Paavo Järvi alustas oma uue orkestriga Zürichist esimest kontserdireisi

kultuur.err.ee
Kirsti Kuusk
17.01.2020


Paavo Järvi alustas tööd Zürichi Tonhalle orkestriga Autor/allikas: Gaëtan Bally


Uue aasta esimesel kontserdireisil esineb Paavo Järvi oma uue, Zürichi Tonhalle orkestriga, mille peadirigendi ja kunstilise juhi ametisse ta sügisel astus. Kuni 19. jaanuarini mängib Zürichi orkester Austrias, Ungaris ja Saksamaal. Oma muljeid esimestest kontsertidest jagab viiuldaja Kirsti Kuusk.


Paavo Järvi esimene kontserdireis oma uue orkestriga Šveitsist algas kolmapäeval Austriast Innsbruckist. Võib kinnitada, et ka reisi esimene kontsert oli igati suurepärane. Välja müüdud ja nii akustilises mõttes kui ka oma suuruselt kammermuusikalise hõnguga saal oli avaõhtul Innsbruckis Congress Saal Tirol. Kavas kõlasid Béla Bartóki Tantsusüit orkestrile op. 77 (1923), Aaron Coplandi Kontsert klarnetile, keelpillidele, harfile ja klaverile (1947/48), solist alati huvitav ning unikaalne Rootsi muusik ja dirigent Martin Fröst, ning Pjotr Tšaikovski meistriteos 5. sümfoonia. Martin Fröst on ka Zürichi orkestri fookusartist sel hooajal.

150-aastane (asutatud 1868) orkester demonstreeris kõrgeimat mänguklassi. Bartóki Tantsusüit, üks raskemaid teoseid nii tehnilises kui ka koosmängu osas, esitati tulise hooga, tehniliselt perfektselt ja erakordselt artistlikult. Ja seda vaatamata faktile, et lugu on orkestrile põhimõtteliselt täiesti uus, nende repertuaaris mitte kunagi olnud teos, nagu tuli välja jutuajamiselt vaheajal Paavo Järviga. Järvil on plaan orkestri mängukava rikastada ning laiendada uue repertuaariga. "See on alles algus," kommenteeris ta Bartóki teosega tehtud töö tulemust.

Seda, et Copland kirjutas oma klarnetikontserdi kuulsa jazz-muusiku Benny Goodmani tellimusel, on kuulda solisti esimesest noodist kuni viimaseni. Omapärane muusikaline keel, huvitavad kõlalised efektid orkestris, finaali kuulad/ vaatad kui animafilmi! Eriti kui solist on Martin Fröst, kes mitte ainult ei mängi perfektselt oma instrumenti, vaid elab, lausa tantsib laval nagu üks filmiartist. Publiku aplaus oli teenitult tormiline. Martin Fröst mängis ka lisapala, Coplandi muusikaga hästi haakuva peadpööritava virtuoossusega klezmer-stiilis teose.

Paavo Järvi alustas oma uue orkestriga Zürichist esimest kontserdireisi. Pildil 15. jaanuari kontserdi afišš. Autor/allikas: Kirsti Kuusk

Vaheajal ajame juttu Paavo Järvi dirigenditoas. Räägime orkestritest Euroopas ja USA-s, nende erinevustest, positiivses ning negatiivses mõttes. Räägime sellest, et nn hea ja halb on kunstis üks väga suhteline asi ... et halb võib saada hea staatuse, kui paljud kinnitavad pikka aega, et see nii on ... Eks nii on igal pool, mitte ainult kunstis, aga kunstimaailmas on seda veel raskem tabada.

Räägime ka sellest, kuidas hoida keha ja meelt värskena sellise koormuse juures nagu on Paavol (tal on praegu kolm oma orkestrit – Tokyos, Bremenis, Zürichis, lisaks Eesti festivaliorkestri projektid ning kontserdid külalisdirigendina). Küsin: "Sa ei saa oma niisugust elu elada ilma alatise raudse distsipliinita ...". Paavo: "Nagu isa tavatseb öelda: häda ajab härja kaevu!". "Kas sa üldse puhkad, saad sa näiteks värskes õhus viibida?" Paavo: "Just jalutasin hotellist saali tervelt kolm minutit".

Kontserdi teises osas mängitakse Paavo nn leivanumbrit – see on Tšaikovski Viies sümfoonia. Seda mängisin ma ise tema käe all Eesti festivaliorkestri Jaapani-turneel möödunud aastal. Ma tean oma kogemusest, kui hästi ta seda teeb. Aga kuulates saalist, siis ikkagi: milline elamus! Tšaikovski geniaalne partituur on sajaprotsendiliselt publikuni toodud, väiksemgi detail pole kaduma läinud. Kõik neli osa mängitakse attacca, tulemus on üks terviklik muusikaline jutustus elust. Erakordne.

Vaimustatud, liigutatud publik ei lase orkestrit ära, lisapalana kõlab Tšaikovski Polonees ooperist "Jevgeni Onegin".

Orkestri muusikareis jätkus neljapäeva õhtul Viinis kontserdimaja suures saalis, reedel, 17. jaanuaril on ootamas Budapestis Béla Bartóki rahvusliku kontserdisaali ja 19. jaanuaril Dortmundi kontserdimaja publik. Võib julgesti öelda, et külalisturnee tuleb großartig, suurepärane.

http://kultuur.err.ee/1025183/paavo-jarvi-alustas-oma-uue-orkestriga-zurichist-esimest-kontserdireisi

Zürcher Orchester zu Gast in Innsbruck: Happiness vor dunkler Ausdrucksfülle

tt.com

Ursula Stohal

17.01.2020

Zürcher Tonhalle-Orchester mit Dirigent Paavo Järvi im Aufbruch. Brillanter Solist Martin Fröst

Der glänzende Klarinettist Martin Fröst, links von Dirigent Paavo Järvi, inmitten des Zürcher Orchesters, das im Innsbrucker Congress ein emotionsreiches Meisterkonzert bot.
© Kern

Innsbruck –Paavo Järvi übernahm vergangenen Herbst die künstlerische Leitung des Tonhalle-Orchesters Zürich und feiert den Aufbruch des traditionsreichen Klangkörpers nun mit einer Konzerttournee. Sie führte am Mittwoch nach Innsbruck und demonstrierte zum einen die Neigung des Dirigenten zu ungewöhnlicher Konzertprogrammierung sowie zum anderen einen – Järvi und den neuen Möglichkeiten geschuldeten – enormen Leistungswillen des Orchesters.

Vor Peter Iljitsch Tschaikowskys e-Moll-Symphonie Nr. 5 standen Bela Bartóks herbe, multikulturell genährt­e Tanzsuite für Orchester, mit der er 1923 die 50-Jahr-Feier der vereinten Stadt Budapest feierte und gleichzeitig dem nachdrücklichen Nationalismus Ungarns begegnete, sowie das einst für Benny Goodman komponierte Klarinettenkonzert von Aaron Copland.

Mit Bartóks typischem Mix aus scharfem Rhythmus und klanglichem Erfindungsreichtum sowie Coplands Weg aus lyrischen Gefilden zum Jazz nützte Järvi im Hörerlebnis des Publikums den Einfluss derart prägender Musik auf das Folgende. Noch dazu war der fulminante schwedische Klarinettist Martin Fröst für Coplands Konzert aufgeboten, mit dem er klangsinnlich und geschmeidig verführte. Gekrönt durch eine eigene Bearbeitung von Klezmer-Musik – „Let’s be happy!“ –, deren mitreißende Interpretation im Jubel-Echo des Publikums aufging.

Und mitreißend, emotional fordernd bohrte sich dann Tschaikowskys schicksalsschwere Fünfte Symphonie durch die Aufnahmefähigkeit. Järvi erreicht mit seinem ideal deutlichen, geradezu tragenden Dirigat ein gemeinsames Musizieren von starker Intensität, die Musikerinnen und Musiker geben ihm alles.

In einem atemberaubenden Bogen, das Ziel gegenwärtig, bindet er die Sätze zu einer Einheit eng aneinander, reizt die Dynamik, ohne zu mildern, bis ins geforderte vielfache Forte aus, ohne Stimmen, ohne die Ausdrucksfülle zu opfern. Immer breiter und doch pathosfrei fließt die Ausdrucksfülle durch russische Seelenlandschaft, kreuzt die Unerbittlichkeit gesellschaftlicher Anlässe und politischer Systeme – bis zur nächsten Insel von Tschaikowskys hoffnungsarmer Einsamkeit.

https://www.tt.com/artikel/16542036/zuercher-orchester-zu-gast-in-innsbruck-happiness-vor-dunkler-ausdrucksfuelle

Das Tonhalle-Orchester Zürich mit Paavo Järvi im Konzerthaus

derstandard.at
17.01.2020

Man arbeitet an einem Tschaikowsky-Zyklus und neuen Deutungswegen – die klingen interessant

Paavo Järvi dirigierte im Wiener Konzerthaus.Foto: Gaetan Bally

Ob er wohl aktuell einen eigenen Spind hat im Dirigentenzimmer? Innert drei Monaten ist Paavo Järvi mit seinen drei Orchestern aus Bremen, Zürich und Tokio im Konzerthaus zu Gast. Am Donnerstagabend war der Este mit den Schweizern da. Mit dem Tonhalle-Orchester Zürich ist Järvi erst relativ kurz liiert, man arbeitet zusammen an einem Tschaikowsky-Zyklus, in dem neue Deutungswege eingeschlagen werden sollen. Wie klingen die?

Interessant. Die fünfte Symphonie erlebte man in einem Spannungsfeld von straffer Energie und feinnerviger Eleganz. In der eidgenössisch-estnischen Darstellung ist Tschaikowsky ein Mann, der Crossfit macht und zum Ellmayer geht. Die Fortissimo-Passagen (etwa im Kopfsatz) waren von einer muskulösen Kompaktheit – Wampe gibt’s nicht bei Järvi. Die Valse wurde mit artistischer Grazie getanzt – toll, wie nuanciert der 58-Jährige hier das erste Thema modellierte und dann steigerte. Auch in der Körpersprache des Dirigenten spiegelten sich diese zwei Pole wider: Järvi agierte wie ein Offizier und Gentleman.

Anspruchsvolle Kost

Anspruchsvolle, ungewöhnliche Gastspielkost wurde im ersten Programmteil serviert: Béla Bartóks Tanzsuite in sechs Sätzen wurde fernab jeder Sprödigkeit mit vitaler Pracht, zauberhaften Farbzeichnungen und federnder Bewegungsfreude erfüllt.

Der Swing fehlte bei Aaron Coplands Klarinettenkonzert etwas. In Järvis Deutung vermisste man ein lässiges Bernstein-Momentum, Solist Martin Fröst setzte auf luftig-leichtes, zungenfertiges Virtuosentum. Jubel und Zugaben. (sten, 17.1.2020)

https://www.derstandard.at/story/2000113431717/das-tonhalle-orchester-zuerich-mit-paavo-jaervi-im-konzerthaus

Paavo Järvi: „Neujahrskonzert in Wien würde ich nicht ablehnen“

tt.com
Markus Schramek
16.01.2020

Dirigent Paavo Järvi im Gespräch über seine Zeit in der Sowjetunion, seine Rolle als Orchesterleiter und die spezielle Beziehung zu Österreich.

Paavo Järvi jettet als Dirigent um die Welt. Heimisch fühlt er sich in Estland, wohin er seit dem Fall der Sowjetunion oft zurückkehrt.
© Foto TT/Rudy De Moor
Letztes Update am Donnerstag, 16.01.2020, 05:32


Der 2019 verstorbene Dirigent Mariss Jansons und Andris Nelsons, der heuer das Neujahrskonzert in Wien leitete, stammen aus Lettland. Sie stammen als gebürtiger Este ebenfalls aus dem Baltikum. Ist diese nordöstliche Ecke Europas ein musikalisch besonders fruchtbarer Boden?

Paavo Järvi: Die baltischen Staaten Estland, Lettland und Litauen waren lange Zeit von der Sowjetunion besetzt. Um den eigenständigen Charakter zu bewahren, musste man in diesen Ländern kreativ sein. Kunst, Musik und Literatur boten sich als Stimme an in einem staatlichen Regime, in dem es keine Meinungsfreiheit gab.

In Mitteleuropa betrachtet man die baltischen Staaten oft als eine Einheit. Dabei sind die einzelnen Länder doch sehr unterschiedlich?

Järvi: Wir hängen geografisch zusammen, doch wir verstehen kein Wort der jeweils anderen Sprache. Wir Esten gehören zur selben Sprachfamilie wie die Finnen. Mit diesen können wir uns leicht verständigen. Nach dem Fall der Sowjetunion haben die drei baltischen Staaten verstärkt zusammengearbeitet, um zusammen mehr politisches Gewicht zu haben.

1980 traf Ihre Familie die Entscheidung, von Estland in die USA auszuwandern. War das eine Flucht oder eine bewilligte Ausreise?

Järvi: Man darf nie vergessen, dass die Sowjetunion eine brutale Diktatur war, es ist selbst im heutigen Russland ja kaum besser. Jeder wollte damals weg, aber nur wenige konnten das auch. 1980 bot sich eine gute Gelegenheit: Die Russen waren in Afghanistan einmarschiert, und in Moskau standen die Olympischen Spiele bevor. Das Regime erteilte damals viele Ausreisebewilligungen an Bürger, die möglicherweise ihre Stimme gegen das System hätten erheben können.

Als vielbeschäftigter Dirigent sitzen Sie viel im Flugzeug zwischen Europa, Japan und Ihrem Wohnort in den USA. Wo fühlen Sie sich daheim?

Järvi: Ich lebe zwar offiziell in den USA, aber ich halte mich mehr in Europa auf. Ich würde immer noch Estland als meine Heimat bezeichnen. Ich kehre oft dorthin zurück. Als wir damals in die USA auswanderten, war ich erst 18. Ich hätte nie geglaubt, dass ich meine Verwandten und Freunde in Estland jemals wiedersehen würde.

Seit Herbst 2019 leiten Sie das „Tonhalle-Orchester Zürich“, zusätzlich zu Ihren Orchestern in Bremen und Tokio. Wie bringen Sie das zeitlich unter einen Hut?

Järvi: Mithilfe eines sehr guten Teams, das die Termine koordiniert. Ich habe nie eine Orchesterleitung angestrebt, sondern bin gefragt worden, ob ich die Posten übernehme. In Zürich sind wir jetzt in der Kennenlernphase.

Sehen Sie sich als Freund des Orchesters oder als dessen unumstrittener Chef?

Järvi: Ich empfinde mich als Dirigent nicht als hierarchisch höhergestellt. Ich bin ein Musikerkollege, der zu den Stücken, die gespielt werden, eine Meinung hat und versucht, diese ohne Worte zu kommunizieren. Laut zu werden, weil Fehler passieren, ist nicht mein Stil. Tyrannen am Dirigentenpult hat es vielleicht früher gegeben.

Sie haben denselben Beruf ergriffen wie Ihr Vater Neeme Järvi, der auch als Dirigent Karriere machte. Stört Sie nicht der unvermeidbare Vergleich mit ihm?

Järvi: Ich habe kein Problem damit. Denn ich werde mit einem sehr guten Musiker verglichen. Wenn man selber gut ist, wird man auch wahrgenommen. In einer Musikerfamilie dreht sich alles um Musik. Man hat fast keine andere Wahl, als selbst Musiker zu werden. Wenn man sich in die Musik verliebt, dann verliebt man sich eben. Sollte man etwas nicht tun, nur weil es der Vater tut? Mein Vater hat mich nie zur Musik gedrängt. Unser Verhältnis ist sehr eng.

Sie haben eine sehr spezielle Beziehung zum Neujahrskonzert in Wien.

Järvi: Mein Vater hat Aufnahmen der Wiener Philharmoniker gesammelt. Und deren Neujahrskonzert war für uns schon in Estland ein Fixpunkt. Die Familie versammelte sich vor dem Fernseher. Verbotenerweise verfolgten wir das Konzert über das finnische TV, das russische Fernsehen übertrug das Konzert ja nicht. Noch heute sehe ich mir jedes Neujahrskonzert an, auch heuer wieder. Andris Nelsons hat seine Sache als Dirigent sehr gut gemacht, finde ich.

Würden Sie das Neujahrskonzert in Wien gerne einmal selbst dirigieren?

Järvi: Ich habe keine Check-liste von Dingen, die ich noch erledigen möchte. Doch das Angebot, das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker zu leiten, würde ich ganz sicher nicht ablehnen.

https://www.tt.com/artikel/16539868/paavo-jaervi-neujahrskonzert-in-wien-wuerde-ich-nicht-ablehnen

Conductor Paavo Järvi: 'Beethoven is no fake star'

dw.com
16.01.2020

Paavo Järvi, one of the world's most sought-after conductors, will again perform all nine Beethoven symphonies in 2020, the composer's anniversary year. In a DW interview, he explains why Beethoven remains so relevant.

The Estonian star conductor Paavo Järvi is, among other things, artistic director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, one of the world's leading orchestras. The "dream team," as they call themselves, has already won several prizes for their collaborative recordings, including those of Ludwig van Beethoven's nine symphonies. Deutsche Welle has filmed Paavo Järvi and the orchestra on "The Beethoven Project." Here the conductor explains the secret of their success and why Beethoven's music — especially his symphonies — are so relevant in 2020.

DW: Ten years ago, with "The Beethoven Project," you sought to present a version of his symphonies for the 21st century. What is always new to you about Beethoven?

Paavo Järvi: Beethoven considered his symphonies the summit of his output. For me, the thrill is a test of time. If you listen to a performance of a Beethoven symphony and listen to it again ten year later, does it still stand up? Is it still something that feels interesting to hear, is os alive and does it have energy? That's really the goal and the key.

I think a lot has been said about the historic importance and political aspect of Beethoven symphonies and his quest for brotherhood, fairness and empathy. That message will always be there and will always be important. That's why we talk about Beethoven as a kind of revolutionary. But as a musician, I find that there is something about his music that never grows old, that is very direct, uncompromising and also honest.

Why is his music relevant nowadays?


Paavo Järvi will be conducting all of Beethoven's symphonies during this anniversary year: shown here with the German Kammerphilharmonie Bremen

We live in a time when you can't believe much of what you hear. A time where you always doubt everything. In fact the biggest deficit nowadays — as far as I'm concerned — is the lack of authenticity. There are a lot of fake stars, manufactured stars and manufactured ideas. You very seldom hear somebody tell it like it is.

Beethoven not only does that, but he says it in such a brilliant way that you just stop and listen because it is really authentic, and powerful and uncompromising. Beethoven's musical statements are delivered so compellingly that you have no choice but to listen. It's not: "Let me tell you a story about what I heard somewhere." It's about the here and now, and it's only this way, and there is no other way. It's not political music per se, but it is a kind of music that reacts to things. Reacts against injustice, reacts against what is fake.

How do you convey that authenticity?

Before we made the recordings, we worked on the symphonies for ten years and then recorded them one by one. We took a lot of time to actually discover exactly what's in the score, how to seat the orchestra, what kind of instruments to use, whether the metronome markings are correct, and how many liberties we can take. All the things that we had been looking to achieve were achieved only because we had enough time to really immerse ourselves in the works.

With the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, you have recorded not only Beethoven's symphonies, but also those of Johannes Brahms and Robert Schumann. With the Orchestre de Paris, where you were principal conductor for five years, you dedicated yourself to the symphonies of Jean Sibelius. What does it mean for you to record these complex symphony cycles?

I think with certain composers you just feel like tackling the whole cycle makes sense. If you do the cycle of Beethoven's symphonies and play them in chronological order, you hear each symphony quite differently than if you just play one of them.

Playing the Fifth alone, for instance, is a great experience, but if you play the Fifth right after the Fourth, it's a real shock. It puts it in a different context. Then, after the Fifth, where fate knocks at the door and everything revolves around this kind of higher power, you have the Sixth, the Pastoral, where it is suddenly very close to nature and much less heroic and imperial. All that will change the way you look at the piece, if you have the right context.

Can we draw conclusions about Beethoven's musical development from this?

We instinctively believe that progress is linear and logical. But with Beethoven, there's no such typology. For example, after the Third Symphony, the Eroica, one thinks that something really amazing, unique must follow. But then comes the Fourth Symphony, which is very close to the Second. It's as if he had taken two steps backwards after the great breakthrough he had made with the Third Symphony. Then, from that place, it seems like a mystery why he wrote the Fifth, which takes another ten steps further forward than the Eroica. Then he returns with the Sixth to a kind of Pastoral, which seems like a walk in the park. I'm obviously simplifying here, of course.

With the Seventh, he's written a dance symphony, which one would really not have expected. After that comes one of the greatest jokes ever written by a genius. From the beginning, the Eighth Symphony is just a number of pranks. And with the Ninth comes a piece that changed the history of music, with chorus and the statement that "all men should become brothers." It changed the way one looks at symphonies. So there's no clear logical progression in Beethoven's symphonies. An inner logic perhaps, but not one that's easy to detect.

Which of his symphonies with all these different attributes do you like best?

I like every one of them, because once you are immersed in one symphony, it becomes the piece you like the most. Looking back, I've always specially looked forward to conducting the First, the Second and the Fourth. They are fresh, they are incredibly witty and slightly less familiar to the orchestras and also to the audience than, let's say, the Fifth, Seventh and Ninth. Purely from my personal point of view, conducting the Fourth symphony is always a joy.

The Fifth Symphony is physically so demanding and so complicated to do the way you really want to. I have never been a part of a good performance of the Fifth, other than with the Kammerphilharmonie Bremen. With the Kammerphilharmonie, we have had many good performances with the Fifth symphony. It's not that there was anything wrong with the other orchestras, it's just that we hadn't gone through those ten years of experimentation together.


The Kammerphilharmonie with Järvi

You have been working as artistic director with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen since 2004. What makes your collaboration so special?

The Kammerphilharmonie Bremen is an orchestra that organizes itself around projects. We take a composer and immerse ourselves in the works. We do cycles, we have specialists who come and talk to us. We experiment and take enough time to really delve into the composer. With Brahms, we took four years; with Schumann, five years; with Beethoven, ten years. How many orchestras have the luxury to spend that much time on standard repertoire? It's an entirely different way to get into the essence of a piece.

With The Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Paavo Järvi will again perform the entire cycle of Beethoven's nine symphonies in Bremen and Frankfurt during the Beethoven Anniversary Year 2020, as well as conduct the Ninth in Tokyo to mark Beethoven's birthday in December.

https://www.dw.com/en/conductor-paavo-j%C3%A4rvi-beethoven-is-no-fake-star/a-52009156

Johannes Brahms, the complete symphonies

musicweb-international.com
Roy Westbrook
01.2020



Johannes BRAHMS (1833-1897)
Symphony No.1 in C minor Op.68 [45:06]
Symphony No.2 in D major Op.73 [43:06]
Symphony No.3 in F major Op.90 [36:39]
Symphony No.4 in E minor Op.98 [38:16]
Deutsche Kammerphilharmonie Bremen/Paavo Järvi
rec. live, 4 & 5 April, 2018, Théâtre des Champs-Élysées, Paris, France
“The Brahms Code”: A Music Documentary by Christian Berger [90 mins]
Sound: PCM Stereo, DTS 5.1 Picture: NTSC, 16:9. Subtitles (documentary): English, German, Korean, Japanese Booklet: English, German, French. (Reviewed in surround sound).
C MAJOR 734908 DVD [3 discs: 267 mins]


The press for this Brahms cycle from Paavo Järvi and his Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, claims it has been receiving high “public and critical acclaim”. “A Brahms revelation” was the headline in the New Yorker, for Der Zeit it’s “a reference recording” and the Hamburger Abendblatt wrote “the greatest experts in Brahms come from Bremen”. The line-up of Deutsche Kammerphilharmonie is the size that the composer himself was accustomed to at the time, so the booklet lists just ten first violins, and there are about fifty players in total. Not much else seems especially ‘authentic.’ There are valve horns, not the natural horn Brahms preferred, and the strings use vibrato. The violins though are positioned with the firsts on the conductor’s left and the seconds on his right. Of course it is possible to exaggerate the difference in sound between larger and less large groups playing the same music, and some listeners not given to counting fiddles, might not notice that much at all.

It would seem from those press comments that the performances were taken on tour, (the orchestra has no concert hall in Bremen and gives most of its concerts both around and outside Germany), and this filming in Paris captures a well thought-out and polished set of interpretations. But despite being played in the City of Light, the filmed setting is a very dark one, with nothing visible except the players and conductor, no establishing shots of the hall’s interior, or an expectant audience, or even an applauding audience (though they can be heard of course). There is an occasional shot of the platform and proscenium arch from on high, but otherwise the focus is entirely on players and conductor, and therefore on Brahms, not on a grand occasion for a visiting orchestra at the Théâtre des Champs-Élysées. Even the solo ‘curtain’ calls for players and sections at the end of each work show little of the context around the platform. The filming is discreet, with relatively few angles for editors to choose from. Thus in close-up the fine first horn, a key role in Brahms’s orchestra, is mostly seem from the side, flanked by her second horn. But there is nothing that detracts from the music itself, once one settles in to the film’s style.

These performance are all first class. In fact I am not sure when I enjoyed a new cycle as much as this one. True my benchmarks go back to the Jochum, Karajan, Barbirolli and Giulini era in this repertoire – so fifty years or more ago, and each epoch finds a new way with this music. The First Symphony has a compelling line from start to finish, partly due to the modern swift tempo, and partly because Järvi rarely lingers to admire the passing beauties on the symphonic journey. He adjusts tempi and dynamics as Brahms directs, as at fig. F in the first movement, where the strings are marked pp sempre and the winds pp, but the smaller string band allows the winds a clearer place in the balance than usual. This band has some fine wind players, too. In the second movement, the legato oboe solo early on is exquisitely done, as is the famous violin solo at the end. The ensuing poco allegretto is properly con grazia, with delightfully bucolic woodwinds. The horn solo early in the stirring finale is nobly sounded, indeed first horn - such a key player in Brahms - Elke Schulze Höcklemann, is excellent throughput (and in her contributions to the documentary “extra”, along with several of her colleagues). There seems to be no loss of weight in this dramatic C minor work just because this is nominally a chamber orchestra, close to the scale of Brahms’s own preference.

The Second Symphony manages to be both warmly pastoral and symphonically compelling, again thanks to Järvi’s judgement of tempo, and many fine contributions from within all sections of the band. The work glorifies the cellos at times, such as the ‘lullaby’ subject in the first movement and in the first theme of the second movement, and these are so well played we do not miss the full size section familiar from most performances. Järvi refers in the documentary to the flexibility a smaller group has in performance, and there are moments in each symphony where the music suddenly presses on and Järvi can exploit that flexibility and elicit a hair-trigger response from his players. This adds to the excitement in such passages as the switch in the Second Symphony’s third movement, after the beautifully played opening oboe led Allegretto grazioso, to the scurrying Presto section. A joyous coda – Järvi asks in rehearsal for it to be “more Handel, less Bruckner” - sets the seal on the blazing finale. No wonder many players have smiles on their faces.

The Third is the least played but possibly most loved of all four works Järvi suggests, and everyone plays it con amore. There is a bittersweet yearning tenderness to the third movement here especially, but there is plenty of fire when needed, as in the very opening which Boult said he found this hard to conduct - such passionate, yet slow music to open a work – but Järvi and his players plunge us into the drama at once. In fact Järvi is the sort of conductor who, when watching him, gives me the impression that if I were an orchestral player, I would know exactly what was required of me! He drives the finale on with a classical sense that each episode must be accommodated within the basic tempo, right up until the symphony’s coda, when the work’s opening theme returns in ghostly guise, then fades poetically away.

The performance of Symphony No. 4 is well up to the level of its three predecessors. It is also the one where I expect a certain massiveness at some moments that the smaller forces cannot deliver. You will not hear dense saturated string tone for the second movement’s lovely theme on the cellos, or at the return of the opening theme on divided violas (when we have but five to begin with). But these passages work perfectly well, and the leaner Brahms is arguably most suited to the Fourth with its roots partly in the Baroque era. The scherzo is very lively but still the feeling is giocoso as marked. But if you want one movement to judge the quality of the Deutsche Kammerphilharmonie players as individuals and as a group, this work’s passacaglia finale would be as good a place as any. The Parisian audience loved these concerts and show their enthusiasm.

While called a “bonus” in the usual way, the documentary film: “The Brahms Code” is really a more integral part of the package than that. It is on a separately cased single DVD doubling the width of the box for a start. It has a short (8:16) general introduction, then explores the four symphonies in four separately indexed chapters, with contributions from some of the orchestral musicians and from Järvi. It thus has the same format and director as the equivalent DVD set from this team of the four Schumann symphonies, and their Beethoven cycle. It is clear that Brahms does not mean a day at the office with an overplayed composer for this group, he is “their composer”, and there is a spontaneity born of the sort of preparation that leaves room for it, as we can see in the collaborative working in rehearsal (mostly in English).

There are very good DVD filmed sets of the Brahms symphonies from other groups of course, including those from the Dresden Staatskapelle and Thielemann (2 discs), and from the Cleveland Orchestra and Welser-Möst (3 discs). The latter is especially attractive, as the three discs have much more music than we get from the Deutsche Kammerphilharmonie; Haydn Variations, the two overtures, the Violin Concerto with Julia Fisher and both Piano Concertos with Yefim Bronfman, as well as bonus talks between conductor and soloists. But those are both full-fat Brahms from full sized orchestras. But if the original-scale approach appeals, then this Järvi set is well worth investigating. The sound is good, clear and well-balanced, but no more than that. There is a blu-ray option which I have been able to sample, and it has as you would expect the better picture (you can see something defined in those black areas), and superior surround sound. But if you are looking just for the DVD format, and you want a filmed Brahms cycle with splendid performances, this is highly recommended.

http://www.musicweb-international.com/classrev/2020/Jan/Brahms_sys_734908.htm

Tschaikowsky in der Garage

tagesanzeiger.ch

Susanne Kübler
9.01.2020

Paavo Järvi setzt seine Tschaikowsky-Reihe fort. Besonders aufmerksam hören drei Männer im Untergrund der Tonhalle Maag zu.

Zwei Niederländer und ein Amerikaner sind für den Zürcher Tschaikowsky-Klang zuständig: Tontechniker Karel Beuggeman, Tonmeister Jean-Marie Geijsen und Produzent Philip Traugott (v.l.). Foto: Raisa Durandi

Man verlässt den Konzertsaal in der Tonhalle Maag durch den Hintereingang, passiert die Brandschutztür, steigt eine Treppe hinunter – und landet in einem garageartigen Raum, der eigentlich das Reich der Schlagzeuger ist. Hier ist Schluss mit Fichtenholz, die Wände sind betoniert, Rohre verlaufen an der Decke. Gemütlich ist anders. Und kühl ist es hier!

Aber Philip Traugott spricht trotzdem von Hitze. Er ist nicht Schlagzeuger, sondern der Chef über das ziemlich improvisierte, aber technisch hochkarätige Tonstudio, das man hier eingebaut hat. Als Produzent ist er verantwortlich für die Gesamtaufnahme der Tschaikowsky-Sinfonien, die das Tonhalle-Orchester unter der Leitung seines neuen Chefdirigenten Paavo Järvi in dieser Saison einspielt. Live, ganz bewusst: Järvi sei überzeugt, dass die Kombination von Konzertenergie und dem Druck der Mikrofone das Orchester am schnellsten weiterbringe, sagt Traugott, «es ist dann ziemlich heiss unter den Stühlen der Musikerinnen und Musiker».

Soeben haben sie Platz genommen für den Hit dieser Einspielung, Tschaikowskys Sinfonie Nr. 5. Auch die drei Männer in ihrem Studio sind bereit. Zwei Niederländer, Jean-Marie Geijsen und Karel Beuggeman, sind zuständig für Balance und Tontechnik; der Amerikaner Traugott selbst hat nur die Partitur vor sich, nach der Aufführung ist sie gespickt mit kryptischen Kürzeln und Fragezeichen: Hinweise auf Stellen, an denen ihm etwas aufgefallen ist, das es nachzuprüfen gilt.

Und dann ist da der Monitor, auf dem sich das Geschehen im Saal verfolgen lässt. Man sieht Järvi aus der Perspektive des Orchesters – und erlebt damit noch deutlicher als sonst, wie differenziert seine Anweisungen sind, wie gezielt er einzelne Musiker ansteuert, wie viel Raum er ihnen gleichzeitig lässt.

Eine fast volksmusikalische Frei- und Direktheit wird da spürbar.

Das war schon in der ersten Konzerthälfte aufgefallen, oben im Saal, bei Tschaikowskys weit weniger berühmten Sinfonie Nr. 2. Das letzte Mal stand sie 1978 in einem Tonhalle-Programm, von der damaligen Besetzung ist niemand mehr dabei. Das Stück musste also von Grund auf neu gelernt werden, in sehr wenig Zeit.

Unter diesen Bedingungen hat ein Dirigent zwei Möglichkeiten: Entweder er setzt auf Nummer Sicher und ersäuft die Musik in korrekter Langweile; oder er sucht den intensiven Austausch, das inspirierte Risiko. Järvi tut letzteres: gleich in den ersten Takten dieser Zweiten, in denen er das grosse Hornsolo nicht dirigiert, sondern ganz dem Hornisten Ivo Gass überlässt; und auch danach, wenn er Tempi variiert, Klangcharaktere zuspitzt, die Farben wechselt, als hätte er einen Kippschalter dafür.


Eine fast volksmusikalische Frei- und Direktheit wird da spürbar, ganz ähnlich wie in Bartóks «Tanz-Suite», die Järvi in diesem Konzert sehr gezielt zwischen die beiden Tschaikowsky-Sinfonien gesetzt hat. Rhythmische Vertracktheiten wirken da plötzlich ganz logisch – für die Musiker wie für die Zuhörerin.

 

Die Arbeit im Tonstudio ist nach dem Konzert noch längst nicht zu Ende: Philip Traugott, Jean-Marie Geijsen und Karel Beuggeman (v.l.). Foto: Raisa Durandi

Auch Philip Traugott unten in seinem Tonstudio schwärmt davon, selbst wenn ihn diese Art regelmässig in die Bredouille bringt. Denn wenn ein Dirigent so spontan musiziert, lässt sich eine Aufnahme kaum aus Teilen verschiedener Aufführungen zusammenschneiden. Gleichzeitig können Schnitte nötig sein: «Wenn jemand die Musiker so an ihre Grenzen lockt, kann auch einmal etwas schiefgehen.»

Dafür hat man eine Patch-Session angesetzt, in der einzelne Passagen nachgespielt werden können. Eine komplexe Sache, Traugott muss dafür nicht nur die problematischen Stellen identifizieren, sondern die ganze Aufnahme Takt für Takt nach Metronomangaben analysieren, damit es danach passt. Auch unter seinem Stuhl ist es deshalb ziemlich heiss: Die Patch-Session ist schon für Freitagvormittag angesetzt, für die Vorbereitung muss die Nacht nach der ersten Wiederholung des Konzerts reichen.

Der amerikanische Produzent und der estnische Dirigent sind seit über dreissig Jahren befreundet.

Da hilft es, dass Traugott und Järvi seit über dreissig Jahren befreundet sind – und denselben Humor haben. Bei einem Dirigierkurs haben sie sich einst kennen gelernt, «und der eine war dann halt besser als der andere». Dieser andere, also Traugott, sattelte dann bald auf Produzent um; seit fünfzehn Jahren arbeitet er eng mit Paavo Järvi zusammen.

In dieser Zeit hat er nicht nur erlebt, wie sich Järvis verschiedene Orchester entwickelt haben, auch der Dirigent selber ist ein anderer geworden. Erfahrener, wagemutiger, «ungemein präzis in seinem Bewegungsvokabular». Ungemein anspruchsvoll auch, was die Aufnahmen angeht; Järvi hört sich alle Mitschnitte an, in die Patch-Session kommt er durchaus mit eigenen Vorstellungen.

Im Moment aber lässt er noch den letzten Akkord von Tschaikowskys Fünfter in den Raum knallen; auch im Tonstudio hört man, wie laut der Jubel danach im voll besetzten Saal ist. «Wow», sagt Toningenieur Jean-Marie Geijsen. Und dann geht die Arbeit weiter.

Wiederholung des Konzerts heute Donnerstag und morgen Freitag, 19.30 Uhr.

https://www.tagesanzeiger.ch/kultur/klassik/tschaikowsky-in-der-garage/story/20270083

Paavo Järvi zu Klassik in Asien: "In Europa nimmt man sich zu wichtig"

derstandar.de
Stefan Ender
13.01.2020

Der Dirigent gastiert mit dem Tonhalle-Orchester Zürich und Tschaikowsky im Konzerthaus und spricht über falsche Traditionen und die Zukunft der Klassik

Paavo Järvi ist Chefdirigent dreier Orchester und dirigiert nebenbei noch "fremd". Diese Woche ist er wieder einmal in Wien zu erleben.

Paavo Järvi gastiert in dieser Saison mit seinen drei Orchestern im Konzerthaus, zuletzt war er mit der Kammerphilharmonie Bremen und Brahms und Haydn in Wien zu Gast. Schon bei der Probe im Großen Saal erfreute das feingliedrige und zugleich feurige Musizieren nach wenigen Sekunden. Als "Enthusiasten" bezeichnete Järvi die Bremer danach. Enthusiastisch wirkt der Este auch im Gespräch, dynamisch, witzig und gedankenvoll. Am Donnerstag gibt er mit dem Tonhalle-Orchester Zürich Tschaikowsky.


STANDARD: Sie haben mit der Kammerphilharmonie Bremen alle Brahms-Symphonien aufgenommen und in einem Interview dazu gesagt, dass Brahms sehr schwer zu dirigieren sei. Warum?

Järvi: Weil jeder Musiker in jedem Orchester genau zu wissen meint, wie man Brahms zu spielen hat. Da gibt es nur Routine und Klischees. Dabei muss man sich Brahms jedes Mal erarbeiten!

STANDARD: Mit dem Tonhalle-Orchester arbeiten Sie gerade an einem Tschaikowsky-Zyklus. Gibt es da dieselben Probleme?

Järvi: Ja! Seine vierte, fünfte und sechste Symphonie meint jeder genau zu kennen. Alles passiert automatisch. Dann meint man, Tschaikowsky immer irgendwie "russisch" spielen zu müssen. Warum? Und was hat das zu bedeuten? Tschaikowskys Musik ist sehr elegant, sie ist europäisch, sie ist französisch. Sie erzählt von seinen inneren Konflikten: davon, schwul zu sein und darunter zu leiden. Das wird in den russischen Interpretationen komplett ausgeblendet. Da ist seine Musik entweder sehr heroisch oder sehr romantisch, es gibt kaum Zwischentöne. Die russische Interpretation geht auf Jewgeni Mrawinski zurück, der war zwar ein fantastischer Dirigent, aber auch ein Kind seiner Zeit – und zwar einer Zeit, in der Millionen Menschen in die Gulags geschickt wurden. Sein Tschaikowsky klingt wie Schostakowitsch.

STANDARD: Sie sind seit einigen Monaten Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters Zürich und haben angekündigt, es zu einem der fünf besten Orchester der Welt zu machen.


Järvi: Das sind sie schon. Das Ensemble, der Sound, der Swing, die Finesse, das Verständnis auch von historisch informiertem Musizieren, das sie von David Zinman gelernt haben – das ist herausragend.

STANDARD: Seit 2015 leiten Sie auch das NHK Symphony Orchestra in Tokio. In einem Interview haben Sie gemeint, dass für Sie die Zukunft der Klassik in Asien liegt. Warum? Weil es dort so viele extrem gut ausgebildete Musiker gibt? Weil der Markt so groß ist?

Järvi: Nein. Es hat mit Respekt zu tun. Hier in Europa nimmt man sich aufgrund der Geschichte zu wichtig. Man meint, deswegen ein ewiges Anrecht darauf zu haben, wie man ein Werk zu interpretieren hat, quasi die Deutungshoheit. Konzerte gleichen hier steifen Zeremonien. In Asien gibt es das nicht. Dort liebt man Klassik in geradezu fanatischer Weise, die Konzertbesucher sind enthusiastisch, sie sind aufgeregt!

STANDARD: Sie haben vor kurzem mit dem Tonhalle-Orchester eine Messiaen-CD aufgenommen. Messiaens größte Inspirationsquellen waren die Natur und sein religiöser Glauben. Was sind, neben der Musik, Ihre Inspirationsquellen?

Järvi: Das Leben, die Gesellschaft. Wenn ich jemanden wie Greta Thunberg sehe, macht mir das Hoffnung. Wenn ich jemanden wie Donald Trump sehe, fühle ich mich bedrückt und beschämt. Es ist alles auf eine gewisse Weise interessant und beeinflussend.

STANDARD: Sie sind im deutschsprachigen Raum sehr aktiv, hatten und haben Leitungsfunktionen bei Orchestern in Frankfurt, Bremen und Zürich inne. Wien haben Sie hingegen etwas vernachlässigt. Warum?


Järvi: Ich habe die Wiener Symphoniker mehrmals dirigiert, und mit meinen Orchestern bin ich fast jedes Jahr hier zu Gast. Die Wiener Philharmoniker habe ich das letzte Mal mit einem Mozart-Programm dirigiert, die Konzerte fanden kurz nach dem Neujahrskonzert statt. Der Zeitpunkt war vielleicht nicht so optimal.

STANDARD: Sie sind in Estland aufgewachsen, leben aber schon lange in den USA. Wenn Sie an Estland denken, was vermissen Sie?

Järvi: Ich habe in Pärnu ein Festival im Juli. Das ist meine Plattform, um dem Land etwas zurückzugeben. Ich gebe Dirigierunterricht, und ich habe eine Stiftung, die Instrumente für Studenten kauft und Stipendien für Auslandsstudienaufenthalte vergibt – auch in Wien. Es fällt mir auf, dass ich mit zunehmendem Alter wieder mehr zum Esten werde. Mein Bruder ist nach Estland gezogen, meint Vater Neeme wohnt auch da.

STANDARD: Ihr jüngerer Bruder Kristjan war hier vor einigen Jahren Chef des Tonkünstler -Orchesters Niederösterreich. Wie geht es ihm? Was macht er jetzt?

Järvi: Kristjan war Chefdirigent des MDR-Orchesters, und mit dem Baltic Sea Philharmonic hat er sich seine Oase geschaffen, in der Freunde und Enthusiasten zusammenarbeiten. Wir sind alle viel zu konservativ. Kristjan wagt viel mehr: Er ist kreativ, er mischt Pop und Klassik, baut visuelle Dinge in die Konzerte mit ein … Aber er misst diesem Hamsterrad der Klassikbranche wenig Bedeutung bei. Beruflicher Erfolg, Karriere: Ist das wirklich das Wichtigste? Vor einem Monat ist sein fünftes Kind zur Welt gekommen. Das sind die Dinge, die zählen. (Stefan Ender, 13.1.2020)


Paavo Järvi (57) wurde im estnischen Tallin geboren und emigrierte mit seiner Familie 1980 in die USA. Neben seinen Chefposten in Bremen, Tokio und Zürich musiziert Järvi auch mit den Berliner Philharmonikern und dem Concertgebouw-Orchester Amsterdam. Der Sohn des Dirigenten Neeme Järvi ist Vater zweier Töchter und lebt in Florida.

https://www.derstandard.de/story/2000113206083/paavo-jaervi-zu-klassik-in-asien-in-europa-nimmt-man

MESSIAEN. L’ASCENSION LE TOMBEAU RESPLENDISSANT LES OFFRANDES OUBLIÉES. UN SOURIRE TONHALLE-ORCHESTER ZÜRICH. PAAVO JÄRVI ALPHA CLASSICS

muzlifemagazine.ru
РОМАН КОРОЛЕВ

5.01.2020

Оркестр Тонхалле и Пааво Ярви не поверили в любовь с первого взгляда и очень долго присматривались друг другу. Прошло ровно десять лет с того момента, как эстонский музыкант дебютировал с этим замечательным швейцарским коллективом. В 2016-м Ярви вернулся в оркестр в качестве приглашенного дирижера (в этой должности в разное время с оркестром выступали Рихард Вагнер, Иоганнес Брамс и Пауль Хиндемит), а уже в текущем сезоне приступил к своим обязанностям в качестве главного дирижера и музыкального руководителя, сменив на этом посту своего младшего коллегу, 33-летнего Лионеля Брингье, и подписав пятилетний контракт.

Новый диск – своего рода инаугурация этого долгосрочного сотрудничества, которого все так ждали. Полностью посвященный музыке Оливье Мессиана, релиз собрал если не абсолютно неизвестные его произведения, то уж точно редко звучащие в концертах опусы как раннего, так и зрелого периодов. Выбор неожиданный, но довольно выигрышный – не начинать же новую главу в истории оркестра с Чайковского, хотя, будем честны, в планах у маэстро записать цикл его симфоний, к чему музыканты активно готовятся: свой первый сезон в Цюрихе Ярви отмечает довольно насыщенной концертной программой, обязательной частью которой являются сочинения русского классика.

Что касается нынешнего релиза, то с уверенностью можно сказать, что это смелая, крепко сбитая – концептуально и музыкально – работа, представляющая своего рода исследование мелодического мира Мессиана, подчеркивающее принадлежность композитора к модернистским традициям. Для самого Ярви эта запись – признание в любви французскому композитору, который, по мнению дирижера, представляет собой «самый оригинальный и абсолютно уникальный голос».

Открывает диск «Гроб сияющий» (1931), пьеса с колючей ритмико-мелодической асимметрией, в исполнение которой подключаются по очереди разные оркестровые группы, выстраивая сложный мир мессиановских гармоний. Другое сочинение – «Забытые приношения» (1930) – таинственным хоралом открывает новые звуковые пространства музыкального космоса Мессиана, развивая тему потусторонних сюжетов и образов. Такая же «Улыбка» (1989) – переосмысление идеи мистического, где контрастом к общему звуковому движению выступает излюбленная композитором орнитологическая тема. Удивляет стройной величественностью начало четырехчастной пьесы «Вознесение» – с блистательным ансамблем меди, импульсивной резкостью деревянных, напоминающих ужасающее пение диких птиц, и выпуклым пунктиром ударных, развертывающих в финале объемную кульминацию, которая завершается плотным светящимся звучанием струнных.

Поразительный эффект откровения, подаренный композитором и так тонко возделанный дирижером и музыкантами, позволяет удивиться довольно запутанному, но бесконечно привлекательному художественному языку мастера. Тем примечателен и выбор пьес, которые обеспечивают возможность продемонстрировать потенциал оркестра в целом и его отдельных групп. Первая работа Ярви в Цюрихе еще раз доказывает: впереди всех ждет много отличной музыки.

http://muzlifemagazine.ru/messiaen-lascension-le-tombeau-resplendissant-les-offrandes-oubliees-un-sourire-tonhalle-orchester-zurich-paavo-jarvi-alpha-classics/

Tonhalle: Paavo Järvi und der Wildfang

nzz.ch

Christian Wildhagen

9.01.2020

Bei seinem Zyklus aller Tschaikowsky-Sinfonien ist der neue Musikdirektor des Tonhalle-Orchesters Zürich bei der berühmten Fünften und der kaum gespielten Zweiten angekommen – eine faszinierende Gegenüberstellung.

Zu den sanften Zwängen bei einem Tschaikowsky-Zyklus, wie ihn Zürichs neuer Musikdirektor Paavo Järvi und das Tonhalle-Orchester seit dessen Amtsantritt im Oktober 2019 realisieren, gehört die Verpflichtung, sich auch mit den drei frühen Sinfonien des Komponisten auseinanderzusetzen. Das bedeutet für fast jeden Klangkörper echte Arbeit. Denn während alle Welt die Vierte, die Fünfte und die überragende «Pathétique» liebt, führen nur wenige Orchester die «Polnische» oder die «Kleinrussische» im Repertoire. Letztere, die 2. Sinfonie op. 17 von 1872, haben die Tonhalle-Musiker zuletzt unter Gerd Albrecht gespielt; das war im Jahr 1978.

Der Abstand von über vierzig Jahren legt die Absurdität einer derart selektiven Rezeption offen, die sich die Musikwelt bis heute ähnlich bei den frühen Sinfonien von Schubert und Dvořák leistet. Umso verdienstvoller, dass Paavo Järvi nun zumindest die Lücke bei Tschaikowsky schloss. Das Stück selbst erweist sich allerdings in der präzise durchgearbeiteten Wiedereinstudierung mit dem aufgeschlossen und stellenweise regelrecht begeistert mitwirkenden Tonhalle-Orchester als ziemlicher Wildfang.

Stilhöhen-Mix

Obwohl die gespielte Überarbeitung der Zweiten aus der Zeit des «Eugen Onegin» stammt, ist Tschaikowsky hier noch auf dem Weg zu jenen grossen sinfonischen Erzählungen, jenen packenden Seelendramen, die dann ab der Vierten gelingen und in der «Pathétique» gipfeln. In der Zweiten, deren Beiname auf die Verwendung «kleinrussischer», das meint: ukrainischer Volkslieder verweist, steht Erhabenes unvermittelt neben Einfachstem (und manchmal Banalem). Mit diesem charakteristischen Stilhöhen-Mix, der ihn auch in späteren Werken immer wieder in Selbstzweifel stürzen wird, hat Tschaikowsky wegweisend für die Sinfonik von Mahler und Schostakowitsch gewirkt. Nur bekommt er seinerseits die teilweise drastische Fallhöhe hier noch nicht völlig in den Griff.

Dieses Durch- und Nebeneinander ist dennoch faszinierend, zumal Järvi nichts beschönigt oder angleicht, vielmehr das Disparate ausstellt. Etwa im grosssprecherischen Finalsatz, in dem eine ausgelassene Ohrwurm-Melodie – das seinerzeit beliebte Tanzlied «Der Kranich» – unversehens mit dunklen Schicksalsrufen der Bläser grundiert wird, die bereits der «Pathétique» entstammen könnten.


Wie die Einbindung von Volks- oder «Bauernmusik»-Imitationen in die Sphäre der Kunstmusik organischer gelingt, hätte Tschaikowsky fünfzig Jahre später an Béla Bartóks «Tanz-Suite» von 1923 studieren können. Järvi und seine Musiker lassen sie in einer wunderbar transparenten und rhythmisch pulsierenden Lesart gleichsam als Fortschreibung der Zweiten erklingen. Die eigentliche Antwort auf Tschaikowskys frühes Werk geben sie hingegen mit dessen eigener 5. Sinfonie nach der Pause.

Stimmig entwickelt

Der Zuwachs an überlegenem Handwerk, ein Markenzeichen des reifen Tschaikowsky, ist frappierend und mag dann doch, im Rückblick, die Vernachlässigung der Zweiten ein wenig erklären. Aus dem zerfasernden Melodien-Potpourri wird in der Fünften – namentlich in einer so feurig-stringenten Deutung wie derjenigen Järvis – plötzlich ein Ganzes, nicht minder farbenreich und obendrein zusammengehalten durch ein alle Sätze durchziehendes Leitthema, das Järvi in immer neuen klanglichen Schattierungen auftreten lässt. Järvi bindet zudem die Mittelsätze fast attacca aneinander (wie zuvor schon in seiner Zürcher Deutung der «Pathétique»), quasi als lichteres, exterritoriales Intermezzo, bevor das im Kopfsatz entfachte und zunächst im Ausweglosen gestrandete Drama im Finale sein ungebrochen affirmatives Ende findet.

Adorno wird für die hier versuchte Übersteigerung des beethovenschen «Durch die Nacht zum Licht»-Prinzips später das böse Wort «Über-Dur» prägen. Bei Järvi hingegen gibt es nichts Hypertrophes, nichts Aufgesetztes; der Durchbruch zum triumphalen Schluss wirkt vollkommen stimmig aus dem Vorangegangenen entwickelt. Nur hat die Dynamik bis zu diesem Punkt eine solche Lautstärke erreicht, dass die Tonhalle Maag akustisch – nicht zum ersten Mal bei Järvi – an Grenzen stösst. Nach dem letzten Schicksalspochen à la Beethoven reisst es das Publikum gleichwohl von den Sitzen.


Das Konzert wird heute Abend und am Freitag in der Tonhalle Maag wiederholt. Beide Konzerte sind ausverkauft.
Mit Tschaikowskys 5. Sinfonie und Bartóks «Tanz-Suite» sowie dem Klarinettenkonzert von Aaron Copland gehen Paavo Järvi und das Tonhalle-Orchester ausserdem vom 15. bis 19. Januar auf Tournee nach Innsbruck, Wien, Budapest und Dortmund.

https://www.nzz.ch/feuilleton/tschaikowsky-zyklus-in-der-tonhalle-paavo-jaervi-und-der-wildfang-ld.1532922

Was ich vom Jahr 2020 erwarte. Was ich mir für 2020 vornehme.

Tagblatt Zürich
9.01.2020

Der Dirigent Paavo Järvi im »Interview ohne Worte«: über zeitgenössische Musik, seinen berühmten Vater und das wichtigste Körperteil des Dirigenten.

sz-magazin.sueddeutsche.de

Fotos: Alfred Steffen

9.01.2020

Falls Sie jemand mit Putin verwechselt – wie reagieren Sie?
Der Dirigent Paavo Järvi im »Interview ohne Worte«: über zeitgenössische Musik, seinen berühmten Vater und das wichtigste Körperteil des Dirigenten.

Im Fall, dass Sie jemand mit Putin verwechselt – wie reagieren Sie?



Wie klingt die Musik, die Sie zu Hause hören?



Der erste Auftritt vor einem Orchester, mit dem Sie noch nie gearbeitet haben:
Wie sorgen Sie für Aufmerksamkeit?




Ein typischer Gesichtsausdruck, wenn Sie Beethoven dirigieren?




Und bei zeitgenössischer Musik?




Ihr Vater ist der berühmte Dirigent Neeme Järvi. Sein Gesichtsausdruck, als Sie begannen, Schlagzeug zu studieren?

Ihr Zeichen für eine Probenpause?




Wie stehen Sie zur EU?

Der wichtigste Körperteil eines Dirigenten?




Bahn oder Flugzeug?




Wie viel Politik steckt in Musik?





Geboren: 30. Dezember 1962 in Tallinn
Beruf: Dirigent
Ausbildung: Dirigier- und Schlagzeugstudium in Tallinn, Philadelphia und Los Angeles
Status: Klassischer Rocker

Paavo Järvi wurde in Estland zunächst als Schlagzeuger einer Rockband bekannt, aber der Dirigent stand ihm schon als Kind vor Augen. Er hatte auch kaum eine andere ­Chance: der Vater der berühmte Dirigent Neeme Järvi, der Bruder Dirigent, die kleine Schwester Flötistin. Der Vater warnte ihn vor Beethoven, an Beethoven komme er nicht vorbei. Er hat Recht behalten. Als Järvi alle Beethoven-Sinfonien aufnahm, hatte er Bammel, wollte alles richtig machen, aber vor allem will er mit der Musik ein Gefühl erzeugen, in ihr eine Geschichte finden. Järvi schwärmt von der Eroica: Beethoven schlage einem zweimal ins Gesicht, bamm, bamm, halt’s Maul, und dann baue er darauf auf. Nach Beethoven nahm Järvi mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen alle Sinfonien von Schumann auf, die erst niemand und dann alle wollten, und zuletzt die Sinfonien von Brahms. Mittlerweile ist er Chef von mehreren Orchestern, im Herbst kam das Tonhalle-Orchester Zürich dazu. Dabei passt ihm der Ausdruck Chef gar nicht, niemand dürfe ihn Maestro nennen. Järvi zitiert gern Jimi Hendrix: Entscheidend sei die Macht der Liebe, nicht die Liebe zur Macht; deswegen führe er ein Orchester auch nicht durch Autorität. Vor Kurzem erschien seine erste CD gemeinsam mit dem Tonhalle-Orchester, mit vier Werken von Olivier Messiaen.

https://sz-magazin.sueddeutsche.de/sagen-sie-jetzt-nichts/interview-paavo-jaervi-dirigent-88227

Freude, schöner Götterklang

zeit.de
Christine Lemke-Matwey
5.01.2020

Das Werk Ludwig van Beethovens ist groß, und völlig unüberschaubar ist die Menge der Einspielungen seiner Musik. Hier dennoch: eine Auswahl der bedeutendsten Aufnahmen
Die Beethoven-Diskografie ist so uferlos, dass Hörempfehlungen per se angreifbar sind. Wo bleiben die kleineren Werke, könnte man angesichts der folgenden Liste fragen, was ist mit den Ouvertüren? Waren die Große Fuge oder das Tripelkonzert keine Erwähnung wert? Und müssen es bei den Sinfonien immer alle Neune sein? Bei Beethoven muss gar nichts, aber vieles kann. Historisches und historisch Informiertes, Klassisches, Romantisches, Pathos und Provokation. Das macht seine Musik so unerschöpflich.

© RCASinfonien 1 bis 9

• Arturo Toscanini, NBC Symphony Orchestra, 1951 (RCA)
• Herbert von Karajan, Berliner Philharmoniker, 1977 (DG)
• John Eliot Gardiner, Orchestre Révolutionnaire et Romantique, 1993 (Archiv)
• Paavo Järvi, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, 2007 (RCA)

https://www.zeit.de/kultur/musik/2020-01/beethoven-playlist-komponist-sinfonien-klavierkonzerte-sonaten-streichkonzerte-diskografie

Der perfekte Soundtrack für das Beethoven-Jahr

rp-online.de
Wolfran Goertz
4.01.2020

Die Sinfonien – von René Leibowitz und Hermann Scherchen bis zu Paavo Järvi

Schwere Entscheidung. Gesamtaufnahmen von exemplarischer Qualität sind rar. Menschen mit Ausdauer sollten versuchen, die legendäre Londoner Box unter René Leibowitz (mit dem Royal Philharmonic Orchestra) antiquarisch oder bei einem Online-Anbieter zu bekommen (oder bei Youtube zu hören). Dieser Beethoven ist vehement, streng, ungeheuer lebendig, fabelhaft in den Details – und für viele Fans die Referenz-Aufnahme.

Eine sehr gute Alternative ist die Gesamteinspielung unter Paavo Järvi mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen (Sony): ebenso vital, vielleicht im Hitzegrad weniger brennend als Leibowitz, aber energetisch gespannt – und von fabelhafter instrumentaler Kompetenz. Ich halte Järvi für einen der bedeutendsten Dirigenten der Gegenwart, aber weil der Markt weiterhin von Leuten wie Thielemann und Barenboim beherrscht wird (von dessen Beethoven aus Gründen des Selbst- und des Komponisten-Schutzes dringend abzuraten ist), gehen die wirklich guten Aufnahmen unter.

Eine exemplarische Einzelaufnahme der Sinfonien ist die unfassbar intensive Einspielung der „Eroica“ von 1958 unter Hermann Scherchen. Diese Aufnahme brennt sich dem Hörer ein wie der Abdruck eines Hufeisens. Möglicherweise die ultimative Beethoven-Aufnahme überhaupt. Man bekommt sie über Youtube oder als CD über die „Westminster Legacy“-Box (zusammen mit den ebenso überwältigenden Sinfonien Nr. 2, 4, 6 und 8). Vorsicht: Scherchen hat alle Beethoven-Sinfonien zwei Mal mit dem Orchester der Wiener Staatsoper aufgenommen, den ersten Zyklus bereits in den frühen 1950er Jahren eingespielt, dieser Beethoven klingt aber fast zahm. Erst später wurde Scherchen apodiktisch und feuerköpfisch. Wie man hört, will die Deutsche Grammophon im März alle Neune unter Scherchen als Box herausbringen. Sollten es die späten Aufnahmen sein: sofort zugreifen!


Die Konzerte – unvergesslich mit Glenn Gould und Isabelle Faust

Wer bei dem Pianisten Glenn Gould die Nase rümpft, sollte sich mal anhören, wie er die fünf Klavierkonzerte spielt. Da geht er mitnichten frivol, sondern stürmisch vor, interessiert an Details, trotzdem durchsichtig bis zum Meeresgrund. Eine Offenbarung ist die von Glenn Goold selbst komponierte, zwischen „Meistersinger“-Ouvertüre und Max Reger schwankende Kadenz im Kopfsatz des 1. Klavierkonzerts C-Dur. Wer da nicht fassungslos vor Glück zurückbleibt, dem ist nicht mehr zu helfen. Diverse Orchester, am Pult stehen Leonard Bernstein und Leopold Stokowski (erschienen bei Sony).

Das Violinkonzert gibt es in vielen guten Aufnahmen. Die frühe Menuhin-Aufnahme ist weiterhin herrlich. Ich empfehle hier die Einspielung der Geigerin Isabelle Faust mit dem Orchestra Mozart unter Claudio Abbado, die Sinnlichkeit und Süße mit moderner Gesinnung und Formstrenge verbindet (Harmonia mundi).


Die Streichquartette – spektakuläre Erforschung des kleinsten Raumes

Der Autor dieser Zeilen erlebte seine persönliche Bahnung für Beethovens Quartette in den späten 70er Jahren in der Festhalle Viersen. Dort gastierte das wunderbare Alban-Berg-Quartett und spielte unter anderem das Quartett e-Moll op. 59/2. Bis heute ist ihre in jenen Jahren für die EMI entstandene Gesamtaufnahme des in Wien angesiedelten Ensembles unentbehrlich für jede Beethoven-Diskothek: expressiv, genau, aber nie sektiererisch, sondern mit einer gewissen Eleganz in den frühen Quartetten und mit der angemessenen Hingabe an den geradezu konvulsivischen Tonfall, der stellenweise in den späten Quartetten herrscht. Auf sieben CDs herrscht der Geist der Aufklärung und der beginnenden Romantik. Bei einigen Anbietern bekommt man diese Box für unter 20 Euro. Sofort zuschlagen!

Für ähnlich wenig Geld bekommt man die zweite Referenz-Aufnahme aller 16 Streichquartette, die das Emerson String Quartet in den 90er Jahren für die Deutsche Grammophon einspielte. Hier ist die spieltechnische Brillanz (die in diesen Werken angesichts von Beethovens prekären Anforderungen eine zentrale Rolle spielt) fast noch höher zu bewerten, was aber nicht bedeutet, dass die Musiker aufs Äußerliche setzen. Im Gegenteil: Gerade in den späten Quartetten glücken ihnen Wunder an Einfühlung, visionärer, ja ruppiger Dynamik, leuchtender Farbigkeit. Den geradezu weltfernen langsamen Satz von Opus 132 („Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit“) spielen die Musiker dermaßen scheu, als werde in diesem Musik die Epoche der Klassik verlassen. Es ist ja auch so.


„Missa solemnis“ – ein Chorwerk weist in die Zukunft

Der Philosoph und Musikkenner Theodor W. Adorno bemühte bei den späten Kompositionen Ludwig van Beethovens gelegentlich den Begriff der „Inkommensurabilität“. Damit meinte er die Unvereinbarkeit zweier Dinge – etwa der „Missa solemnis“ mit der Epoche, in der sie entstand. Oder die Unvereinbarkeit der Musik mit der Kompetenz der damaligen Musiker zur Zeit der Entstehung. Die „Missa“ weist kühn voraus, ebenso wie die späten Streichquartette, sie schert sich nicht um die Singstimme und die „elende Geige“, wie Beethoven einmal unwirsch schrieb.

Hier braucht man einen Chor, für den die absurden Höhen keinerlei Begrenzung darstellen – wie den Monteverdi Choir unter John Eliot Gardiner. Der hat das Werk zwei Mal aufgenommen, die frühere Version aus dem Jahr 1989 (mit den Solisten Charlotte Margiono, Catherine Robbin, William Kendall und Alastair Miles; bei Archiv Produktion) ist eindeutig die bessere. Gardiner treibt die Musiker geradezu ekstatisch an, trotzdem herrscht eine bestechende Balance, zerfällt nichts vor lauter Mühsal. Wenn eine „Missa“, dann diese!

https://rp-online.de/kultur/die-besten-aufnahmen-des-grossen-komponisten_aid-48060907