Wednesday, June 12, 2019

Paavo ja Neeme Järvi dirigeerivad Jaapani raadio sümfooniaorkestrit Tokyos

kultuur.err.ee
Priit Kuusk
12.06.2019

Hindemith. Paavo Järvi

Jaapani muusikaüldsus on viimastel kuudel näinud ja kuulnud dirigentide Järvide mitmeid kontserte, nende hulgas värskeimad Eesti Festivaliorkestri ning Tokyos resideeriva NHK raadio sümfooniaorkestri esinemised.

Teatavasti tegutseb NHK orkestri peadirigendi ja kunstilise juhina praegu eelviimast hooaega Paavo Järvi. Maikuul dirigeeris NHK orkestrit külalisena ka maestro Neeme Järvi, tuues publiku ette neli kontserti kahe erineva kavaga säravast Euroopa klassikast. 17. ja 18. mail mängiti orkestri oma saalis, 1973. a avatud NHK Hallis kava, milles kõlasid Jean Sibeliuse populaarne "Andante festivo", haruldase uudisena jaapanlaste jaoks Eduard Tubina kolmeosaline Sümfoonia nr. 5 h-moll (meistri esimene paguluses kirjutatud sümfoonia 1946. aastast) ning Johannes Brahmsi neljaosaline Sümfoonia nr. 4. Teine kava kõlas nädal hiljem 22. ja 23. mail kuulsas Suntory Hallis – see saal tähistab nüüd oma 30. aastapäeva. Ka see, prantsuse kava läks ilma solistita: Jacques Ibert'i "Hommage à Mozart", César Francki Sümfoonia d-moll ning Camille Saint-Saënsi Sümfoonia nr. 3 c-moll op. 78 ("Orelisümfoonia").

Nii Eesti muusikutele meil kui ka teistes maades, Paavo Järvile ning Jaapani publikule, kujunesid tõeliseks sündmuseks Eesti Festivaliorkestri (EFO) kuus debüütkontserti Jaapani mainekates saalides aprillikuu viimastel päevadel. Samm-sammult on täitumas Paavo unistus, et EFO-st saab olulisemaid Eesti kultuuri tutvustajaid maailmas. EFO ja Paavo Järvi kohtuvad tänavu taas Pärnu festivalil, mil antakse kaks kontserti juulikuu lõpupoolel.

Pärast EFO kontserte Jaapanis juhatas Paavo Järvi maikuul veel mitut Euroopa tuntumat orkestrit. Selline loominguline graafik on nooremal Järvil kujunenud juba tavapäraseks: ja nüüd neli kontserti Londoni kuulsa Philharmonia Orchestraga Inglismaal ning viimane õhtu 13. mail veel Pariisis Champs-Elysées' teatris, järgmisena 16.-18. mail Põhja-Saksa NDR Elbphilharmonie' orkestriga Hamburgi uues kontserdimajas ning Berliini Filharmoonikutega 23.-25. mail Berliini Filharmoonia suures saalis, solistideks viiuldajad Viktoria Mullova ja Vadim Repin ning noor võluv saksa ooperisopran Hanna-Elisabeth Müller. Repertuaaris on olnud põnevamatena Alban Bergi "Sieben frühe Lieder", mil Hanna-Elisabeth Müller oli solistiks koguni kuuel kontserdil, ja suhteliselt harva mängitava austria sümfonisti Anton Bruckneri Sümfoonia nr. 2, c-moll ("Symphony of Pauses", esimene versioon 1872).



Kogu juunikuu viibib Paavo Järvi aga Tokyos NHK SO ees, esitades kolme erinevat kava seitsmel kontserdiõhtul. Ta alustas oma isa Neeme Järvi 82. sünnipäeva 7. juuni järgmisel päeval, esimene kava 8.-9. juunil mängiti orkestri oma saalis, 3800-kohalises NHK Hallis: Gustav Mahleri tuntud vokaaltsükkel "Des Knaben Wunderhorn" ("Poisi võlusarv"), mil solistiks ka Pärnu festivalile jõudnud väga nimekas saksa bariton Matthias Goerne. Mahleri tsükli kõrvale esitas orkester vaid taani klassiku Carl Nielseni Sümfoonia nr. 2 ("Neli temperamenti", op. 16, 1902). 2016. aastal juhatas Paavo Järvi seda sümfooniat ka Pärnu muusikafestivalil. Ka teine kava mängitakse 15.-16. juunil NHK Hallis, Jaapani jaoks on see üpris harukordne: Anton Weberni seatud Bachi "Ricercare", Alban Bergi Viiulikontsert Gil Shahamiga solistina, Bruckneri Sümfoonia nr. 3.

Kolmas kava sünnib 19. ja 20. juunil kuulsas, tänavu oma avamise 30. aasta juubelipäeva tähistavas 2000-kohalises Suntory Hallis. Sellesse kavasse mahub vaid Olivier Messiaeni legendaarne "Turangalîla-Symphonie", mille ettekandel teevad solistidena kaasa Cynthia Millar (ondes martenot) ja Roger Muraro (klaver). Kolmas kontsert selle kavaga leiab aset Tokyo Bunkamura Orchard Hallis 22. juunil. Avalikustatud on juba ka NHK SO uue hooaja 2019/20 kontserdid. Teatavasti salvestab NHK kõik oma orkestri kontserdikavad ja annab need edaspidi aeg-ajalt eetrisse, nii ka Eduard Tubina sümfoonia.

Vaadates Paavo Järvi valitud repertuaari Jaapanis, meenutab see kõik kangesti aegu kolm ja enamgi aastakümmet tagasi, mil Neeme Järvi dirigeeris neid heliloojaid oma orkestrite ees Göteborgis, Detroitis jm, esitas neid kontserdireisidel, plaadistas (esimene CD 1983), sest mitmed teosed eeskätt skandinaavia ja vene muusikast polnud Euroopaski veel kuigi tuntud. Samasugune avastusmoment saadab nüüd Paavo Järvi kavasid Jaapanis, aga mitte ainult. Uuendusmeelse maestro maine ja tähelepanu saadab Paavo Järvit mitmel puhul ka Euroopas. See on väärinud avalikku esiletõstmist korduvalt, värskeimaks tunnustuseks Rheingau muusikapreemia 2019. Selle on väärinud tema kauaaegne orkester Deutsche Kammerphilharmonie Bremen ning Paavo Järvi kui orkestri peadirigent. Preemia väljaandjaks on Hesse liidumaa teaduse ja kunstide ministeerium. Paavo ning orkester on selle preemia laureaadina publiku ees viie festivalikontserdiga juulikuu algul.

Alati leiab huvitavat veebilehest PaavoProject, mille koostajaks on juba pikka aega olnud Primavera (kunstnikunimi) USAst. Alles mõni päev tagasi üles pandud, köidab siin tähelepanu kaks materjali. 5. juuni Musicweb-International on avaldanud William Hedley artikli Sibeliuse kõigi sümfooniate plaadistusest, mis Järvi on teinud aastail 2012 – 2016 Orchestre de Paris' peadirigendina. Teine materjal on avaldatud 6. juunil veebiajakirjas Gewandhaus-Magazin, autoriks Martin Hoffmeisters. Siin vaadeldakse lausa ajaloolise põhjalikkusega Dmitri Šostakovitši lugu, tema sidemeid Eestiga, Järvidega jpm, seoses Eesti Festivaliorkestri esimese plaadiga (Šostakovitši Sümfoonia nr. 6 ja Sinfonietta). Siit leiame ka teate, et BBC on alles nüüd Youtube'i üles pannud Eesti Festivaliorkestri sündmusliku kontserdi salvestuse (BBC Radio 3 ja BBC TV) BBC Promsil 2018. aasta augustis. Orkestri koduleht avaldab aga ka õnnesoovi Neeme Järvile tema sünnipäeva puhul, selle juures harukordne, igatahes siinkandis tundmatu kaunis portreefoto Kaupo Kikkaselt.

Thursday, June 06, 2019

EFO Shostakovich

Gewandhaus-MagazinMartin Hoffmeisters
06.2019

Schostakowitsch aus Pärnu Begegnungen zwischen Komponist und Interpret zeitigen in der Regel entscheidende Impulse auf beiden Seiten. Insbesondere Dmitri Schostakowitsch wusste bei Gesprächspartnern und Freunden durch Persönlichkeit und Intellekt bleibenden Eindruck zu hinterlassen, nicht zuletzt mit wertvollen Hinweisen zur Deutung seiner Werke. Der estnische Dirigent Paavo Järvi lernte als Zehnjähriger den russischen Komponisten zwei Jahre vor dessen Tod über seinen Vater, den Dirigenten Neeme Järvi, in Pärnu kennen. Das Treffen, so bemerkte der renommierte Maestro mehrfach, stehe für eine der bedeutsamsten initialen Erfahrungen seines Lebens. Als Hommage an diesen Umstand muss die Einspielung von Schostakowitschs 6. Sinfonie mit dem von Järvi 2011 formierten Estonian Festival Orchestra gelten. Das Ensemble aus den profiliertesten Nachwuchsmusikern Estlands und führenden Kollegen aus europäischen Spitzenorchestern trifft sich alljährlich für eine Woche im Sommer, um als Residenzorchester das Pärnu Music Festival zu unterstützen. Im vergangenen Jahr ging man außerdem erstmals auf Tournee durch europäische Metropolen und nahm vorliegende Debüt-CD auf. Schostakowitschs von persönlichen Schicksalen, politischer Repression und wechselnden Zeitläuften geprägtes Werk vereint wie kein zweites konträre Stil- und Stimmungstableaus, oszilliert zwischen romantisch-poetischer Einlassung, ironischer respektive zynischer Sentenz, irrwitziger Klangver dichtung und greller Attacke. Järvis Annäherung an Schostakowitschs 6. Sinfonie fokussiert auf Kontraste und zeichnet die heterogenen atmosphärischen Linien nach. Dabei liegt das Augenmerk nicht auf klanglicher Versöhnung zugunsten übergeordneter Konsistenz, eher auf Akzentuierung des Schroffen und grundlegender Zerrissenheit. Järvi lässt unmittelbar und ungeschönt die existenziellen Aspekte der Partitur aufscheinen. Auf kontinuierlich höchstem energetischen und spieltechnischen Level folgt ihm das Ensemble so skrupulös wie emphatisch bei der Ausfaltung des vielgestaltigen Nuancenkosmos. Exemplarisch!

Wednesday, June 05, 2019

Sibelius Symphonies

musicweb-international.com
William Hedley
5.06.2019

Jean SIBELIUS (1865-1957)
Symphony No. 1 in E minor, Op. 39 (1899, rev. 1900) [39:49]
Symphony No. 2 in D major, Op. 43 (1902) [44:37]
Symphony No. 3 in C major, Op. 52 (1907) [28:55]
Symphony No. 4 in A minor, Op. 63 (1911) [35:59]
Symphony No. 5 in E flat major, Op. 82 (1915 rev. 1919) [31:38]
Symphony No. 6 in D minor, Op. 104 1915 (1923) [29:16]
Symphony No. 7 in C major, Op. 105 (1924) [21:32]
Orchestre de Paris/Paavo Järvi
rec. 2012-16, Salle Pleyel, Paris
RCA RED SEAL 19075924512 [3 CDs: 231:46]




Charles Munch was the natural choice to assume a pivotal role when the French Ministry of Culture decided it was time to create a totally new orchestra. His was only a brief association, however, as he died unexpectedly a year after conducting the inaugural concert of the Orchestre de Paris in November 1967. I think it’s fair to say that the orchestra has had its ups and downs over the years since then, the latest of which is the announcement that Music Director Daniel Harding will be standing down after only three years. His predecessor was Paavo Järvi.

The orchestra’s main home for many years – notwithstanding more ups and downs – was the Salle Pleyel, but now it has taken up residence in the new Philharmonie, whose opening, in January 2015, was itself not without controversy. Symphonies 1, 6 and 7 in this collection were recorded in the Salle Pleyel, the others in the Philharmonie. These are live performances, and the engineering is superb. A few minor changes of perspective, almost imperceptible, suggest patching sessions that would also allow for the elimination of applause. The audience is pretty much silent throughout the set. The seven symphonies are conveniently arranged on three well-filled discs, and the set is further enhanced by two excellent booklet essays in English, French or German, one by the conductor and the other by Wolfgang Stähr.

The First Symphony opens with a satisfyingly explosive account of the first movement, with the Paris Orchestra brass in particularly fine form. The movement ends with a dry, pizzicato chord, but the conductor has clearly asked his harpist to allow the notes to continue to vibrate and die away naturally. The opening of the second movement provides a fine example of care with which these performances have been prepared, with the difference between piano and pianissimo finely differentiated by the first violins. It is perhaps in this music, as well as in the slow passages of the finale, that the influence of Tchaikovsky is most evident, in the instrumental colours employed, in the music’s melodic nature and, especially, in its harmony. All the passion and yearning are justly brought out by this team. In this movement, as in the following scherzo I noticed a few minor textual differences between the score used by the Parisian team and my trusty old Dover edition. This no doubt reflects the latest Sibelius scholarship. The pacing of the lively scherzo, and its slower central section, is perfectly judged by Järvi, and indeed his choice of tempi throughout the set is difficult to fault. In particular, the slower sections of the finale are beautifully broad, a perfect foil against the rather garrulous nature of the rest of the movement.

The first movement of the Second Symphony is urgent and forward moving in Järvi’s hands, who finds more drama and disquiet in this movement than many another conductor. The disquiet continues in the extraordinary slow movement, where Järvi manages to unify the disparate elements of the composer’s discourse with great success. Unity is also enhanced thanks to the conductor’s faultless control of the many tempo changes. The scherzo is taken at a real lick and leads into the glorious opening of the finale, more Allegro than moderato here. Bernstein, with the Vienna Philharmonic, takes nearly two minutes more over this finale, whereas Berglund in his fine Warner set with the Bournemouth Symphony Orchestra, takes half a minute less. It depends, really, on how you want to hear this finale; it can, in the wrong hands, take on an unpleasant element of bombast. But if you think Järvi might be underpowered for your taste you’d better think again. He even crowns his performance with a subito piano crescendo on the final chord, quite unmarked but undeniably effective.

Järvi explains in his booklet essay that no previous conductor of the Paris Orchestra had shown an interest in Nordic music. (I live near Toulouse, and that city’s outstanding orchestra, now conducted by Tugan Sokhiev, has performed very little Sibelius in the thirty years I have lived here.) How much at home, one wonders, do the string players feel when called upon to deliver those characteristic and ubiquitous Sibelius repeated figuration passages? A particular example occurs in the middle of the first movement of the Third Symphony. Is the long passage of semiquavers in the viola part accompaniment or an important and essential part of the texture? (Vaughan Williams, a huge admirer of Sibelius, and famous for admitting to ‘cribs’, uses a similar idea to accompany the solo saxophone in the Scherzo of his Sixth Symphony.) The Parisian viola section delivers this passage superbly, like an engine constantly turning. What a transformation took place in the five years between these two symphonies! We now have a composer absolutely sure of and true to himself, whilst the music itself is more enigmatic and inscrutable. I find this performance of the wonderful Third Symphony totally successful, right up to the extraordinary march that closes the work and seems to arrive from nowhere.

The performance of the Fourth Symphony is also highly successful. The lower strings really dig in to the opening gestures and the whole of the first movement receives a measured performance from Järvi. There seems no relief from the gloom until, suddenly, at about the 3½ minute mark, a chord of B major allows some light into the texture. There are several moments of slight consolation throughout the movement, but otherwise this is music that allows for no hope. The third movement appears constantly to be in search of some kind of resolution, and almost finds it, but the near-triumphant music for massed strings shortly before the close soon descends into further disillusion on repeated C sharps. The scherzo that might have let in some light, becomes obsessed with a singularly cruel melodic tag with which it closes, and the finale, like the slow movement, subsides into nothingness. This was the last of the symphonies to be recorded, and I cannot fault this Parisian performance. I don’t think Järvi puts a foot wrong, and the orchestra plays magnificently. There is a palpable feel of live performance here, but given that Sibelius is so little performed in France, even now, I do wonder what the audience, many of whom would be unfamiliar with the work, will have made of it.

Throughout this set, and in the Fifth Symphony in particular, listeners familiar with the works are likely to be surprised by previously unnoticed details that Järvi manages to bring out. This performance once again raises the question of whether the string figurations, so perfectly articulated here, are subsidiary to or form part of the thematic material. Overall, this is a powerful and bold reading of Sibelius’s masterpiece, the first two climaxes in the first movement urgent rather than broad. The transition between the first and second parts of this movement – or between the first movement and the scherzo if, like me, you prefer to hear it that way – is masterly here, but listeners might wish that Järvi had followed more closely the composer’s indications to accelerate. The slow movement is often an oasis of calm, but not here, not really. Järvi finds some nervousness, and even some violence in the more forthright passages. The finale goes extremely well, those string tremolando figures once again extremely accurate and clear. The horns are magnificent in their moment of glory, though when the same theme returns on the trumpets Järvi gives more prominence to the rocking two-note figure in the strings. Then, like most conductors – Rattle is an honourable exception – he doesn’t trust the composer on the final page, and shortens the precisely notated silences between the massive closing chords. This is the only one of these performances where Järvi’s view of the work is sometimes at odds with my own, but other listeners will decide for themselves.

Composition of the final two symphonies overlapped for quite some time, extraordinary when you contemplate how different they are. Ralph Vaughan Williams – a lifelong Sibelius admirer, to whom he dedicated his own Fifth Symphony ‘without permission’ – writing to Michael Kennedy in 1957, said ‘It took me some time to get accustomed to his No. 6, but I rather believe now that it is his greatest’. I’m not far off agreeing. And, great admirer of Britten as I am, I have no problem setting aside his regrettable comment that Sibelius must have been drunk when he composed the work. Sibelius said that, rather than cocktails, he was offering ‘cold spring water’. The clarity and purity of the thematic material and, especially, of the scoring, are admirably brought out in this fine performance from Paris, a city where one might more readily expect cocktails. Järvi’s approach is generally muscular, and that may not appeal to every listener, particularly in this piece where fragility is an important element. I have read other opinions of this performance, and also that of the Seventh Symphony, where this criticism is made. My reaction is not the same. In the Sixth, Järvi finds the fragility the music demands before it passes, as it frequently does, to something more forthright and emphatic. I do not find that Järvi overemphasises this aspect of the music. On the contrary, I hear an almost ideal balance. Järvi is urgent, once again, in the wonderful passage for strings that follows the introductory paragraph of the Seventh Symphony, pressing ahead more than many another conductor. But the Seventh Symphony is a miracle of integrated elements, and when one sees the work as a journey, or an arch – one struggles to find an image worthy of this masterpiece – Järvi provides a performance that justly achieves both coherence and integration. It is, also, a remarkably sonorous performance, the Paris Orchestra encouraged by their conductor to achieve both weight and beauty of tone.

The cycle of seven symphonies that Jean Sibelius left us is one of the wonders of art. Those devoted to the composer will no doubt be curious as to how a French orchestra under an Estonian conductor will sound in their favourite music. I can only encourage them to try. The orchestra plays magnificently and makes a glorious sound. A little Gallic timbre is evident from time to time, from the French-sounding bassoons, for example, and to which Järvi is keen to give some prominence. Otherwise, I have found these performances deeply satisfying and feel confident that most others will find likewise.

Tuesday, May 28, 2019

Kein Mann für einen Abend

niusic.de
Malte Hemmerich
4.06.2019


Der Dirigent Paavo Järvi erzählt, was er am Klang des Tonhalle Orchesters Zürich verbessern will, wie er mit Orchestern arbeitet – und warum andere Musiker auf ihn neidisch sein können.
Paavo Järvi kommt aus einer Musikerfamilie und ist auf gutem Wege, seinen umtriebigen Vater als fleißigsten Dirigenten aller Zeiten abzulösen. Jetzt ist er auch noch Chef des Tonhalle Orchesters Zürich geworden. Nach Proben in der Elbphilharmonie hat er tatsächlich einen halben Tag Zeit für sich. Eigentlich Luxus für den Dirigenten. Doch statt dann wie normalerweise seine Kräfte zu regenerieren und viel zu schlafen, hat er sich Zeit für ein Interview genommen.
niusic: Herr Järvi, Sie sagten mal in einem Interview, dass Dirigentsein ein lächerlicher Job sei. Was war heute denn lächerlich oder seltsam?
Järvi: Tatsächlich war heute bisher ein guter Tag, denn ich musste nicht um sechs Uhr aufstehen und fliegen. Also diese Lächerlichkeit, das ist keine Frage der Arbeit selbst, sondern des Reisens. Gestern zum Beispiel hatte ich eine Probe in der Elbphilharmonie und war morgens noch in Paris. So etwas meine ich. Das ist anstrengend.

niusic: Tauscht man sich über diese Probleme auch mit den ebenfalls vielbeschäftigten Kollegen aus, wie Gergiev, Barenboim und Co?
Järvi: Klar, ich bin befreundet mit vielen berühmten Kollegen und wir sprechen so oft es geht. Manchmal sind wir in derselben Stadt, oft bei Asientourneen, wenn Orchester sich die Klinke in die Hand geben. Abgesehen davon liebe ich es, ins Konzert zu gehen und die Kollegen zu hören. Heute Abend zum Beispiel Daniel Barenboim hier in Hamburg. Immer, wenn ich Zeit habe, setze ich mich ins Publikum ...

niusic: Um den Anschluss an die Realität nicht zu verlieren?
Järvi:Ich sehe dann das Orchester reinkommen, das Licht ausgehen und spüre gespanntes Warten. Für mich ist das neu und aufregend. Sonst stehe ich zu der Zeit Backstage, bin auch unter Strom, doch ganz anders. Da ist das Motto dann Auf in den Kampf!
Es ist also entscheidend für mich, oft im Saal zu sitzen und mir klar zu machen: In jeder Stadt, jeden Abend warten wieder Menschen auf das besondere Erlebnis, das wir ihnen bieten sollten.

niusic: Viel hängt da ja auch am Programm. Beim Tonhalle Orchester Zürich, Ihrem neuesten Chefposten, unterstützt man Sie auch in der Programmplanung.
Järvi: Für mich ist Programmplanung, ebenso wie das Dirigieren, am Ende kein Job für ein Komitee. Es geht ja nicht nur um die Stücke, die gespielt werden, sondern wo das Orchester in fünf Jahren stehen soll, welches Repertoire erschlossen wird und die ganze Tourneeplanung. Ich will da immer sehr langfristig denken.




niusic: Deshalb sind Sie lieber Chefdirigent bei guten Orchestern, als übermorgen dreimal mit den genialen Berliner Philharmonikern aufzutreten?
Järvi: Natürlich liebt man jeden Job mit den Berlinern. Aber Chefdirigent zu sein ist eine viel größere Verantwortung. Als Gast kann man nicht viel verändern. Gute Abende gestalten und grandiose Konzerte spielen, das ja, aber es ist nicht deine Aufgabe, das Orchester zu bewegen und weiterzuentwickeln, wie sie spielen oder denken. Das reizt mich aber!

niusic: Nochmal zur Programmplanung in Zürich: Tschaikowskis Erste hat hörbare Schwächen, trotzdem haben Sie sie ins Programm genommen...
Järvi: Weil ich sie liebe. Wenn man seine erste Sinfonie schreibt, man nehme Bruckner und Mahler, komponiert man ja irgendwie immer etwas unreif und naiv. Aber gerade das ist charmant. Meine Meinung.
Der Dirigent muss dann aber dem Stück helfen. Klingt komisch, aber jedes Werk braucht Hilfe. Klar ist eine mittelmäßige Aufführung von Beethovens Siebter aufregend, aber eine wirklich grandiose ist himmlisch ... Und bei den frühen Werken eines Komponisten braucht man tatsächlich einfach die besseren Dirigenten!

niusic: Inwieweit würden Sie dann in den Notentext eingreifen?
Järvi: Hm. Ein beliebter Satz ist ja: „So wollte das der Komponist.“ Aber am Ende ist auch das nur unsere Meinung. Auf der Bühne darf man modifizieren, um alle Facetten herauszubringen. Mahler hat als Dirigent oft bei Wagner und Schumann Dynamik verändert, er hat Beethovens Neunte angepasst. In der Probe tun wir doch genau das: Hier steht piano, spiel das trotzdem lauter, sonst hört man die Phrase nicht, lass uns das Crescendo nicht dort machen, wo es geschrieben steht, sondern später, sonst hört man die Streicher nicht. Also im Grunde orchestrieren wir jeden Abend neu, in jeder Halle, mit jedem Orchester.

niusic: Wenn Sie den Musikern Ihre Klangvorstellung vermitteln, wie vermeiden Sie da Phrasen und abgegriffene Worte?
Järvi: Mein einziger Rat, oder eher meine Hoffnung ist beim Proben, dass jeder mit voller Persönlichkeit spielt. Deine 1. Oboe weiß, dass sie Solist ist und tritt dementsprechend auf. Aber im Tutti, in den zweiten Violinen, in den hinteren Reihen, ist es leichter, sich zurückzulehnen und weniger präsent zu sein. Nicht mit mir! Ich will, dass jeder extrem anwesend ist, alles von sich gibt und mir eine Idee präsentiert. Über die kann ich dann diskutieren. Schlecht ist nur, wenn jemand ohne Meinung spielt. Ich will eine starke Aussage in jeder Phrase und in jeder Stimme!

niusic: Sie haben auch mal gesagt, jedes Orchester, das Sie geleitet haben, klang danach hörbar besser ...
Järvi: Grinst und nickt.

niusic: Was soll denn beim Tonhalle Orchester besser werden?
Järvi: Sie spielen schon beeindruckend, keine Frage. Schwer, jetzt schon konkret zu werden: Jeder Dirigent braucht etwas anderes vom Orchester. Ich brauche Musiker, die ultraflexibel sind und noch im Moment etwas ändern. Das Tonhalle Orchester hat das schon ein bisschen, sogar mehr als einige deutsche Orchester, aber ... Nein, ich brauche noch Zeit.

niusic: Denken Sie nur in langfristigen Zielen? Mal ganz einfach: Wann ist ein Konzertabend für Sie erfolgreich?
Järvi: Da sind die technischen Kriterien, ob ein Orchester richtig und gut spielt. Aber es gibt feine Performances, denen fehlt Seele. Dann habe ich auch kein Erfolgsgefühl mehr. Ich glaube, ich kann das nicht messen mit externen Kriterien, weder an Publikumsreaktionen noch Kritiken. Zufrieden bin ich mit der Zeit auf jeden Fall immer seltener geworden. Das steht fest.
Ich bin ein Glückspilz. Viele Musiker wären gern halb so beschäftigt wie ich, und schon erfüllt.

niusic: Aber trotzdem immer im Arbeitsrausch. Chef in Bremen, Zürich, Tokio.
Järvi: So ist es im Leben, entweder man hat zu wenig oder zu viel zu tun. Balance ist schwer. Nur nebenbei, ich sage 90 Prozent aller Angebote ab. Aber ganz ehrlich: Auf dem Papier ist das, was ich tue, viel. In der Realität startet man ja nicht bei jedem Orchester wieder mit: Hallo, ich bin Paavo.
Und was die Gastspiele angeht, die Berliner und New Yorker, das sind Beziehungen, die haben sich entwickelt und die gibt man nicht auf. Für eine wahre Partnerschaft ist man schließlich nie zu beschäftigt.

niusic: Haben Sie zu Karrierebeginn eigentlich alle Jobs angenommen?
Järvi: Ja, ich habe auch total blöde Musik dirigiert. Aber junge Dirigenten haben ja keine Audition oder sowas, da muss man alles annehmen, um sich einen Namen zu machen. Oft wurde ich dann wieder eingeladen, mit sinnvollerem Programm. Jetzt nehme ich solche Dinge nicht mehr an.

niusic: Was reizt Sie jetzt noch?
Järvi: Ich bin immer nur in den Hochstätten der Musikindustrie unterwegs. Aber da ist nichts in Indien oder Südostasien. Ich würde gerne mit einem Orchester in den Iran oder Irak gehen. Ich war noch nie in Afrika. Also wenn mich dort jemand einladen will: Ruft an. Ich reise mit dem Tonhalle Orchester an!

niusic: Sie sagen, Sie sind nie zufrieden. Das kann ich mir schlecht vorstellen ...
Järvi: Da haben wir uns falsch verstanden. Ich sehe meine Konzerte kritischer, weil ich mittlerweile immer weiß, wie es sein könnte. In der Hinsicht war ich, als ich unerfahrener war, noch öfter glücklich. Aber mein Leben ist super: Ich kann aufwachen, Musik machen, viele substanzielle Dinge tun. Für die Gesellschaft. Ich glaube nicht, dass ich es verdiene. Ich bin ein Glückspilz und einer aus einer Million. Viele Musiker wären gern halb so beschäftigt wie ich, und dadurch schon erfüllt.

niusic: Wie unfair!
Järvi: Ist es wirklich. Aber ich bin mir dessen bewusst und deshalb dankbar. Während des Studiums in Amerika wünschte ich mir immer ein lokales Orchester, mit dem ich einmal im Monat auftreten kann. Das war mein erstes Ziel. Und irgendwie wäre es auch in Ordnung, wenn es darauf hinausgelaufen wäre.

Saturday, May 25, 2019

Berliner Philharmoniker – Paavo Järvi conducts Bruckner 2 & Bach/Webern Ricercar – Mojca Erdmann performs Alban Berg’s Seven Early Songs [live webcast]

classicalsource.com
Colin Anderson
25.05.2019

Paavo Järvi conducts Berliner Philharmoniker
Photograph: Stephan Rabold

Paavo Järvi has been on the road with Anton Bruckner’s Second Symphony. Previous to three performances in Berlin (this was the last of them) it was Hamburg, also a webcast (review-link below).

Järvi has a very persuasive way with this example of C-minor Bruckner (dating from 1872 in its first guise) – and using a first-class choice of edition for the 1877 revision (William Carragan’s recent undertaking, which maybe now supplants those by Haas and Nowak) – keeping the music on the move, bounding along, if without rushing or hectoring, and also introducing welcome flexibility, letting the otherwise-fleet, fuelled by trumpet calls, first movement breathe and reflect at appropriate moments, yet without symphonic threads being cut asunder.

This is music full of individual character, woodwind curlicues (for flute especially) and church chorales, for example, if with the composer also aware of his Austro-German symphonic lineage, fully appreciated by Järvi in his thrusting, shapely and everything-belongs approach, brought off resplendently and sympathetically by the Berliners, silences as meaningful as sound; and note the different weights applied to the final three chords of the opening movement, a bit stronger each time, timpani aflame, rolling underneath.


Järvi has the heart and soul of the slow movement, simply glorious here, of such eloquent wonderment and Heaven-opening vistas, music with deep and transcending harmonies, as to be truly transfixing, a mystical undertaking, and with the tricky horn solos safely delivered by Stefan Dohr, poetic too, not least the stratospheric one in the coda, as if from a mountaintop ... only to be brushed aside by the rhythmic propulsion of the Scherzo (placed second in 1872), exhilarating; yet no repeats (I guess Carragan follows Bruckner’s revised excision of them, Haas doesn’t) although this shorter-form fits well in context, especially given Järvi’s dynamic approach to the outer movements; the Trio here was a moment of repose, yearning lower strings bathed in upper radiant ones; rapt.

A sense of optimistic journeying informed the Finale, nearly as long here as the seventeen-minute opening counterpart – nice balancing by Järvi, intended or not – the music given lilt, eagerness and sacred reminiscence. Bruckner isn’t one to arrive too soon; but when he did, the Berliners blazed. Overall, Järvi added a couple of minutes to his Hamburg timing, fifty-five there.

The concert’s first half was also as in Hamburg, if with a welcome addition/starter. Prior to Alban Berg’s Seven Early Songs (completed with-piano in 1908, if becoming ‘later’ in his twenty-year-on orchestration, Wozzeck completed, Lulu in the wings) was Anton Webern’s reciprocated ‘musical offering’ to Johann Sebastian Bach, the ‘Ricercar a 6’, a fugue in all but name, Bach’s unspecified instrumentation pinpointed by Webern as being strings (solo and tutti), woodwinds (including bass clarinet and cor anglais), harp, timpani, horn, trumpet and trombone, the latter instrument introducing the work’s solemn and expressive ideas that interweave and are contrapuntal perfection, Webern colouring the lines without highlighting any one, Järvi sculpting the music with his hands to a sonorous conclusion.

Following which, the Berg. In Hamburg it was Laura Aikin singing, replacing Hanna-Elisabeth Müller. In Berlin it was Mojca Erdmann (young-looking, confident, charming, natural) similarly stepping in for Müller; if, unlike Aikin, placed where you would expect to find her, that is not behind the orchestra, an unusual decision for Aikin in Hamburg. Continuing the Hamburg connections, Erdmann was born there...


Seven Songs, seven poets, including Lenau and Rilke; each setting may be aphoristic yet mood and meaning are established immediately to ravish the ear and the senses vocally and orchestrally, and also to describe. Erdmann was wonderful, as pure of timbre as she was voluptuous, as confidential as soaring, and with vivid word-painting (German text and English translation part of the relay) without losing the expressive line. Järvi (now with baton) and the Berliners offered a sensitive and superfine accompaniment, alive to every detail and dynamic of Berg’s fastidious and variegated scoring. ‘Die Nachtigall’ (Song III) would pass easily for Richard Strauss, and one can find other composer connections (he was just into his twenties when first-composing these Songs, imbibing from forbears and contemporaries) without diluting the Berg effect.

As ever, the sound and camerawork from the Digital Concert Hall were exemplary. Following the Bruckner, with orchestra personnel taking bows, particular attention was paid to timpanist Rainer Seegers, a member of the Berlin Phil since 1986 (a Karajan appointee, then, succeeding Werner Thärichen) and whose final Philharmoniker concert this was. Järvi walked up to Seegers to hand-over the bouquet just presented to him, there were speeches, a standing ovation, and hugs with BP colleagues. All best wishes to Herr Seegers.

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Friday, May 17, 2019

NDR Elbphilharmonie Orchester – Paavo Järvi conducts Anton Bruckner's Second Symphony – Laura Aikin performs Alban Berg’s Seven Early Songs [live webcast]

classicalsource.com
Ateş Orga
17.05.2019

With Paavo Järvi you get the modern jet-setting conductor who, whatever the repertory, is always responsibly prepared, coaxing orchestras to give of their best. Watching him and the response of his players you get the strongest impression that here is a man one works with, not for. He's a music-maker first and foremost. A week ago in London he was putting the Philharmonia Orchestra through its paces in Sibelius and Tchaikovsky. On this occasion in Hamburg he was journeying a different emotional road, a late Austrian Habsburg one looking back from Berg to Bruckner, two composers he sees as a particularly intuitive mix.


In the interval interview of this webcast, he noted how for him Alban Berg's early death in 1935, at the age of fifty, was “the biggest tragedy of the twentieth-century … the most talented composer of the Second Viennese School … undated and relevant,” retaining a tonal persona to the end. In tackling the “curiosity” that's Bruckner's 1872 Second Symphony, the first of his Viennese period, he maintains it best to think of it rooted (hence by implication played) in mid-Romantic tones, to hear it of its day, freed of the monumentalism and “statement” of the later Symphonies. Mendelssohn came into his reference (‘Scottish’ Symphony?), but Schumann and Raff would not have gone amiss. Working with the NDR Elbphilharmonie Orchester, he reminded, brought back reminiscences of the “collective memory and DNA” of its post-war Bruckner tradition (Günter Wand's recordings presumably, but also, one imagines, the drama and tension of Tennstedt before him).

In keeping with Järvi's 2012 Frankfurt recording, this performance followed the 1877 revision in William Carragan's recent 2007 edition, complete with Carragan's optional reinstatement in the A-flat slow movement of the difficult (high) horn episode of the first version, deleted by Bruckner at, demonstrably, the expense of architectural balance. Aiming to convey a composer ever prone to symphonic tussling and indecision, yet to find his feet despite having reached his half-century, benefitting from musicians attentive and attuned to the style, Järvi presented us with ideas freshly brushed on a blank canvas. He found a deep, long poetry in the Andante (notwithstanding some pizzicato untidiness), the final hushed bars suspended like a Caspar David Friedrich night painting. He crafted fine, organically urgent codas to the outer movements (especially the Finale, a glory), and welded a magnificently hammering Scherzo (placed originally second), the orchestra at full tilt, with a particularly tender Trio. The circling, repetitive phrases, the climax-building, the terraced contrasts of timbre and dynamics, solos, unisons and tuttis, fire and lyricism in temporal/paused opposition – the Bruckner fingerprints we know so well – were never far away, yet in keeping with Järvi's desire, sensed more prophetically than memorially, foresight before hindsight: a triumph.

Using smaller forces favouring antiphonal violins, with four double basses to the left, Berg's 1928 orchestration of his Seven Early Songs, written while he was a student of Schoenberg, in Vienna, focussed on a different sequence of vistas. An order of expressive concentration touched vaguely by Wolf, Mahler, Strauss, Zemlinsky perhaps … distilled through ghosts from Verklärte Nacht ... flying freely yet chained by key-signatures. Järvi shaped a lusciously warm, chorded support for Laura Aikin, standing in at short notice for indisposed Hanna-Elisabeth Müller. Her account and projection wasn't altogether ideal, however, not helped by her placement behind the orchestra (to the right), a miscalculation. This had the effect, along with following her score too closely, of reducing proximity and distancing/covering the words (Berg's choice of poems are distinguished, they need to be articulated and heard). She gradually warmed into the music, but, given its brief fifteen-minute span, her uneasy vibrato never entirely went away. More bloom and beauty would have been welcome, vocally less within than with the ensemble.

One hears varyingly negative reports about the Elbphilharmonie; whatever its problems, the audio engineers seem to have got the measure of the place. This was a sonically flattering relay, with plenty of presence and detail, and good camerawork. The highs of the Bruckner had plenty of air and space to impact and dissipate – all of five spacious in-the-round storeys from ground level.

http://www.classicalsource.com/db_control/db_concert_review.php?id=16471

PAAVO JÄRVI ET LE PHILHARMONIA SUR LES TRACES DE MVRAVINSKI

resmusica.com
Patrice Imbaud
17.05.2019

Concerts, La Scène, Musique symphonique

Paris. Théâtre des Champs-Élysées. 13-V-2019. Ludwig van Beethoven (1770-1827) : Ouverture d’Egmont en fa mineur op. 84 ; Jean Sibelius (1865-1957) : Concerto pour violon et orchestre en ré majeur op. 47 ; Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893) : Symphonie n° 6 dite « Pathétique » en si mineur op. 74. Vadim Repin, violon. Philharmonia Orchestra, direction : Paavo Järvi

En tournée avec le Philharmonia Orchestra, pour un concert unique à Paris au Théâtre des Champs-Élysées, Paavo Järvi livre une interprétation saisissante de la Symphonie n° 6 de Tchaïkovski, tandis que le violoniste russe Vadim Repin exalte toute l’expressivité du Concerto pour violon de Sibelius.

Dès les premières mesures de l’Ouverture d’Egmont de Beethoven, le ton est donné : l’ambiance, ce soir, est au drame. Dans un mélange de grandeur solennelle (cordes graves et timbales) et d’effusion (petite harmonie), soutenu par un phrasé très opératique collant parfaitement à l’épopée d’Egmont (lutte, amour, victoire), la phalange londonienne répond, dans l’instant, à la direction fougueuse du chef.

Le Concerto pour violon de Sibelius bénéficie aujourd’hui d’une notoriété incontestable par son mélange de lyrisme, de virtuosité et de romantisme exacerbé qui en fait un des chevaux de bataille favori de tous les violonistes actuels. Après Hilary Hahn, il y a quelques jours, c’est ce soir Vadim Repin qui officie, autorisant le jeu des comparaisons. Si la violoniste américaine, violonistiquement irréprochable, avait bénéficié d’un environnement assez neutre, privée parfois d’un appui orchestral consistant de la part de Mikko Franck, Vadim Repin, à l’inverse, voit ce soir son interprétation magnifiée par les couleurs et la dynamique émanant d’une phalange londonienne très complice, élevant par instant la complicité au niveau de l’égrégore. Moyennant quelques accommodements avec la justesse, le violoniste fait valoir dès l’entame du premier mouvement Allegro moderato l’ampleur et le grain exceptionnel de sa sonorité, toute au service d’une expressivité haute en couleur, consolidée par un parfait équilibre avec l’orchestre. Les cadences claires apportent leur lot de virtuosité, impeccablement menées dans l’émouvant dialogue avec la clarinette. L’Adagio contemplatif, d’un lyrisme chaleureux, est tout entier supporté par le legato tendu du violon et un accompagnement orchestral de premier ordre dans lequel se distinguent cordes (violon solo) et vents. Le Final très dansant renoue avec la virtuosité dans une cavalcade aux allures tziganes se déployant sur une rythmique obstinée de l’orchestre scandée par les timbales véhémentes. Deux bis empruntés à Bach concluent cette première partie qui vaut autant par la qualité solistique de Vadim Repin que par l’engagement de l’orchestre et la pertinence de la direction.

Drame encore après la pause. Paavo Järvi persiste et signe en offrant au public de l’avenue Montaigne une interprétation originale, et aujourd’hui assez inhabituelle, de la Symphonie n° 6 de Tchaïkovski dont il propose une vision quasi expressionniste, dramatique et rugueuse, comme taillée à la serpe qui n’est pas sans rappeler le grand Mvravinski. Les quatre mouvements s’y succèdent, justement typés. Dramatique, l’Adagio initial débute par la complainte lugubre du basson, bientôt relayé par le tutti où se distinguent des cordes somptueuses, une petite harmonie très investie et des cuivres rutilants (trombones) dans une lecture extravertie, haletante, chargée de contrastes et de nuances où le chef semble parfois souligner presque abusivement la fibre tragique. L’Allegro con grazia apporte un court moment de répit par sa valse élégante d’où sourd, en filigrane, une inquiétude persistante portée par les vents. L’Allegro vivace, juste dans le ton comme dans la note, est traité ici comme un scherzo dionysiaque, débutant par une attente angoissante avant que ne se déchaînent crescendos et effets sonores. L’Adagio lamentoso justifie à lui seul le nom de la symphonie, pathétique, déchirant, résigné et douloureux, conclu par un grave et saisissant choral de cuivres… suivi de longues minutes de silence, signe des grandes interprétations.

https://www.resmusica.com/2019/05/17/paavo-jarvi-et-le-philharmonia-sur-les-traces-de-mvravinski/

Tuesday, May 14, 2019

Paavo Järvi and Viktoria Mullova impress in Sibelius and Tchaikovsky

bachtrack.com
Vishnu Bachani
14.05.2019

Estonian conductor Paavo Järvi led the Philharmonia Orchestra in a diverse programme spanning nearly a century of music. Opening with Beethoven’s Egmont Overture, the orchestra played with solemn pathos, the searing silences in between the opening chords pregnant with anticipation. A measured and nuanced performance set the mood for the rest of the evening: one of genuine, idiomatic music-making.


Viktoria Mullova
© Benjamin Ealovega

London-based Russian violinist Viktoria Mullova interpreted Sibelius’ concerto with reserved calm, opting for long, smooth phrases amidst the cascading arpeggiations and scalar figurations. Järvi and the Philharmonia played in close lockstep, allowing Mullova to truly shine in the first movement’s cadenza. The overall restraint of her performance made the first proper fortissimo tutti climax in the third movement much more impactful, paving the way for an emphatic finish. After applause, Järvi turned to the audience to announce that the encore would be Arvo Pärt’s Passacaglia, in which Mullova and the orchestra played with masterly élan.

Tchaikovsky’s mistranslated “Pathétique” Symphony is still considered by some scholars to be a suicide note, spurred on by societal intolerance of the composer's homosexuality. The facticity of these theories aside, the work is undoubtedly lugubrious with a highly unorthodox slow, minor ending. Numerous other aspects of the piece signal something awry, like the undance-able waltz in 5/4 time in the second movement and the almost excessively jubilant faux finish in the third movement. Järvi highlighted these aspects appropriately.

In spite of some mismatched articulations in the brass, the first movement showcased an impressive dynamic range, with the bass clarinet’s pppppp passage indeed being nearly inaudible. The trombones shone in the climax of the movement as well as in the tranquil major-key ending of the movement, displaying a marked contrast from the turbulent development section to the serene coda. Metrical divisions were earmarked clearly by Järvi’s tightly controlled tempi in the second movement, leading to a similarly well-executed third movement with the numerous scalar passages and hockets interlocking like clockwork. The long crescendo to the climactic finish of the movement was done so convincingly and effectively that the audience could not help but applaud after the exultant peroration in spite of Järvi going almost attacca into the finale. The fourth movement retrospectively contextualizes the “awry” features of the previous movements, and Järvi and the orchestra made this clear with the accentuation of the antiphonal split-violin theme and the repeated chains of suspensions permeating the thematic material. By the time the music progressed to the coda, the dying away of the final B minor chord into nothingness did not shock as much as it conveyed a sense of inevitable despair and tragedy. A protracted silence following the last echoes of the symphony provided a fitting close to both the work and to the concert.