Sunday, November 17, 2019

簡秀枝/天籟之音 夜台北好浪漫

tw.news.yahoo.com
17.11.2019



簡秀枝/天籟之音 夜台北好浪漫更多


天團名指揮來了,11月14日晚上台北好浪漫。

前副總統蕭萬長、半導體教父張忠謀、故宮前後任院長林曼麗、吳密察、前教廷大使王豫元、前文建會主委黃碧端、醫界大老林郁芳、陳啓明、荷蘭駐台代表紀維德⋯等社會賢達名流,統統入座,共譜溫馨。

原來今年已經131歲的世界樂團之首阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團(Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam,RCO),在愛沙尼亞裔美國指揮帕佛・賈維(Paavo Järvi,1962-)率領下,以抒情甜蜜的貝多芬《降B大調第四號交響曲,作品60》以及悲劇對抗氛圍濃厚的蕭士塔科維契《e小調第十號交響曲》,共震出心靈深處的無限共鳴,再加上兩首悅耳安可曲西貝流士《憂傷圓舞曲》以及柴可夫斯基《胡桃鉗》,留下餘音繞樑的不眠之夜。

成立於1888年,荷蘭阿姆斯特丹皇家大會堂管絃樂團,為歐洲最古老的三大管弦樂團之一。歷任首席指揮任期都長,這個特殊性,使音樂理念得以貫之,世代傳承。而嚴謹細膩所打造出絃樂獨有的絲絨音色,精煉技巧與高度整合下的藝術性,詮釋近代作品,猶為翹楚,成為傲視德奧名團、成為荷蘭百年榮耀之聲。

一襲合身剪裁的黑色中山裝式禮服,帶著深邃犀利藍眼睛,光頭的帕佛・賈維,沈穩霸氣,他背譜指揮《貝四》。作曲兼鋼琴家舒曼曾形容《貝四》是夾在兩個北歐巨人中間的苗栗條希臘少女;活潑、機敏、輕快自不在話下,寧靜、祥和、天籟般的氣息,有如交響曲中的至善之作。該樂團絃樂柔美外,木管、單簧管⋯等樂手都見功力,展現出雕琢之餘的豐富度與層次感,令人神往。

1953年蘇聯領導人史達林過世,被他横加迫害的蕭斯塔科維契創作了《蕭十》。這是壓抑情緒的總結,全曲悲劇氣氛濃厚外,透過樂器展露的對抗、碰撞,幽幽訴說著不人性的過往,史達林之死,狂魔倒下,是否意味苦難結束,蕭斯塔科維契還是在憤怒、怪誕、吶喊之餘,選擇保留態度。在66年後的今天,環視周遭,紛亂仍在,彷彿把「抗暴」的使命,留給後人,聲聲呼喚,代代相許。

帕佛・賈維在記者會上一再強調,音樂是靈魂最好的糧食,撫慰人心,更連結人群。感謝名指揮與天團,滌盡塵俗,還夜台北,一記浪漫與澄澈。



作者為典藏雜誌社社長

●更多文章見作者臉書,經授權刊載。

●專欄文章,不代表i-Media 愛傳媒立場。

Thursday, November 14, 2019

Messiaen CD review - musicweb-international.com

musicweb-international.com
Michael Cookson
14.11.2019






Olivier MESSIAEN (1908-1992)
Le Tombeau resplendissant (1931) [16.42]
Les Offrandes oubliées, méditation symphonique (1930) [9.48]
Un sourire (1989) [10.35]
L'Ascension - Quatre meditations symphoniques: (1932/33) [27:17]
Tonhalle-Orchester Zürich / Paavo Järvi
rec. live, January, April 2019; studio, January 2019 (Un sourire), Tonhalle, Zurich
ALPHA CLASSICS 548 [64.48]

This release of Messiaen’s early and late orchestral works was something of a revelation to me. As a long-time, regular concert-goer, I find that when a Messiaen orchestral work is played it is almost inevitably the Turangalîla-Symphonie. Here, the listener is treated to a programme of three early works which deserve to be better known, inlcuding L'Ascension, in four movements, and a single work from the final years of his life. There is no ondes Martenot, certainly an acquired taste for some.

The earliest work, Les Offrandes oubliées, méditation symphonique (The Forgotten Offerings - Symphonic Meditation) is a symphonic poem from 1930 which was premièred the following year in Paris. Taking inspiration from his devout Roman Catholic faith, an approach which was to become so typical of him, the composer designed the work in three panels in the manner of an ‘Altar triptych: Cross - Sin - The Eucharist’, titles the composer used when describing it. The booklet essay notes describe these sections as ‘Contemplation, Descent and Ecstasy’; Messiaen wrote a poetic text to accompany the score. Järvi imbues the ‘Cross’ with a longing character but it is not without warmth; the turbulent ‘Sin’ spits out angst menacingly and ‘The Eucharist’ conveys an intense, contemplative quality, airless with a sense of floating.

My highlight of the release is Le Tombeau resplendissant, such a glorious work with four distinct sections (fast-slow-fast-slow). Written in 1931, Le Tombeau resplendissant was premièred in 1933; Messiaen then withdrew the work, which received its next performance as late as 1984 and was published after his death. Described by the composer as an epitaph, this is undoubtably a work of mourning divided into four main panels conforming to the stanzas of the poetic text which include words of consolation from the ‘Sermon on the Mount’ from St. Matthew’s Gospel. Biographer Stephen Schloesser described the work as, ‘filled with both rage and beatitude.’ Järvi, in the first and third sections, relentlessly drives the music forward, ensuring a passionately stormy character while emphasizing the fluctuating rhythms. In between the contrasting second and fourth sections with conspicuous flute parts, Järvi communicates a sense of calm, but it is uncomfortable with an undertow of foreboding. Nevertheless, one senses that all hope is not lost and consolation is possible.

Described by the composer as four meditations for orchestra, L'Ascension - Quatre meditations symphoniques was written in 1932/33 and premièred in 1935. The notes mention that L’Ascension is more usually encountered in its version for organ which Messiaen completed later with a new third movement. Once again, Messiaen has provided a short prayer to accompany each meditation. Scored for winds and taken at a measured pace in the first movement, Majesté du Christ demandant sa gloire à son Père (Majesty of Christ asking glory from his Father) contains continually rising motifs which seem to reach up to heaven. Noticeable in the second Alléluias sereins d’une âme qui désire le ciel (Serene alleluias of a soul desiring Heaven) are the ‘Alleluias’ in the title, used as ‘chanted songs of jubilation’ according to the notes. To me, Järvi provides an evocation nature by way of a nocturnal forest scene with dawn breaking. Trumpet fanfares open the third Alléluia sur la trompette, alléluia sur la cymbale (Alleluia on the trumpet, alleluia on the cymbal). The score reminds me strongly of Debussy and Ravel; the dance-like quality that Järvi produces is uplifting and the six weighty climaxes are impressive, too. In the fourth section, Prière du Christ montant vers son Père (Christ’s prayer ascending to his Father), written for strings only, he creates a slowly moving, atmospheric cloud of orchestral writing.

The only late work on the album is Un sourire (A Smile) which Messiaen wrote in 1991 to mark the bicentenary of Mozart’s death, when it received its première. Very different in character from his other works, it is a tender homage to Mozart combined with the composer’s love of birdsong. Said by musicologist Christopher Dingle to display ‘the almost Classical restraint that characterizes Éclairs’ the work contains two dissimilar soundworlds. Messiaen contrasts tranquil, lyrical strings and winds consecutively with sounds that evoke birdsong, featuring a prominent xylophone. Under Järvi, the four similar sections are highly focused, evoking a sense of being becalmed on water and they are divided by shorter passages of vividly played birdsong containing conspicuous xylophone contributions.

All four works were recorded in the Tonhalle; Un sourire was made under studio conditions and the other three are live. The engineering team has excelled in providing clarity, presence and balance. There is little extraneous noise in the live recordings and any applause has been taken out. Entitled ‘Orchestral Credentials - and a Mozartian Smile’ the booklet essay written by Inga Mai Groote is first class, providing all the essential information. There is also the text of a short interview between Paavo Järvi and Ulrike Thiele about the music of Messiaen. I am also delighted that the text for each of Messiaen’s three poetic texts/prayers is provided.

The Tonhalle-Orchester Zürich is finest form, providing focused playing of remarkable clarity of texture and expressive phrasing. Overall, Järvi’s requirement for accuracy and attention to detail has commendable integrity, essential in this music. This is a highly recommendable album, certainly one of the most satisfying that I have heard so far this year.

http://www.musicweb-international.com/classrev/2019/Nov/Messiaen_ascension_548.html

與指揮爸爸無話不談 帕佛賈維以音樂溫暖父子情

cna.com.tw
14.11.2019


荷蘭阿姆斯特丹皇家大會堂管絃樂團(Concertgebouworkest)14日抵台,將完美呈現貝多芬、華格納、布拉伍思等重量級作曲家及經典作品,21世紀指揮天王帕佛.賈維(Paavo Jarvi)(左3)將帶領樂迷享受音樂盛宴。中央社記者林俊耀攝 108年11月14日

(中央社記者趙靜瑜台北14日電)荷蘭阿姆斯特丹皇家大會堂管絃樂團今天起在台灣舉辦3場音樂會,由出身音樂世家的指揮家帕佛.賈維領軍,他表示,從小家裡就充滿音樂氣氛,至今他和父親依舊無話不談。

賈維(Paavo Jarvi)說,他從來沒有被父親強迫要當音樂家,「很多男孩總是會叛逆,不想要跟隨家庭傳統,但我很早就想要像父親一樣」。

賈維來自愛沙尼亞,父親正是知名指揮尼姆.賈維(Neeme Jarvi),10歲那年,他在家裡宴客時見到了作曲家蕭斯塔科維契,雖然沒有太深的印象,「但那個年代是共產蘇聯最封閉的時期,人民完全沒有言論自由」。賈維說,蕭斯塔科維契就是音樂巨人,在史達林專政時期,他把這些苦痛都寫進了音符之中。

18歲那年,父親尼姆帶著全家從共產蘇聯統治下逃離,兒子賈維後來拿到美國護照,在寇蒂斯音樂院深造,長期追隨指揮大師伯恩斯坦帶領洛杉磯愛樂,讓賈維有了實作的豐富經驗,至今獲獎無數,也被英國「留聲機」雜誌和法國「音叉」雜誌選為年度最佳藝術家。

賈維回憶,父親會讓他們兄弟姊妹自然而然喜歡音樂,比如父親會放一首歌讓大家猜是由誰作曲,或是哪一國的音樂,不用學術性的語彙來逼迫孩子學習音樂。至今一家人除了父親跟他是指揮之外,弟弟克利斯欽.賈維(Kristjan Jarvi)也是指揮家,妹妹瑪莉卡.賈維(Maarika Jarvi)則是長笛家。

賈維每年夏天都會回到愛沙尼亞參加舉辦帕爾努音樂節(Parnu Festival),原因之一就是讓他自己有更多時間回家,而且可以從父親那邊繼續獲得音樂上面的建議與討論,「父親對於音樂不偏食,不管是古典音樂或是現代音樂,父親總有自己看法,這是我持續學習與進步的泉源」。

賈維提到,父親是當時蘇聯社會少數可以收藏與購買唱片的人,「那時就是只有黑膠唱片,我從小就有機會聽很多漂亮的音樂跟詮釋,阿姆斯特丹大會堂管絃樂團就是那時候認識的樂團,很高興可以帶這個團來台灣演出」。

百年名團阿姆斯特丹皇家大會堂管絃樂團今天晚上將演出貝多芬「第4號交響曲」及蕭斯塔科維契「第10號交響曲」,15日與16日則將分別在台北國家音樂廳與台中國家歌劇院演出,曲目為華格納「唐懷瑟」序曲、貝多芬「第2號鋼琴協奏曲」、布拉姆斯「第4號交響曲」。(編輯:張雅淨)1081114

指揮家帕佛.賈維面向大眾 以音樂深入人心

chinatimes.com
李欣恬 、 郭吉銓
14.11.2019


享譽國際的愛沙尼亞指揮家帕佛.賈維認為,音樂是靈魂最好的糧食,而交響樂團的最大功能,就是演奏好音樂,安慰人心。(郭吉銓攝)


指揮家帕佛.賈維有著一雙深邃的藍眼睛,他認為音樂是靈魂最好的糧食。(郭吉銓攝)

指揮家帕佛.賈維有著一雙深邃的藍眼睛,他認為音樂是靈魂最好的糧食。(郭吉銓攝)

曾拿下葛萊美獎、被英國《留聲機》和法國《音叉》雜誌選為「年度最佳藝術家」的指揮家帕佛.賈維,帶領荷蘭百年老團阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團來台,他表示,「交響樂團在現代社會裡的功能,不只是代表各個國家的門面特色,同時也需要深入人心,和人產生連結。」


帕佛.賈維來自音樂世家,出生於1962年,曾以西貝流士清唱劇作品專輯拿下葛萊美「最佳合唱演出獎」。他有個鼎鼎大名的指揮家父親尼莫.賈維,自小在家中安排下,學習打擊樂以及指揮訓練。1980年全家移民到美國,帕佛.賈維也曾師承馬克斯.魯道夫、伯恩斯坦等指揮家。


帕佛.賈維表示,「音樂不只是娛樂,還有療癒效果,特別是為兒童舉辦的音樂會、在醫院裡演出的音樂會,能讓聆聽的人暫時減輕病痛,也有陪伴功效。如此一來,和社會大眾產生連結的樂團,也更顯現出人性面,這也是音樂帶給世界最重要的事,就是離不開人。」


帕佛.賈維之所以成為指揮家,其來有自,他表示與父親的關係非常親近,從小他會和妹妹、弟弟,和爸爸一起玩「讀總譜」的遊戲,「我爸爸會放他精心收藏的唱盤,要我們『聽音辨位』,按照他的提問,聽音樂、找到譜上的聲部位置,也要說出樂器名稱,我們都玩得樂此不疲,這也啟蒙了我對指揮的概念。」


除了聽音辨位,還有猜曲子遊戲,「猜不出是哪首曲子沒關係,可以說看看是哪個時代的曲子,哪個國家的曲子,是爸爸把學音樂這件事變得有趣。」


帕佛.賈維曾任職斯德哥爾摩皇家愛樂樂團、辛辛那提交響樂團、法蘭克福廣播交響樂團、巴黎管弦樂團。目前同時擔任布萊梅德意志室內愛樂樂團藝術總監、日本NHK交響樂團首席指揮,以及蘇黎世音樂廳管弦樂團首席指揮,並擔任阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團客席指揮。


帕佛.賈維與荷蘭阿姆斯特丹皇家大會堂演出,今(14日)、明(15日)兩晚在台北國家音樂廳登場,16日到台中國家歌劇院演出。

Monday, November 11, 2019

パーヴォ・ヤルヴィ(指揮)ロング・インタビュー Part1

bravo.jp
小室敬幸
11.11.2019






日本のオーケストラのシェフに海外の著名指揮者が就任することが珍しくなくなって久しいが、近年は欧米でキャリアを築き上げつつある30〜50代の指揮者が目立つようになった。これはメジャーリーガーの大スターがキャリアの終わりに日本のプロ野球へとやってくるがごとく、功成り名を遂げた老指揮者が日本のオケのポストを受ける図式とは根本的に異なるため、驚きとともに迎えられることも多い。なかでも2015年にNHK交響楽団の首席指揮者にパーヴォ・ヤルヴィが就任するというニュースは、大きな話題を呼び起こした。

当時のパーヴォ・ヤルヴィはフランクフルト放送響の首席指揮者を退任したばかりだったが、それでもパリ管の首席指揮者とドイツ・カンマーフィル芸術監督を兼任する身であった。ヨーロッパのトップクラスのオケを率いていた彼が、単発の客演こそあるにせよ、日本国内で大きなポストを持つことなど、多くのファンが予想していなかったに違いない。当初は3年間と発表された任期が2021年8月まで延長されていることからも、N響との関係は非常に良好。パーヴォは就任当初からN響が欧州のトップレベルのオーケストラに引けを取らない存在だと公言しており、実際に彼が指揮すると、N響がこれほどまでに凄いオーケストラだったのかと改めて驚かされることが多かった。更には演奏会のプログラミングの巧みさや、お馴染みの名曲であってもこれまでの印象が大きく変わってしまうような斬新な視点に唸らされたりと、パーヴォがN響に新時代をもたらしつつあることは間違いないだろう。

そんなパーヴォ・ヤルヴィ率いるNHK交響楽団が、2020年の2月から3月にかけてヨーロッパ・ツアーを行う。同楽団がパーヴォとヨーロッパを訪れるのは、2017年以来2度目。このツアーにかける意気込みは勿論のこと、この21世紀という時代に、彼がどのような思いを胸に抱きながら音楽と向き合っているのかについて、たっぷりと話をうかがった。まずは、この時代に欠かせないものとなったSNS(ソーシャルネットワーキングサービス)の話題から……。

── パーヴォさんはFacebook、Twitter、Instagramと、主だったSNSを活用されて、様々なことを投稿されていますが、SNSはご自身の意思で始められたのでしょうか?

そうです。でも明確なマーケティング戦略があるわけではありませんよ(笑)。環境問題や政治問題のことを書くこともありますが、基本的には自分が楽しんでやっているのです。自分の音楽活動にまつわる情報を発信してはいても、(セルフブランディング的な)自分のイメージをどうこうしようという戦略ではありません。なにしろ自分のフォロワーが何人いるのかも把握していないほどなので……。

特に気にかけていて自分で投稿したり、他の人の投稿をリポスト(リツイート、シェア)したりするのは母国エストニアについての動向です。例えば、ペレストロイカによってロシアが去ったあと、エストニアとロシアの国境付近でどんなことが起こっているのか……。こうした情報は多くのニュースのなかで埋もれてしまって、ほとんどの人の目に留まらない。それを投稿したりリポストしたりすることで、自分が大切にしていることを他の人々にも知ってもらいたいのです。

── きっと普段からSNSを使っている人々の大多数がそのような思いで投稿していますよね。パーヴォさんも同じであると。

とはいえ、政治的なことはごく一部で、投稿の大部分は音楽、文化、芸術、教育のことです。まずは、自分が音楽家として何をやっているのかということを発信していきたい。ところが大規模なエンターテインメントに比べると、私たちの分野は予算的な規模では全然敵いませんから、(メディア露出で)競争することが出来ません。少しでもみなさんに伝えられるプロモーションの機会や手段があれば、それを有効に使わない手はないのです。「CDが発売された」「コンサート・ツアーがある」……というようなことを、自分からみなさんに伝えていきたい。私はクラシックの音楽家として、演奏会で指揮することと同じぐらい、伝道師となって音楽の魅力を広めていくことも自分に課せられた重要な使命だと考えていますから。


── だからお忙しい中であろうと、こうしたインタビューも積極的にお答えになられているわけですね。そしてCDのお話がありましたけれど、これまでN響でポストを持っていた指揮者の多くは、パーヴォさんほどN響とのCDのリリースに積極的ではなかったように思います。

私がCDのレコーディングに力を入れているのは、いくつかの理由があります。ひとつはより多くのみなさんに、世界中の人たちに、N響の凄さを聴いていただきたいということです。ヨーロッパやアメリカでN響の話をすると、「ああ、日本のオケね。でも彼らはあんまり歴史がないから……」で片付けてしまいがちです。でも実際に私たちが最初に録音した《英雄の生涯》のCDを聴いてもらうと、すぐさま「凄いオーケストラじゃないか!?」という反応が返ってくるわけです。私たちはすべての国々に行くことは出来ませんが、CDや配信はどこでも聴くことができます。ですから、そういう媒体を通せば、自宅にいながらにしてN響の演奏を聴いてもらうことが可能になるのです。

── では、他の理由は?

レコーディングやそれを収めたCDは、私たち音楽家の歩みを記録し、後に残すべき遺産なのです。古くて録音状態が悪いものであっても、R.シュトラウスやヒンデミットが自分の作品をどう振ったのかを聴くことができるのです。そういうものが残っていなければ、音楽史のなかに穴があいてしまいますよね。

例えば、今日(取材日の9月12日)はグスタフ・マーラーがミュンヘンで、交響曲第8番(《千人の交響曲》)を世界初演した日です。その時に誰かがiPhoneを持っていて、それをレコーディングしてくれていたら……もしそんなものが残っていたら、どんなことをしても手に入れたいですよ。

自分たちの演奏を録音しCDとして残すことで、N響の長い歴史の中で私たちがどういう演奏をしたかをどなたにもいつでも聴いていただけますし、私自身も、自らの演奏を振り返ることができます。一つのオーケストラがその指揮者や時代によって変化してく、その変遷を辿るのはとても私自身にとっても興味深いことなのです。

そして私たちは、常に最高の音楽を生み出そうと努力していますので、その成果を未来に残しておく責任があるのです。逆に、この時代に録音を残さないというのは、無責任だとさえ思います。私自身もCDやストリーミングによって、新しい録音だけでなく、フルトヴェングラーやフリッツ・ライナーのような過去の録音を聴いて、得るところが多いのです。

── パーヴォさんは過去の録音でいうと、他に朝比奈隆さんの録音をかなり熱心に集められているそうですね。

大ファンです。私の人生に革命を起こしてくれた、最高のブルックナー指揮者の一人ですから。

── そうした過去の演奏を熱心に聴かれていることと、パーヴォさんの伝統にとらわれない新鮮な演奏は、矛盾しないのですよね?

伝統に縛られないでいるためには、その伝統が何なのかを知ることが大切です。出発点として過去のいろいろな演奏を知っているに越したことはない。しかし私は何が何でも伝統と異なることを志向しているわけではなく、あくまで「最終的な結果」が異なっているということなのです。自分の考えをもとに、さまざまなアプローチを試したり、異なる演奏を聴いたり、別の角度から眺めてみたり、さらに考え直してみる――こういう試行錯誤を繰り返して解釈を熟成させ、ようやくたどり着く音楽。最初から伝統と異なるものを作ろうとしているのではなく、あくまでも自分の内部からの有機的な発展の結果として伝統とは異なるものが生まれているだけなのです。

それに朝比奈隆やギュンター・ヴァントによる偉大なブルックナー解釈だけでなく、バーンスタインがニューヨーク・フィルと(1976年に)交響曲第6番をどう演奏したかを知らなければ、この作品の解釈の可能性についての自分の見解を狭めてしまうことにさえなるかもしれません[註:バーンスタインが生涯に一度だけ取り上げたブルックナーの交響曲第6番の演奏は長らくラジオ放送のエアチェック・テープとして流通し、2000年にニューヨーク・フィルに自主制作盤として正式にCD化された。パーヴォが接していたのはそのエアチェック・テープだった]。



── バーンスタインのブルックナーというと、最晩年にウィーン・フィルと録音した第9番が有名ですけれど、第6番ですか!?

バーンスタインは緻密なアナリーゼに基づいた上で本能的にブルックナーを振っているのですが、彼の残された録音から学ぶことは本当に沢山あります。私は決して過去と違う演奏をするのを目的としているのではなく、より良い演奏をするべく努力しているだけなのです。

── パーヴォさんは特定の考えに縛られることなく、常にとてもオープンな感覚を持ち合わせていらっしゃいますが、そのマインドに我々聴衆も刺激を受けているように思います。N響が本当に世界に通用するトップレベルのオーケストラであることを、パーヴォさんを通じて日本のファンが気付かされているように思うのです。

そう言っていただけると嬉しいです。演奏というものは、客観的に判断することが非常に重要です。先入観を持つべきではないですし、ヨーロッパやアメリカのオーケストラであっても、すべての演奏がいいわけではない。思ってもみないところから素晴らしい演奏が生まれることもあります。例えば、最近発売された《ニーベルングの指環》のCDで香港フィルを聴きましたが、素晴らしいオーケストラでした。録音は演奏を客観的に判断するにはうってつけです。

── ヤープ・ヴァン・ズヴェーデンの指揮する香港フィルによるワーグナーは、世界中で大評判となっていますよね。

20年前はいざ知らず、今は違います。レッテルで決めるのではなく、実際に聴いてみることが重要です。現在は、日本だけではなくアジア各地で演奏技術や音楽解釈の熟成度が高まってきています。演奏者の出身地だけで判断したり、歴史との繋がりだけで決めつけたりするべきではありません。

── 日本のリスナーの中にも、ウィーンやベルリンのオーケストラが最高で、それと異なるからレベルが落ちるという見方を未だにされる方もいるようです。

そんな比較の仕方はまったく意味がないですね。いちいち比較していたのでは、その演奏の本質を見誤るでしょう。演奏を楽しむことすらできません。比較によって、演奏の価値を判断するのは間違っているように思います。誰だって生まれながらにしてパーフェクトなのですから。「自分が最初に聴いた録音と随分違うから、ちょっとどうなのかな?」という判断をする人も多いようですが、そうした過去の記憶と比べてじゃないと価値が判断できないのはもったいない。前向きではないし、もっと虚心坦懐に音楽に接するべきなのです。非生産的でもありますよね。


(通訳:井上裕佳子/取材協力:NHK交響楽団)

>> 後編へ続く


profile
パーヴォ・ヤルヴィ / Paavo Järvi
2019年9月にNHK交響楽団首席指揮者として5シーズン目を迎えたパーヴォ・ヤルヴィは、これまで重点的に採り上げてきたドイツ・ロマン派や北欧、ロシアの作品に加えて、オール・ポーランド・プログラムなど意欲的な曲目にも取り組んでいる。その挑戦する姿勢は、発信力の強さと相まって、N響のみならず、日本のオーケストラ界全体にとって大きな刺激となっている。海外活動にも積極的で、2020年2月から3月にはN響と2度目となるヨーロッパ公演を行う。
エストニアのタリン生まれ。現地の音楽学校で学んだ後、アメリカのカーティス音楽院で研鑽を積み、バーンスタインにも師事。シンシナティ交響楽団、hr交響楽団、パリ管弦楽団などの要職を歴任。現在は、ドイツ・カンマーフィルハーモニー管弦楽団芸術監督、エストニア祝祭管弦楽団の芸術監督などを務める。2019/20年シーズンからはチューリヒ・トーンハレ管弦楽団の音楽監督兼首席指揮者に就任。ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団などの名門オーケストラにも客演し、現代を代表する指揮者のひとりとして、世界で活躍している。
http://www.paavojarvi.com/

Messiaen, l’effet Paavo Järvi

crescendo-magazine.be
Pierre Jean Tribot
11.11.2019



Olivier Messiaen (1908-1992) : Le Tombeau resplendissant ; Les Offrandes oubliées ; Un Sourire ; L’Ascension. Tonhalle-Orchester Zürich, Paavo Järvi. 2019-Livret en allemand, anglais et français-64’48. Alpha 548

Paavo Järvi débute son mandat auprès du Tonhalle-Orchester Zürich par un coup de maître ! L’ironie de l’histoire veut que cet album consacre un compositeur français dans quelques-unes de ses grandes oeuvres, alors que le chef avait proposé, sans succès, ce même projet à l’Orchestre de Paris quand il en était le directeur musical ! Dans l’entretien qu’il nous avait accordé, Paavo Järvi disait son admiration pour Messiaen : “pour moi, Messiaen est l’une des voix musicales les originales dans l’histoire de la musique française du XXe siècle. Il y a bien sûr Maurice Ravel et Claude Debussy, qui sont des incontournables, mais après eux la figure de Messiaen est extrêmement importante. Beaucoup de musiques qui ont été composées dans le milieu du XXe siècle sonnent “datées” à nos oreilles, mais ce n’est absolument pas le cas de la musique de Messiaen qui nous offre toujours son originalité, sa fraîcheur, ses couleurs ou ses harmoniques absolument géniales.”

Ce qui frappe à l’écoute de ce disque, c’est la haute compréhension du compositeur et la capacité du chef à creuser le texte musical pour en tirer des alliages instrumentaux d’une grande beauté. Dans l’Ascension, il fait admirer l’élégance racée et la clarté des textures orchestrales. Mais ce travail sur le son ne perd jamais de vue l’élan et la force dramaturgique de cette musique avec un Tombeau resplendissant et des Offrandes oubliées saisissants d’impact.

Proposé entre ces pièces de jeunesse, Un Sourire (l’une des dernières compositions de Messiaen), hommage très personnel du compositeur à Mozart, séduit par sa transparence et ses climax. Ce Sourire apparaît comme un regard nostalgique sur sa propre oeuvre par ses contrastes de styles, parfois proches des partitions des débuts, parfois similaires au style de la maturité.

Le Tonhalle-Orchester Zürich est exemplaire de précision et d’homogénéité dans ces partitions qui restent exigeantes. Avec cet album, Paavo Järvi marque le retour aux avant-plans de la phalange suisse qui avait tant marqué la scène internationale avec les enregistrements de David Zinman. Si la discographie de ces oeuvres de Messiaen est déjà qualitatitive avec les gravures de Myung-whun Chung (DGG), Sylvain Cambreling (SWR Musik), Paavo Järvi va encore plus loin !

Son : 10 Livret : 10 Répertoire : 10 Interprétation : 10

https://www.crescendo-magazine.be/messiaen-leffet-paavo-jarvi/

Saturday, November 09, 2019

CAHIERS OUBLIÉS

artalinna.com
Jean-Charles Hoffelé
9.11.2019




Messiaen avant Messiaen ? Le triptyque des années trente contient pourtant toute la pensée musicale de l’auteur des Vingt Regards, la propension à l’extase, les espaces planes et infinis des cordes où se tuile une flûte et qui doivent beaucoup aux pages les plus avancées de Charles Koechlin. C’est la part la moins courue au disque des œuvres d’orchestre de Messiaen depuis que Marius Constant les aura fait émerger des tiroirs, les enregistrant pour Erato à la demande de Michel Garcin ; Paavo Järvi si versé dans les œuvres rares du répertoire français – il aura fait entendre à l’Orchestre de Paris jusqu’aux Trois Danses de Maurice Duruflé – ne pouvait qu’y aller voir.

La sérénité de la première section des Offrandes oubliées est assez inouïe, rêve de sons, avant que n’éclate la furia et que ne revienne ce sourire de cordes, auquel Paavo Järvi enchaîne d’ailleurs l’œuvre quasi ultime, ce presque-rien de sons coulé de la plume d’un Messiaen octogénaire, et justement intitulé Un sourire, qui est au fond ce qu’il aura écrit de plus chrétien.

Paavo Järvi fait rayonner comme une proclamation l’incendie qui ouvre Le Tombeau resplendissant, mais c’est dans les quatre louanges de L’Ascension qu’il dévoile toutes les beautés du grand orchestre méditatif ou exultant que Messiaen y invente, entraînant la Tonhalle dans un univers qu’elle exulte de découvrir. Le livret contient la retranscription d’un entretien éclairant avec le chef d’orchestre.
LE DISQUE DU JOUR

Olivier Messiaen (1908-1992)
Le Tombeau resplendissant
Les Offrandes oubliées, méditation symphonique
Un sourire
L’Ascension – 4 méditations symphoniques

Tonhalle-Orchester Zürich
Paavo Järvi, direction

Un album du label Alpha 548
Acheter l’album sur le site du label Alpha ou sur Amazon.fr – Télécharger ou écouter l’album en haute-définition sur Qobuz.com

Photo à la une : le chef d’orchestre Paavo Järvi – Photo : © Alberto Venzago

Wednesday, November 06, 2019

Alles kann immer mehr sein. Zürichs neuer Chefdirigent Paavo Järvi im Interview.

van.atavist.com
Hannah Schmidt
6.11.2019


Etwas mehr als einen Monat ist Paavo Järvis Antrittskonzert als Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters Zürich nun her – seitdem ist er dort nun nicht mehr nur Gast, wenn er dirigiert, sondern fester Teil des Klangkörpers. Auf seinen direkten Vorgänger Lionel Bringuier hatte die Schweizer Presse zuvor wenig begeistert reagiert. Järvi feiert sie nun als eine Art Retter, der dem Orchester zum alten Glanz zurück verhelfen könne. »Ist das überhaupt noch dasselbe Orchester?«, fragte beispielsweise die Neue Zürcher Zeitung. Wie wahr oder verzerrt das alles vielleicht auch sein mag, sogar im Vergleich zum Klang und Repertoire unter dem 19 Jahre lang wirkenden Chefdirigenten David Zinman ist hier seit Järvis Antritt einiges im Aufbruch. An einem Tag Ende Oktober, gegen 13.30 Uhr, ist gerade wieder ein recht tosender Applaus im Saal zu Ende gegangen, und Paavo Järvi macht sich hinten im Dirigentenzimmer einen Espresso. Er bietet alles an, was dort so herumsteht – Weintrauben, Orangenschokolade – und setzt sich weit zurück gelehnt auf die Couch.
VAN: IST TSCHAIKOWSKYS SECHSTE WIRKLICH ETWAS FÜR EIN ›LUNCHCONCERT‹?

Paavo Järvi: Ich weiß, eigentlich kann man diese Musik nicht im Lunchkonzert bringen, eigentlich ist es total verrückt: Aufwachen, Guten Morgen – Pathétique! Ich versuche dennoch alles zu geben und das Orchester auch, immerhin nehmen wir auf.

BIST DU DENN ZUFRIEDEN MIT DEN BISHERIGEN KONZERTEN?

Naja, zufrieden ist eine Sache, befriedigt eine andere. Bisher bin ich nur ganz selten mal mit Konzerten glücklich gewesen, bisher nur mit der Kammerphilharmonie Bremen. Dort haben wir im wahrsten Wortsinn jahrelang am gleichen Repertoire gearbeitet, das ist Feintuning auf einem ganz anderen Level …

UND MIT DER PATHÉTIQUE HIER IN ZÜRICH?

Bei Tschaikowskys Sechster war ich bisher nie wirklich glücklich mit einer Aufführung. Dort gibt es einfach so Vieles, das richtig sein, funktionieren, passieren muss, und das hat nichts mit Perfektion oder Zusammenspiel zu tun. Das Schwierigste ist der letzte Satz, wenn man diese unglaubliche Verlassenheit und den Schmerz, die Resignation und Wut spürt, und gleichzeitig muss es aber auch musikalisch Sinn ergeben, was du tust. Es ist schwer, einen Modus zu finden, der all diese Kriterien erfüllt, so dass du als Zuhörer wirklich glaubst, dass da gerade etwas Tragisches passiert.

SONST IST ES EINFACH ›SCHÖN‹?

Ja. Wenn die Leute sagen ›Oh, das war schön‹, dann weiß ich genau, dass es nicht gut war. Da wäre es mir sogar lieber, wenn sie es wirklich hassen. Zum Beispiel dieser Marsch im dritten Satz – das muss sich anfühlen wie vor eine Wand geschleudert zu werden. Das ist ein Marsch in die Hölle, one way. Nicht so [singt] – da bleibt nichts übrig. An diesem Marsch ist nichts Fröhliches.


ABER PASSIERT ES NICHT GERADE BEI TSCHAIKOWSKY SCHNELL, DASS MAN ZU VIEL WILL UND ES DANN KITSCHIG WIRD?

Dieses ganze Kitsch-Ding ist eigentlich sehr interessant. Jahrhundertelang gab es einen gewissen Standard was die Interpretation dieser Musik angeht, es gab allgemein als richtig akzeptierte Werte. Da galt schnell etwas als zu emotional, zu kitschig. Aber wir leben in einer Zeit, in der sich die Werte ändern. Tschaikowskys Musik ist so sehr verbunden mit ihm und seiner inneren Welt – er war homosexuell, das wusste damals jeder, aber in keinem Buch tauchte es jemals auf, er sprach Französisch zu Hause, liebte das Ballett. Das ist alles in seiner Musik enthalten, aber es wurde immer auf gewisse Weise heruntergespielt. Weil: zu kitschig, zu dies, zu das. Nein, es ist exakt, was in seiner Musik steckt.

ALSO IST KITSCH GESCHMACKSSACHE?

Zum großen Teil, ja. Ich will zwar keinen Kitsch machen, aber ich will auch keine wahrhaftigen Momente herunterspielen, nur weil man es traditionellerweise nicht wagte, die Emotionen auszudrücken, die der Komponist beim Schreiben dieser Musik hatte. Wir können das jetzt tun. Die Zeiten haben sich geändert. Der Streicherklang dieses Orchesters ist wirklich fantastisch, den braucht man für Tschaikowsky.

WAS IST DENN EIN GUTER KLANG?

Klang ist kein Selbstzweck, Klang bezieht sich immer auf etwas. Er muss im Kontext gesehen werden zur Logik und der Aussage eines Werks. Wenn wir über Klang sprechen, haben wir meist das Ideal eines deutschen Orchesters im Kopf, das deutsche Musik spielt, und wir sprechen über den tollen Klang der Berliner oder Wiener Philharmoniker – aber dieser Klang ist das Resultat des Spielens großen deutschen Repertoires, bei dem man genau weiß, wie Bruckner und Brahms klingen müssen. Dvořák ist nicht der gleiche Sound. Dvořák ist anders, zwar romantisch, aber böhmisch, nicht russisch wie Tschaikowsky. Russische Orchester spielen Dvořák immer wie Tschaikowsky, bei deutschen Orchestern klingt Dvořák immer wie Brahms. Aber er hat auf gewisse Weise eine andere Herkunft. Und diese Herkunft hört man beim Czech Philharmonic und nirgendwo sonst. Der Rest ist alles guter Klang, tolles Orchesterspiel – aber am Ende immer das Gleiche. Ein Orchester hat seine eigene Klangkultur, an die man sich anpassen kann, aber auch seine eigene Geschwindigkeit, sein eigenes Reaktionstempo, und das ist bei jedem Ensemble einzigartig.

DAS BRINGT ABER AUCH SCHLECHTE GEWOHNHEITEN MIT SICH, KÖNNTE ICH MIR VORSTELLEN?

Ja, auch. Bei deutschen Orchestern passiert es zum Beispiel schnell, dass sie, wenn sie besonders schönen Klang produzieren wollen, langsamer werden. Sie wollen Tiefe und Farbe schaffen, und das braucht Zeit. Das Resultat klingt dann sehr schön, aber die Musik steckt ein bisschen fest. Als ich mit den Berliner Philharmonikern Schumanns Dritte gemacht habe, wollte ich es etwas leichter und schneller [singt], und sie spielten: [singt die gleiche Phrase langsamer und breiter]. Das war, was sie gewohnt waren und es ist auch total okay – aber ich war schon im dritten Takt, als sie noch im zweiten waren.

IST ES NICHT AUCH VON VORTEIL, WENN EIN ORCHESTER EIN STÜCK SCHON KENNT?

Der Satz ›Das Stück kennen wir‹ macht mich immer nervös. Das bedeutet, dass mir eine harte Woche bevorsteht. Dann bin ich die meiste Zeit damit beschäftigt, Dinge rückgängig zu machen, die die Musiker schon wissen. Das Meiste, was sie tun, tun sie nämlich einfach aus schlechter Gewohnheit, aus Routine. Es ist zwar gute Routine, die funktioniert, und die die Dinge zusammenhält, aber es klingt etwas, naja, erwartbar.



UND FÜR JUNGE DIRIGENT*INNEN? DA MACHT ES DOCH IM GEGENTEIL VIELES LEICHTER.

Das Problem der Jungen ist – und es war auch mein Problem, als ich 30 Jahre alt war: Du weißt nichts und du hast kein Repertoire. Hast vielleicht drei oder zehn Stücke im Konzert dirigiert, mit einem mittelguten Orchester, und alle nur ein einziges Mal. Am Ende der ersten Saison hast du dann alle Stücke in deinem Repertoire gemacht und in der Folge machst du alles zum ersten Mal. Das ist ein Albtraum. Das Orchester wird zum Versuchskaninchen für dich, der du die Stücke lernst, die das Ensemble schon 50 Mal im Leben gespielt hat. Ich war in dieser Situation und bin froh, sie überstanden zu haben.

DAVID ZINMAN HAT DIESEN SEHR BERÜHMT GEWORDENEN BEETHOVEN-ZYKLUS MIT DEM TOZ AUFGENOMMEN. SPÜRST DU SEINEN GEIST NOCH IMMER?

Auf jeden Fall. Die meisten Orchester spielen Beethoven auf ziemlich übliche Weise, aber dieses Orchester kann Beethoven sehr spezifisch spielen … Man spürt, dass das Orchester lange Zeit auf sehr hohem Niveau gehalten und geleitet wurde, das ist einfach Arbeit, die Zinman wirklich gut gemacht hat. Dieses Orchester hat eine innere Kultur entwickelt, die bleibt, und die so schnell nicht wieder nachlassen wird – dafür bräuchte es wirklich Jahrzehnte schlechten Dirigats. Die Musiker*innen sind zu stolz, alle Musiker*innen wollen schließlich in einem guten Orchester spielen. Ein so gutes Niveau hält sich wirklich lange Zeit.

IN DER PATHÉTIQUE HAST DU DAS ORCHESTER HEUTE MITTAG SEHR GEFORDERT, DAS GING IM TEMPO ZWISCHENDURCH BIS AN DIE GRENZE DES SPIELBAREN … WILLST DU SIE IRGENDWIE TESTEN?

Ich will das Orchester weiterentwickeln und sichergehen, dass die Musiker*innen flexibel dabei sind und die ganze Zeit miteinander in Kontakt bleiben. Ich habe hier gerade erst ein paar Projekte gemacht und ich arbeite noch daran, dass wir einen gemeinsamen Reaktionsmoment finden. Da sind dann bewusst ein paar Sachen übertrieben, damit ich sagen kann: ›Achtung, es könnte so sein. Und erwartet nicht, dass es immer so sein wird.‹

FÄLLT ES DIR MANCHMAL SCHWER DIE RICHTIGE KLANGLICHE RICHTUNG FÜR EIN WERK ZU FINDEN?

[Pause] Es ist immer schwer eine Richtung zu finden, denn die Richtung ändert sich. Ein Stück wie Tschaikowskys Sechste – damit bin ich aufgewachsen. Ich kannte die Sinfonie schon mit vier, fünf, sechs Jahren auswendig, erinnere mich an Mravinskys Aufnahmen und an meinen Vater, wie er sie dirigiert. Auf gewisse Weise ist sie also ein Teil von mir, aber nach 20 Jahren des Dirigierens hat sie sich verändert, denn ich habe mich verändert. Ich wusste nichts über Tschaikowskys Leben als ich zehn Jahre alt war, jetzt ist es eine ganz andere Geschichte. Und gleichzeitig weißt du, dass da die Möglichkeit ist, mehr zu geben und mehr zu machen, mehr Dynamik, mehr Sforzato, der Biss der Klänge sollte schmerzhafter sein, wie der Biss eines Hundes oder eines Wolfs. Ich habe selten das Gefühl, es ist zu viel, eher: Es ist zu wenig. Alles kann immer mehr sein.

UND DIE AUFNAHMEN SOLLEN NUN AUCH BEWUSST ANDERS KLINGEN? ODER WARUM SPIELT IHR DIE GEFÜHLT 100.000STE PATHÉTIQUE EIN?

Eigentlich bedeutet das Aufnehmen tatsächlich gewaltigen Stress. Ein Stück aufzunehmen, das die Leute nicht kennen, ist eine Sache. Die Pathétiqueaufzunehmen ist die Hölle. Es gibt gefühlt eine Million Aufnahmen davon – und ich kenne sie, denn ich sammle Aufnahmen. Wenn es eine Sache gibt, die die Welt nicht braucht, dann ist es eine weitere korrekte Einspielung dieses Werks. Was wir brauchen ist etwas, das dich aufhorchen lässt: Was passiert denn da? Ich glaube, dass ich etwas über diese Musik zu sagen habe, was wir noch nicht schon wussten, und ich habe den richtigen Partner gefunden, um das zu tun. Und ich finde, sollte die Welt das Ergebnis hören. Es ist natürlich ein gewisser Druck dabei. Aber das hält uns wach und macht das Leben spannend.

Thursday, October 31, 2019

Orgelhaft orchestral

www.concerti.de
Christian Lahneck
31.10.2019

Paavo Järvi hat vier Werke von Messiaen zusammengestellt, die das Tonhalle-Orchester Zürich hellwach und mit rhythmischer Präzision spielen.


Eine mutige Wahl zum Amtsantritt. Inzwischen leitet Paavo Järvi, der Vielgefragte, auch das Tonhalle-Orchester von Zürich und dringt dort zum Auftakt seiner CD-Tätigkeit in eine Marktlücke vor. Denn sowohl Orchester als auch Dirigent sind mit Werken von Messiaen bislang ärmlich vertreten. Nun hat Järvi vier Werke zusammengestellt: „Le Tombeau resplendissant“, „Les Offrandes oubliées“, „L’Ascension“ – Werke aus den frühen 1930er Jahren – sowie „Un sourire“ von 1989. Vom ersten Takt an ist das Orchester hellwach und spielt, vor allem, mit rhythmischer Präzision, die hier wie eine Grundvoraussetzung für die daraus abgeleiteten klanglichen Finessen erscheint. Den elegisch-meditativen Charakter von „Les Offrandes oubliées“ treffen die Musiker genau, ohne Kitsch. Die vierteilige „Ascension“ wird abschließend zu einer orgelhaft-orchestral aufgefächerten Bekenntnismusik.


© Kaupo Kikkas

Paavo Järvi

Messiaen
L’Ascension, Le Tombeau resplendissant, Les Offrandes oubliées & Un sourire

Tonhalle-Orchester Zürich, Paavo Järvi (Leitung)
Alpha

https://www.concerti.de/rezensionen/paavo-jaervi-tonhalle-orchester-zuerich-messiaen/

Paavo Järvi in Zürich: Jetzt beginnt das Abenteuer

nzz.ch
Christian Wildhagen
31.10.2019


Paavo Järvi bei seinem Antrittskonzert in Zürich, Anfang Oktober, mit Mitgliedern des Tonhalle-Orchesters. (Bild: Gaëtan Bally / Tonhalle Zürich)

Wer Wind sät, wird Sturm ernten – so weiss es bereits das Alte Testament. Und so tat es Paavo Järvi, der soeben erfolgreich bestallte Musikdirektor des Tonhalle-Orchesters Zürich: Er säte Wind und öffnete auch gleich noch die imaginären Fenster des Konzertsaals, um die frische Luft einer neuen Zeit hereinwehen zu lassen in die der Durchlüftung und Erfrischung überaus bedürftige Tonhalle Maag.

Järvi tat es am Mittwoch wortwörtlich: mit dem 2015 von ihm in Paris uraufgeführten Stück «Sow the Wind . . .» seines estnischen Landsmannes Erkki-Sven Tüür, der während der Konzertsaison 2019/20 den «Creative Chair» der Tonhalle innehat. Knapp zwanzig Minuten lang entfacht Tüürs Tongemälde aus anfänglichem Säuseln und Wehen einen veritablen Höllensturm: Da bläst und tost es, dass der Saalboden vibriert; dazwischen aber vernimmt man das Summen von riesigen Bienenschwärmen, ein Glucksen von wilden Bächen, ein Oszillieren des Lichts in zerzausten Baumkronen, wie man es aus den besten Naturmusiken der Romantik kennt. Und prompt ist danach die Atmosphäre im Raum wie ausgewechselt. Hört doch, scheint Järvi dem verdutzten Publikum zuzurufen: So aufregend, so beredt kann zeitgenössische Musik klingen!

Euphorie des Anfangs
Järvi lüftet bei den jüngsten beiden Konzerten, seinem zweiten und dritten Programm seit Amtsantritt, freilich auch in übertragenem Sinne gründlich durch. Und zwar von Anfang an. Da gibt es kein Zögern, kein behutsames Abtasten der Möglichkeiten; das Orchester und sein neuer Chef kennen sich bereits seit gut einem Jahr – entsprechend geht es in medias res. Schon am vergangenen Freitag, bei Peter Tschaikowskys grosser Orchesterfantasie «Francesca da Rimini», die den furiosen Auftakt bildet für einen Tschaikowsky-Schwerpunkt, in dessen Rahmen unter anderem alle sechs Sinfonien aufgeführt und mitgeschnitten werden sollen.

Auch in dieser ausladenden Tondichtung nach Dantes «Göttlicher Komödie» stürmt es infernalisch – kein Zufall gewiss, wenn man Järvis raffinierte Programmkonzeptionen an früheren Wirkungsstätten kennt. Und auch hier regen sich zwischendrin lieblichere Töne, die das Orchester mit lange so nicht mehr gehörter Klangsinnlichkeit auskosten darf. Järvi belebt und aktiviert quasi mit dem ersten Takt das gesamte Ausdrucks- und Dynamikspektrum: vom Pianissimo-Hauch bis zum druckvoll-gestützten dreifachen Forte, und schlagartig wirkt es, als sei der gräuliche Schleier, der sich nach und nach über den edlen, warmen Klang des Tonhalle-Orchesters gelegt hatte, buchstäblich weggeblasen.

Mitunter geht dieser Ansatz, der den Klangraum bis in dynamische Extreme auslotet, sogar über die akustischen Möglichkeiten der Maag-Halle hinaus. Womöglich hat Järvi dabei grössere Säle wie die Pariser Philharmonie im Sinn (wo er lange gewirkt hat) oder bereits die historische Tonhalle am See, wohin man im März 2021 gemeinsam zurückkehren will. Der leichte Überschwang, der sich in beiden Konzerten manifestiert, ist sicher auch dem euphorischen Geist dieser Anfangszeit geschuldet, in der das Orchester spürbar jede Erinnerung an die vergangenen Krisenjahre vergessen machen will.

Sinfonische Erzählungen

Zugleich hat die Intensität, mit der hier gemeinsam musiziert wird, etwas unmittelbar Mitreissendes. Das kommt einem oft geschundenen Werk wie Tschaikowskys Vierter zugute. Deren stilistische Gegensätze zwischen Tragik, Fatalismus, Tanz- und Zirkusmusik mildert Järvi nicht etwa ab, er kostet sie in ihrer ganzen Widersprüchlichkeit aus. Das ist ein Drahtseilakt, den Järvi aber mit einer aussergewöhnlich klaren Formdisposition und deutlich unterschiedenen, meist straffen Tempi meistert. Zudem lässt er die einzelnen Sätze ohne längere Räusperpausen aufeinanderfolgen; dahinter steht offenkundig die Idee einer übergreifenden sinfonischen Erzählung, die das jeweilige Werk als Ganzes, als dramaturgische Einheit fassbar macht.

Besonders bezwingend gelingt dies bei Tschaikowskys «Pathétique», die das Mittwochskonzert beschliesst. Über die nahezu ohne Unterbrechung ineinandergreifenden vier Sätze spannt sich ein atemberaubender Bogen – von der requiemartigen Einleitung bis zum verlöschenden Herzschlag-Pulsieren der Bässe am Schluss des Finales. Dazwischen schillert die Musik in ihrer ganzen Ausdrucksfülle: leidenschaftlich, doch immer vorwärtsdrängend das Ringen im Kopfsatz; von kantabler Eleganz der ebenfalls sehr fliessende 5/4-Takt-Walzer des zweiten Satzes; mit beeindruckender Virtuosität zum (voreiligen) Triumph gesteigert der Geschwindmarsch des dritten.

Gleichwohl meidet Järvi die bei diesem durch und durch autobiografisch konnotierten Opus ultimum übliche Ergriffenheitsgeste und jegliche Larmoyanz. Vielmehr setzt er dem Schicksalsraunen nicht zuletzt klanglich klare Vorgaben entgegen: einerseits einen herrlich aufblühenden, aber bis ins Vibrato kontrollierten Streicherton; andererseits ein ungewohnt, ja manchmal irritierend scharf akzentuiertes Blech, das jede Idylle – wie später bei Schostakowitsch – bedrohlich durchkreuzt. Straff und unerbittlich führt Järvi damit seine Erzählung bis zum bitteren Ende und lässt das Publikum zunächst in atemloser Stille zurück, bevor sich Jubel Bahn bricht.

Kaffeehaus und Konzert

Abgerundet werden beide Konzerte jeweils durch konzertante Werke. Vor Tschaikowskys Vierter haucht der Schwede Martin Fröst dem einst für Benny Goodman komponierten Klarinettenkonzert von Aaron Copland dezent jazzige und impressionistische Töne ein und begeistert anschliessend noch mit einer ebenso stilsicheren Klezmer-Zugabe. Am zweiten Abend nimmt sich der Finne Pekka Kuusisto in Erstaufführungen der äusserst selten zu hörenden Humoresken und Serenaden für Violine und Orchester von Jean Sibelius an.

Diese kurzen Stücke, teilweise während des Ersten Weltkriegs zum Broterwerb entstanden, sind – wie Beethovens Violinromanzen – Nebenwerke zum grossen Solokonzert. Knapp, lakonisch, skizzenhaft. Doch Kuusisto macht daraus mit geigerischer Finesse und leicht skurriler Selbstironie Kabinettstücke einer reizvoll zwischen Kaffeehaus und Konzertsaal, zwischen Experiment und höherem Anspruch changierenden Unterhaltungsmusik. Järvi und die feinsinnig begleitenden Tonhalle-Musiker greifen diesen Ton mit Humor und Charme auf. Mehr frischer Wind ist am Beginn einer Ära kaum denkbar.

Tuesday, October 29, 2019

Messiaen, L'Ascension, Orchestral Works of the '30s and '80s, Tonhalle-Orchester Zurich, Paavo Jarvi

classicalmodernmusic.blogspot.com
Grego Applegate Edwards
29.10.2019



On today's CD (Alpha 548) we have three orchestral works by Olivier Messiaen (1908-1992) from the 1930s and one from the 1980s. Paavo Jarvi most ably and dynamically directs the Tonhalle-Orchester Zurich for the duration of the program.

Early Messiaen is a world apart from anything that preceded him, even at times that which followed, namely his later works. I was happily introduced to his music years ago by way of a recording of his "Turangalila-Symphonie" of 1948, a remarkable work in so many aspects but also in part very much a model recapping of his first period (that aside from his fascinating incorporation of "popular" melodics that almost sound like music hall pieces from another planet!) .

Much of the charm and original daring of that work is contained in microcosm in the three early works we hear on this program, "Le Tombeau Resplendissant" (1931) for a rhythmic-melodic asymmetry and vibrancy, "Les Offrandes Oubliees" (1930) for its supernatural, otherworldly chorale sort of sound with a remarkable Modern harmonic movement that was all his own. Interestingly that motion is echoed in the 1989 "Un Sourire" (spelled by a well-developed, contrasting birdcall-like set of interjections).

Finally "L'Ascension" (1932-33) begins with another such chorale, beautifully orchestrated for brass and other instruments in a block of pristine sound initially unprecedented in modernity outside of Messiaen himself. This the first of four movements sets us up for what follows. Restlessly then sublimely unfolding whole-tone melodic chains of linking sound follow and we proceed happily further from there for surely one of his greatest early endeavors.

The appearance of tonal light so pronounced in Debussy and Ravel takes on further luminosity in "L'Ascension." Messiaen matched himself for the refracted light sound he was so endowed to produce but in my opinion never quite surpassed himself either. It is a true revelation to hear this early masterwork in the hands of Paavo Jarvi and the Tonhalle-Orchester Zurich. And so I unhesitatingly call this one to your attention.

Jarvi and the Zurich orchestra give us carefully executed and often rousing renditions of the works, which afford us a catbird's seat view of the early (and later) brilliance of this supreme master of Modern music.The volume is a great place for the Messiaen acolyte to start and a worthy addition to the Messiaen lover's collection. Essential.





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