Wednesday, April 11, 2018

Ein Bremer Requiem
Mareike Bannasch

Deutsche Kammerphilharmonie spielt Johannes Brahms

Bremen - Von Mareike Bannasch. Zielstrebig geht die Frau die grauen Stufen hinauf, schiebt ihre Sonnenbrille in die Haare und rüttelt an der Tür. Vergeblich. Der Bremer St.-Petri-Dom ist geschlossen – zumindest für die Öffentlichkeit. Hinter den dicken Mauern bereiten sich andere auf ihren großen Auftritt vor: Die Rede ist von den Musikern der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, die heute Abend „Ein Deutsches Requiem“ von Johannes Brahms spielen werden. Auf den Tag genau 150 Jahre nach der Uraufführung, die der Komponist damals selbst dirigierte.

Doch bis es so weit ist, liegen noch einige Proben vor dem Ensemble und ihrem Dirigenten Paavo Järvi. Genauso wie vor den Technikern, die durch die Reihen wuseln, letzte Kabel verlegen und immer wieder den Ton überprüfen. Das bereits seit Wochen ausverkaufte Konzert wird nämlich vom ZDF aufgenommen und am 22. April auf 3sat ausgestrahlt. Brahms‘ Requiem mit der Deutschen Kammerphilharmonie und dann auch noch am Ort seiner Uraufführung – dieses Konzept überzeugt auch Programmdirektoren.

Während Techniker genau diese Mischung ausbalancieren, unterbricht Paavo Järvi bereits zum dritten Mal das Orchester. Er ist nicht zufrieden, erklärt immer wieder mit großer Geste, wie er sich das Spiel vorstellt – und singt die Melodie schließlich vor. Anweisungen, die das Ensemble direkt umsetzt, Dirigent und Orchester kennen sich schließlich seit Jahren.

Dennoch, auch die Deutsche Kammerphilharmonie kann Brahms‘ Requiem nicht einfach vom Blatt spielen. „Als Musiker hat man es mit der besonderen Akustik im Dom nicht einfach“, erklärt Ulrich König. Der Bassumer ist Oboist und spricht ein Problem an, das viele Hörer aus dem St.-Petri-Dom kennen – seinen vergleichsweise langen Nachhall von 5,4 Sekunden (gemessen bei 1 000 Besuchern). Doch davon ist an diesem Morgen nichts zu hören, ganz im Gegenteil. Während der Klang des Orchesters durch das riesige Gebäude dröhnt und sich schließlich noch der Chor kraftvoll dazugesellt, bekommt der Zuhörer immer wieder Gänsehaut.
Zeit zum Proben verloren

Bei einem Orchester vom Rang der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen ist solch ein Klangerlebnis eigentlich erwartbar, dennoch: Dass hier alles fast reibungslos klappt, ist nicht selbstverständlich. Denn das Ensemble hat Zeit zum Proben verloren. Nach Gastspielen in Paris und Aix en Provence in der vergangenen Woche gerieten die Musiker in die Streiks in Frankreich, und die Rückreise verzögerte sich. Eine Verschiebung, die auch Auswirkungen auf den Probenplan hat – mit einer Ausnahme. Die Generalprobe stand in jedem Fall am Montagabend auf dem Programm, die Kameras mussten auf das Abendlicht eingestellt werden.

Und auch wenn Ulrich König bereits zum fünften Mal Brahms‘ Requiem spielt, ist dieses Konzert etwas ganz besonderes für ihn. „Es ist sehr berührend, wenn man sich vorstellt, dass der junge Brahms genau an dieser Stelle gestanden und sein Requiem, das er extra für den Dom komponierte, dirigiert hat.“ Eine Komposition, die dem 35-Jährigen zum Durchbruch verhelfen sollte und mit seinen fließenden Akkorden und Texten voller Trauer und Zuversicht bis heute Millionen zu Tränen rührt. Mit Sicherheit auch heute Abend.

Johannes Brahms „Ein deutsches Requiem“ mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen ist am 22. April um 11.30 Uhr auf 3sat zu sehen.

Paavo Järvi and the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen light up the Aix Easter Festival
Mark Valencia

As an opera house fit for a Ring – Simon Rattle’s first, to be precise, with Die Walküre its inaugural production in 2007 – the Grand Théâtre de Provence also does a passable impersonation of a purpose-built concert hall. Acoustic panels that turn the stage into a platform blend naturally with the surrounding architecture to provide the Festival de Pâques, the Aix-en-Provence Easter Festival, with a flagship venue for its ambition to rival Salzburg.

In the closing days of a fortnight that has included visits from the LSO, the Vienna State Opera and the Russian National Orchestra, Paavo Järvi brought his Deutsche Kammerphilharmonie Bremen to the party and scored a palpable popular hit. Aimez-vous Brahms? For anyone who thought they didn’t, this sharp, disciplined band will have made converts.

There were only two works: the Violin Concerto in D major and the First Symphony. Conducting a contingent of slightly fewer than 50 players, with divided violins and a cheek-by-jowl disposition, the elegant Estonian maestro took a surprisingly big-boned approach in both works. The strings, who numbered just 10, 8, 6, 6 and 4, had bloom enough for late Mahler, let alone this pair of romantic giants.

Young German violinist Veronika Eberle gave a passionate reading of the concerto. Her instrument seemed embedded within her, like an organic attachment to her own voicebox, and she all but sang her way through it. Eberle’s technical engagement throughout the epic first movement culminated in a cadenza that she played like a dance, with tempo choices that were both unfamiliar and revelatory, before swooning her way to a dreamy coda.

After that ocean of busy string work, the extended passage for oboe solo and woodwind that opens the central Adagio serves as an aural sorbet. It was exquisitely played, although the movement as a whole passed without incident either good or bad. Neither the soloist nor conductor had much to say so it wandered – as, for the only time in an otherwise invigorating concert, did my mind. Thank goodness for a finale that introduced a burst of fire and a hurtling sense of purpose.

Järvi shuffled his pack slightly for the C minor Symphony, with a change of principal oboe and a new timpanist, but the orchestral palette remained generous and the dense note-forest of Brahms’s introductory Allegro opened up to the ear. The First is a noble symphony but it is thickly scored; yet the Bremen players’ journey through the composer’s belated first foray into symphonic writing (if one excludes the first Piano Concerto, which began life as an aborted draft of a symphony) unpicked its arguments with technical aplomb.

The slow movement brings a welcome leavening of the orchestral textures, and in Järvi’s hands it felt like a pause for breath and a brief respite from virtuosic display. This, though, returned in spades for the third movement, marked Un poco allegretto e grazioso but in reality a busy scherzo with tuttis galore.

Järvi’s stealth segue into the majestic finale was startling for its casual delivery, more the idle turn of a page than a change of mood, yet it heralded the evening’s climax in more ways than one. Through a small miracle of dynamics the conductor launched into the Beethovenian Big Tune with something approaching daintiness; but he was only pacing it. Exhilaration lay ahead and before long he gripped the auditorium in a whirl of enveloping elation. It was an ending if not to die for then at least to stand for, and stand they did.

Järvi Does Hindemith Proud
David Hurwitz

Yes, there are many fine versions of these works, and these performances stand among them. Hindemith doesn’t offer the interpreter many opportunities to give his music a distinctive profile: the key is keeping tempos lively and the playing up to snuff. Järvi does just that. Mathis der Maler’s finale is especially tricky in this respect, and here it moves with dispatch. The Symphonic Metamorphoses on Themes by Carl Maria von Weber similarly has plenty of virtuosity and brilliance. The Turandot-Scherzo really rocks, with the woodwind giggling maniacally and the brass having a blast.

The couplings are also interesting. Nobody plays the Five Pieces for String Orchestra in concert, but they are, like most Hindemith, good, solid music with plenty of character. Ragtime is supposed to be a funny parody of the C major fugue from Bach’s Well-Tempered Clavier, Book 1, but like most Hindemithian attempts at humor, the result comes across and more awkward and clunky. Järvi does all he can with it, though. Fine sonics cap a really fine release of music that seems to be hanging on to the fringes of the repertoire by its fingernails.

Recording Details:
Reference Recording: Mathis: Steinberg/BSO (DG); Symphonic Metamorphoses: Szell (Sony)


Symphony "Mathis der Maler"; Symphonic Metamorphoses on Themes by Carl Maria von Weber; Five Pieces for String Orchestra; Ragtime

Järvi, Paavo (conductor)
Frankfurt Radio Symphony
Naïve - 5434

6e Festival de Pâques d’Aix-en-Provence (jour 12) - Les violons sont de sortie…
Michel Egea


Devant le Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, la talentueuse et séduisante violoniste Veronika Eberlé. (Photo Caroline Doutre)

Changement de décors, changement d’ambiance. Salle quasi complète pour un programme Brahms servi par la jeune violoniste Veronika Eberlé, les musiciens du « Deutsche Kammerphilharmonie Bremen » et le maître Paavo Järvi. C’est le concerto pour violon en ré majeur, op.77 qui ouvrait la soirée. Et si précédemment nous nous étions retrouvés en manque d’émotion, avec Veronika Erberlé ce ne fut pas le cas. Elle a le charme de ses 29 ans, la classe d’une grande soliste et un Stradivarius de 1700 « Dragonetti » à la sonorité chaude et envoûtante. Bien campée sur ses jambes, la violoniste entre dans l’œuvre sans hésitation ; c’est tout de suite solide et précis. Finesse et sentiments dans les parties paisibles, engagement et puissance lorsque arrive l’allegro : c’est du travail bien fait en parfait adéquation avec les couleurs somptueuses d’un orchestre hors du commun et la lecture idéale de la partition par Paavo Järvi. Autant dire que le succès sera au rendez-vous avant l’entracte comme il le fut après. Car, sans la violoniste, mais avec un orchestre au complet, c’est la Symphonie n°1 de Brahms qui nous était offerte. Un vrai monument musical servi par une formation qui, pour nous, est la meilleure entendue jusqu’alors à l’occasion de ce 6e Festival de Pâques. Pourquoi ? Parce qu’elle est somptueuse de couleurs et de précision à tous les pupitres, parce qu’il y a des musiciens qui s’écoutent les uns les autres pour accéder à un niveau stratosphérique d’interprétation, parce que sous la direction d’un chef éclairé et habité par la musique elle a livré une symphonie avec puissance, cohésion et envie. On a beau chercher une faille, un décalage, c’est en vain. Les cordes sont chaudes et soyeuses mais nous avons été particulièrement séduits par les bois avec le trio flûtes, hautbois et clarinettes tout en haut de l’afficher. Du brillant et de la qualité extrême, aussi, chez les cuivres très sollicités par la symphonie de Brahms. Mémorable soirée, donc, qui fera date… Et qui nous donne envie de vite réentendre Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen avec le maestro Järvi à sa tête. Fin de l’acte 2 de la journée « violon »… Dommage ; on aurait aimé qu’elle se prolonge encore…

Wiedereröffnung des Markgräflichen Opernhauses Bayreuth im Bayerischen Rundfunk

Sendungen rund um das UNESCO Weltkulturerbe

Seit 2013 wurde das Markgräfliche Opernhaus in Bayreuth umfangreich saniert. Das Opernhaus zählt zu den wenigen im Original erhaltenen Theater- und Opernbauten aus dem 18. Jahrhundert, im Jahr 2012 wurde es zum UNESCO Welterbe erklärt. Nach der Sanierung wird es wieder für Konzert- und Opernaufführungen genutzt. Der Bayerische Rundfunk berichtet ab dem 6. April rund um die feierliche Wiedereröffnung am 12. April 2018.

Am 12. April dieses Jahres wird das Markgräfliche Opernhaus mit einem Festakt und der anschließenden Aufführung der Barockoper „Artaserse“ von Johann Adolf Hasse eröffnet. Bereits die Eröffnungsoper im Jahr 1748 stammte von dem deutschen Komponisten des Spätbarock.

Der Festakt kann über Video-Livestream auf und über Facebook verfolgt werden. Berichte rund um das Bauwerk und seine Wiedereröffnung senden die Hörfunkwellen Bayern 1, Bayern 2, BR-Klassik und B5 aktuell sowie das BR Fernsehen in den Sendungen der Rundschau, der Abendschau, der Frankenschau aktuell und des Rundschau Magazins.
Ein Höhepunkt am Schluss: Das Europakonzert der Berliner Philharmoniker

Seit 1991 geben die Berliner Philharmoniker alljährlich am 1. Mai ihr Europakonzert – damit will Deutschlands Toporchester nicht nur an seine Gründung am 1. Mai 1882 erinnern: Mit ihrem Europakonzert wollen die Berliner auch ein Zeichen der Solidarität mit der europäischen Idee setzen. Deshalb findet es jedes Jahr an einem anderen kulturgeschichtlich bedeutsamen Ort statt. 2018 haben sich die Musiker für das frisch sanierte Markgräfliche Opernhaus in Bayreuth entschieden. Gastdirigent ist Paavo Järvi, den Schwerpunkt des Programms bildet Musik von Ludwig van Beethoven und, als Tribut an die Wagner-Stadt Bayreuth, die “Wesendonck-Lieder” von Richard Wagner mit der niederländischen Sopranistin Eva-Maria Westbroek.

Das Europakonzert wird am 1. Mai ab 11.00 Uhr live im Ersten Deutschen Fernsehen übertragen sowie im Hörfunk auf BR-Klassik. Zudem kann das Konzert per Video-Livestream auf miterlebt werden.

Vertiefende Sendungen

Rund um das Ereignis der Wiedereröffnung am 12. April bietet der Bayerische Rundfunk Hörfunk- und Fernsehsendungen zur Geschichte des Hauses und seiner Bauherrin, der Markgräfin Wilhelmine von Bayreuth.

Bereits am 6. April lässt Gudrun Petruschka im „Musikfeature“ auf BR-Klassik Restaurateure und Restaurateurinnen zu Wort kommen sowie – aus ihren Briefen – die Markgräfin und passionierte Opernliebhaberin Wilhelmine selbst. In der Musiksendung „Tafel-Confect“ am 15. April beleuchtet Christian Schuler die Musikgeschichte der Residenzstadt Bayreuth.

In einer Fernsehdokumentation am 16. Oktober, kurz nach dem 260. Todestag Wilhelmines, stellt Melisa Lota die Bayreuther Markgräfin und ihr kulturelles Wirken in Oberfranken ausführlich vor.

Zum Markgräflichen Opernhaus Bayreuth

Das Markgräfliche Opernhaus der damaligen Residenzstadt Bayreuth entstand ab 1744 in nur vier Jahren Bauzeit nach Plänen von Joseph St. Pierre. Es gehört zu den wenigen noch erhaltenen Theaterbauten des 18. Jahrhunderts in Europa und wurde 2012 in die Liste des UNESCO-Welterbes aufgenommen. In der Begründung heißt es: „Es ist das einzige noch erhaltene Beispiel für Hofopernarchitektur, in dem die Kultur und Akustik der barocken Hofoper authentisch erlebbar sind.“ Den Innenraum gestaltete Giuseppe Galli Bibiena, einer der angesehensten Theaterarchitekten seiner Zeit. Errichten ließ das Opernhaus Markgräfin Wilhelmine von Brandenburg-Bayreuth (1709-1758), eine Schwester Friedrichs des Großen von Preußen.
BR-Klassik, 6. April, 19.05-20.00 Uhr (Wh. am 7. April 14.05-15.00 Uhr): Musikfeature über die Geschichte und Restaurierung des Markgräflichen Opernhauses
Bayern 1, 9. April, 12.05 Uhr: Mittags in Franken, Beitrag zur Generalprobe der Eröffnungsvorstellung
Bayern 1, Bayern 2, B5 aktuell, BR-Klassik: 12. April (Tag der Eröffnung): Beiträge über die Wiedereröffnung
BR-Klassik, 15. April, 12.05 Uhr: Tafel-Confect, Themen-Schwerpunkt „Residenzstadt Bayreuth“
BR-Klassik, 1. Mai, 11.00 Uhr: LIVE-Übertragung des Europakonzerts der Berliner Philharmoniker aus dem Markgräflichen Opernhaus Bayreuth
BR Fernsehen Nord, 8. April, 17.45 Uhr: Frankenschau am Sonntag, Beitrag zur Wiedereröffnung
BR Fernsehen Nord, 9. April 17.30 Uhr: Frankenschau Aktuell, Vorbereitungen zur großen Eröffnung
BR Fernsehen, 12. April: Rundschau, Abendschau, Frankenschau aktuell, Rundschau Magazin: Beiträge rund um die Eröffnung und die aufwändige Restaurierung
Das Erste, 1. Mai, 11.00 Uhr: LIVE-Übertragung des Europakonzerts der Berliner Philharmoniker aus dem Markgräflichen Opernhaus Bayreuth
BR Fernsehen, 16. Oktober, 22.30 bis 23.15 Uhr: Dokumentation (zum 260. Todestag der Bauherrin des Opernhauses, Markgräfin Wilhelmine von Bayreuth)
Im Internet:, 12. April, 18.30-19.30 Uhr:
Video-Livestream vom Festakt der Wiedereröffnung und , 1. Mai, 11.00 Uhr:
Video-Livestream des Europakonzerts der Berliner Philharmoniker aus dem Markgräflichen Opernhaus Bayreuth
Außerdem: Dossiers, Artikel, Bildergalerien und Online-Videos

EFO Shostakovich CD review at
James Manheim

The Alpha label has been reconfigured into part of the larger OutHere group, with a general repertory replacing the Renaissance and Baroque specialties of the sumptuously packaged former label. One thing has remained the same, however, at least in this release by conductor Paavo Järvi and the ad hoc but highly talented Estonian Festival Orchestra: packaging that delves into the context of the music involved. In this case you get pictures of Shostakovich with the Järvi family, whom he met on the Baltic coast in 1973. Whether that resulted in an especially sympathetic reading of the ShostakovichSymphony No. 6 in B minor, Op. 54, is debatable, but the fact remains that Järvi gets real zip into the finale, giving it a generous dose of the pure sardonic Shostakovich spirit. The orchestral version of the String Quartet No. 8 in C minor, Op. 110, is another matter. It is not the familiar orchestration by Rudolf Barshai but one by Abram Stasevich that adds a timpani, using it to emphasize some of the quartet's famous block chords. The timpani is not always present, and what Stasevich does falls less in the realm of arrangement than in that of recomposition. One may note that the festival setting is conducive to such floated ideas; one may also wonder what it is about this particular string quartet, lovely in itself, that keeps people fooling with it. Your mileage may vary. In any event, a fine and fun recording of the somewhat neglected Symphony No. 6.


Der Standard
Ljubiša Tošić

Classical CD Reviews: Estonian Festival Orchestra’s Shostakovich
Jonathan Blumhofer

Paavo Järvi and the Estonian Festival Orchestra present a probing and excellent version of Shostakovich’s Symphony no. 6

Shostakovich’s Symphony no. 6 is, arguably, his strangest and most difficult multi-movement symphony to pull off in performance. The problems owe both to the score’s structure – a mammoth first movement followed by two shorter ones – and the music’s expressive content: the opening movement is a searing, if unbalanced, essay, followed by a pair of raucous, irreverent episodes. It’s a piece that’s thrown more than a few fine conductors for a loop.

Just don’t tell that to Paavo Järvi and the Estonian Festival Orchestra (EFO), whose new recording (for Alpha) of the piece (paired with the op. 110b Chamber Symphony) is probing and excellent.

You know this is a great Shostakovich Six from the way Järvi and his crew approach that perplexing first movement. On paper it’s lopsided, with a rather flowing first third followed by spare, recitative-like writing over much of its next two thirds. Yet you don’t really notice that structural instability in this performance for a couple of reasons.

The first is tempo. Järvi’s is a reading that is notably fluent and never dawdles. At the same time, it doesn’t rush over anything it shouldn’t. His sense of pacing throughout is logical and reasoned – but, at the same time, well-attuned to the music’s expressive features. The opening section offers plenty of momentum, but so do the soloistic parts that follow: there’s a sense of heartbeat and pulse in this interpretation that brings this complicated movement impressively to life.

The second characteristic is the EFO’s playing, which is – for lack of a better word – brilliant throughout. String tone is warm but uncompromising. Woodwinds and brass are perfectly secure, pitch-wise. And the percussion offers a sort of Mahlerian menace that jumps out powerfully. The movement’s moments of true warmth – the chorale that appears near the end, the reprise of the opening material – speak with an intensity and conviction that’s thoroughly lived and entirely of the moment.

So, in their different expressive ways, are the subsequent movements. The second, opening with a superb account of its rowdy clarinet solo, wears itself out sooner than not; the last, is taken at a breathtaking clip and seems to banish the foul memories of the first movement. Only it doesn’t quite – which is rather the music’s point.

Filling out the disc is Abram Stasevich’s arrangement of the String Quartet no. 8 for string orchestra and timpani. Maybe it’s the addition of the drum – more likely it’s the sheer ferocity of the EFO’s playing – but I found this a far more convincing adaptation and orchestral reading of the piece than Dmitri Sitkoevsky’s more familiar strings-only setting. As in the Symphony, the orchestra’s playing drives furiously (the second and third movements, in particular, are ferocious) while the music’s blistering pathos burns through every queasy phrase.

In all, this is an unsettling performance of a deeply disturbing, if familiar, piece. It’s one with which you really can’t go wrong.

Brahms, neu zur Rede gestellt
Karl Harb

Hörabenteuer mit Paavo Järvi und der Deutschen Kammerphilharmonie.

Paavo Järvi und "seine" Bremer sind auch im Wiener Klang firm
Susanne Zobl

Wiener Juwelen

Der Geiger Christian Tetzlaff und der Dirigent Paavo Järvi in Bremen

Bremen - Von Ute Schalz-Laurenze. Als Wolfgang Amadeus Mozart sein erstes Violinkonzert in B-Dur, KV 207, schrieb, war er gerade einmal 16 Jahre alt, hatte aber schon für Mailand „Mitridate“ und „Lucio Silla“ komponiert. Mit enormem Schwung – vielleicht manchmal etwas zu grob und zu laut – spielte jetzt die Deutsche Kammerphilharmonie unter der Leitung von Paavo Järvi das melodienselige Werk.

Christian Tetzlaff ist dabei erwartungsgemäß der ideale Interpret für den anspruchsvoll-virtuosen Solopart, der auch zeigt, wie gut Mozart neben dem Klavier Geige spielen konnte. Mit seinem silbrig-eleganten, aber doch substanzreichen Ton, einer verzaubernden Fülle von Artikulationen und Verzierungen und einem überzeugenden Maß an Rhetorik erinnert Tetzlaff an das heute selten gespielte Werk. Die fünf Mozart-Konzerte hat Tetzlaff schon um 1995 mit der Kammerphilharmonie gespielt, auch jetzt werden weitere Auftritte folgen.

„Wiener Juwelen“ ist das Konzert betitelt. Dabei war Mozart im Jahr 1773 noch gar nicht in Wien, sondern noch Konzertmeister der Salzburger Hofkapelle. Seine spätere Entscheidung für Wien erlaubt den Titel aber durchaus.

Ganz nach Wien gehört übrigens auch Joseph Haydns Sinfonie Nr. 103 nicht. Der Komponist schreibt sie in und für London. Dennoch passt die Zuordnung zum Titel des Abends, Haydn war in seinen späten Jahren schließlich ein weltberühmter Wiener Komponist. Der Untertitel „Mit dem Paukenwirbel“ reißt die Ideen und den Humor Haydns auf, ein Ton, den die Musiker wunderbar präzise treffen – besonders auch die oft witzigen Verhältnisse zwischen Bläsern und Streichern.

Wirklich wienerisch ist dann die 4. Sinfonie in c-Moll des 16-jährigen Franz Schubert, von dem die österreichische Hauptstadt zeit seines Lebens aber nichts wissen wollte. Weshalb sich der junge Mann an der Größe Beethovens abarbeiten musste. So ganz anders als Beethoven, bei dem der Diskurs im Vordergrund steht, gestaltet Schubert Landschaften, durch die der Hörer mit immer neuen Perspektiven und Atmosphären gleichsam wandert. Wechsel, durch die Järvi das glänzend aufgelegte Orchester behutsam und im letzten Satz getrieben wild steuert.




1.交響曲第1番 ハ短調 作品68
2.ハイドンの主題による変奏曲 作品56a
2017年1月2 6日&27日、ベルリン、フンクハウス・ベルリン(2)


Das Warten hat sich gelohnt!
Meinolf Bunsmann

Paavo Järvi dirigiert Musik von Schostakowitsch. Mit dem von ihm 2011 gegründeten Estnischen Festival Orchester. Ein rundum gelungenes Debütalbum

Ein Urlaubsort wird zum Aufnahmeort. 1973 lernt der zehnjährige Paavo Järvi bei seinem Badeurlaub im estnischen Pärnu den russischen Komponisten Dmitrij Schostakowitsch kennen. Über 40 Jahre später nimmt er seine Musik mit dem Estnischen Festival Orchester auf. Im Konzerthaus von Pärnu. Die 6. Sinfonie und das 8. Streichquartett in der Fassung für Streicher und Pauken. Ein rundum gelungenes Debütalbum!

Tiefe. Weite. Sehnsucht.

Es federt, es fließt, man kann die motorische Energie der Musik fühlen. Der Klang dieses Ensembles birgt Suchtpotential. Paavo Järvi dirigiert das Estnische Festival Orchester mit großer Präzision und Stringenz. Führt es kontrolliert zu dramatischen Höhepunkten, hat die Musik immer "im Griff". Im dritten Satz von Schostakowitschs Sechster Sinfonie fast schon mit Rossinischer Leichtigkeit.

Paavo Järvi und dem Estonian Festival Orchestra beim Proben über die Schulter schauen: im Video


Ein Este unter Esten. Paavo Järvi und das Estnische Festival Orchester. Dirigent und Musiker auf einer Wellenlänge. Dieses Schostakowitsch-Album ist ein Volltreffer!,jaervi-schostakowitsch-100.html

Järvi and the Philharmonia Orchestra present a Bohemian feast with exhilarating performances of Dvořák
Young-Jin Hur

It would be no grave exaggeration to suggest that Dvořák’s melodic inventiveness is one that enriches the charm of Western classical music. Paavo Järvi, after presenting a series of works by the Danish composer Carl Nielsen with the Philharmonia Orchestra last year, returned to present a feast of Bohemian vigour via Dvořák’s three late masterpieces.

The Carnival overture, being the central installment of the orchestral triptych of “Nature, Life and Love”, is a work that brims of buoyant vivacity. Upon the solid gestures of Järvi’s direction, drama as much as festivity was observed, even if the orchestral clarity and warmth of tone were at times compromised. Evidently, Järvi saw ample opportunity for contrasts, as the wistful central thematic group bore shape of an oasis, reflecting the unusually bracing sinew of the outer movements.

Yet the aesthetics of Järvi assured that nothing was zealously overcooked, whilst the large picture was respected with a seriousness of intent. Thus even in the most animated or vehement of occasions a sense of steadiness if not sobriety was present. Such a view was further expressed in the Cello Concerto, which started off slowly in solemn gravity. Capuçon was well within the same chemical makeup, as the ensemble and soloist progressed the piece as an elegiac essay rather than a work of autumnal sunshine. A meditative calm pervaded the spare Adagio, and while the heroic undertone was never fully fleshed out in the Finale, in truth the interpretation of this last movement was never far out from the rest of the brushstroke: sombre, calm and not without a shade of regret. If refreshment implies surprise, the cool breeze of the performance implied something very similar.

Given the preceding performances, it was fitting of Järvi’s judgement to attack the D minor Symphony with a certain monumental starkness. The timpani came rarely gently and the strings did not evince their vibrato cheaply. The explicit melancholy of the Adagio was underplayed with a brisk attitude; little sweetness lingered in the fleet contours of the winds, and a sense of nobility eclipsed a movement that can risk being affective routine.

Yet as much flair as musicality awaited in the second half of the symphony. Through carefully yet fluidly carved out dynamics and judicious interpretative accents, the Scherzo lilted with scintillating vim, even if the architectural foundations remained unshaken. And had the orchestra reserved its finest spirit of the evening for the last movement? The sparring timpani and regimented strings took the volume a notch higher, and save a small blunder from the horns, an exhilarating performance of both sturdy discipline and passion was delivered, to conclude with utmost uplift. Facing the hush immediately following the final note of the score, questions of whether in this symphony Dvořák opted for a textbook darkness to light narrative, or whether he had found a unique voice beyond his musical reverence toward Brahms, all became irrelevant.

Was der neue Chef-Dirigent mit dem Tonhalle-Orchester vorhat
Anna Kardos

Paavo Järvi wird ab 2019 das Tonhalle-Orchester leiten. Der Dirigent kann sehr vieles – nur nicht abschalten

Die Hintergrundmusik in der Hotellobby ist laut, Dirigent Paavo Järvi (55) soeben in Zürich gelandet, nach dem Interview will er ins Konzert. Selber tourt er gerade mit dem Estonian Festival Orchestra durch Europa. Stress? Scheint für der Esten ein Fremdwort.
Paavo Järvi, auf Ihrem aktuellen Album und Ihrer Europatour spielen Sie Musik aus Ihrer Heimat Estland und aus der Sowjetunion. Was ist das Besondere an dieser Musik?

Was sonst wollen Sie nach Zürich bringen, wenn Sie 2019 Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters werden?

Paavo Järvi: Besonders ist vor allem das Estonian Festival Orchestra, das wir am Festival in Pärnu gründeten. Gemeinsam möchten wir estnische und nordische Musik einem breiten Publikum näher bringen.

Was sonst wollen Sie nach Zürich bringen, wenn Sie 2019 Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters werden?

Um in der Gesellschaft des 21. Jahrhunderts zu funktionieren, darf ein Orchester sich nicht auf etwas spezialisieren. Früher war das anders. Wer Karajan hören ging, wusste: Er wird Brahms oder Strauss dirigieren. Sogar herausragende Orchester verfügten über ein kleines Repertoire. Seither hat sich die Welt verändert, das Publikum ist offener geworden. Etwas davon möchte ich nach Zürich mitbringen.

Hat Ihr Vater Neeme Järvi Ihnen Tipps gegeben im Umgang mit den Schweizern? Immerhin war er Chefdirigent des Orchestre de la Suisse romande.

(lacht) Nein. Aber ich habe sehr viel von ihm gelernt. Als ich jünger war, rief ich ihn oft an. Oder er telefonierte und sagte: Pass auf bei dieser Stelle da – die ist heikel.

Ihr Bruder ist auch Dirigent, Ihre Schwester Flötistin.

In unserer Familie gibt es 25 Musiker – und viele spielen im Estonian Festival Orchestra. Mein Vater ist das Zentrum. Er ist sehr stolz auf uns.

Sie haben in der «NZZ am Sonntag» gesagt, Sie kämen nicht mit dem Slogan: «Make the Tonhalle great again». Hat das Orchester an Qualität verloren, seit Chefdirigent Zinman gegangen ist?

(vehement) Nein. Das Orchester ist wundervoll. Und es hat nicht an Qualität verloren. Allerdings könnte es sichtbarer werden in Zukunft.

Müssen Orchester sich heute auch präsentieren?

In der heutigen Welt herrscht so viel Betrieb. Überall ist etwas los, und ständig strömen Informationen auf uns ein.

Was wollen Sie dem entgegenhalten?

Man braucht eine klare Identität und Sichtbarkeit. Man muss für etwas stehen.

Wie erreicht ein Orchester das?

Wichtig sind Alben und zu touren. Auch dass man visuelle Medien so oft wie möglich nutzt. Die Tonhalle bietet Streams an, aber es könnten mehr sein. Da nicht die ganze Welt nach Zürich kommen wird, müssen wir unseren Weg in die Welt finden.
Das klingt nach einem neuen Zeitabschnitt bei der Tonhalle. David Zinman war ein väterlicher Dirigent, der amtierende Chef Lionel Bringuier ist ein leidenschaftlicher Junger. Welche Art von Dirigent werden Sie sein?

Ich kann nur sein, was ich bin. Meine Aufgabe ist sehr klar: Mit anderen Musik zu machen und den Hörern die bestmögliche Musik bieten – und alles andere vergessen.

Präsentieren und Musik machen geschehen also nicht gleichzeitig?

Manchmal überrascht mich, wie andere mich wahrnehmen. In Frankreich steht in jeder Kritik: Er hat eine eiserne Faust in einem Samthandschuh. Ich finde nicht, dass ich das habe. Ja ich weiss nicht einmal, was das heissen soll.

Wie würden Sie sich denn beschreiben?

Das ist eine sehr schwierige Frage für mich: Ich bin Musiker. Ich bin Este. Ich lebe überall und nirgends. Und ich bin sehr glücklich.

Was macht Sie glücklich?

Ich lebe nahe am Idealzustand, habe ein gutes Verhältnis zu meinen Kindern. Ich freue mich jeden Morgen, aufzustehen und Musik zu machen. Ich kann meine Rechnungen bezahlen. Und manchmal liegen sogar ein Glas oder eine Flasche Champagner drin. Alles läuft reibungslos und erlaubt mir, Musik zu machen.

Sie haben Dirigieren und Schlagzeug studiert. Über Schlagzeuger machen andere Musiker gerne Witze.

Sie werden staunen, aber viele Dirigenten haben Schlagzeug studiert: Simon Rattle, mein Vater Neeme Järvi, Fritz Reiner. Schlagzeug spielen hat den Vorteil, dass man früh in Orchestern aushelfen kann. Man erhält Gelegenheit, die komplizierte Chemie zwischen Musikern und Dirigent von Grund auf zu lernen: Was einen Dirigenten sympathisch macht und warum man anderen nur schwer folgen kann. Man lernt, wie man um etwas bitten und wie man etwas fordern muss. Es ist eine richtige Schule.

Ihr Dirigierlehrer war Leonard Bernstein, der mit einem Bein in der Klassik stand und dem anderen am Broadway. Wollen Sie auch die Grenzen lockern? In Bremen haben Sie mit Popmusikern zusammengespannt.

Ich wollte eine Brücke bauen zu uns, weil es mich schockiert hat zu hören, wie viele Kinder noch nie in einem klassischen Konzert waren. Tatsächlich gelingen aber nur sehr wenige Versuche, die Genres zu kreuzen. Einer verliert immer.


Die Ziele von leichter Musik und von Kunstmusik sind unterschiedlich. Die eine will unterhalten, die andere zum Denken anregen. Zudem ist Pop, hinsichtlich der Medien, Choreografie oder der visuellen Effekte durchorganisiert. Er ist grösser und lauter.

Kann klassische Musik nicht auch gross und laut sein?

Doch. Die Sinfonien von Mahler wurden komponiert, um gross zu sein. Aber für eine Haydn-Sinfonie ist das völlig der falsche Weg. (verbeisst sich ein Gähnen) Entschuldigung, ich komme direkt aus den USA und kämpfe mit der Zeitverschiebung. Eigentlich bin ich permanent jetlagged.
Stichwort Erholung: Geigerin Viktoria Mullova, die mit Ihnen tourt, sagt: «Stärke wächst aus Stille.» 

Wo holen Sie sich Stille?

Ich bin ganz ehrlich: Ich habe viel zu wenig Stille. Was mir am meisten fehlt, ist Zeit. Ich bin nie allein. Andererseits, wenn man sich permanent in diesem Kreislauf von Musikmachen bewegt, ist man jederzeit fit zum Auftreten.

Ist Musik für Sie eine Obsession?

Es ist vor allem das Adrenalin. Würde ich zwei Wochen Ferien machen – was mir nie passiert –, wäre ich komplett verloren. Ein Gefühl wie … auf Englisch gibt es den Ausdruck: Ein Fisch im Wasser, ein Fisch an Land. Als Fisch im Wasser weiss ich, was ich zu tun habe.
Sie sind Chefdirigent in Tokio und Bremen, Ihre Familie lebt in den USA, werden Sie 2019 nach 

Zürich ziehen?

Ich werde hierherziehen. Aber so, wie ich eben an einen Ort ziehe. Wenn mich jemand fragt, wo ich wohne, weiss ich die Antwort darauf nicht. Die meiste Zeit verbringe ich unterwegs von einem Konzert zum nächsten.

Monday, February 26, 2018

SHOSTAKOVICH Symphony No 6. Sinfonietta (Järvi)
David Gutman

Estonia’s vexed relationship with Russian power echoes Shostakovich’s unavoidably equivocal world view. The composer spent time in the Baltic seaside resort of Pärnu, then a relatively liberal outpost of the Soviet empire, and Alpha’s beautifully designed physical product includes photographic corroboration of his encounter with the Järvis in 1973.
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Like his father, Paavo Järvi plainly loves recording, but where Neeme in his prime was intent on transmitting the inner life of a score, Paavo can seem almost excessively sure-footed, as if preoccupied with precisely buffed surfaces. Not so here in a release coinciding with the 100th anniversary of Estonian independence. Since 2011 the peripatetic maestro has touched base at the Pärnu Festival every August, overseeing its evolution into a kind of alternative Lucerne, a summer season for the cream of Estonian musical talent drawing guest players from more venerable European ensembles. The resulting super-group is not huge but its bright clarity, with violins antiphonally placed, does not preclude the plumbing of depths both physical and emotional.
In any event this must be one of the finer Sixths of the digital era. Minor imprecisions present in the closing concert of the 2016 season as captured on film have been eliminated for this audio version (subsequently recorded in whole or in part). Even now, the finale whirls us to its end with articulate ferocity at a tempo almost faster than the players can manage. Vladimir Jurowski, to name one recent rival, is much more symphonically sedate. Closer to Jurowski, and indeed to Neeme, in Shostakovich’s great opening Largo, Paavo rejects the funereal approach implied by the initial metronome mark, admitting a rare degree of light and shade. I loved the idiosyncratic woodwind solos.
Sadly Abram Stasevich’s arrangement of the Eighth String Quartet proves more problematic. However compelling the performance, readers reluctant to embrace the usual string orchestra transcription by Rudolf Barshai will have insurmountable problems with the incursions of timpani. The symphony at least is terrific.

«Musik muss man gemeinsam machen»
Marco Frei

Im Sommer endet die kurze Ära von Lionel Bringuier als Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters. Sein Nachfolger Paavo Järvi ist schon vor seinem Einstand 2019 sehr präsent in Zürich. Worauf dürfen sich Musiker und Musikfreunde einstellen?

Die Fotografie geniesst Kultstatus in Estland. Der grosse Komponist Dmitri Schostakowitsch ist darauf zu sehen, zusammen mit dem estnischen Dirigenten Neeme Järvi. Auch ein Kind lugt etwas scheu nach links. Es ist Paavo, der älteste Sprössling des «Järvi-Clans». Sein Bruder Kristjan ist ebenfalls Dirigent, die Schwester Maarika bläst die Flöte. Das tut sie auch im Estonian Festival Orchestra (EFO), das 2011 gegründet wurde, von Paavo Järvi. Seinen Sitz hat das Orchester in Pärnu, einem Seebad südlich von Tallinn. Hier haben sich einst viele Persönlichkeiten des sowjetischen Musiklebens eine Sommerfrische gegönnt: der Geiger David Oistrach etwa oder eben Schostakowitsch – und hier ist 1973 auch die besagte Aufnahme entstanden.

Sommers ist in Pärnu der Bär los. Im Winter liegt hier hingegen der Hund begraben. Trotzdem kommt an diesen eisigen Tagen im Januar das EFO in Pärnu zusammen, um zu proben. Als Dirigent versteht sich Paavo Järvi als Teil einer Gemeinschaft, ganz leger mit Turnschuhen und T-Shirt. Ein «PR-Gag» ist das nicht, denn: Wer mit ihm spricht, muss akzeptieren, dass ihn pausenlos Musiker belagern. Auch seine Schwester schaut vorbei. Wie Järvi als Bruder ist? «Furchtbar! Er ruft nicht an, meldet sich nicht: schlimm! Und seine Witze sind wirklich schlecht.» Er nimmt es gelassen und lächelt, wohl mehr verlegen als vergnügt. Seine eigene Person rückt er nämlich nicht so gern in den Fokus. Das braucht er nicht, um zu erreichen, was er will.

Herr Järvi, von Bernard Haitink stammt der Ausspruch, dass er als Dirigent nur die Luft sortiere. Was halten Sie davon?

Dass man die Musiker einfach spielen lasse und als Dirigent im Grunde gar nichts tue, sind schöne Worte. Sie entspringen meiner Meinung nach einer «Gentleman-Attitüde», um auf derartige Fragen nicht einzugehen. Nur weil sich Bernard Haitink nicht viel bewegt, heisst es nicht, dass er nicht viel macht. Er erkennt sofort und genau, was ein Orchester wann benötigt. Wenn es nicht gebraucht wird, tut er es nicht. Er vertraut der Intelligenz und der Integrität der Musiker. Und wenn Haitink den Raum betritt, sitzen alle bereits an der Stuhlkante: allein weil er sich ein bestimmtes Renommee erworben hat.

Was folgern Sie daraus?

Grosse Dirigenten wie Haitink oder auch mein Vater Neeme Järvi haben mit der Zeit erkannt, dass vieles, was sie zuvor taten, nicht zwingend notwendig war. Indem man einiges bewusst weglässt, offenbart sich allmählich, wie unnötig manche Bewegungen oder Informationen sind. Sie irritieren nur. Vieles ist einzig dem eigenen Ego geschuldet, um «grosse Gefühle» aufzuzeigen. Aber niemanden kümmert das, und es hat keinen Effekt auf das Ergebnis.

Was haben Sie noch von Ihrem Vater gelernt?

Alles! Seinetwegen liebe ich Musik und bin Musiker. Die ganze Dirigiertechnik habe ich von ihm gelernt, auch den Enthusiasmus, das Sammeln von Aufnahmen und das Studieren des Repertoires. Das hat mich sehr vertraut gemacht mit den unterschiedlichen Traditionen und Möglichkeiten der Interpretation. Vor allem aber wirkten seine Liebe und Begeisterung für das, was er gerade tat, absolut ansteckend. Das Dirigieren ist ein langfristig angelegter Beruf und demzufolge eine ständige «work in progress». Jedenfalls sollte das idealerweise so sein. Man sollte früh anfangen, um eine gewisse Erfahrung zu sammeln.

Genau das trifft auf den Werdegang von Järvi zu. Das betont auch Erkki-Sven Tüür. Er ist neben Arvo Pärt der international bekannteste Komponist Estlands und ein enger Weggefährte von Järvi. Sie haben sich Ende der 1970er Jahre kennengelernt, an der Musikhochschule in Tallinn, wo Järvi neben Dirigieren auch Schlagzeug studierte. In der von Tüür gegründeten Rockgruppe In Spe, die im Baltikum während der Sowjetzeit subversiven Kultstatus genoss, trommelte Järvi mit. Seine Laufbahn als Dirigent nennt Tüür «einzigartig», weil Järvi «kluge Entscheidungen» getroffen habe. «Er hat alles Schritt für Schritt getan, und die Kontinuität sowie die stetige Optimierung des Könnens sind faszinierend.» Tatsächlich fällt auf, dass Järvi schon Mitte der 1990er Jahre in Malmö sowie beim Kungliga Filharmoniska Orkestern in Stockholm ein breites Repertoire gepflegt hat. Andererseits arbeitet Järvi danach mit Klangkörpern, die in Struktur und Ausrichtung zum Teil erheblich voneinander differieren.

Zehn Jahre lang leitet er ab 2001 das Sinfonieorchester in Cincinnati, wirkt von 2006 bis 2013 beim Radiosinfonieorchester des Hessischen Rundfunks (HR) in Frankfurt. Überdies folgt er einem Ruf zum Orchestre de Paris und tritt 2015 als Chefdirigent bei den NHK-Sinfonikern in Tokio an. Ausser mit diesen grossen Klangkörpern arbeitet Järvi seit 2004 mit der Deutschen Kammerphilharmonie in Bremen zusammen. Zuvor hatte Järvi sein Studium am Curtis Institute in Philadelphia sowie in Los Angeles fortgesetzt, nicht zuletzt bei Leonard Bernstein. Seine ganze Familie war 1980 in die USA emigriert.

Wie hat Sie Ihr Vater an die Musik herangeführt?

Er hat nie gefordert: «Du musst das oder jenes tun.» Wenn wir eine Aufnahme zu Hause anhörten, sagte er mehr: «Hast du das eben gehört? Ist das nicht grossartig? Hast du wahrgenommen, wie er sich an dieser Stelle Zeit nimmt?» Es war wie eine Art Spiel, ein Lehrspiel. Manchmal nahm er die Partitur zur Hand, blätterte sie auf und fragte uns: «Wo sind wir gerade?» Auf diese Weise haben wir frühzeitig gelernt, wie eine Partitur notiert ist: eben durch die praktische Anschauung. In diesem Sinn ist alles seine Schuld.

Obwohl Sie sich interpretatorisch von Ihrem Vater erheblich unterscheiden?

Es gibt Unterschiede, ja. Man wird älter, nimmt alles mit, was man an Erfahrungen angesammelt hat. Mein Vater hat viel länger in der Sowjetunion gelebt als wir Geschwister. Wir haben eine Ausbildung genossen in Estland, aber dann sind wir nach Amerika gegangen. Wir sind also verbunden und doch auch verschieden. Ich bin eine andere Person. Das ist normal und auch gesund.

Wie ist Ihr Vater mit seinen Musikern umgegangen?

Mit Daniel Barenboim hatte ich einmal eine wunderschöne Unterhaltung. Er sagte mir: «Wissen Sie, ich habe noch nie und nirgends einen Orchestermusiker getroffen, der Ihren Vater nicht mag.» Ich glaube, das besagt etwas Entscheidendes: Niemand lässt sich zwingen, schöne Musik zu machen. Das erscheint allerdings wie ein Widerspruch, wenn man sich an manche grosse Dirigenten des 20. Jahrhunderts erinnert. Nehmen Sie George Szell, Fritz Reiner, Eugene Ormandy oder Leopold Stokowski: Sie haben nicht nur die grossen amerikanischen Orchester massgeblich aufgebaut, sondern die Musiker buchstäblich terrorisiert.

Das galt ebenso für Arturo Toscanini, und auch Christian Thielemann ist nicht gerade ein Friedensstifter, oder?

Jedenfalls wird über jene Dirigenten oft und gern gesagt, sie hätten einen «tollen Ensembleklang» kreiert. Doch was haben sie tatsächlich erreicht? Wenn wir zurückblicken, müssen wir feststellen: Sie haben ihr eigenes Werk vergiftet. Man kann von ihrem Trunk nicht trinken, weil sie einen permanenten Antagonismus zwischen den Musikern und den Dirigenten erschaffen haben. Es ist ein giftiges Gebräu aus Misstrauen, Furcht und Konflikten bis hin zu im Grunde offener Verachtung. Leider ist das ein Teil der DNA mancher Orchester in Amerika geworden.

Wie meinen Sie das?

In Amerika ist dieser Antagonismus häufig spürbar. Er wurde gewissermassen von Generation zu Generation vererbt. Die Musiker misstrauen zunächst einmal allem. Jeder Wandel oder Wechsel, was immer man beigeben oder weglassen möchte, wird grundsätzlich als ein Angriff auf das Wohl der Musiker betrachtet. Für sie ist der Dirigent nicht jemand, der sich um sie kümmert, sondern versucht, ihnen weh zu tun. Das gleicht im Grunde der Reaktion eines misshandelten Kindes.

Welche Lehre ziehen Sie für sich selbst daraus?

Mein Vater ist stets ein «Mitmusiker» gewesen, und auch das habe ich von ihm. Natürlich ist das eine Haltung, die dem partnerschaftlichen Geist der Kammermusik entspringt. Das ist der Schlüssel zu aller Musik, jedenfalls für mich. Musik muss man gemeinsam machen.

Dieser Ausspruch könnte auch von Claudio Abbado stammen. Es geht um ein Aufeinanderhören und -achten, eine gleichberechtigte Partnerschaft aus dem Geist der Kammermusik: ein offener Austausch im Sinne des «Fare musica insieme». Diese Haltung wird auch an der Scuola di Musica in Fiesole bei Florenz gelebt, die Abbado als Dirigent geistig mitgeprägt hat. Wer mit Musikern spricht, die mit Järvi schon lange arbeiten, hört stets ähnliche Charakterisierungen. Aus der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen (DKB) ist etwa zu hören, dass sich Järvi als «Partner» fühle: ein «Kammermusiker unter Kammermusikern». «Er möchte zusammenfassen, was aus dem Orchester kommt», sagt die Geigerin Beate Weis. «Für uns ist er ein perfekter Partner, weil er kein Problem damit hat und es sogar liebt, dass das Orchester generell aktiv teilnimmt am Entstehungsprozess einer Interpretation», ergänzt ihr Kollege Jörg Assmann. «Natürlich hat Järvi am Ende die Verantwortung, aber er lässt gewähren.»

Auch Musiker aus grossen Sinfonieorchestern bestätigen dies. «Bei uns in Frankfurt hat er es geschafft, dass alle aus einem partnerschaftlichen Geist heraus musizierten», betont Geigerin Sha Katsouris von den HR-Sinfonikern. «Das ist sehr viel wert für ein grosses Orchester. Er hat die Haltung des Musizierens wirklich verändert.» Für das Estonian Festival Orchestra (EFO) spricht Marika Krupp wiederum von einer «Fluidität der Ideen und Meinungen». «In den Proben hört er auch uns an, wenn jemand eine Frage hat oder einen Vorschlag. Er erlaubt diesen Prozess.» Für die Violinistin ist Vertrauen das zentrale Wort in der Zusammenarbeit mit Järvi, da es eben eine «musikalische Partnerschaft» ausdrücke.

«Er verschafft sich Respekt, ohne das irgendwie zu forcieren oder einzufordern. Wir folgen ihm, weil wir ihm total vertrauen und ihn einfach mögen.» Als «freundlich und warmherzig» charakterisiert ihn wiederum ihre Kollegin Aet Ratassepp. «Er ist ein grosser Magnet, weiss, wie man Musiker anzieht: musikalisch und menschlich.» Demzufolge zählt Abbado für Järvi zu den grossen Vorbildern, und auch Iván Fischer bezeichnet er als «wahrlich aussergewöhnlichen Musiker». Beide Namen verbinden sich überdies eng mit zwei Klangkörpern, die Järvi als «entscheidende Inspirationen» für das EFO benennt: das Lucerne sowie das Budapest Festival Orchestra.

Im Estonian Festival Orchestra stammt jeweils die Hälfte der Musiker aus Estland und aus der ganzen Welt, auch aus Russland. Geht das problemlos, angesichts der gegenwärtigen Spannungen zwischen den baltischen Staaten und Russland?

Unser Orchester möchte auf der einen Seite Estland repräsentieren, als kultureller Botschafter, aber es ist ein internationales Ensemble. Wir schliessen niemanden aus, sondern nehmen grundsätzlich alle auf, woher auch immer sie stammen. Ich würde niemals Musiker ausladen, nur weil sie aus Russland sind. Dies wäre das Ende der Musik als globaler Sprache. Wir wollen Brücken schlagen zwischen Menschen und Kulturen, was zwangsläufig das Politische berühren kann.

Taugt Kunst generell als Katalysator für das konfliktreiche Weltgeschehen?

Jedenfalls sind mit ihr stets grosse Werte verbunden. Ich bin nicht naiv. Mir ist klar, dass Musik weder Krieg noch Terror verhindern kann. Aber ohne Musik nähern wir uns möglichen Katastrophen schneller an. In diesem Sinn ist unsere Arbeit tatsächlich brisant und kontrovers. Für mich gilt ganz klar: Alle Musiker sind meine Geschwister. Genau das ist unsere Botschaft.

Heisst das auch, dass Sie als Dirigent führen, ohne zu führen?

Es ist grundsätzlich ein Missverständnis, dass Autorität mit Angst zu tun haben müsse. Daran glaube ich nicht. Mit Liebe kann man sehr viel mehr erreichen als mit Angst. Auf der anderen Seite muss es eine klare Struktur geben, wenn wir alle gemeinsam an einem Stück feilen und intensiv arbeiten wollen. Dünkel aber und pseudoautoritäres Gehabe lenken nur vom Wesentlichen ab. Das ist ermüdend und langweilig, völlig unerheblich. Am Ende des Tages befördert das keine nachhaltigen Erfolge, sondern bringt allenfalls kurzfristige Ergebnisse. Wer mit Freude dabei ist, musiziert automatisch besser. Ich persönlich kenne keine Musiker, die schlecht spielen möchten.

Bedeutet das umgekehrt, dass Musiker nicht mit dem Autopiloten falscher Routine musizieren sollten?

Natürlich. Im Falle des EFO kenne ich alle Musiker persönlich. Ich frage sie an, lade sie ein, und sie machen ihrerseits bei uns aus klaren Gründen mit. Wir suchen sie auch wegen ihrer Persönlichkeit aus – die Persönlichkeit ist genauso wichtig wie die musikalische Kompetenz und Qualität. Aus diesem Grund halte ich übrigens Probespiele hinter dem Vorhang für problematisch, weil sie sehr limitiert sind. Alles muss passen, übrigens auch die Körperlichkeit. Manche Musiker passen schon allein deswegen nicht zu einer Gruppe, weil sie sich kaum oder unpassend bewegen. Sie glauben nicht an eine bestimmte Art der physisch-nonverbalen Kommunikation.

In Zürich werden Sie allerdings die Musiker nicht ohne weiteres aussuchen können, oder?

Ja, aber ich habe noch nie irgendein Verlangen verspürt, dies in einem Orchester zu tun. Mir geht es darum, das Potenzial des Zusammenspiels und des gemeinsamen Eruierens von Musik zu optimieren. Es wird natürlich etwas Zeit beanspruchen, sich aneinander zu gewöhnen. In jedem Orchester gibt es überdies bestimmte Traditionen, und auch das müssen wir berücksichtigen: wie in jeder Partnerschaft.

Fühlen Sie sich in einem Orchester wohl, das eine lang gepflegte Tradition konserviert?

Nein, ich kann nicht Teil einer Routine sein. Wenn Musiker sagen, dass sie bestimmte Werke bereits bestens kennen würden, machen sie sich schon verdächtig: weil es Ausdruck einer bestimmten Erwartung ist. Das ist kein guter Ansatz, um stets von neuem den Prozess des Ergründens gemeinsam zu beschreiten. Man sollte nie aufhören zu spüren, dass in Partituren etwas verborgen liegt, was wir noch nicht wissen. Erst mit einer solchen Grundhaltung kann eine Interpretation etwas Besonderes werden.

Können Sie ein konkretes Beispiel nennen?

Für mich persönlich gibt es nichts Schwierigeres, als die Musik von Johannes Brahms lebendig und interessant zu gestalten. Eine Sinfonie von Brahms in der immer gleichen massigen Art zu spielen, sehr grau in der Farbgebung, das ist für mich überhaupt nicht interessant. Aber wir dürfen nicht vergessen, dass ein grosses Sinfonieorchester nur dann das gewaltige sinfonische Repertoire in höchster Qualität bewältigen kann, im dichtgedrängten Alltag, wenn es auf irgendeiner Art von Erfahrung aufbauen kann. Ist beides vorhanden, die Erfahrung und die Offenheit, hat man beste Voraussetzungen.

Ähnlich hat es von 1995 an David Zinman beim Tonhalle-Orchester vorgelebt. Die Parallelen zwischen ihm und Järvi sind ohnehin staunenswert, etwa im Blick auf das Repertoire. Beide Dirigenten haben mit Einspielungen der Sinfonien Beethovens diskografische Massstäbe gesetzt, so unterschiedlich die Lösungen auch sind: Zinman mit dem Tonhalle-Orchester (Arte Nova) und Järvi mit der Deutschen Kammerphilharmonie (RCA). Peter Zelinka sieht zudem Übereinstimmungen in der grundsätzlichen Haltung. Seit 1993 wirkt Zelinka als Geiger im HR-Sinfonieorchester in Frankfurt, und er kennt Zinman auch als Gastdirigent.

«Er ist wie Järvi sehr kollegial und umgänglich», so Zelinka. «Ausserdem hinterfragen beide in ihren Interpretationen grundsätzlich Konventionen, statt ihnen blind zu folgen.» Die Unterschiede sieht Zelinka vor allem in der Probenarbeit, bei der Zinman «manchmal sehr pedantisch» gewesen sei. «In dem Sinn ist Järvi grosszügiger, weil er ein gutes Gespür dafür hat, wann er einfach spielen und gewähren lassen muss. Er lässt mehr los. Auch Zinman kommt aber aus einer kammermusikalischen Grundhaltung. Von daher passt es sehr gut, dass beim Tonhalle-Orchester die Wahl auf Järvi gefallen ist.»

Inwieweit sehen Sie Verbindungen zu Ihrem Vorgänger David Zinman?

Ich bewundere ihn sehr. Er ist ein wunderbarer Dirigent. Generell schätze ich Musiker, die etwas aufbauen. Nur Feuerwerke kreieren und verschwinden, ohne etwas zurückzulassen: Das ist nicht so meine Sache. Ich mag Musiker mit langfristigen Plänen. Wenn sie gehen, verlassen sie den Ort in einer besseren Verfassung. Sie hinterlassen Fussspuren in der Geschichte dieser Institution. Genau dies ist Zinman in Zürich fraglos geglückt. Ich habe alle Aufnahmen von ihm und bin ein Fan seiner Arbeit.

Können Sie darauf aufbauen?

Ich hoffe, dass wir an dieser Grundhaltung wieder anknüpfen können. Jedenfalls ist das kein Bruch, sondern eine gute Grundlage, um andere Perspektiven zu ergründen. Ein Orchester auf ein höheres Niveau zu bringen, erfordert Zeit. Es ist ein langsamer Prozess. Dafür aber fallen nur wenige gute Ensembles auch wieder zurück: Es muss schon etwas sehr Ungesundes in der Kultur und Natur eines Klangkörpers stecken, damit dies passiert. Wer also ernsthaft etwas entwickelt, kann davon ausgehen, dass Dauerhaftes bleibt.

Damit dies gelingt, sieht Geiger Peter Zelinka allerdings auch die Musiker in der Pflicht. Seinen Kollegen vom Tonhalle-Orchester rät er vor allem eines: «Seid offen und aufgeschlossen, schreitet mit Järvi gemeinsam voran! Er fühlt sich dort zu Hause, wo er spürt, dass es Musiker gibt, die es schätzen, mit ihm gemeinsam etwas aufzubauen.» Welches Repertoire in Zürich konkret aufgebaut werden soll, darüber hält sich Järvi bedeckt. Als «Herzstück des Orchesters» betrachtet er jedoch das klassische und romantische deutsche Repertoire. Überdies fühlt er sich der nordischen, russischen und baltischen Musik verbunden, allein wegen seiner Herkunft. Auch das französische Repertoire und die Musik des 20. Jahrhunderts möchte Järvi in Zürich pflegen. Die Chemie scheint zwischen ihm und den Musikern grundsätzlich zu stimmen.

Wie haben Sie das Tonhalle-Orchester bisher erlebt?

Als ich mit ihnen die 3. Sinfonie von Robert Schumann gemacht habe, war ich unglaublich beeindruckt, und zwar nicht nur von der Qualität oder der Präzision, sondern von dem Gefühl der Zusammengehörigkeit und der Flexibilität. Die Tonhalle-Musiker können Details ungewöhnlich schnell umsetzen oder anders gestalten. Für mich war das in diesem Ausmass unerwartet und sehr positiv. Es geht nicht darum, um jeden Preis risikofreudig zu sein, aber: Sie lieben die Veränderung, sind sehr offen für Neues.

Eine goldene Ära

frm. · Er hat ein besonderes Faible für CD-Aufnahmen – auch das hat Paavo Järvi von seinem Vater Neeme Järvi. Bei Einspielungen sei er ein «wahrer Tüftler», ist von Musikern des HR-Sinfonieorchesters in Frankfurt am Main zu hören. Unzählige Aufnahmen hat er mit diesem Orchester realisiert, und bis heute erscheinen Einspielungen aus dieser Zeit, obwohl Järvi schon seit 2013 nicht mehr in Frankfurt als Chefdirigent wirkt. Was bleibt, sind Dokumente aus einer goldenen Ära. Auf den jüngsten Veröffentlichungen präsentiert sich Järvi als erstklassiger Exeget für die Musik der Moderne: konkret von Paul Hindemith sowie von Anton Webern. Järvi ist der perfekte Anwalt für das Schaffen Hindemiths, er hat ein untrügliches Gespür für den strengen, teilweise neobarocken Formsinn, um zugleich stets einen intimen Lyrismus freizulegen. Für sein Hindemith-Engagement ist Järvi 2012 zu Recht ausgezeichnet worden. Dagegen zeigt das g-Moll-Klavierquartett von Johannes Brahms in Arnold Schönbergs Bearbeitung, wie sehr Järvi mit dem Klischee einer breiten, schweren Klanglichkeit bricht. Bei ihm klingt diese spätromantische Orchester-Schlachtross klar und entschlackt, überaus wach in der Attacke. Dies schlägt eine Brücke zur jüngsten Brahms-Aufnahme (Sony 88985459462), die Järvi mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen vorgelegt hat.

Das HR-Sinfonieorchester unter Paavo Järvi. Paul Hindemith: Sinfonie «Mathis der Maler», Sinfonische Metamorphosen nach Carl Maria von Weber, Fünf Stücke für Streichorchester op. 44 Nr. 4, «Ragtime (wohltemperiert)» op. 26 Nr. 5. Naïve CD 5434 (1 CD).
Johannes Brahms: Klavierquartett Nr. 1 op. 25 (orchestriert von Arnold Schönberg). Anton Webern: Langsamer Satz für Streichorchester. Johann Sebastian Bach: «Fuga (ricercata) a 6 voci aus «Das musikalische Opfer» (orchestriert von Anton Webern). Naïve CD 5447 (1 CD).

パーヴォ・ヤルヴィ 意気込みを語る ~きっとホール全体が一つの気持ちになれるはず~






Gemischte Gefühle
Felix Kriewald

Das Cover zeigt einen nachdenklich bis entschlossen drein blickenden Mann, im Hintergrund erstreckt sich ein trüber Ostseestrand. Der Ort ist Pärnu, ein ruhiger Urlaubsort südlich von Tallinn, Estland. Der Mann ist Paavo Järvi, gefeierter Dirigent. Sein Gesichtsausdruck verrät mit der restlichen Bildkomposition bereits alles, was man über die Werke auf diesem Tonträger wissen muss.

Die Symphonie Nr. 6 von Dmitri Schostakowitsch ist kein fröhliches Stück. Entgegen der Aussage des Komponisten, er wolle darin „die Stimmungen des Frühlings, der Freude und der Jugend wiedergeben“, ist trotz einer gewissen Helligkeit deutlich ein leidvoller Gesamttenor herauszuhören. Bekanntermaßen führte der Komponist unter Stalins Terrorregime ein Leben in ständiger Angst und musste unzählige Verluste hinnehmen.

Diese Angst bestimmt den Duktus des ersten Satzes, in dem sich besonders die Holzbläser des Estnischen Festivalorchesters mit herausragenden Soli auszeichnen können. Wer sich einmal gefragt haben sollte, ob Musik schüchtern oder gar verstört klingen kann, findet in dieser Aufnahme die Antwort. Auf den langsamen, langen ersten Satz folgen zwei kurze, schnelle Scherzi. Diese dreisätzige Form ist nicht nur für Schostakowitsch sondern generell für die Gattung Symphonie ungewöhnlich. Der zweite und dritte Satz, vor allem das galoppierende Finale mit ironisch jubelndem Ende, sind dann tatsächlich eher von heiterem, leichtem Gemüt. Lockere und tänzerische Rhythmen lassen den Schmerz des Kopfsatzes beinahe schuldig vergessen. Als Schostakowitsch einst die Symphonie in einer Klavierfassung seinen Freunden vorspielte, merkte jemand an, es sei geradezu als hätte man soeben Rossini im Gewand des 20. Jahrhunderts gehört. Tatsächlich erinnert der Rhythmus des dritten Satzes an Rossinis Ouvertüre zu Wilhelm Tell, welche Schostakowitsch später noch explizit in seiner 15. Symphonie zitieren wird.

Diese Leichtigkeit kontrastierend zum ersten Satz, setzen die Mitglieder des Festivalorchesters mit einer seltenen Spielfreude sehr gut um, es ist deutlich zu hören, dass hier nicht nur gearbeitet, sondern mit Leidenschaft Musik gemacht wird. Paavo Järvi ist sich dieser Besonderheit bewusst, bezeichnet er sein Orchester doch als Familie. Das Pärnu Musikfestival besteht seit 2011, die Verbindung des Dirigenten zu diesem Ort bereits seit seiner Kindheit, da seine leibliche Familie dort viele Jahre ihre Ferien verbrachte. Nun hat man sich also gemeinsam mit dem Label ALPHA CLASSICS an das erste Album gewagt.

Das Streichquartett Nr. 8 bekommt durch die vervielfachte Besetzung den Charakter einer Trauergesellschaft. Klingt das Original mit seinen vier Mitwirkenden nach der Zerrissenheit und dem Leid eines Einzelnen, so bringt das gesamte Streichorchester den Klang von kollektivem Schmerz und zu Gehör, ohne an einem intimen Ausdruck zu verlieren. Schostakowitsch widmete sein Werk den „Opfer(n) des Faschismus und des Krieges“. Die Sinfonietta lässt diese Stimmung eines unterdrückten und gepeinigten Volkes noch exakter wahrnehmen als die Ursprungsfassung. Häufiger aufgenommen als Kammersymphonie in der Orchestration von Rudolf Barshai, ist diese Einspielung jedoch einzigartig. Das Arrangement von Abram Stasewitsch unterscheidet sich davon in der Verstärkung des Orchesters durch vier Pauken, die in dieser Aufnahme von Madis Metsamart gespielt werden. Mit zarten Wirbeln untermalt er den getragenen ersten Satz, im folgenden, ohnehin rabiaten, Allegro molto entfachen die zusätzlichen Akzente der Pauke ein regelrechtes Donnerwetter. Was Metsamart im vierten Satz veranstaltet grenzt an Geschmackssache, zumal seine Kanonenschläge die Streicherakkorde fast bis zur Unkenntlichkeit übertönen.
In einigen, besonders intimen Passagen greift das Arrangement dann wieder auf Sologeigen und -celli zurück und lässt so die Quartettatmosphäre des Originals durchschimmern. Über fünf Sätze, jedoch von Satz zu Satz attacca gespielt, nehmen uns die Streicher des Festivalorchesters mit auf eine emotionale Reise durch das gebeutelte Leben Dmitri Schostakowitschs. Sie funktionieren optimal als Gruppe und legen die ideale Dosis Individualität an den Tag, die sie an keiner Stelle zu solistisch herausstechen lässt, was bei einer solchen Bearbeitung nicht gerade einfach ist.

Das erste Album des Estnischen Festivalorchesters ist definitiv gelungen. Paavo Järvi weiß dem jungen und dynamischen Ensemble eine gewaltige expressive Bandbreite abzuverlangen. Järvi sagt, er habe bewusst Stücke von Dmitri Schostakowitsch aufnehmen wollen, da auch der Komponist eine besondere Nähe zu Pärnu hatte. Schostakowitsch verbrachte hier zu Lebzeiten seine Sommer um innerhalb der Sowjetunion ein Stück westliche Toleranz genießen zu können. Hier traf er 1973, zwei Jahre vor seinem Tod auf Neeme Järvi und seinen damals zehnjährigen Sohn Paavo. Diese Begegnung war prägend für den heutigen Chefdirigenten des Pärnu Musikfestivals.

In diesem Jahr feiert Estland 100 Jahre Unabhängigkeit von der sowjetischen Besatzungsmacht. „Dass wir diese Werke in Pärnu mit einer Musikergeneration aufführen und aufnehmen können, die nun sowohl den Frieden als auch die Bewegungsfreiheit quer über Europas Grenzen hinweg genießen kann, macht diese Werke nur noch ergreifender“, so der Dirigent über den Hintergrund der Einspielung.

„Sie stehen an der Schwelle einer hoffnungsvollen Zukunft, in der Sie Ihr Schicksal frei und unabhängig bestimmen und lenken können! Beginnen Sie damit, für sich selbst eine Heimat zu errichten, die von Recht und Ordnung regiert wird, damit sie ein würdiges Mitglied in der Familie der zivilisierten Nationen wird!“ (Aus der estnischen Unabhängigkeitserklärung)

Sortie CD : Anne Gastinel - Beethoven : Triple concerto, trio op. 11

Représentante emblématique du violoncelle français, Anne Gastinel a choisi, pour son retour au disque, l’une des œuvres les plus passionnantes de l’histoire de la musique : le Triple Concerto de Beethoven, où trois solistes réunis en une seule œuvre à mi-chemin entre le concerto, la musique de chambre et la symphonie font vivre et vibrer une certaine idée du partage en musique.

« Être aussi connectés qu’en musique de chambre »

Créé à Leipzig en février 1808, le Triple Concerto illustre ce qu’aucun compositeur n’avait osé faire avant Beethoven: trois solistes réunis en une seule œuvre concertante, le « Triple » est un échange permanent, un équilibre subtil qui ouvre les portes du romantisme vers de nouveaux horizons musicaux. Anne Gastinel a choisi de faire appel à son ami pianiste Nicholas Angelich et au violoniste avec lequel elle rêvait de jouer, Gil Shaham, pour cet enregistrement live d’un concert avec l’Orchestre de la radio de Francfort dirigé par Paavo Järvi.

Elle savait ainsi pouvoir respecter l’équilibre entre les trois parties de solistes particulièrement recherché par le compositeur ; et c’est un pari réussi de parvenir à constituer un trio, naturellement et intuitivement et d’être aussi connectés qu’en musique de chambre. L’écoute et l’échange permanent sont au cœur de cette rencontre.
Les parties de solistes sont particulièrement périlleuses dans ce Triple Concerto, tant pour le piano dont la tonalité est inconfortable que pour le violon pour qui la partie est délicate ; quant au violoncelle, il porte une grande responsabilité car c’est lui qui donne le ton, l’impulsion.
Anne Gastinel déguste le plaisir du live qui permet d’accéder à cette magie de l’instant irremplaçable, l’artiste s’accorde des variations infimes et tente de donner une couleur particulière que seul ce moment vivant du concert autorise.

Il en est de même pour le Trio pour clarinette pour lequel la relation était une évidence et le plaisir à jouer ensemble s’entend au disque.
En lien étroit avec le chef Paavo Järvi, elle reçoit l’énergie et la fluidité qu’il transmet au trio et aux musiciens de l’orchestre. Faire de la musique ensemble, faire quelque chose de beau, d’harmonieux, de respirer ensemble, de communier.

Anne Gastinel, violoncelle

Née en 1971, Anne Gastinel commence le violoncelle à l’âge de 4 ans. Elle entre au CNSMD de Lyon à 11 ans, elle y remporte le Premier Prix en 1986 et est admise la même année en troisième cycle au CNSMD de Paris. Yo-Yo Ma, János Starker et Paul Tortelier, auprès desquels elle se perfectionne et qui marqueront profondément son évolution personnelle et musicale, reconnaissent déjà en elle la maturité d’une artiste à part. Elle remporte de nombreux prix dans les grands concours internationaux (Scheveningen, Prague, Rostropovitch) et commence dès lors à se produire dans toute l’Europe, définitivement révélée au grand public lors du Concours Eurovision 1990.

Sa carrière l’emmène désormais dans les plus belles salles d’Europe mais aussi au Japon, en Chine, en Afrique du Sud, au Brésil, en Indonésie, au Canada, aux États-Unis (Salle Pleyel, Schauspielhaus, Théâtre des Champs-Élysées, Musikverein, Suntory Hall, Théâtre du Châtelet, Victoria Hall…). Elle s’y produit aux côtés de grands maîtres: Yehudi Menuhin, Mstislav Rostropovitch, Henri Dutilleux ou Kurt Sanderling ; elle retrouve également au cours de ces voyages les musiciens et compositeurs avec lesquels elle aime échanger : Emmanuel Krivine, Daniele Gatti, Josep Pons, Vladimir Spivakov, Pinchas Steinberg, Krzysztof Penderecki, Edmon Colomer, Michel Plasson, Yuri Bashmet, Tan Dun, Michael Schønwandt, Paavo Järvi, Claire Désert, Éric Tanguy, Justin Brown, Marianne Thorsen, Louis Langrée, Pedro Halffter, Philippe Cassard,Alain Altinoglu, Michel Portal, Nelson Goerner, Gil Shaham, Nicholas Angelich et tant d’autres.

Depuis plus de vingt ans, ses enregistrements sont couronnés des plus hautes distinctions. En 2006, Anne Gastinel reçoit la Victoire de la musique dans la catégorie « Soliste de l’année » (après avoir obtenu les trophées « Jeune Talent » et « Meilleur enregistrement »). Reconnue par les plus grands comme l’ambassadrice du violoncelle, elle est choisie en 1997 par Marta Casals Istomin pour jouer pendant un an le mythique Matteo Goffriller de Pablo Casals et partage désormais avec un Testore de 1690 autant de créations contemporaines que de programmes du grand répertoire. Anne Gastinel est professeur au CNSMD de Lyon depuis 2003.

Anne Gastinel, violoncelle
Gil Shaham, violon
Andreas Ottensamer,
Nicholas Angelich, piano
Orchestre de la radio de Francfort
Paavo Järvi, direction

Trio pour clarinette, violoncelle et piano en si bémol majeur op.11
Allegro con brio
Thème et variations
Ludwig van Beethoven, 1770-1827
Triple concerto pour violon, violoncelle, piano op.56
Rondo alla Polacca

Anne Gastinel en concert en trio aux Bouffes du Nord le 19 février 2018, 20h30
David Grimal
, violon
Anne Gastinel, violoncelle
Philippe Cassard, piano

Ludwig Van Beethoven
Trio n°1 en mi bémol majeur, op. 1
Trio n°4 en si bémol majeur, op. 11
Trio n°5 en ré majeur; «Les Esprits», op. 70 n°1

Das Beste aus beiden Welten - Paavo Järvi

Paavo Järvi hat sich einen glänzenden Ruf als unermüdlicher, aber freundschaftlich arbeitender Orchestererzieher erworben – ein moderner Maestro par excellence. Nicht zuletzt seine Beethoven-Interpretationen mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen haben international Furore gemacht. Nun gastiert der aus Estland stammende Dirigent mit den Bremern und dem Geiger Christian Tetzlaff im Goldenen Saal, um Haydn, Mozart und Schubert auf modernen Instrumenten, aber mit historischem Wissen neu zu deuten.

Pärnu ist ein stilles Seebad an der baltischen Küste südlich von Tallinn“, sagt Paavo Järvi schlicht. Herrlich aus der Zeit gefallen und doch auch behutsam modernisiert, so erscheint es heute – und der drei Kilometer lange, seichte Sandstrand besitzt speziellen Reiz. 1251 vom Deutschen Orden unter dem Namen Pernau gegründet, hat die Hansestadt an der nordöstlichen Rundung des Rigaer Meerbusens seit 1838 einen Aufschwung als Bade- und Kurort genommen. 1918 wurde nicht etwa in Tallinn, sondern hier Estlands Unabhängigkeit vom revolutionär zerfallenen Zarenreich ausgerufen und eine Republik installiert, die 1940 mit der Besatzung durch die Rote Armee ihr vorläufiges Ende fand. Nach dem Untergang der Sowjetunion und neugewonnener Souveränität hat auch die weitverzweigte estnische Musikerfamilie Järvi dort ihren alten seelischen Stützpunkt zurückgewonnen – und 2011 mit dem Pärnu Musikfestival ein florierendes künstlerisches Zentrum errichtet, in dem Paavo Järvi als Spiritus rector fungiert.

Kraft der Wurzeln

Vielleicht muss man Pärnu und ganz besonders das Festival erlebt haben, um den Musiker Paavo Järvi wirklich verstehen zu können. Herrscht in berühmteren Festspielhochburgen oft der Trubel und rückt mit seinem Lärm der Kunst auf den Pelz, gewinnt man in Pärnu noch den Eindruck, dass die Musik aus der vorhandenen Stille erwächst. Die Ablenkungen sind gering, davon profitiert auch das Publikum. Und man kann dort exemplarisch hören, wozu Paavo Järvi fähig ist: Bekannt für seine penible Probenarbeit bis zuletzt, erzielt er bei den Aufführungen dann noch ein spezielles Plus an Ausdruck und Leidenschaft. Mittlerweile kommt der ganze Järvi-Clan wieder jeden Sommer in Pärnu zusammen: Neeme, bald 81 und unvermindert aktiv, seine Frau Liilia und ihre drei Kinder, wobei die Söhne Paavo (Jahrgang 1962) und der frühere Tonkünstler-Chef Kristjan bekanntlich wie der Vater zum Taktstock gegriffen haben, während die Tochter Maarika Flötistin geworden ist; nicht zu vergessen deren Ehepartner und Kinder sowie weitere musizierende Verwandte aller Generationen.

Ein Schnappschuss …

Lange Zeit gab es keinen „westlicheren“ Ort in der Sowjetunion als Pärnu. Künstler wie Dmitrij Schostakowitsch und David Oistrach genossen diesen Fluchtpunkt der UdSSR – und ein berühmt gewordenes Foto zeigt den zehnjährigen Paavo mit seinem Vater Neeme und dem musikalischen Übervater Schostakowitsch. „Hinter der Kamera war Gustav Ernesaks, der estnische Chorleiter und Komponist, dessen Lied ‚Mu isamaa on minu arm‘ zu einer inoffiziellen Nationalhymne aller Esten während der sowjetischen Besatzung wurde“, erzählt Paavo Järvi. Die Emigration seiner Familie 1980 in die USA war eine Art von Befreiung und zugleich ein tiefer Einschnitt, ein Abschied von der Heimat: „Die Erinnerungen an die Sommer meiner Kindheit in Pärnu rückten immer mehr in weite, nostalgische Ferne.“ Erst nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion und der erneuerten Unabhängigkeit Estlands war den Järvis die Rückkehr erlaubt – der Rest ist bereits Festspielgeschichte.