Der Dirigent Paavo Järvi ist der Spross einer estnischen Musikerdynastie
und auf dem ganzen Erdball zuhause. Ein Gespräch über die Macht der
Musik und Estlands Angst vor der russischen Politik.
Einer der profiliertesten Dirigenten seiner Generation: Der aus Estland stammende Amerikaner Paavo Järvi leitet seit 2010 das Orchestre de Paris. Hier dirigiert er den zu den größten und angesehensten Orchestern der Welt zählenden Musikkörper am 1. September 2011 in der Estonia Concert Hall in Tallinn. Foto: afp
In welchem Alter war für Sie klar, dass Sie Musiker werden wollten?
PAAVO JÄRVI: Nicht nur Musiker! Von meinem vierten Lebensjahr an wusste
ich, dass ich auch ein Dirigent werden wollte. Ich hatte zu dieser Zeit
ja noch nicht mal eine wirkliche Idee davon, was ein Dirigent überhaupt
macht. In diesem Alter hatte mein Wunsch nur damit zu tun, wie ich
meinen Vater sah. Mit welcher Liebe und positiven Aufgeregtheit er über
Musik sprach und mit ihr umging. Dazu hatte er eine Fähigkeit, diese
Liebe zu vermitteln. Er sagte immer "hör da zu", oder "ist das nicht
großartig?". Und als ich in das Alter kam, in dem ich darüber nachdenken
konnte, was mein Berufswunsch ist, war für mich klar, dass ich immer
das Gleiche sein wollte wie er. Wie lange haben Sie in Ihrer Heimat Estland gelebt?
JÄRVI: Ich bin dort aufgewachsen bis zum Alter von 17 Jahren. Das war während der Zeit der sowjetischen Besatzung. Haben Sie unter den russischen Besatzern gelitten?
JÄRVI: Ehrlich gesagt, zu dieser Zeit - wir haben Estland 1980 verlassen
- war ich noch ein Jugendlicher. Ich bin 1962 geboren. Ich war ein
Student in der späten Breschnew-Ära, und diese Art von Repressionen, von
denen man aus der Stalin-Zeit noch hörte, existierten zu diesem
Zeitpunkt nicht mehr. Aber die basalen sowjetischen Werte waren
natürlich noch da. Die Grenzen waren geschlossen, die Sprache war
unterdrückt, die Medien waren kontrolliert. All diese Dinge eines
totalitären Regimes waren tagtäglich lebendig - das, was wir jetzt in
einer wachsenden Anzahl von Staaten wieder sehen. Haben Sie Angst vor der Krim-Krise? Haben die Balten Angst?
JÄRVI: Angst ist gar nicht das richtige Wort. Sie sind in Schrecken
versetzt, sie sind direkt paralysiert vor Angst. Und dies aus zwei
Gründen. Erstens: Die Realität, die in der Ukraine und auf der Krim
ihren Lauf nimmt. Zweitens: Die Ex-Sowjetländer realisieren nun in
großem Maße - ich möchte nicht das Wort Desillusionierung benutzen -,
dass die westlichen, demokratischen Werte nicht wirklich auf allen
Gebieten existieren. Sie merken, dass sie keinen Schutzschild besitzen.
Sie dachten, die westliche Welt würde sie schützen und nun müssen sie
erkennen, dass dies gar nicht der Fall ist. Und so herrscht eine
spezielle Atmosphäre der Angst, in der sie wahrnehmen, dass sie in
Gefahr schweben und dass man auf die Alliierten nicht zählen kann. Vor 25 Jahren schafften die Esten, Letten und Litauer die
singende Revolution. War und ist das die eigentliche "Waffe" der Balten?
JÄRVI: Auf alle Fälle! Und das war eines der unglaublichsten und
wundervollsten Geschehnisse unserer Region, dass es die Musik und das
Singen waren, die uns geschützt und vereint haben. Wenn man
zurückschaut, ist es unglaublich symbolisch. Zu der damaligen Zeit war
unser baltisches Gebiet, das eine Ex-Sowjet-Region ist, in dieser Sache
geistig vereinigt und hat nicht mehr an eine autokratische Diktatur
geglaubt. Und nun, 25 Jahre später, hast du eine Situation, wo Russland
wieder in Länder einmarschiert. Und die Leute im Westen würden dazu
sagen, ach nein, das wird niemals passieren, das ist eine andere Welt.
Und wir alle wollen glauben, dass das wahr ist, aber ich fürchte, das
ist es nicht. Die aus der ehemaligen Sowjetunion stammende Komponistin
Sofia Gubaidulina wünschte sich nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion
eine Verbrüderung. Ein Wunsch, der bei den baltischen Musikern mit
Skepsis gesehen wird.
JÄRVI: Ich bin mir sicher, wenn Sofia Gubaidulina sagt, "ich wünsche
mir, dass wir alle Freunde und Brüder sind", dann meint sie nicht, dass
wir ein Teil des großen russischen Reiches sein sollen. Gubaidulina ist
nicht russisch, sie ist tartarisch. Es ist wirklich eine absolut
verständliche Wunschvorstellung eines Menschen, besonders eines
Künstlers, so nah wie möglich mit den Leuten seiner Region geistig
verbunden sein zu wollen und im Endeffekt nicht nur in seinem Umfeld,
sondern überall auf dem Globus. Aber diese Reaktion der restlichen Welt
hat enorm mit der Angst vor russischer Okkupation zu tun. Denn sowohl
die russische ideologische Besatzung als auch die imperialistische
Okkupation waren ein Albtraum für alle russischen Nachbarn. Meine Mutter
ist Russin, ich liebe Russen. Ich mag russische Musiker, ich habe mehr
russische Musiker-Freunde als andere. Mein Problem waren niemals die
Russen oder die russische Kultur. Das russische imperialistische Denken
ist es, das mich bestürzt. Was beunruhigt Sie am meisten?
JÄRVI: Wenn auf diese Art ungedeckte Kräfte in ein anderes Land gehen
und dort ein Referendum erzwingen, hat das nichts zu tun mit den Wurzeln
des großen russischen Reichs. Das ist das beste Beispiel für
KGB-Taktiken, benutzt in einer naiven westlichen Welt. Die beobachten,
diskutieren und meinen, sie müssten Meetings abhalten. Das ist eine
typische westliche Reaktion, und da ich nun selbst seit Jahren ein
Westbewohner bin, kann ich beide Seiten nachvollziehen. Ich weiß aber
auch, wie diese Art der Naivität von Putin benutzt werden kann, um das
alles durchzusetzen, was er will. Auf der anderen Seite sehe ich, wie
Syrien sich selbst killt und in Afrika töten sich die Leute gegenseitig -
wir haben diese völlig kranke Welt. Haben wir irgendetwas aus der
Geschichte der Menschheit gelernt? Nein! Alles geht nur um Machtspiele,
Gewalt und finanzielle Interessen. Das ist enttäuschend.
Independent.co.uk
Andy Gill
22/03/2013
Paavo Järvi is one of the busiest contemporary conductors, working
here with the Frankfurt Radio Symphony Orchestra on a programme
combining three pieces by Jorg Widmann with complementary works by
Mauricio Kagel, Beat Furrer and Peter Ruzicka. The latter’s “Clouds” is
an accumulation of sonic droplets and mist into a torrential downpour,
while Kagel’s Etude No 3 offers a Stravinskian cacophony of horns. But
it’s Widmann’s title track that stands out: inspired by Mozart’s
interest in the glass harmonica, it features a blend of strings,
accordion and tuned percussion emulating that instrument’s long, keening
tones, everything shaped “lightly and vitreously... like a musical
suspension of gravity”, as Widmann describes it.
****
http://www.independent.co.uk/arts-entertainment/classical/reviews/classical-album-reviews-paavo-jarvi-the-juilliard-string-quartet-carolyn-sampson-9205278.html
On tenait à entendre l’Orchestre de Paris dans la même salle,
lui aussi dans une grande symphonie, deux jours seulement après le choc
du Concertgebouw à Pleyel dans Brahms et Bruckner. Première
constatation : la sonorité de Paris s’épanouit plus naturellement dans
les volumes et les matériaux de Pleyel où le Concertgebouw semble à la
recherche de quelque ampleur (ou pli d’aisance) de plus pour respirer et
s’épanouir à l’aise, quelque chose de rêche pouvant en venir à sa
sonorité. Seconde constatation : il y a désormais dans les cordes de
Paris un possible moelleux, un fondu en même temps qu’une scintillation
qu’on n’aurait osé espérer il y a quelques saisons. Cela s’est vu dans
le Langsamer Satz de Webern (bien inutilement lénifié pour orchestre à cordes) et, beaucoup plus utilement, dans le Ruhevoll de la Quatrième de Mahler,
d’emblée magiquement illuminé par le soyeux des cordes ; et de la façon
sans doute la plus significative, par la qualité chambriste exemplaire
avec laquelle l’Orchestre et son soliste se sont entendus dans le largo
du Premier concerto de Beethoven, de bout en bout joué par Radu Lupu
avec une simplicité, un détachement, ce qu’on pourrait croire une
désinvolture apparente : et une sonorité, un génie du toucher simplement
venus des dieux. Le tact de Paavo Järvi de bout en bout d’un programme aussi complexe et contrasté, atteignait ici à son mieux. (DR)
S’il y a une troisième constatation, c’est qu’une tradition, une bouteille,
ça demande quand même des années, pour ne pas dire des dizaines
d’années. Orchestre jeune, Paris sait être chez lui dans tout, ce qui en
somme est sa mission, il n’a pas de patrimoine spécifique à défendre
(ou alors bien étroit). Mais certaines musiques voient leur sonorité,
mais d’abord leur approche, changée aux mains d’un orchestre où année
après année le fil se passe et se transmet, et un tissu orchestral
arrive à sa plénitude. Dans ce plus discret (et en apparence anodin,
avec son prétexte enfantin) des Mahler, l’Orchestre de Paris est encore à
la recherche d’une continuité du son ; en sorte que les accidents
d’itinéraire, toujours voyants chez Mahler (et plus d’une fois vedettes
de la narration) mais volontairement plus effacés dans cette Quatrième, laissent parler le flux,
si on peut dire. Que le lisse (ou le rêve, ou la vision) intègre
ruptures, brefs sauts dynamiques, ce qui pourrait secouer, faire
contraste, accidenter le parcours (aux yeux de beaucoup, le rendre par
là plus intéressant). D’attaque, dès les premiers grelots, on a vu
l’Orchestre à la recherche de sa propre balance sonore. Vite établie,
elle a ensuite permis un vrai parcours comme une coulée avec, notamment
en début de Ruhevoll, une qualité étale, scintillante et illuminée qu’on n’osait pas attendre.
(DR)
Mlle Dragojevic s’est habillée en petite sirène pour nous chanter La Vie au Ciel du 4e
mouvement. Elle phrase Mahler, et elle l’articule, deux choses bien
différentes, dont elle s’acquitte aussi bien. L’écriture de ce lied
n’est pas si tendue qu’elle exige une tessiture à l’exclusion d’une
autre. Va donc pour mezzo. Mais c’est un fait que dans les moments les
plus graves que la soliste ait à chanter, l’argentin du timbre passe
mieux avec les instruments fournis de Mahler que la sonorité plus neutre
de la mezzo, cette mezzo en tout cas, à ces moments-là, et qu’alors les
mots, tout simplement, sont mangés par les instruments. Bruno Walter
avait ses raisons pour préférer ici les Ivogün ou Schöne ou Novotna —
des sopranos, mais d’abord des timbres. Les très bonnes qualités
passe-partout de Mlle Dragojevic ne sont pas marquantes au point de
faire oublier cet inconvénient-là, et ce qui vient d’un rien criard à
l’aigu, là où celui-ci pourrait flotter…
http://blogs.qobuz.com/andretubeuf/2014/04/03/orchestre-de-paris-paavo-jarvi-et-radu-lupu-a-la-salle-pleyel/
Concerto de rêve hier, Salle
Pleyel, offert par un Radu Lupu incroyable d’aisance et de facilité qui a
réussi à éblouir dans une œuvre tellement jouée qu’il nous semble la connaître
par cœur. Rien qu’à l’Orchestre de Paris, il a été programmé une vingtaine de
fois en quarante-trois ans, dont deux avec Radu Lupu. Le Concerto pour piano et orchestre n° 1 en ut majeur op. 15 de
Beethoven est, il est vrai, de ces œuvres dont on ne se lasse pas et qui
permettent des approches sans cesse renouvelées. Pour son troisième essai, le
pianiste roumain a médusé le public de Pleyel. Installé le dos profondément
calé contre le dossier de sa chaise, les bras tendus loin du cor sur le
clavier, l’air de ne pas y toucher, les doigts voltigeant sur les touches,
le pianiste roumain est comme en apesanteur. Il ne joue pas, il est la
musique-même. Le regard voyage vers les notes à atteindre d’un air détaché, va
et vient entre les instruments solistes de l’orchestre avec lesquels il
dialogue, comme le somptueux chant de la clarinette dextrement tenue par Pascal
Moraguès, le chef et le piano. Extraordinairement maître de lui, Lupu n’a jamais la tête dans le clavier, son toucher
est immatériel, le jeu d’une agilité déconcertante est comme détaché de toute
technique pianistique, et il en émane un son façonné par un prestidigitateur. A
côté, les autres pianistes sont comme des tâcherons qui mettent les mains dans
le cambouis.
Paavo Järvi et Radu Lupu dans les coulisses de la Salle Pleyel. Photo : (c) Orchestre de Paris
Après une onctueuse introduction, l’Orchestre de Paris et Paavo
Järvi ont tissé un beau velours à Radu Lupu, après que les cordes se soient
échauffées dans le Langsamer Satz (Mouvement lent)pour quatuor à cordes d’Anton Webern arrangé sans génie par le
chef américain Gerard Schwarz. En bis, Lupu a retrouvé son cher Robert
Schumann, en donnant un virevoltant Oiseau
prophète, septième des Waldszenen op.
82.
Gustav Mahler en 1906. Photo : DR
En seconde partie, Paavo Järvi a
offert une Symphonie
n° 4 en sol majeur (1899-1901) de Gustav Mahler fine, chatoyante,
fort bien
structurée, l’Orchestre de Paris exaltant des sonorités moelleuses et
fruitées
(un remarquable Roland Daugareil dans ses multiples solos que la
partition lui
réserve, notamment dans le deuxième mouvement où son jeu était bien dans
l’esprit
du violoneux voulu par Mahler, un brillant André Cazalet au cor solo, un
infaillible Frédéric Mellardi à la trompette, un enthousiaste Giorgio
Mandolesi au basson), dirigée avec un sens du détail d’une grande acuité
au service de la
globalité du discours. Comme s’il voulait goûter à satiété les qualités
de la
phalange dont il est le patron, Järvi a excessivement réfréné les tempi dans les deux mouvements initiaux,
surtout dans le deuxième, qui atteint la même durée que le premier, au point
que les deux associés ont dépassé la demi-heure, tandis que l’ensemble de la
symphonie a dépassé l’heure au lieu des cinquante-quatre minutes prévues. En
revanche, le Ruhevoll est apparu de
toute beauté, expressif et objectif à la fois, là où tant de chefs se font
empesés et larmoyants, ce qui n’a pas empêché l’angoisse et le trouble de
poindre, tandis que les cuivres ont instauré un sentiment d’ivresse qui a saisi
d’effroi. Le finale a la chaleur, la grâce et la sérénité du paradis chanté
avec une simplicité par la mezzo-soprano suédoise Katija Dragojevic dont la
voix est cependant apparue trop charnue pour une partie écrite pour une soprano
au timbre désincarné.
Err.ee
Tiiu Laks
02/04/2014 14.-20. juulini toimuva Rahvesuvahelisele Pärnu Muusikafestivali Järvi
Akadeemia kuulsate muusikute nimekirja lisandub rahvusvaheliselt väga
kõrgelt hinnatud pianist Alexander Toradze.
Alexander Toradze esineb 15. juulil Pärnu Kontserdimajas, mil laval
on ka Riga Sinfonietta ning dirigeerib Paavo Järvi. Esitusele tuleb
Dmitri Šostakovitši 1. klaverikontsert.
Alexander Toradze on romantilise klaverirepertuaari meisterlik
virtuoos. Teda iseloomustab teoste ebatavaline tõlgendus, sügavalt
poeetiline lüürilisus ja intensiivselt emotsionaalne ja kaasahaarav
esituslaad. Oma tegevusega on tal põhjust ennast pidada vene suurte
pianistide liini jätkajaks.
Hiljuti on Toradze teinud koostööd näiteks Rootsi Raadio
Sümfooniaorkestri, Tšehhi Filharmoonikute, Orchestre National de
France’i, Pacificu, Montreali ja Londoni Sümfooniaorkestritega, BBC ja
Dresdeni Filharmoonikutega,Toronto, Seattle’i Sümfooniaorkestritega ning
Londoni Filharmoonikutega. 2012. aastal andsid plaadifirma Pan ja
Hessischer Ringhääling välja kõrgelt hinnatud albumi, millel Toradze
esitab Šostakovitši Klaverikontserte koostöös Frankfurdi Raadio
Sümfooniaorkestri ning dirigent Paavo Järviga.
Toradze salvestus Prokofjevi Klaverikontsertidest koostöös Marinski
teatri orkestri ja dirigent Valeri Gergijeviga on leidnud kriitikute
poolt tunnustatud äramärkimist. Rahvusvaheline ajakiri Piano Quarterly
hindas Toradze Prokofjevi Kolmanda klaverikontserdi interpretatsiooni 70
valitud albumi seas ajalooliselt parimaks salvestuseks. Tunnustatud
salvestuste seas on veel Skrjabini “Prometheus” koostöös Marinski
orkestri ja dirigent Valeri Gergijeviga ning Angel/EMI plaadifirma all
ilmunud sooloalbum, millel kõlavad Mussorski, Stravinski, Raveli ja
Prokofjevi teosed.
Toradze esineb regulaarselt mitmetel suvefestivalidel, sealhulgas
Salzburgis, Peterburi Valgetel öödel, Londoni BBC PROMSi kontsertidel,
Edinburghʼis, Rotterdamis, Mikkelis, Saratogas ja Ravinias.
Toradze on sündinud 1952. aastal Tbilisis Gruusias. Ta on lõpetanud
Moskva Tšaikovski nimelise konservatooriumi, kus ta ka professoriks sai.
1983. aastal asus ta alaliselt elama USA-sse. 1991. aastal määrati ta
Indiana South Bendi ülikooli Martin Endowedi klaveri õppetooli
professoriks, kus ta pani aluse unikaalsete meetoditega õpikeskkonnale.
Toradze klaveristuudio rahvuseline liikmeskond on pälvinud kriitikute
positiivset tähelepanu.
14.-20. juulini toimuva
Pärnu Muusikafestival Järvi Akadeemia kuulsate muusikute nimekirja
lisandus rahvusvaheliselt väga kõrgelt hinnatud pianist Alexander
Toradze.
Alexander Toradze on
romantilise klaverirepertuaari meisterlik virtuoos. Teda iseloomustab
teoste ebatavaline tõlgendus, sügavalt poeetiline lüürilisus ja
intensiivselt emotsionaalne ja kaasahaarav esituslaad. Oma tegevusega on
tal põhjust ennast pidada vene suurte pianistide liini jätkajaks. Hiljuti
on Toradze teinud koostööd näiteks Rootsi Raadio Sümfooniaorkestri,
Tšehhi Filharmoonikute, Orchestre National de France’i, Pacificu,
Montreali ja Londoni Sümfooniaorkestritega, BBC ja Dresdeni
Filharmoonikutega,Toronto, Seattle’i Sümfooniaorkestritega ning Londoni
Filharmoonikutega. 2012. aastal andsid plaadifirma Pan ja Hessischer
Ringhääling välja kõrgelt hinnatud albumi, millel Toradze esitab
Šostakovitši Klaverikontserte koostöös Frankfurdi Raadio
Sümfooniaorkestri ning dirigent Paavo Järviga.
Toradze salvestus Prokofjevi Klaverikontsertidest koostöös Marinski
teatri orkestri ja dirigent Valeri Gergijeviga on leidnud kriitikute
poolt tunnustatud äramärkimist. Rahvusvaheline ajakiri Piano Quarterly
hindas Toradze Prokofjevi Kolmanda klaverikontserdi interpretatsiooni 70
valitud albumi seas ajalooliselt parimaks salvestuseks.
Õnnestunud
salvestuste seas on veel Skrjabini “Prometheus” koostöös Marinski
orkestri ja dirigent Valeri Gergijeviga ning Angel/EMI plaadifirma all
ilmunud sooloalbum, millel kõlavad Mussorski, Stravinski, Raveli ja
Prokofjevi teosed.
Toradze esineb regulaarselt mitmetel
suvefestivalidel, sealhulgas Salzburgis, Peterburi Valgetel öödel,
Londoni BBC PROMSi kontsertidel, Edinburghʼis, Rotterdamis, Mikkelis,
Saratogas ja Ravinias.
Toradze on sündinud 1952. aastal Tbilisis Gruusias.
Toradze on lõpetanud Moskva Tšaikovski nim. Konservatooriumi ning sai
seal peagi professoriks. 1983. aastal asus ta alaliselt elama USAsse.
1991. aastal määrati ta Indiana South Bendi ülikooli Martin Endowedi
klaveri õppetooli professoriks, kus ta pani aluse unikaalsete
meetoditega õpikeskkonnale. Toradze klaveristuudio rahvuseline
liikmeskond on pälvinud kriitikute tähelepanu rahvusvahelisel tasemel.
14.-20. juulini toimuva Pärnu Muusikafestival Järvi Akadeemia
kuulsate muusikute nimekirja lisandub rahvusvaheliselt väga kõrgelt
hinnatud pianist Alexander Toradze. Toradze esineb 15. juulil Pärnu
Kontserdimajas, mil laval on ka Riga Sinfonietta ning dirigeerib Paavo
Järvi. Esitusele tuleb Dmitri Šostakovitši 1. klaverikontsert.
Alexander Toradze on romantilise klaverirepertuaari meisterlik
virtuoos. Teda iseloomustab teoste ebatavaline tõlgendus, sügavalt
poeetiline lüürilisus ja intensiivselt emotsionaalne ja kaasahaarav
esituslaad. Oma tegevusega on tal põhjust ennast pidada vene suurte
pianistide liini jätkajaks.
Hiljuti on Toradze teinud koostööd näiteks Rootsi Raadio
Sümfooniaorkestri, Tšehhi Filharmoonikute, Orchestre National de
France’i, Pacificu, Montreali ja Londoni Sümfooniaorkestritega, BBC ja
Dresdeni Filharmoonikutega,Toronto, Seattle’i Sümfooniaorkestritega ning
Londoni Filharmoonikutega. 2012. aastal andsid plaadifirma Pan ja
Hessischer Ringhääling välja kõrgelt hinnatud albumi, millel Toradze
esitab Šostakovitši Klaverikontserte koostöös Frankfurdi Raadio
Sümfooniaorkestri ning dirigent Paavo Järviga.
Toradze salvestus Prokofjevi Klaverikontsertidest koostöös Marinski
teatri orkestri ja dirigent Valeri Gergijeviga on leidnud kriitikute
poolt tunnustatud äramärkimist. Rahvusvaheline ajakiri Piano Quarterly
hindas Toradze Prokofjevi Kolmanda klaverikontserdi interpretatsiooni 70
valitud albumi seas ajalooliselt parimaks salvestuseks. Õnnestunud
salvestuste seas on veel Skrjabini “Prometheus” koostöös Marinski
orkestri ja dirigent Valeri Gergijeviga ning Angel/EMI plaadifirma all
ilmunud sooloalbum, millel kõlavad Mussorski, Stravinski, Raveli ja
Prokofjevi teosed.
Toradze esineb regulaarselt mitmetel suvefestivalidel, sealhulgas
Salzburgis, Peterburi Valgetel öödel, Londoni BBC PROMSi kontsertidel,
Edinburghʼis, Rotterdamis, Mikkelis, Saratogas ja Ravinias.
Toradze on sündinud 1952. aastal Tbilisis Gruusias. Toradze on
lõpetanud Moskva Tšaikovski nim. Konservatooriumi ning sai seal peagi
professoriks. 1983. aastal asus ta alaliselt elama USAsse. 1991. aastal
määrati ta Indiana South Bendi ülikooli Martin Endowedi klaveri
õppetooli professoriks, kus ta pani aluse unikaalsete meetoditega
õpikeskkonnale. Toradze klaveristuudio rahvuseline liikmeskond on
pälvinud kriitikute tähelepanu rahvusvahelisel tasemel.
Piletid on müügil! 10. aprillini saab festivali passi soetada 60 euro eest.
http://muusikaelu.ee/parnu-muusikafestival-jarvi-akadeemia-toob-eestisse-pianist-alexander-toradze/
Einmal im Jahr werden die Sternzeichen-Konzerte in der Tonhalle Düsseldorf mit tatkräftiger Unterstützung der Gesellschaft der Freunde und Förderer der Tonhalle Düsseldorf e.V. zu Sternstunden des Konzertprogramms veredelt. Mit dem diesjährigen Konzert am Sonntag gaben sich mit Hilary Hahn und Paavo Järvi Künstler die Ehre, die zu den herausragendsten Persönlichkeiten des heutigen Musiklebens zählen.
Dem aufmerksamen Beobachter blieb dabei nicht verborgen, dass der damit verbundene Status Very Interesting People auch einen besonderen Sicherheitspreis, respektive Sicherheitsbedarf hat. Dass Hilary Hahn nach ihrem triumphal umjubelten Konzert für Violine und Orchester D-Dur opp. 77 von Johannes Brahms
in der Pause CDs, Eintrittskarten und Programme signierte und viele
Begeisterte eine große Schlange vor ihrem Tisch bildeten, und dass das
alles, durch Sicherheitskräfte abgesichert, nur so in geordneten Bahnen
ablaufen kann, war klar. Dass aber ein Bodyguard Hilary Hahn zu
ihrem Konzert bis auf die Bühne begleitete, um sich anschließend
seitlich der ersten Parkett-Reihen auf einem Stuhl sitzend mit hoher
Aufmerksamkeit dem Verhalten des Publikum zu widmen, war zumindest für
den Verfasser dieser Zeilen eine erstmalige Erfahrung.
So auch als Konzertbesucher in einem
inzwischen alle Lebensbereiche umfassenden Sicherheitssystem
einjustiert, dauerte es einen Moment um die eigene Aufmerksamkeit dem
Eigentlichen des Konzertabends zu zuwenden. Und das ist in einem
Konzerthaus wie der Tonhalle Düsseldorf immer noch die Musik.
Auch wenn viele gekommen waren, um Hahn
spielen zu sehen, tat sie jedenfalls nichts dazu, mögliche einseitige
Erwartungen zu bedienen. Ihrem Spiel, bei dem man den Eindruck haben
konnte, jeder Ton käme geradewegs und direkt aus dem Orpheus-Universum
idealistisch aufgebauter Harmonien, eine weitere Eloge anzufügen, hieße
Eulen nach Athen zu tragen.
Das Außergewöhnliche an diesem Konzert war eine wunderbare Harmonie zwischen dem aufmerksam Hilary Hahns Violinspiel beobachtend begleitenden sowie mit wenigen zurückhaltenden Gesten dirigierenden Paavo Järvi,
der ihr mit dem von ihm über Jahre als Chefdirigenten geprägtem
HR-Sinfonieorchester einen Klang-Teppich ausrollte, auf dem sie in
tänzerischer Anmut ihrer Violine jenen kunstvoll verschränkten
Brahms-Melos entlockte. Järvi und Hahn spielten nicht
nur eines der seit seiner Uraufführung 1879 in Wien populärsten
Violin-Konzerte. Sie zelebrierten eine Musik-Partnerschaft, die im
vollen Vertrauen und Wissen um einen gemeinsamen Resonanzboden des
musikalischen Ausdrucks 38 Minuten eine Schicksalsgemeinschaft von
geradezu emphatischer Undingtheit bildete.
Hilary Hahn – modonnenhaft und zugleich in mädchenhafter fraulicher Anmutung – ist zweifellos auf dem Zenit ihres Könnens angekommen.
Schon vor vier Jahren resümierte Die Zeit anhand eines Interviews mit ihr: Aus dem Geigenwunderkind Hilary Hahn ist eine erwachsene Künstlerin geworden.
Erwachsenwerden muss nicht gleichzeitig ein Erwachsensein bedeuten.
Dass das bei ihr aufgeht, davon konnte sich das Publikum in der Tonhalle
Düsseldorf gestern überzeugen. Mit ihrer Zugabe der Courante aus der Partita III E-Dur, BWV 1006 von Johann Sebastian Bach demonstrierte sie noch eine weitere Seite ihres eindrucksvollen Violinspiels. Ihre auch auf CD eingespielten Partitas für Violine solo lassen ihr Spiel besonders durchsichtig und plastisch hörbar werden.
Danach, sollte man meinen, hätte es Järvi
schwer gehabt, um nach der perfekt gelungenen Balance zwischen
virtuosem Anspruch der Violine und der sinfonischen Orchestermusik des
Brahms-Konzerts mit der opulent dimensionierten Symphonie Nr. 3 d-Moll (Fassung von 1888/89) von Anton Bruckner die Konzentration von Orchester und Publikum zu fokussieren. Weit gefehlt!
Järvi ist ein Dirigent mit einer
musikalisch äußerst selten zu erlebenden Imagination, die sich von
seinem Pult aus in das Orchester wie Energieentladungen verströmt. Bruckner,
ein Zeitgenosse Brahms von dem man allerdings den Eindruck haben
könnte, er stamme von einem anderen Komponisten-Stern, umkreist in
seinen Sinfonien wieder und wieder den Raum, ohne den Ausgang auf
direktem Weg zu suchen. Seine Nähe und Fürsprache zu Richard Wagner, dem
von ihm verehrten Meister der Dicht- und Tonkunst, stempelte ihn im Musikleben des 19.Jahrhunderts zu einem Kontrahenten von Brahms ab.
Diese musikkritisch tradierte Konzertprogramm-Dichotomie führte Järvi mit seiner Interpretation der 3.Bruckner-Sinfonie ab adsurdum. Man merkte ihm und dem HR-Sinfonieorchester an, das sie sich mit ihrem Bruckner
auskennen. Seit geraumer Zeit sind sie dabei, eine Gesamteinspielung
aller Bruckner-Sinfonien zu realisieren. Wunderbar zu hören, wie in
großen Tutti-Bögen die Höhen und Täler, im Gehen unvermittelt zwischen
Fortissimo und Pianissimo wechselnd, durchmessen werden.
Als die Sinfonie am Ende mit einem
Brückenschlag zum Kopfsatz zurück geführt wird, sie mit dem kraftvolle
Zitat des ersten Trompetensignals den Endpunkt markiert, war es, als
hätte Paavo Järvi Brahms und Bruckner ihre musikalische Zeitgenossenschaft für manchen Zweifler gerade gerückt.
Paul Hindemith
(1895-1963) : Sonate op. 11 n° 4 pour alto et piano ; Sonate op. 25 n° 1
pour alto solo ; Der schwanendreher ; Trauermusik. Antoire Tamesti,
alto ; Orchestre symphonique de la Radio de Francfort, dir. Paavo Järvi.
1 CD Naïve. Réf. : V 5329, code barre : 8 22186 05329 4. Enregistrement
réalisé à la Hessischer Rundfunck, Sendesaal, Francfort (Allemagne) en
décembre 2012, avril et septembre 2013. Notice trilingue : français,
anglais, allemand. Durée : 67’
Le moins que l’on puisse avancer est
que Hindemith ne bénéficie pas d’une grande attention de la part du
public général. Son positionnement historique complique son classement
précis, prisonnier de l’histoire de la musique entre un postromantisme
mourant et usé et une modernité galopante dont les places d’honneur
reviennent à d’autres. On jouera la facilité en précisant qu’il fut un
des représentants du néoclassicisme mais ce vocable accepte tellement de
choses ! Et puis, voici cet enregistrement
extraordinaire bousculant tant de préjugés et de jugements à
l’emporte-pièce, durablement agrippés à un savoir succinct et rarement révisité. Paul Hindemith,
merveilleux altiste, a laissé pour son instrument d’inoubliables pages
dont l’écoute oblige à reconsidérer leur auteur. Parvenir à écouter ces
quatre œuvres en oubliant les mauvaises habitudes signalées supra, c’est
se laisser guider vers une redécouverte des plus délectables. La Sonate pour alto et piano
(1919) décline un message délicat, euphonique, d’un splendide
équilibre, donnant sans tarder l’envie d’une réécoute. Il faut céder à
la tentation ! La Sonate pour alto seul
(1922) se classe directement parmi les musiques les plus remarquables
et attachantes d’un genre aussi méconnu que déprécié. Daté de 1935, une
année après la création du célèbre Mathis le peintre dirigé par Wilhelm Furtwängler, grand défenseur d’Hindemith, même face aux nazis, Der Schwanendreher,
un concerto pour alto et petit orchestre sur d’anciens chants
populaires, s’écoute aisément et ne doit pas effaroucher. D’autant que
l’Orchestre symphonique de la Radio de Francfort et son chef Paavo Järvi
accompagnent parfaitement l’altiste Antoine Tamestit, merveilleux musicien sur qui repose largement la réussite indéniable de cette anthologie. L’écoute s’achève avec Trauermusik,
une marche funèbre de 1936, intense de recueillement et de haute tenue
dont l’objectivité supposée n’étouffe jamais l’harmonie foncière. Encore félicitations appuyées à Antoire
Tamestit qui signe là une lecture destinée à se classer durablement au
sommet de la discographie. http://www.resmusica.com/2014/03/26/un-hindemith-plus-attachant-que-jamais/
Hilary Hahn, Şef Paavo Järvi yönetimindeki Frankfurt Radyo Senfoni Orkestrası eşliğinde İş Sanat'ta muhteşem bir konser verdi.
İki Grammy Ödüllü keman virtüözü Hilary Hahn İş Sanat izleyicisini bir kez daha büyüledi
Geçtiğimiz
sezon verdiği muhteşem resital ile İş Sanat'ın unutulmaz konserlerinden
birine imza atan Hilary Hahn, bu kez şef Paavo Järvi yönetimindeki
Frankfurt Radyo Senfoni Orkestrası eşliğinde verdiği konserle izleyiciyi
büyüledi.
2001 ve 2008 yıllarında
Grammy'de "Orkestra Eşliğinde En İyi Solo Performans" ödüllerinin yanı
sıra çok sayıda Diapason ödülünü kucaklamıştı. Tekniği, yorumu ve yeni
müziğe bağlılığıyla zamanımızın en çok aranan müzisyenlerinden biri
olarak nitelendirilen Hilary Hahn, konserde Brahms'ın Re majör Keman
Konçertosu'nu seslendirdi. Müzikseverlerce dakikalarca ayakta alkışlanan
sanatçı, Bach'ın iki No'lu Partitasından Sarabande ile bis yaptı.
Konserin
ikinci yarısında, Avrupa'nın en seçkin orkestralarından biri olarak
kabul edilen ve baroktan çağdaşa geniş repertuvarıyla dikkat çeken
Frankfurt Radyo Senfoni Orkestrası, Bruckner'ın Re minör 3. Senfonisi'ni
seslendirdi. Estonya asıllı şef Paavo Järvi yönetimindeki orkestra
dinamik ve başarılı icrası ile izleyiciden büyük alkış aldı. İş Sanat
izleyicisinin ısrarlı alkışlarına kayıtsız kalamayan orkestra,
İstanbullu müzikseverlere Sibelius ile veda etti.
İş
Sanat'ın büyük ilgi gören klasik müzik serisi, 1 ve 2 Nisan'da iki gece
üst üste sahne alacak Macaristan Ulusal Filarmoni Orkestrası konseriyle
devam edecek. Şef Zoltan Kocsis yönetimindeki orkestranın ilk geceki
konserinde, Letonyalı ödüllü kemancı Baiba Skride da solist olarak sahne
alacak.
Trtspanish.com 28.03.2014 La violinista estadounidense Hilary Hahn fascinó a los auditorios en el concierto que ofreció en compañía de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort, encabezada por el jefe Paavo Järvi
La virtuosa estadounidense del violín Hilary Hahn, ganadora de dos premios Grammy, ofreció un concierto en el Centro Cultural İş Sanat.
Hilary Hahn, que realizó uno de los conciertos inolvidables en İş Sanat con su recital en la temporada pasada, fascinó a los auditorios en el concierto que ofreció en compañía de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort, encabezada por el jefe Paavo Järvi.
Hilary Hahn, calificada de uno de los músicos más buscados del tiempo con su técnica, interpretación y lealtad a la nueva música, interpretó el concierto para violín en re mayor de Johannes Brahms.
La artista, aplaudida a lo largo de minutos por los aficionados a la música, hizo un bis con Sarabande de la Segunda Partita de Bach.
Hilary Hahn und das HR-Orchester gastierten am Samstag unter der Leitung von Paavo Järvi in der Tonhalle.
Aktuelle Fotos
gestattet die Geigerin Hilary Hahn nicht, dafür spielt sie technisch
umso brillanter. Allein emotionale Wärme fehlt ihrem Spiel.
Düsseldorf. Es ist ein bisschen wie
im Märchen: Hilary Hahn (34), eine der besten Geigerinnen der Welt,
erscheint in romantischer Gewandung, bestehend aus einem engen, hellen
Oberteil mit goldenen Applikationen und einem buschig ausladenden
schwarzen Schwanenfeder-Rock. Selbstbewusst schaut sie mit ihrem
Porzellanpüppchen-Gesicht ins zahlreich erschienene Tonhallen-Publikum.
Der Verein der Freunde und Förderer der Tonhalle hatte
ordentlich Geld in die Hand genommen, um das Konzert der Reihe
„Sternstunden“ zu ermöglichen.
Hahns Spiel ist technisch perfekt, wirkt aber doch etwas unterkühlt
Das formidable HR-Sinfonieorchester steht unter Leitung seines
Chefdirigenten Paavo Järvi – es beginnt mit einem der schönsten und
bewegendsten Violinkonzerte des 19. Jahrhunderts, dem von Johannes
Brahms. Die junge amerikanische Geigerin verbreitet ihren Zauber, dem
bereits etwas Unwirkliches anhaftet.
Die enormen technischen Ansprüche des Brahms-Konzerts sind dem
Hörer zwar bewusst, doch scheint deren Gefährlichkeit durch das
souveräne Spiel von Hilary Hahn wie ausgeschaltet. Man weiß: Hahn wird
nicht stolpern – und kann sich deshalb zurücklehnen um der unglaublichen
Schönheit des Spiels zu lauschen. Alles klingt kostbar und edel. Kein
Akzent wirkt übertrieben, kein Affekt aufgesetzt. Wenn mal ein Gefühl
zum Ausdruck kommt, dann wirkt es echt. Das ist nicht mehr Gold, das ist
Platin.
Doch könnte sich manch ein Hörer fragen, warum ihm angesichts
dieser erlesenen Ästhetik nicht so recht das Herz aufgehen mag. Das
liegt sicher an der geringen emotionalen Betriebstemperatur von Hahns
Geigenspiel. Das alles wirkt zwar wunderbar wie Märchenmagie, doch
scheint es der Zauber der Schneekönigin zu sein, der hier zum Zuge
kommt.
Hilary Hahn ist geradezu bekannt für ein recht unterkühltes,
strenges Spiel von marmorner Schönheit. Ihr zur Seite steht der passende
Dirigent. Denn Paavo Järvi geht als Schneekönig unter den Pult-Stars
durch. Auch er verzichtet auf emotionalen Überschwang und setzt auf
glasklare Klangarchitektur ohne Schnörkel und Schnickschnack. Für den
rauschenden Beifall bedankte sich die Geigerin mit einem ebenfalls
formvollendeten Bach-Solo.
Bruckners Dritte Symphonie wirkt mit Doppel-Oktaven fast sakral
Nach der Pause spielt das Orchester Anton Bruckners Dritte
Symphonie, ein Werk von kompromissloser Kantigkeit. Das Wiener
Uraufführungspublikum soll im Jahr 1870 verständnislos auf die Richard
Wagner gewidmete Symphonie reagiert haben, der wiederum die
Trompeten-Führung beim wohlwollenden Blick auf die Partitur so
interessant fand, dass er Bruckner fortan immer „die Trompete“ nannte.
Die Klangwirkung mit ihren Doppel-Oktaven erinnert an eine Kirchenorgel.
Dadurch wirken viele Passagen sehr sakral. Paavo Järvi nimmt die
Zügel recht straff, so dass die Strukturen klar herauskommen. Die
tänzerischen Stellen, die an österreichische Ländler erinnern, dirigiert
er mit viel Sinn fürs Burlesk-Rhythmische. Auch für Bruckner gibt es
großen Beifall. Das Publikum wird mit Jean Sibelius’ melancholisch
verschleiertem „Valse triste“ als Zugabe belohnt.
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On tenait à entendre l’Orchestre de Paris dans la même salle,
lui aussi dans une grande symphonie, deux jours seulement après le choc
du Concertgebouw à Pleyel dans Brahms et Bruckner. Première
constatation : la sonorité de Paris s’épanouit plus naturellement dans
les volumes et les matériaux de Pleyel où le Concertgebouw semble à la
recherche de quelque ampleur (ou pli d’aisance) de plus pour respirer et
s’épanouir à l’aise, quelque chose de rêche pouvant en venir à sa
sonorité. Seconde constatation : il y a désormais dans les cordes de
Paris un possible moelleux, un fondu en même temps qu’une scintillation
qu’on n’aurait osé espérer il y a quelques saisons. Cela s’est vu dans
le Langsamer Satz de Webern (bien inutilement lénifié pour orchestre à cordes) et, beaucoup plus utilement, dans le Ruhevoll de la Quatrième de Mahler,
d’emblée magiquement illuminé par le soyeux des cordes ; et de la façon
sans doute la plus significative, par la qualité chambriste exemplaire
avec laquelle l’Orchestre et son soliste se sont entendus dans le largo
du Premier concerto de Beethoven, de bout en bout joué par Radu Lupu
avec une simplicité, un détachement, ce qu’on pourrait croire une
désinvolture apparente : et une sonorité, un génie du toucher simplement
venus des dieux. Le tact de Paavo Järvi de bout en bout d’un programme aussi complexe et contrasté, atteignait ici à son mieux.
Mlle Dragojevic s’est habillée en petite sirène pour nous chanter La Vie au Ciel du 4e
mouvement. Elle phrase Mahler, et elle l’articule, deux choses bien
différentes, dont elle s’acquitte aussi bien. L’écriture de ce lied
n’est pas si tendue qu’elle exige une tessiture à l’exclusion d’une
autre. Va donc pour mezzo. Mais c’est un fait que dans les moments les
plus graves que la soliste ait à chanter, l’argentin du timbre passe
mieux avec les instruments fournis de Mahler que la sonorité plus neutre
de la mezzo, cette mezzo en tout cas, à ces moments-là, et qu’alors les
mots, tout simplement, sont mangés par les instruments. Bruno Walter
avait ses raisons pour préférer ici les Ivogün ou Schöne ou Novotna —
des sopranos, mais d’abord des timbres. Les très bonnes qualités
passe-partout de Mlle Dragojevic ne sont pas marquantes au point de
faire oublier cet inconvénient-là, et ce qui vient d’un rien criard à
l’aigu, là où celui-ci pourrait flotter…
Hilary Hahn, Şef Paavo Järvi yönetimindeki Frankfurt Radyo Senfoni Orkestrası eşliğinde İş Sanat'ta muhteşem bir konser verdi.
Düsseldorf. Es ist ein bisschen wie
im Märchen: Hilary Hahn (34), eine der besten Geigerinnen der Welt,
erscheint in romantischer Gewandung, bestehend aus einem engen, hellen
Oberteil mit goldenen Applikationen und einem buschig ausladenden
schwarzen Schwanenfeder-Rock. Selbstbewusst schaut sie mit ihrem
Porzellanpüppchen-Gesicht ins zahlreich erschienene Tonhallen-Publikum.