der Este, dessen Heimat von 1944 bis 1991 von den Russen besetzt war.

Bei jedem Gespräch seit 2017 habe ich mich mit Järvi darüber unterhalten. Er wusste, dass der Kritiker mit dem lettischen Nachnamen das tun würde, sprach vorsichtig – und doch sehr klar. Aber der 57-jährige Järvi redete nicht böse gegen Russland, sondern blumig für Estland: «Es gilt, die estnische Souveränität und die estnische Kultur zu bewahren, aber ‹bewahren› bedeutet nicht nur, gegen etwas zu sein, sondern auch, etwas zu etablieren. 1991 war hier alles zerstört: die schmucken Holzhäuser, die breiten Strassen und sogar die Mentalität der Menschen. Das war das Resultat des Sowjetsystems. Deswegen wollte ich hier etwas Neues schaffen.» Als Estland von den Sowjets befreit war, beantragte Järvi den estnischen Pass; die Steuerresidenz blieb Palm Beach, Florida.

Immer entschlossen

Mit Paavo Järvi zu sprechen, heisst auch, zu pokern. Beim vorletzten Treffen hatte er mit geradezu spitzbübischer Freude auf meine Frage gewartet. «Warum spielen Sie Messiaen ein zum Amtsantritt in Zürich?» Genüsslich cool sagte er: «Weil ich Fan von Olivier Messiaen bin. Ich habe keine ungemein tiefgründige philosophische Erklärung dafür, aber diese Musik ist einfach toll, wird viel zu selten aufgeführt.» Und er fuhr fort: «Was passiert, wenn ein Dirigent zu einem Deutschschweizer Orchester kommt? Er spielt die Sinfonien von Mahler, Bruckner oder Brahms ein. Ich wollte es anders machen, das Zürcher Publikum überraschen.» Dass sich Messiaen nicht einfach verkauft, ist ihm auch egal: «Die künstlerischen Aspekte sollten nicht vom Marketing gelenkt werden. Wir Künstler machen etwas, dann soll es jemand verkaufen. Das ist mein Weg.»

Die Tonhalle-Marketingabteilung liebt den Esten noch mehr, als es Intendantin Ilona Schmiel tut. Wo und wann immer der Dirigent in ein Mikrofon oder eine Kamera sprechen soll, ist er parat. Das erstaunt, denn im Vergleich zu einem Simon Rattle sei Järvi ein zurückhaltender, ja konservativer Mensch, sagen seine Freunde. Järvi brauche ein Team, eine starke Kommunikationsabteilung. Er sei nicht derjenige, der mit grossen Innovationen komme, OrchesteProjekte mit einem DJ wie einst in Frankfurt hin oder her. Er spricht – offiziell – auch kein Deutsch, obwohl er jahrelang mit deutschen Orchestern gearbeitet hat.

Wenn die Zürcher und Zürcherinnen ihren Chefdirigenten verstehen wollen, müssen sie aber zuerst akzeptieren, dass er verrückt ist. Grossartig verrückt! Um es zu merken, muss man im Sommer nach Pärnu reisen. Im hübschen Kaff mit Bäderhotels, farbigen Holzhäusern und drei hässlichen Einkaufszentren machte er aus einem unbedeutenden sowjetischen Festival ein einzigartiges estnisches. 

Järvi steht während acht Festivaltagen fünf Abende auf dem Podium. Daneben leitet er stundenlange Dirigenten-Workshops, ist bereit für einen Nacht-Talk auf dem Podium. Fundament des Festivals ist sein Orchester, das innerhalb von zehn Jahren zu einem TopKlangkörper reifte. Der Durchlauf zur Weltspitze ist umso erstaunlicher, als diese Gemeinschaft bloss zehn Tage in Pärnu und auf einer dem Festival folgenden Tournee existiert.

Das Modell kennen wir aus Luzern. Dort hat man um Claudio Abbado herum im Jahr 2003 das Lucerne Festival Orchestra geschaffen. Die Frankfurter Allgemeine Zeitung behauptete im Sommer 2020 keck, dass Järvis Orchester das Niveau habe, wie es das Luzerner unter der Leitung Abbados einmal hatte. Hatte ... Im Unterschied zu Abbados Orchestergründung hat Järvi nicht einfach den Ort mit den besten Bedingungen (und Top-Gagen) dafür ausgewählt, sondern das Gegenteil. Der Enthusiasmus und die Liebe zur Musik machen alles wett.

Die Frage, warum diese Musiker von weit her kommen und im Festspielorchester mittun, beantworten alle gleich: «Wegen Paavo!» Järvi weiss, wie gut seine Musiker sind: «Die Mittel sind viel kleiner als unsere Ambitionen. Aber haben Sie gehört, wie das Orchester klingt? Besser als viele mit grossen Namen.» In seinen Worten steckt kein Stolz, sondern estnische Nüchternheit. Dieser Mann wirkt immer entschlossen. Als einst beim Open-Air-Gastspiel im lettischen Jurmala jemand zu früh applaudierte, wehrte er sich verärgert dagegen, gab aber am Schluss jovial das Zeichen zum Applaus.

Da hatte Järvi am sechsten Festivaltag im Sommer 2020 Mendelssohns 1. Sinfonie so stürmisch belebt, dass sie klang wie vier «Italienische» zusammen. Und schon stand er entspannt auf dem Balkon des Konzertsaals, um mit dem Kulturminister zu plaudern. Keine fünfzehn Minuten später tauchte er im T-Shirt beim Empfang an der Bar auf und schmunzelte ob des Lobs, das von allen Seiten auf ihn niederprasselte. Wer um 1.30 Uhr nach Hause ging, gehörte zu den Ersten. Ob man getanzt habe, wurden wir am nächsten Morgen gefragt. Und nicht mal ins Meer schwimmen sei man gegangen?! Wir verkniffen uns die Gegenfrage: «Und um 10 Uhr zur Probe?», denn wir hatten schnell gelernt, dass in Pärnu eine Frage tabu ist: «Wann schläft ihr?». Grinsend meint Järvi: «Wir schaffen uns hier unsere eigenen Regeln. Das ist eine Sache für Fanatiker und Enthusiasten, hier ist keiner, um Geld zu machen.»

Furiose Aufführungen Jemand mit einem solchen Geist hat dem Tonhalle-Orchester Zürich bisher gefehlt. Gefragt, ob denn die Zürcher dereinst unter den Top Ten der Welt figurieren könnten, sagte mir Järvi beim ersten langen Gespräch im Sommer 2017 trocken: «Das werden sie – gar keine Frage. Wir haben eine Vision. Wir müssen gross denken – und langfristig. Aber es geht nicht nur ums Spielen, sondern auch ums Präsentieren.»

Die ersten Begegnungen mit dem Tonhalle-Orchester waren für beide Seiten elektrisierend. Der Este sagte dazu: «Es ging nicht darum, ob dieses recht oder jenes falsch sei – das ist wichtig, aber nicht alles: Diese Musiker wollten zum Kern. Man muss in der Musik eine innere Welt finden. Das war cool! Wir konnten Musik machen, ohne Akademismus. Das Fundament ist sehr stark. Ich will an einer Tradition bauen. Das Wichtigste ist, dass wir uns im Musikalischen verstehen. Wenn das klappt, wird alles andere klappen, wenn nicht, wird alle PR nichts nützen.» Der ehrgeizige Järvi weiss, dass in Zürich viel zu erreichen ist. Sosehr er die Tonhalle Maag liebt, so sehr sehnt er sich nach der Wiedereröffnung der alten, renovierten Tonhalle.

Järvi ist jener Dirigent, der nicht nur die Zeit mit Vorgänger Lionel Bringuier (Jahrgang 1986) in wenigen Monaten vergessen machte, sondern auch die verklärten Jahre mit David Zinman (Jahrgang 1936) überflügeln wird. Järvis Schwärmen über das Tonhalle-Orchester ist keine Schmeichelei. Er weiss: Zürich kann auch ihm zu einem weiteren Karriereschub verhelfen.

Im Tonhalle-Orchester war nach den ersten Konzerten ein enormer Enthusiasmus zu spüren. Järvi wie Musiker waren bereit für Grosses, viele furiose Aufführungen haben es gezeigt: Schon 2017 auf China-Tournee triumphierte man mit Mahlers 5. Sinfonie. Doch der Enthusiasmus hat nicht nachgelassen, sondern zugenommen. Wie gelöst und zielgerichtet erklang doch beim letzten Zürcher Konzert vordem erneuten Kultur-Lockdown am 22. Oktober 2020 Mozarts 39. Sinfonie!

Corona machte viele Pläne zunichte. Die Aufnahmen der Tschaikowsky-Sinfonien wurden unterbrochen, statt einer Box ist bisher nur eine einzige CD erschienen. Aber die ist grossartig.

Presto Personal Favourites from 2020

Presto Classical
James Longstaffe


Franz Schmidt Complete Symphonies (Frankfurt Radio Symphony Orchestra, Paavo Järvi; Deutsche Grammophon)


Ah, Franz Schmidt, where have you been all my life? I must admit that before I got stuck in to this set of his complete symphonies, I was unfamiliar with the output of this late-Romantic/early twentieth-century Austro-Hungarian composer. While Symphony No. 1 (written when Schmidt was 22) is fairly conservative, and clearly heavily influenced by composers such as Brahms and Weber, the latter two symphonies in particular are more adventurous, with echoes of Mahler, Strauss, Schoenberg, and others.

They are all richly orchestrated, littered with gorgeous melodies (not least the exquisite cello solo in the Fourth Symphony's slow movement), and containing several unexpected harmonic twists and turns. I have no doubt that this ravishing, sumptuously-performed set from Paavo Järvi and the Frankfurt Radio Symphony Orchestra will do much to turn many more people on to Schmidt's music, and I'm thrilled to have made this new discovery!

https://www.prestomusic.com/classical/articles/3699--recording-of-the-week-presto-personal-favourites-from-2020

Ein Fest zum Fest - auf CD!

rbbKultur
Kai Luehrs-Kaiser

Im letzten Türchen unseres Adventskalenders stellt Kai Luehrs-Kaiser ein echtes Highlight vor: die CD-Box "Beethoven: Die neun Symphonien & Ouvertüren"


Knackfrisch und unverwelkt, ist dies der virtuoseste aller klein besetzten Beethoven-Zyklen – und immer noch der Beste. Als die neun Symphonien mit der Deutschen Kammerphilharmonie in den 00er Jahren sukzessive entstanden, war es zwar nicht das erste Mal, dass Beethoven-Symphonien mit einem Kammerorchester aufgeführt wurden (vorher hatten Ähnliches schon Harnoncourt, Gardiner u.a. getan).

Trennschärfer, besser durchgeschliffen und zugleich lässiger hinwirbelnd hörte man diese Werke trotzdem nie.

Paavo Järvi, Chef der Deutschen Kammerphilharmonie, legte hier gleichfalls sein Meisterstück vor. Er ist ehrlich genug zuzugeben, dass der Unterschied zwischen anderen, traditionellen Orchestern und der Kammerphilharmonie darin besteht, dass er diese einfach gar nicht dirigieren muss. Sie funktionieren, perfekt austariert wie Streichquartett, auch ohne ihn.

In der neu zusammengestellten 6 CD-Box sind erstmals auch die Ouvertüren mit beigepackt. Ein Fest zum Fest. Bin begeistert.


Machen Sie mit! Schreiben Sie uns und gewinnen Sie mit etwas Glück die vorgestellte Beethoven-CD-Box!

A major addition to the symphonic repertoire: Erkki-Sven Tüür's 'Mythos', commissioned for the centenary of the Republic of Estonia

Planet Hugill
30.03.2020


The centenary of the Republic of Estonia celebrated in a powerful new symphony

Erkki-Sven Tüür's Symphony No. 9 'Mythos' was commissioned by the Government Office of Estonia to celebrate the 100th anniversary of the Republic of Estonia, and the work was premiered in Tallinn and Brussels in January 2018 by the Estonian Festival Orchestra conducted by Paavo Järvi.

On this new disc from Alpha Classics, Paavo Järvi conducts the Estonian Festival Orchestra in live recordings of Erkki-Sven Tüür's Symphony No. 9 'Mythos', Incantation of Tempest and Sow the Wind..., and the disc also celebrates the composer's 60th birthday.


Erkki-Sven Tüür is one of the major contemporary Estonian composers; he studied at Tallinn Conservatoire with Jaan Rääts, and with Lepo Sumera. For a period he was part of the progressive rock group, Spe. His output includes nine symphonies and an opera, Wallenberg. We caught music by Tuur and by Raats at the Tallinn Chamber Orchestra's concert at the 2015 Vale of Glamorgan Festival.

Paavo Järvi founded the Estonian Festival Orchestra in 2011 as being resident at the Pärnu Music Festival, bringing together the best of Estonian talent alongside leading musicians from around the world. The orchestra became the first Estonian orchestra to perform at the BBC Proms in 2018.

The symphony starts from 'primordial chaos', with Tüür gradually creating a sense of order through an emerging string figure which develops.
But even in gurgling chaos, Tüür's writing is full of colour and texture, and the timbres throughout the work are striking. In his programme note, Tüür is reluctant to give a programmatic description for the piece, yet there is very much a sense of Tüür using the orchestra to create a world, complex, richly textured and dynamic.

The symphony is in a single over-arching movement, with a strong sense of structures developing out of primitive material. Yet throughout, there is an underlying feeling of power surging, complex string textures take place over burgeoning waves of brass sound, and there is a sense of excitement, the stirrings of something being created. As the work progresses, we become aware of Tüür gradually bringing musical fragments into focus to create something new, the dramatic textures coalesce at the end of the work into a striking new sonic world.

The result is a powerfully striking new work, a world away from any sort of nationalistic tub-thumping, and a major addition to the symphonic repertoire. Remarkably the performance here is the premiere, recorded live in January 2018 in Tallinn; the sound is terrific and the recording captures both the excitement of a premiere and the depth and complexity of the writing. You get no sense of the performance being a work in progress, this springs fully-formed and vibrantly exciting from the loud speakers.

Tüür's The Incantation of Tempest is a short work commissioned by the Bamberg Symphony Orchestra as part of its Encore! programme creating new music suitable for encores. It was premiered in 2015 by the Bamberg Symphony Orchestra conducted by Jakub Hrusa, and Järvi later started using it as a concert opener. It starts with drama, and throughout Tüür achieves a gradual building of excitement.

Paavo Järvi premiered Sow the Wind... in Paris in 2015 with the Orchestra de Paris. The title comes from a passage in the book of Hosea, 'For they sow the wind, and they shall reap the whirlwind', and the work is an evocation of the effects of reckless human activity whether it be climate change, mass migration of people or extremist movements.

Here we have complex and dramatic textures, with Tüür again seeming to create a complete world. The work opens with what the composer describes as a 'tidal wave' which washes by, leaving an evocative violin solo and a sense of evolving drama. Again, the musical writing is full of wonderful sonorities and textures.

All three performances are recorded live, the second two works at the Pärnu Music Festival, and throughout the disc you sense the orchestra's responsiveness and its sympathy to the composer's style. You could buy this disc for the outstanding orchestral performances or for the powerful new works, or both; but you should indeed buy it.

Monday, December 28, 2020

Les Echos: Le top 10 des albums classiques 2020

Les Echos
Philippe Venturini
23.12.2020

La pandémie n'a pas vraiment freiné l'édition de disques classiques. D'Erkki-Sven Tüür à Chostakovith, Brahms, Beethoven ou Bach, de sonates en symphonies, les grands compositeurs ont été bien servis. Voici nos enregistrements préférés de l'année.

Erkki-Sven Tüür - Symphonie n° 9 « Mythos ». Sow the wind… - Estonian Festival Orchestra, Paavo Järvi (dir.)

La « Symphonie n° 9 » résume le style à la fois direct et raffiné de l'Estonien Erkki-Sven Tüür, né en 1959. Volontiers éclectique et accessible, elle convoque l'orchestre dans toute sa puissance organique et ses larges dimensions, lui insuffle une inépuisable énergie, probable souvenir du passé de rocker du compositeur, fait briller les instruments de mille feux. Irrésistible.

Paavo Järvi :"Jedes Jahr ist Beethovenjahr"

DW
Gaby Reucher
December 2020


Was kommt nach dem Beethoven-Jubiläumsjahr? Dirigent Paavo Järvi spricht mit der DW über Beethoven 2021 und seine Gedanken zum Konzertleben nach Corona.

Der estnische Dirigent Paavo Järvi ist bekannt für seine Liebe zum Detail und die akribische Auseinandersetzung mit den Komponisten und ihren Werken. Seit 2004 ist er Chefdirigent der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen. Zusammen mit dem weltweit renommierten Orchester hat er das viel beachtete Beethoven-Projekt, die Sinfonien von Robert Schumann und zuletzt den Brahms-Zyklus realisiert. Der DW-Film zum Beethoven-Projekt wurde preisgekrönt. Wegen der Corona-Pandemie konnten sämtliche im Rahmen des Beethoven-Jubiläums 2020 geplanten Aufführungen des Beethoven-Zyklus nicht stattfinden. Im Interview mit der DW erzählt der Stardirigent, wie er die musikalische Zukunft nach Corona sieht.

DW: Anlässlich des 250. Geburtstag von Ludwig van Beethoven wollten Sie mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen und Beethovens Neun Sinfonien noch einmal auf Tournee gehen. Konzerte in Bremen und Frankfurt wurden vom Frühjahr auf den Herbst verschoben und jetzt mit dem neuen Lockdown endgültig abgesagt. Ebenso wie die geplanten Konzerte in Tokio. Das war sicher enttäuschend für Sie und das Orchester.

Paavo Järvi: Natürlich hatten wir die Hoffnung, dass sich die Konzerte noch irgendwie realisieren lassen würden. Aber der Musikbetrieb geht ja weiter und legt dann nicht mehr unbedingt den Fokus auf Beethoven.

Wenn es noch zu einer Aufführung des Beethoven-Zyklus kommt, speziell mit der Deutschen Kammerphilharmonie, die sehr bekannt ist für dieses Repertoire, dann wahrscheinlich am ehesten in Tokio. Mein Traum wäre es auch, den in Frankfurt geplanten Zyklus noch einmal aufzugreifen. Aber gerade jetzt gibt es einen enormen Rückstau all der Projekte, die nicht stattfinden konnten. Wir müssen abwarten, wie die Organisatoren weiter verfahren. Das wird wahrscheinlich in den nächsten Monaten entschieden.

Ich dachte, in Deutschland wäre es einfacher, Beethoven-Konzerte nachzuholen, weil das Beethoven-Jahr wegen der Ausfälle in der Corona-Pandemie offiziell bis September 2021 verlängert wurde.

Ich hoffe es, aber in Wahrheit ist ja jedes Jahr ein Beethovenjahr. Beethoven wird immer gefeiert und gespielt, da gibt es keinen Mangel. In Deutschland wird noch mal ein Akzent gesetzt. Da fände ich es allerdings wichtiger, Beethoven-Stücke zu spielen, die selten gespielt werden. Das Ganze einmal anders aufziehen und mit anderen Sachen zu kombinieren: Das wäre eine interessante Idee. Aber das sind reine Spekulationen. Im Moment haben wir eigentlich keine Idee, wie wir in den Musikbetrieb zurückkommen. Da sieht es nicht sehr vielversprechend aus.

Viele Musiker sagen, sie hätten den Lockdown genutzt, ganz andere Stücke zu spielen als im Konzertbetrieb oder neues Repertoire zu entdecken. Haben sie die Zeit für die seltenen Beethoven-Stücke genutzt?

Ich persönlich habe die Zeit genutzt, um mich mit neuem Repertoire zu befassen. Wenn man jede Woche dirigiert und jede Woche ein anderes Programm spielt, bleibt dafür sehr wenig Zeit. Ich habe mich tiefgründiger mit einem Repertoire beschäftigt, das ich vorher noch nie ins Auge gefasst hatte. Da gibt es Komponisten, mit denen wir kaum in Berührung kommen.

Ich habe mir viel Musik des 20. Jahrhunderts angeschaut, von Witold Lutosławski über Sergei Prokofjew bis hin zu Krzysztof Penderecki, zu Arthur Honegger oder Bohuslav Martinů. Das sind alles Komponisten, deren Namen man zwar kennt, die aber kaum jemand aufführt. Es gibt einiges an bemerkenswert guter Musik von diesen Komponisten. Und da sind noch mehr. Ich studiere gerade Eduard Tubins Sinfonien, sehr unterschätzte, wundervolle Sinfonien aus Estland. Das Repertoire ist so umfangreich, dass es mehr als ein Leben braucht, um nur annähernd ein bisschen davon erkunden zu können. Da gibt es einfach nicht genug Zeit.

Es sei denn, Corona wird den Musikbetrieb noch länger so stark einschränken…

Ja, das Positive daran ist - abgesehen natürlich von den Nöten der Musiker - etwas Zeit zu haben. Nicht nur um neues Repertoire zu lesen und zu erforschen, sondern auch für Podcasts, Videogespräche mit Studierenden, mit jungen Musikern oder Dirigenten. Bei Diskussionen im Netz über verschiedene Komponisten war ich überrascht, wie viele Leute sich zugeschaltet haben, nur um über Musik zu sprechen und über Komponisten zu diskutieren.

Was denken Sie, wie Corona die Musikwelt verändern wird? Ob es danach zum Beispiel noch die großen Tourneen geben wird?

Das ist interessant zu beobachten. Es gibt viele Spekulationen und viele Leute versuchen herauszufinden, wie es weiter geht. Dazu gehört auch die Idee, dass die Orchester nicht mehr so viel auf Tournee gehen sollen, sondern mehr für das Publikum vor Ort spielen. Es geht darum, auch ökologisch verantwortungsbewusst zu handeln, indem man nicht so oft zu weltweiten Veranstaltungsorten fliegt.

Saturday, December 12, 2020

Paavo Järvi, um dos maiores maestros europeus: “Beethoven não se esgota”

Veja
16.12.2020





Escuto Beethoven desde pequeno. Meu pai era maestro e uma parte habitual da nossa vida familiar na Estônia, onde cresci nos anos 70, consistia em nos sentarmos em volta do aparelho de som para ouvir juntos gravações. Na Estônia sob ocupação soviética havia um forte foco no repertório russo, mas, ainda assim, o compositor de maior destaque sempre era Beethoven. Quando criança, eu ouvia religiosamente as famosas gravações de Fürtwangler e Karajan, maestros lendários que ganharam reputação como os maiores intérpretes da música de Beethoven, e isso influenciou muito a maneira como eu ouvia sua música. Foi só quando cheguei aos Estados Unidos, em 1980, que tive contato pela primeira vez com as interpretações do movimento musical clássico “autêntico”, incluindo apresentações de maestros como Harnoncourt e Norrington. A abordagem e o som deles eram tão radicalmente diferentes que foi como um novo despertar que me fez questionar verdades comuns com as quais eu havia crescido.

Em minha experiência como maestro na Filarmônica de Câmara de Bremen, logo ficou claro que era muito fácil programar as sinfonias ao redor do mundo, pois Beethoven tem uma espécie de toque mágico. Daí surge a pergunta: por que confiamos tão explicitamente em Beethoven e por que ele ainda é tão popular? A conclusão a que cheguei é que há uma qualidade na música de Beethoven que faz com que você sinta que ele está dizendo a verdade — e não há dúvida de que sua música tem uma força tão convincente a ponto de ninguém questionar seu valor ou mensagem. Também parece que é subconsciente, pois sua popularidade não é resultado de um filme como Amadeus, que levou a música de Mozart às massas. Esse nunca foi o caso de Beethoven. De algum modo, ele tem uma credibilidade inerente: as pessoas acreditam intuitivamente nele.

Neste momento, o legado de Beethoven parece mais relevante que nunca, à medida que nos tornamos cada vez mais céticos a respeito das coisas infundadas que ouvimos de líderes políticos e que lemos nas redes sociais. O que nós precisamos agora é de algo em que possamos acreditar, e Beethoven preenche essa lacuna. Da mesma forma que são importantes para nós agora, os temas da liberdade e dos valores democráticos também foram pilares em que Beethoven acreditava piamente e que foram incorporados à sua música há mais de dois séculos — a Ode à Alegria, da Nona Sinfonia, o gesto político que ele realizou ao eliminar o nome de Napoleão da Eroica e sua crença, exaltada na partitura de Fidelio, de que o amor verdadeiro pode triunfar sobre a ditadura. Ele sonhava com um futuro melhor, equiparável a sua habilidade musical e senso de humanidade.

Alguns perguntam se precisamos celebrar Beethoven, já que, de qualquer forma, ele é tocado com tanta frequência. A meu ver, a questão não é essa. Precisamos celebrar os símbolos da nossa cultura, ainda mais quando a maior parte da cultura popular tem muito pouco valor musical. O que continuamos a aprender através da sua música é o padrão de referência em termos de qualidade, e é por isso que devemos aproveitar qualquer oportunidade para celebrá-lo.

Sem dúvida alguma, o ciclo completo de sinfonias e aberturas de Beethoven que gravei à frente da Filarmônica de Câmara de Bremen é a mais importante prova musical da minha vida até o momento, motivo de orgulho para mim. Ao continuar a reger Beethoven, ainda me pego repensando muitas das coisas que fiz antes e experimentando novas abordagens. Esta é mais uma prova da grandeza das suas composições: há tantas camadas e o material é tão rico que as maneiras de olhar para ele são inesgotáveis. Com a música de alguns compositores, a interpretação permanece igual a cada retorno. No caso das sinfonias de Beethoven, você pode tocá-las de maneiras radicalmente diferentes e continuar a aprender algo novo. Essa não é, afinal, a marca inequívoca de um gênio?

* Paavo Järvi, 57 anos, é maestro titular da Filarmônica de Câmara de Bremen, Alemanha

Publicado em VEJA de 16 de dezembro de 2020, edição nº 2717 

Friday, December 11, 2020

Paavo Järvi conducts Tchaikovsky with the Tonhalle-Orchester Zürich [Alpha]

Classical Source
Ates Orga
November 2020

Back in 2012, towards the end of his Frankfurt RSO tenure, Paavo Järvi showed his broader Tchaikovsky hand with a particularly appealing account of the vernal First Symphony. Combining Germanic underlay with Russian fantasy, muscular orchestral textures with solo cameos and chamber offsets, sentiments of different shades, it wasn’t Tchaikovsky in the throaty, gravelled, all-guns blazing Svetlanov or Gergiev mould. But it had plenty going for it, a mixture of northern moods, sunsets and nights, lyric song and balletic embrace, reminding us quietly that the same waters of the Gulf of Finland link Tallinn, Järvi’s birthplace, with St Petersburg scarcely five hours northeast.

Just over a year ago Järvi was appointed Chief Conductor and Music Director of the Tonhalle-Orchester Zürich – a challenging Diapason d’Or Messiaen release launching a deal with Alpha. Now sees the start of a new Tchaikovsky cycle promising culture and class before crassness. As a concert these same forces undertook in Vienna last January showed [https://www.classicalsource.com/concert/tonhalle-orchester-zurich-paavo-jarvi-in-vienna-bela-bartoks-dance-suite-and-pyotr-tchaikovskys-fifth-symphony-martin-frost-plays-aaron-coplands-clarinet-concerto-live-webcast/], the style and substance of the Fifth Symphony is ingrained in their DNA. Big dynamic range, hard yet cushioned tuttis, warmly lyrical contrasts, beauty of sound and detail at a premium, structure and theatre hand in hand. Opting for the large-scale overview, letting facets glint the horizon that others underplay or take too easily for granted, is part and parcel of Järvi’s mature language these days. Conscious that shaded brushstrokes will often say more than bright stage lighting, he doesn’t need to over-act a story to get the message across.

Typical touches abound, small in themselves perhaps but catching the ear. The closing hairpins of the first movement, for instance, increasing then easing the dynamic; the bassoon rubato (taking a hint from the ‘solo’ marking of the score) and string accents at the end of the (tenderly caressed) Valse; the snarling, roaring timpani crescendoleading into the allegro of the Finale, a single bar of compelling brilliance. In performance and recording terms, there are plenty enough soundbites to recommend this version. The Finale for one: splendid in every way, the orchestra exultant, relishing the pulse and splendour of the occasion, rising as one to Järvi’s needs and nuances. The Andante cantabile for another: not just the contouring of the horn tune and its continuation but the refinements of accompaniment and phrasing, the darker recesses of timbre, the structuring of climaxes, the refusal to let events drag. Notwithstanding the Tonhalle’s reference recordings under David Zinman, Music Director from 1995 to 2014 (Strauss and Mahler in particular), this is interpretation, playing, production and sound engineering on an epic, eloquent scale. Byronic Romanticism.

In the tradition of the Liszt tone poems, and Tchaikovsky’s own, earlier and later, Francesca da Rimini, after Dante (1876), is a bold drama, a tragic fate ‘opera’ for orchestra in three idée fixe referenced acts with Vorspiel, played without a break. The finest conductors have tackled this showpiece. It separates the men from the boys. Suffice that Järvi’s is a reading up there with the greats. He sets the bar high. “One Hell of a performance” deems a colleague, verging on understatement. The tension is volcanic, the whole sweep and panorama a film spiralling deathwards, emotions and ‘Second Circle’ punishment laid bare. The music vents a phenomenal display of virtuosity and unanimity from the Tonhalle, across the board from visceral strings to fiery brass to the plaintive clarinet song of the central Andante. The electricity of the moment, the sense of infernal storms and Saturnian forces unleashed, of musicians taken over by dimensions beyond them, hits one fair and square.

Live through the seventy-four minutes of this disc, and you’ll reach the last seconds gasping, without words, drained by the intensity of the narrative. Heaven only knows what the players must have felt. Elated yet floored. Wiped out yet triumphant. Järvi at his best.




TCHAIKOVSKY Symphony No. 5

MusicWeb International
William Hedley
03.12.2020

Tchaikovsky’s Fifth Symphony opens, like the Fourth before it, and like Beethoven’s Fifth for that matter, with fate knocking at the door. Those who find this idea unconvincing – or are simply fed up of hearing it – should know that, in this case, it comes from the composer himself. But fate, though an irresistible force, can often be a force for good. The luckier ones amongst us are aware of this, and the Fifth confirms it, by a journey that ends in triumph. This is Tchaikovsky, however, so the road is difficult; and victory, though hard won, could well be no more than provisional.

This very fine performance from Zurich begins in deep melancholy rather than foreboding, the two clarinets in unison beautifully woody in the lower register. The movement as a whole positively fizzes with musical invention, and Järvi is more than keen to go along with it. The overall tempo for the movement is uncontroversial, as it is for pretty much the whole work – only once did I mark anything to do with basic tempo in my notes. Järvi is refreshingly flexible as regards pulse, but his expressive manoeuvres all seem natural and spontaneous. How naturally he eases off the pulse for the rising string phrase – with answering woodwind motif – that sounds like it’s going to be the second subject, just as he does in the singing, D major melody that is the real second subject shortly afterwards. The many dramatic moments are skilfully handled too, with striking, dogged tread to launch the movement’s coda.

Järvi’s way with the opening bars of the slow movement makes rather more of them than a simple series of preparatory chords. I have heard slower accounts of this movement, but the chosen tempo avoids indulgence whilst giving the musicians time to express themselves. This the principal horn, and a little later in duet with the principal clarinet, do most successfully. If the clarinet could be a little louder the echo effect is none the less brought out most beautifully. There is a moment in this movement, as there is in the finale too, where tenderness seems to be getting the upper hand but is cut off with a shocking explosion of violence followed by disillusion. This is marked fff in the score, superbly handled here, and the listener notices how careful Järvi is throughout to show that ff and fff are not at all the same thing. The third movement is a waltz that could have come from one of Tchaikovsky’s ballets – or so one thinks at first. I’m no dancer, but even those with greater skills than I would have difficulty dancing the waltz to this music, especially when fate returns to the scene. The unexpectedly loud ending is not the only equivocal feature of this movement, whose conflicting elements are skilfully managed in this performance.

Despite the sombre colours, the finale opens with the fate motif in the major key, the music steadfast, a glimmer of hope already. Once the main section of the movement is launched, Järvi never lets up. Tempi are rapid, the playing of virtuoso standard. A key event for this listener is the arrival of the second theme, an absolutely thrilling moment with the lower strings inexorably driving the music on. Järvi does not disappoint; indeed, driving the music on is exactly what he does, right up to the final pages, particularly forceful and exciting.

Hans Keller once wrote that the Tchaikovsky’s Fifth Symphony was so well known that he was almost embarrassed to be writing about it. I feel much the same when it comes to comparing this new performance with earlier ones, if only because they are so numerous, and with so many of outstanding merit. Two classic performances are those by Mravinsky (DG), or Maris Jansons (Chandos), part of his marvellous series with the Oslo Philharmonic Orchestra. I’d like to recommend two byways. Constantin Silvestri was a fine conductor indeed, and readers are encouraged to seek out his 1957 performance with the Philharmonia Orchestra on EMI Warner. Another very satisfying reading, and an intriguing prospect that pays handsomely, was released by BIS in 2013. Christian Lindberg conducts the Arctic Philharmonic.

Fate also has a hand in the story of Francesca da Rimini and her lover, Paolo, though in their case the price to pay for an illicit love affair is literally a fate worse than death. I’ve never been able to get on with this work, finding that the story brought out the worst in Tchaikovsky, whereas the best of him, as in the Fifth Symphony and so many other works, and this despite all the drama and anguish, conveys sentiments which are both grand and noble. But Järvi and his marvellous orchestra play the work for all it is worth, its passion and violence brought out in all its Technicolor ferocity.

The booklet suggests that these were live performances, which might account for the white-hot performance of Francesca da Rimini, as well as the gripping final pages of the symphony. There is not a sign of audience noise and no applause at the end. The recording is outstanding, full, rich and with impeccable balance. The booklet carries a short essay in German and in English by Ulrike Thiele, some attractive photographs taken in performance and, commendably, a full list of the orchestra’s members.

The beautiful, haunted symphonies of Franz Schmidt

The Spectator
Richard Bratby
05.12.2020

Dogged by false accusations that he was a Nazi, the Austrian composer has finally been brought in from the cold.

Composer Franz Schmidt with conductor Oswald Kabasta before the premiere of his oratorio The Book with Seven Seals in 1938. Photo: Imagno / Getty Images

The sounds that Franz Schmidt made while learning the trumpet were pretty much unbearable, or so the story goes. In order to practise he would leave his home in the Lower Austrian town of Perchtoldsdorf and walk up to the heath, a grassy hillside above the town. There, far from unappreciative neighbours, and looking down towards the spires of Vienna, a few miles north and east, he could crack notes to his heart’s content — in perfect isolation.

Some artists hand you their metaphors on a plate. Schmidt spent his career trying to escape the suburbs of central European music, dogged by private grief and professional frustration. ‘Someone with a name like Schmidt should never become an artist,’ declared his piano teacher. Later, he played the cello in the Vienna Opera under Gustav Mahler — who stood by while the orchestra’s leader bullied Schmidt into submission. Schmidt lost a wife to mental illness (the Nazis murdered her after his death) and a daughter to childbirth, and continued to write music through heart attacks and nervous breakdowns, even after doctors told him that the effort would kill him — which it did in 1939, 11 months after the Anschluss.

It might have been better for his legacy if he’d died a bit sooner. Schmidt was — that old get-out — not interested in politics, but in his dying months Austria’s new rulers commissioned him to write a propaganda cantata. He never completed it, instead devoting his failing energies to a piano quintet for an old friend, the Jewish pianist Paul Wittgenstein. But for some, it’s proof that Schmidt was an enthusiastic Nazi, and if you ignore the testimony of Schmidt’s admirers Hans Keller and Oskar Adler — who knew him, and insisted ‘with all the emphasis at my disposal’ that he was neither a Nazi nor an anti-Semite — it’s case closed. Schmidt was no Strauss, Stravinsky or Webern, to name just three 20th-century composers whose music is charismatic enough (or so it seems) to allow listeners and performers to gloss over some, well, let’s call them ‘problematic’ political choices.

Schmidt’s music has survived as a cult item, beloved of record collectors and champions of oddball symphonists. His fans make heroic claims: a musicologist friend assures me that Schmidt is ‘one of the greatest contrapuntists of all time’. Well, maybe: when I heard his Fourth Symphony at the Proms in 2018, my companion fell asleep. Whatever his finer qualities (and musicologists are rather like accountants: on paper, at least, they can make anything add up to a masterpiece) Schmidt has never really found his audience. If you don’t warm to his blend of surging romanticism and oddly detached mock-baroque rigour, no theoretical argument is going to persuade you.

But if you do, a new recording of his four symphonies from Frankfurt, conducted by Paavo Jarvi, is tantamount to mainstream endorsement. It’s on Deutsche Grammophon, complete with the yellow cartouche and moody conductor photo that — in the world of classical recordings, anyway — still signifies prestige. The symphonies themselves are postcards from a collapsing culture. The First, premièred in Vienna in 1902, is all lush strings and leaping horns. ‘I sing as the bird sings,’ Schmidt wrote on the score: an ambitious 28-year-old asserting his place in what he confidently assumed was a living tradition. The Second was premièred in 1913, and like Elgar’s Second or Mahler’s Eighth, it’s one of those proud, glittering pre-1914 epics that seem to embody a civilisation on the brink. Jarvi’s performance is resplendent, if not quite as convincing as Dmitri Mitropoulos’s sweeping (if scratchy) 1958 recording from Vienna.

I’ve never clicked with Schmidt’s Third (1928) — a lyrical symphony with a faintly unreal air, written in a shrivelled post-Imperial Austria to mark Schubert’s centenary. It feels as though it should be wearing a dirndl. But the beautiful, haunted Fourth (1933) is another matter, composed after the death of Schmidt’s daughter Emma and cast in a single huge span of music. If Strauss and Mahler were romanticism’s fabulous sunset, by Schmidt’s Fourth only the afterglow remains. Night is falling, and there’s a chill in the air. Schmidt’s classical logic becomes the natural language of a composer who felt more isolated than ever. The symphony’s intimate confessions and nightmarish collapses emerge gradually (and in Jarvi’s performance, inevitably) before unravelling into silence.

It ends, as it begins, with a lone trumpet floating a wavering, desolate melody towards a dark and uncertain horizon. Cold comfort, though Schmidt, alone on his hillside, at least lets us hear why it could be no other way. Again: it’s not for everyone. But if, after the past few months, you can still bring yourself to value art for the resonance of its solitude or the quality of its despair, Franz Schmidt might offer something in the way of consolation as the lights go out.

Franz Schmidt’s Complete Symphonies, recorded by the Frankfurt Radio Symphony conducted by Paavo Jarvi, is out now on Deutsche Grammophon.

A box of French delights from the Paavo Järvi and the NDR Elbphilharmonie Orchester

Bachtrack
Chris Garlick
28.11.2020


A French evening of 20th-century neoclassical works was a breath of fresh air. It was good to hear a German orchestra find the necessary flexibility, lightness of tone and wit that is so intrinsic to French music of this period. Paavo Järvi is a conductor who finds his home in most musical genres he turns to and he certainly helped the NDR Elbphilharmonie Orchester produce warm hearted accounts of all the works on offer.

Poulenc's Sinfonietta (1947) is a work that has never really caught on as much as his early ballet Les Biches. The composer seemed to be somewhat inhibited in the first movement, with its rather awkward sonata form. However, he becomes more relaxed as the movements progress, relying sensibly on his bottomless pit of gentle charm and melodic gifts. The Andante cantabile is particularly lovely creation, its exquisite string melody luxuriously played here.

Ravel's Le Tombeau de Couperin is another charmer. It has that quality of perfection Ravel instinctively aspired to throughout his career. Sanity and grace are an antidote to his experiences on the frontline in the First World War, each movement commemorating lost friends. In this performance the tricky woodwind writing wasn’t given the slickest of performances in all departments, but there was much needed character to the playing overall, which is perhaps preferable in this case to over-refinement. The Menuet was a particular joy, capturing the affectionate sadness of the piece.

Albert Roussel is a deeply under-appreciated composer in the concert hall. Occasional outings of his Third Symphony and his ballet Bacchus et Ariane, touch only the tip of a very interesting iceberg. His late Sinfonietta for Strings is a work full of neoclassical wit and a more propulsive symphonic toughness. As with many of his works, the true depth of feeling is only heard in the slow movements, here a rather dark place. However, it only momentarily interrupts the energetic flow, leading directly into the rhythmic and exciting finale. The Elbphilharmonie strings had just the right balance of heft and flexibility and Järvi drove things along with gusto.

Jacques Ibert is another French composer too often overlooked in the concert hall. His irreverent Divertissement was written in 1929, originally as the incidental music to a production of The Italian Straw Hat, and is his most played work for good reason. It is a delightful mixture of the playful, the mysterious and the devil may care. It is a work that needs a particularly light and bright touch. Järvi and his orchestra, particularly the brass section, were clearly enjoying themselves here, relishing every absurd twist and turn.



This performance was reviewed from the Elbphilharmonie video stream.