Saturday, March 30, 2019

独裁とフェイクニュースの時代だからこそ《フィデリオ》を! パーヴォ・ヤルヴィ、N響とのBunkamuraオペラ・コンチェルタンテを語る

ontomo-mag.com
30.03.2019

ベートーヴェンを得意中の得意とするエストニア出身の指揮者、パーヴォ・ヤルヴィ。
Bunkamuraオーチャードホールと3年連続の「オペラ・コンチェルタンテ・シリーズ」では、昨年のバーンスタイン《ウェスト・サイド・ストーリー》に続き、8月29日・9月1日にいよいよベートーヴェンのオペラ《フィデリオ》を取り上げる。パーヴォ・ヤルヴィの意思を汲んで選んだ歌手たちを揃え、本場ヨーロッパでも《フィデリオ》に擁したら最高峰であろうキャスティングで臨む。
NHK交響楽団首席指揮者としては4シーズン目を迎え、ますます好調のパーヴォ・ヤルヴィが、演奏会形式でいまこのオペラを取り上げる意義、そして音楽の未来についても思いのままを率直に語ってくれた。

https://ontomo-mag.com/article/event/fidelio-paavo-jarvi2019/

Friday, March 29, 2019

Energie, Bewegung, Emotion

pizzicato.lu
29.03.2019

Johannes Brahms: Symphonien Nr. 3 & 4; Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Paavo Järvi; 1 CD RCA 19075937532; Aufnahme 12/2016 (3), 12/2017 (4), Veröffentlichung 29/03/2019 (76'05) -Rezension von Remy Franck



Paavo Järvi braucht in Sachen Brahms nichts mehr zu beweisen. Er ist ein anerkannter Interpret seiner Werke. Das bestätigt sich in den Einspielungen der 3. und der 4. Symphonie.

Zunächst aber begeistert das Klangbild. Es ist im Gegensatz zu den meisten Aufnahmen, die wir heute zu hören bekommen, breit und tief und nicht mittig und tief. Ein herrliches Raumgefühl!

Die Dritte Symphonie komponierte Johannes Brahms in Wiesbaden. « Ich wohne hier reizend », schrieb Johannes Brahms im Juni 1883 aus Wiesbaden an Theodor Billroth: « Ursprünglich als Atelier gebaut, ist es nachträglich zum hübschesten Landhaus geworden, und so ein Atelier gibt ein herrliches, hohes, kühles, luftiges Zimmer! » Während die Nachmittage und Abende mit langen Wanderungen im Umland und allerlei geselligen Aktivitäten gefüllt waren, widmete sich der Komponist morgens der schöpferischen Arbeit. Diese Atmosphäre findet sich in der Symphonie, der lyrischsten, die Brahms geschrieben hat. Clara Schumann hat das so formuliert: « Welch ein Werk, welche Poesie, wie ist man von Anfang bis zu Ende umfangen von dem geheimnisvollen Zauber des Waldlebens! Ich könnte nicht sagen, welcher Satz mir der liebste. Im ersten entzückt mich schon gleich der Glanz des erwachten Tages; wie die Sonnenstrahlen durch die Bäume glitzern, alles lebendig wird, alles Heiterkeit atmet, das ist wonnig! Im zweiten die reine Idylle, belausche ich die Betenden um die kleine Waldkapelle, das Rinnen der Bächlein, Spielen der Käfer und Mücken – das ist ein Schwärmen und Flüstern um einen herum, dass man sich ganz wie eingesponnen fühlt in all die Wonnen der Natur. »

Paavo Järvi verpasst dem Werk eine Bewegungskur. Nicht, dass seine Tempi besonders schnell wären, aber es wird eben alles lebendig, wie Clara Schumann sagt, die Musik pulsiert und schwebt mit seltenem Schwung und Temperament. Eingestreut sind einige stark betonte reflektive Momente.

Wunderschön sensibel erklingt das Andante, und dann windet sich das Poco allegretto wirklich ‘poco’ und schlangenförmig ins zuhörende Ohr, mit einigen sehr intensiven lyrischen Betonungen. Das klingt dann unerhört neu und mit mehr als nur einem Fragezeichen.

Die Fragezeichen bleiben am Anfang des vierten Satzes noch stehen, doch dann haut der Komponist mit der Faust auf den Tisch – man hört es hier sehr deutlich – verscheucht die Fragen und findet zurück zum Elan des ersten Satzes. Auch hier lassen einzelnen Schichtungen und Formulierungen aufhorchen, aber die Kraft bleibt durchwegs bestehen. Nicht so glatt fließt der Satz wie einst bei Karajan, energischer in der Bewegung, vielfältiger in der Klanglichkeit.

Klanglich sehr schön und reich aufgearbeitet wird der erste Satz der Vierten Symphonie, der aber auch manchmal so richtig in den Bauch geht. Ein wunderbar melancholisches Andante führt zum fulminant gespielten Allegro giocoso.

Der vierte Satz ist in einem besonderen Maße erlebnisreich. Paavo Järvi legt mancherorts viel Schwermut hinein und lässt Brahms sehr schwer und bewegt atmen, auch wenn die Musik zwischendurch immer wieder an Elan gewinnt. Kein Zweifel, hier wird ein Kampf der Gefühle ausgefochten, in dem die positiven Stimmungen zwar Überhand bekommen, die Gefühlsschwere jedoch nicht zu überhören ist. Paavo Järvi gibt so dem Komponisten Recht, der während des Komponierens an den Dirigenten Hans von Bülow schrieb: « Die Kirschen hier werden nicht süß. »
Paavo Järvi signs two terrific and moving Brahms performances, with a rich, detailed, warm and intense playing. The music was perfectly caught by the microphones in a broad and transparent, well balanced sound.

Monday, March 25, 2019

PAAVO JÄRVI dirigeert ORCHESTRE DE PARIS

https://www.luister.nl/
Hidde Hoogstraten
March 2019

In maart zal Stingray Brava/Classica iedere donderdag en zaterdag een concert van het Orchestre de Paris o.l.v. Paavo Järvi uitzenden. Van 2010 tot 2017 was Järvi muzikaal leider van het Franse orkest en verschenen er vele concertopnames, waarin het Orchestre de Paris de krachten bundelt met internationale topmusici. Alle concerten zijn opgenomen in de prachtige Salle Pleyel in Parijs.

De in Estland geboren dirigent Paavo Järvi (1962) komt uit een zeer muzikale familie. Zijn vader Neeme Järvi was ook dirigent en verhuisde met zijn gezin naar de Verenigde Staten om zich daar te vestigen. In de Verenigde Staten studeerde Järvi aan het Los Angeles Philharmonic Institute bij onder meer Leonard Bernstein. Voor Järvi in 2010 de functie van chef-dirigent bekleedde bij het Orchestre de Paris was hij al verbonden geweest aan enkele gerenommeerde orkesten, zoals het Mälmo Symphony Orchestra, de Deutsche Kammerphilharmonie en de Cincinnati Symphony Orchestra. De Järvi Special op Stingray Brava/Classica wordt geopend met een concert dat volledig is gewijd aan de muziek van Johannes Brahms. Na de opgewekte Akademische Festouvertüre zal Nicholas Angelich schitteren als solist in het virtuoze Eerste Pianoconcert. Onlangs werd Angelich nog geprezen door de Hufngton Post als ‘one of the greatest living interpreters of Brahms’. Zaterdag 9 maart zal Järvi zijn licht laten schijnen op het werk van zijn leermeerster Leonard Bernstein. In het concert staan namelijk de Symphonic Dances uit diens West Side Story op het programma. Het concert bevat verder de Europese première van Richard Dubugnons concert voor twee piano’s, getiteld Battlefeld, uitgevoerd door de charismatische zussen Katia en Marielle Labèque.

SCANDINAVISCHE SFEREN In twee daaropvolgende uitzendingen neemt het Orchestre de Paris de kijkers mee naar het Hoge Noorden met werken door de Deense componist Carl Nielsen en de wereldberoemde melodieën uit de Peer Gynt Suite van Noorse trots Edward Grieg. Hij schreef het werk ter gelegenheid van het gelijknamige toneelstuk van Henrik Ibsen uit 1867. Een paar dagen later zal Elisabeth Leonskaja soleren in Griegs Pianoconcert. De componist voltooide het werk op slechts 25-jarige leeftijd en ondanks dat dit het enige pianoconcert is dat Grieg schreef is het nog altijd een van de meest geliefde concerten in het repertoire. Het orkest vervolgt met Silhouette (2009) van de Estste componist Arvo Pärt, welke een ode is aan ingenieur Gustave Eiffel. Na Denemarken, Noorwegen en Estland wordt de Noordse tour afgesloten met een bezoek aan Finland, in de vorm van Jean Sibelius’ Symfonie nr. 2. Sibelius wordt alom beschouwd als Finlands grootste componist en de vorming van de Finse nationale muziekidentiteit wordt dan ook grotendeels aan de componist toegeschreven.

RUSSISCHE PIANOCONCERTEN Op donderdag 21 maart en zaterdag 23 maart is het tijd voor meer klaviergeweld. Meesterpianisten Denis Matsuev en de Cubaanse Jorge Luis Prats interpreteren beiden een werk van Russische makelij. Zo soleert Matsuev in het Tweede Pianoconcert van Tsjaikovski. Ondanks dat Tsjaikovski’s Eerste Pianoconcert flinke populariteit genoot was het in eerste instantie Tsjaikovski’s leermeester Nikolai Rubinstein die het van veel kritiek voorzag. Hierop voelde de componist zich genoodzaakt om een Tweede Pianoconcert te vervaardigen ter ere van Rubinstein. Het werk heeft echter nimmer het succes van het Eerste Pianoconcert ook maar enigszins kunnen benaderen. Het Derde Pianoconcert van Rachmaninov, dat wordt uitgevoerd door Prats, behoort daarentegen onmiskenbaar tot de meest geliefde werken in het klassieke repertoire. ‘Rach 3’ wordt gevreesd door menig pianist vanwege de enorme technische vaardigheden die het werk vereist. De beroemde pianist Josef Hofmann, aan wie Rachmaninov het werk nota bene zelf opdroeg, heeft zich mogelijk om deze reden nooit aan dit concert gewaagd. De Järvi Special wordt afgesloten door Paavo’s muzikale broer Kristjan, die samen met het orkest een saluut brengt aan Brazilië. Op het concertprogramma staan onder meer Arturo Márquez’ Danzón nr. 2, Paul Aragãos’ Concerto Nazareth en Yamandu Costa’s Passeios Suite. ‹‹

PROGRAMMA:
Donderdag 7 maart: Brahms-avond
Zaterdag 9 maart: Järvi dirigeert Dubagnon, Bernstein en Prokofjev
Donderdag 14 maart: Järvi dirigeert Nielsen, Sjostakovitsj en Grieg
Zaterdag 16 maart: Orchestre de Paris goes North
Donderdag 21 maart: Tsjaikovski - Pianoconcert nr. 2
Zaterdag 23 maart: Rachmaninov - Pianoconcert nr. 3
Donderdag 28 maart: A Salute to Brasil
Zaterdag 30 maart: Järvi dirigeert Dvor˘ák en Saint-Saëns

SIbelius box set review in BBC Music Magazine

BBC Music Magazine
April 2019

Edward Clark interviews Paavo Järvi regarding his Sibelius Symphony Cycle with Orchestre de Paris for RCA Red Seal

classicalsource.com
Edward Clark
03.2019

This interview with Paavo Järvi took place in London on 10 January 2019

Introduction
France is not widely known for much, if any, enthusiasm for the music of Jean Sibelius. The outburst in the 1950s by René Leibowitz, describing Sibelius as “the worst composer in the world” has lingered in certain quarters. However, this ignores the admiration for Sibelius by the Spectralist School of French composers, introduced to Sibelius by their mentor, Harry Halbreich. The news of Paavo Järvi’s Sibelius Cycle comes as a real boost to Sibelius’s fortunes in not only France but also the wider World.

Interview

I began by asking what were Järvi’s earliest memories of hearing Sibelius?

“The very first memory was probably the Violin Concerto. The interesting thing about Estonia, my country of birth, and bearing I grew up when it was part of the Soviet Union, was that Sibelius was known because of Estonia’s proximity to Finland but he was not as much performed as people may think today. Most of the music of culture was very strongly influenced still by Russia. My father [Neeme Järvi] conducted Sibelius but I think the cycle of the Symphonies was first played by Kondrashin or, perhaps, Rozhdestvensky. But it was a long time after my family thought it should have been. I heard the Second and Fifth Symphonies when my father performed them in Estonia.”

I asked him was your memory of hearing the Violin Concerto a live performance or at home?

“Most of the music I first heard was in the home. My father was a record collector. I was about five or six when I heard the recording by David Oistrakh and later the one by Gidon Kremer. My early music education was my father asking my sister and me to look at scores while listening to records and being asked to identify where we were in the score and which instruments were playing. For Sibelius I remember hearing pieces like the Karelia Suite before any of the Symphonies. Oistrakh would come to our summer home in Pärnu, the third city in Estonia, a spa centre popular with many celebrated Soviet musicians. My father had very good relations with them as he was himself known for being a well-respected conductor in the Soviet Union. Now we have an annual music festival at Pärnu in July and I am the founder and Music Director.”

I asked when he began his conducting career?

“My first professional concert was in 1985 at Trondheim, Norway, and I was asked to conduct Sibelius’s First Symphony. I quickly realised that if you are a Nordic conductor this is the repertoire you are closely associated with and this continued throughout my early career, which developed after my family moved to the US when I was eighteen. I acquired a certain pride in the Nordic repertoire.”

May I now jump ahead to your arrival at the Orchestre de Paris. What were your early impressions?

“I succeeded Christoph Eschenbach who had concentrated on the central Germanic repertoire. I thought we needed to do something else, a little bit different. The obvious area was Nordic music. The eventual result was playing Nielsen, Sibelius, Estonian music and, at one point, a complete Peer Gynt in French. But it also gave me a chance to do a lot of French music, which I love. We did recordings of the staple French repertoire and contemporary works.”

Was some of this repertoire new to you?

“Yes, but it was a chance to expand my knowledge. We expanded into works that were new to the orchestra as well as to me. We were on a voyage of discovery together. There is this view that French orchestras produce a transparent sound, not one we hear in Germany for instance but I found the truth to be the focus is on producing a beauty of sound that becomes extremely expressive, without loosing the lightness and elegance. I am grateful to the orchestra opening my ear to how French music should be done. In return a player thanked me in open conversation for bringing French music back to the Orchestre de Paris.”

At what point did you decide to introduce Sibelius?

“Our very first concert had La Péri by Dukas, with Sibelius’s Kullervo. They had never played either before. They had never been through a weirder concert in their life! But I never encountered a dismissive attitude towards unfamiliar music. Even in what to them was a strange-sounding work as Kullervo the minute they became interested or captivated they gave everything. They always acclimatised quickly whatever the circumstances. I came to admire this as we worked our way through the Sibelius Cycle and in particular the Fourth Symphony, which actually came easily to them. The message after Kullervo was we have something new now.”

How did you plan to introduce more Sibelius from that moment?

“We began with Symphonies Two and Five, which the orchestra had already played under other conductors. Then I wanted to perform the other Symphonies one at a time over a period of a few seasons.”

Did you encounter issues of the idiom or sound you wanted from the orchestra?

“You know, the players quickly recognised the early influences from Tchaikovsky, Wagner and Bruckner so felt comfortable in the early two Symphonies. We both accepted this as an extension of the Romantic era. What I learned was that whenever the orchestra found an opportunity to make something sound a little beautiful by adding, say, portamento it would tend to do so. To understand this attitude I sat in all the auditions and the ones who came the best-prepared in the set works were often not the ones chosen. Instead the ones chosen were those that who showed a bit of flair in their playing. It was choosing the most musical person not the best technically prepared. So, once we got to know each other and got closer to each other I added the less familiar Symphonies one by one. By this time the evolution of the sound I was hearing showed to me the orchestra was playing great.”

What memory do you have at the beginning of this phase of playing the Cycle?

“I remember tackling the Third Symphony not too slowly but with spirit and joy, and they loved it immediately.”

In that case how about the middle movement. How did that go?

“This movement is very difficult to play. Choosing the tempo is crucial. I wanted one not too slow as to sound sad but not too fast as to sound superficial. I wanted the players to enjoy playing the music that can sound a little remote. They grasped my intentions very quickly. I wanted them to hear warmth in the same way they do in Ravel. As an anecdote I remember my teacher at the Curtis Institute, Max Rudolf, ninety years old, saying he rehearsed the Third Symphony three or four times but just did not understand it. He gave up and replaced it with Brahms!”.

Eugene Ormandy also said he did not understand the Third Symphony and he never conducted it. Going onwards to the later Symphonies were there moments you felt you were not achieving what you needed?

“Yes, and I knew I had to work extra hard. By the end we did get it together. I invited the players to my house and, over drinks, I said Sibelius has a special sound. It is not like French music. There are times in the later music which needed a certain effect on, say, the horns or even the strings; most sections are involved. The players needed a new approach. Sometimes the music is not the melody you expect. It is like a different language. I had to coach this new manner of playing. It took a long time. It needed to be less-beautiful in sound, less polished in tone. Sibelius came from the North where Nature strikes to kill. It was uncomfortable for them at first.”


Would you say some Symphonies went down better than others?

“We had long gaps between the playing of each work so I can’t say there were strong differences of opinion. When we played the Second Symphony they got so pumped up and excited. It became truly epic. Take the Sixth Symphony which is a nightmare to play, very difficult. It ends in an enigmatic way, leading to a stunned silence. It defies normal logic on ending a Symphony. But they did it really well. I was delighted.”

This reminds me of Colin Davis telling me that the Bavarian Radio Symphony Orchestra never got anywhere near to understanding the Sixth Symphony when taking it in on tour. How do you feel now on the issuing of the cycle?

“I am totally happy with the result. Was it a right project to do in France? I am very proud to have achieved what we have done. I realise it is a myth that French players do not understand Sibelius. Pure prejudice. It is the same as Max Rudolf telling me Mahler was a first-rate conductor but an amateur composer! We know this to be completely wrong today. So it is with Sibelius performance in France so far as I experienced with the Orchestre de Paris.”

Do you have any final thoughts?

“Well, at the end of our last concert together, it was the end of a long German tour, we had a champagne reception and a player came up to me and thanked me for all the years playing together and especially thanked me for bringing Sibelius.”

Frisch, luftig, voller Farben

weser-kurier.de
Iris Hetscher
25.03.2019

Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen veröffentlicht die 3. und 4. Sinfonie von Brahms auf CD – und präsentiert ein fast magisches Klangerlebnis.


Paavo Järvi und die Deutsche Kammerphilharmonie beim Benefizkonzert 2017 in der Glocke. Bei den bevorstehenden Abonnentenkonzerten muss das Orchester ohne seinen Chefdirigenten auskommen, der krankheitsbedingt ausfällt. (JULIA BAIER)

Es ist beinahe ein Jahr her, dass die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen unter Leitung ihres Chefdirigenten Paavo Järvi den Zuhörern im Dom mit dem „Deutschen Requiem“ von Johannes Brahms einen der Höhepunkte des vergangenen Konzertjahres bescherte. Das Konzert am Tag und Ort seiner Uraufführung (10. April 1868) war nicht nur eine erneute Verneigung vor dem Komponisten, sondern auch ein weiterer logischer Schritt in der gemeinsamen Arbeit von Orchester und Dirigent am Phänomen Brahms. Die ersten beiden Sinfonien, angereichert mit der „Akademischen Festouvertüre“ beziehungsweise den „Variationen über ein Thema von Haydn“ liegen bereits auf CD vor. Viel Lob gab es dafür. Dies sei ein Jungbrunnen und eine Referenzaufnahme, hieß es; die Einspielung der Sinfonie Nr. 1 erhielt im vergangenen Jahr einen „Opus Klassik“.

Jetzt folgt der nächste Streich des „Brahms-Projekts“, wie das Orchester die Auseinandersetzung mit der Musik des Komponisten nennt. Bei Sony Classical erscheint am 29. März das Album mit den Sinfonien Nr. 3 und Nr. 4, die Aufnahme setzt den berückend luziden und daher so zwingenden Ansatz der ersten beiden Aufnahmen fort – anders möchte man Brahms gar nicht mehr hören. Nachdem sich der Komponist vor allem in seiner 1. Sinfonie an dem Titan der Gattung, Ludwig van Beethoven, abgearbeitet und die 2. etwas nachdenklicher und dunkler angelegt hatte, merkt man den beiden folgenden musikalischen Erzählungen seine Lust an, weitere Möglichkeiten auszuloten. Paavo Järvi und das Orchester begeben sich gerne mit ihm in die Tiefe. In die 3. Sinfonie F-Dur ist von Beginn an viel hineingelesen worden, sie berge ein Geheimnis oder erzähle gar ein Poem, hieß es bei Zeitgenossen wie der Komponistin Clara Schumann. Das liegt vielleicht an dem ständigen Wechsel der Stimmungen, von Dur nach Moll, von spielerisch-tänzerisch zu melancholisch zu ernst, aber sicher auch an ungewöhnlichen, bisweilen sogar exotisch klingenden harmonischen Figuren wie beispielsweise im (in C- und G-Dur gehaltenen) Andante. Immer wieder tun sich neue Klangmöglichkeiten auf.

Die Kammerphilharmoniker arbeiten die so faszinierend ineinandergreifenden Widersprüchlichkeiten und Widerhaken mit ihrer von genauer Beschäftigung mit dem Material zeugenden Klarheit heraus, die schon die ersten beiden Aufnahmen prägten. Da raunt überhaupt nichts, die ganze instrumentale Farbigkeit ist in all ihrer Komplexität zu hören und die Dynamik ist so fein abgestuft, dass es fast magisch wirkt. Das gilt auch für die Interpretation der ungleich ernster wirkenden 4. Sinfonie in e-Moll, die mit erstaunlichen musikhistorischen Bezügen nicht nur an frühbarocke Formen, sondern auch in Richtung Tschaikowsky oder sogar Wagner aufwartet. Das kann man pastos gestalten wie frühere Interpretationen. Oder man stellt es präzise heraus, ohne das Brahmssche Gesamtkonzept zu ignorieren. Genau so haben es Paavo Järvi und die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen gemacht.

https://www.weser-kurier.de/bremen/bremen-kultur_artikel,-frisch-luftig-voller-farben-_arid,1817000.html

Saturday, March 23, 2019

Ein hässlicher Riss

faz.de
Jüri Reinvere
23.03.2019



https://www.faz.net/aktuell/feuilleton/debatten/rechtspopulisten-in-estland-ein-haesslicher-riss-16103270.html

Saturday, March 09, 2019

Jean Sibelius, Die Sinfonien Orchestre de Paris, Paavo Järvi

rondomagazin.de
9.03.2019
Matthias Siehler



Paavo Järvi liefert – für heutige Plattenindustrie-Verhältnisse – Alben in rascher Folge, da ist auch gewichtig Sinfonisches darunter. Papa Neeme hat die sieben Sinfonien von Jean Sibelius gleich zweimal eingespielt, und Sohn Paavo hat jetzt seine erste Drei-Scheiben-Box abgeschlossen. Sie ist ein Dokument seiner ebenfalls beendeten, durchaus fruchtbaren Zeit mit dem Orchestre de Paris, aufgenommen wurden sie zwischen 2012 und 2016 erst in der Salle Playel, dann in der neuen Heimat, der Philharmonie de Paris. Den Live-Moment hört man, doch gibt das diesen oft erratisch dräuenden Werken einen vitalen Moment. Spannung ist spürbar. Der Este Paavo Järvi hat sich schon länger, auch auf dem Plattenmarkt, als Sibelius-affin offenbart und bewährt, und so ist hier eine schöne, runde, geschlossene Sammlung anzuzeigen. Hell und strukturiert, ohne nordisches Dunkel wird hier vieles in ein silbrig französisches, fein fokussiertes Licht getaucht. Der Titan verliert dabei ein wenig an Größe, gewinnt aber an Farben und Stimmungsmomenten. Järvi Juniors Stil ist fließend und biegsam. Sein Sibelius hat Gefühl, er ist leidenschaftlich, aber nie monumental. Er liebt durchaus die monochrome Lyrik dieser Musik, auch das Mystische, aber es wird nie schwergängig, stockend. Das Orchester scheint dabei keine Grenzen zu kennen, weder dynamisch noch spieltechnisch; was wiederum für den gewieften Klangkörper-Designer Järvi spricht. Und mit einer fein schattierten Farbenpalette wartet er zudem auf. Gerade den etwas unpopuläreren Stücken tut eine solche, vor allem agogisch lebendige Luxusbehandlung gut. Lieblingsstücke: die noble Vierte und die klangprächtige Sechste. Diesmal also ein Finne, estnisch eingefärbt, zum allerersten Mal aus Paris. Pourquoi-pas?

音楽が人を一つに N響首席指揮者、母国エストニアの楽団率い公演

mainichi.jp
27.02.2019




Excerpt:

NHK交響楽団首席指揮者のパーヴォ・ヤルヴィが母国・エストニアで創設した「エストニア・フェスティバル管弦楽団」と4月、初の来日ツアーを実施する。「エストニアという小国を世界に紹介することは私の使命。日本の人々の好奇心をかきたてる音楽を届けたい」と話す。


 同楽団は2011年、ヤルヴィがエストニアのリゾート地、パルヌで開催する夏の音楽祭のために創設した。演奏家育成が最大の目的で、楽団員の構成は自国の若手と欧州のトップ奏者が半数ずつ。若手がベテランの隣で演奏しながら学べる環境にしている。「私は17歳までエストニアで過ごしたが、その後はほとんど外国暮らし。このオケは母国に恩返しをする場」と話す。

A total re-examination of a masterpiece

March 2019




A muscular performance free from all flab. Jarvi takes full advantage of NHKSO’s “functionality” as an ensemble to create a tightly shaped, minutely articulated sound instead of seeking lushness and flamboyance.

Yet the element of song is unmistakably there where it’s required, with well placed rubati and just the right amount of emotional pronouncements, especially in the slow movement. Jarvi shows, through his highly condensed sound, that passion in this symphony should be expressed not through lush deviance but through inward concentration. The careful listener will recognize a great variety of tempi, but the music is so well constructed that it flows with constant sense of drive without losing tension.



In the final movement, there is a sense of immensity of scale at the beginning and later, despite the mesmerizing changes in melodic ideas written into this movement, the tightly controlled ensemble relentlessly maintains a dramatic drive towards the ultimate “catastrophe”.



Jarvi seeks, and succeeds, to stay true to the characteristic Mahlerian style while achieving a simple yet solid music making. We’ve recently seen many outstanding recordings of this symphony but this is without doubt an excellent addition that should not be missed.

Monday, March 04, 2019

Sibelius från Paris och Göteborg

capriccio.se
Anders Wikström
March 2019

Sibelius: Symphonies 1-7
RCA 19075924512 [3 CD]

Sibelius: Symphony No. 1, En Saga
Alpha ALPHA440 [1 CD]

Närmare 30 dirigenter har spelat in samtliga sju numrerade symfonier av Jean Sibelius. Sixten Ehrling var allra först och är bredvid Herbert Blomstedt den enda svensken. Vladimir Ashkenazy, Neeme Järvi, Lorin Maazel, Pietari Inkinen, Simon Rattle, Leif Segerstam och Osmo Vänskä har alla gjort det dubbla gånger medan Paavo Berglund och Colin Davis spelat in dem vid tre tillfällen . Totalt har vi ett utbud på över 40 kompletta inspelningar att välja på och drygt ett dussin av dem är med finska dirigenter. Orkestrarna är i regel nordiska, brittiska eller amerikanska. Vi har även ett par tyska inspelningar och någon rysk, men i Frankrike har Sibelius varit helt frånvarande i programmen. Jag kan faktiskt inte hitta en enda inspelning av någon Sibeliussymfoni inspelad med en fransk orkester. Så när nu Paavo Järvi släpper alla symfonier med Orchestre de Paris är det givetvis anmärkningsvärt och spännande.

Estländaren Paavo Järvi har redan spelat in mycket Sibelius i Tallin och i Stockholm, så han är absolut ingen nykomling till tonsättaren. Hans far, Neeme Järvi, är vid sidan av Osmo Vänskä och Leif Segerstam den som förevigt mest Sibeliusmusik på skiva. Värdet i den nya RCA-boxen ligger också i balansen mellan Paavo Järvis förvaltande av en tradition och Parisorkesterns nyfikenhet i dessa verk.

Samtidigt startar nu skivbolaget Alpha en ny Sibeliuscykel i Göteborg med symfonikernas finske chefdirigent, den omåttligt populäre Santtu-Matias Rouvali. Där ligger värdet snarare i balansen mellan orkesterns långvariga Sibeliustradition och dirigentens ungdomliga ambitioner att hitta nya ingångar i verken; även om han givetvis är uppväxt med den här musiken, gissningsvis i Panulas, Segerstams, Lintos och Berglunds versioner.

Låt oss dock börja i Paris, där Paavo Järvi under sin tid som chef lanserade Sibelius på menyn. Parisorkestern är ett väloljat musikaliskt maskineri, en världsorkester som alltid låter bra och distinkt. Så även i dessa Sibeliusinspelningar, blecket tillåts dominera lite mer här, vilket de inte alltid får göra i de nordiska inspelningarna. Vissa fraseringar sticker ut och även om symfonierna ligger väl inom de normala tempospannen, hittar man ett par agogiska tempoförskjutningar som får en att höja på ögonbrynen. Redan i första symfonin går det att känna lite andra dofter än de brukliga och de förstärks i de senare symfonierna.

Jag tillhör dem som älskar att höra Sibelius på ”bortaplan”. Att få höra Simon Rattle forma Berlinfilharmonikernas musikaliska ton i den, för dem, helt okända tredje symfonin; att höra Kurt Sanderling med en annan orkester i samma stad göra samma sak, eller lyssna på när Pietaro Inkinen skapar nordisk känsla med en japansk orkester. Det är alla fantastiska upplevelser och så känns det även med Paavo Järvis Parisinspelningar.

Järvis är ytterst välspelade tolkningar, men det finns också en stark livekänsla här. På enstaka ställen är inspelningen så levande att man kan höra en del ljud från den engagerade dirigenten som teknikerna inte lyckats radera bort (några mitt i svanmotivet i femmans final t.ex.).

Jag uppfattar egentligen bara att Järvi och orkestern går bort sig lite i fyran och sexan, där det förmodligen behövs mer tallbark, granskog, kåda och myrstackar än vad man kan finna i den franska huvudstaden. De symfonier där samklangen med skogarna och sjöarna är extra viktig, de kanske inte kommer till sin rätt i storstaden.

Men i de stora svepande linjerna i ettan, tvåan, femman och sjuan så tillåter jag mig att njuta av orkesterklangens bredd och den symfoniska substansen i orkesterspelet. Lyssna och njut av trombonsolona i sjuan, inte helt finskt kanske, men kolossalt vackert. Trean tillhör också de bästa jag hört, med ett inspirerat framåtdriv i den första och sista satsen .

Vill du endast ha en komplett symfonicykel, så kanske inte Paavo Järvis är den bästa, men den är inte så långt ifrån toppskiktet som man kan tro och jag råder alla Sibeliusälskare att lyssna på dessa stimulerande tolkningar. Den som lyssnat på Paavo Järvis kompletta Nielsen-cykel (som kom ut nyligen), känner till dirigentens känsla för nordisk musik, men han lyckas faktiskt ännu bättre med Sibelius.

För den tålmodige, så kan det vara värt att vänta på Santtu-Matias Rouvalis nya serie med Göteborgssymfonikerna på Alpha, som nu spelas in en efter en i konserthuset på Götaplatsen. Precis som med Neeme Järvis första serie från Göteborg, på BIS i början på 80-talet, så utkommer ettan först. Likt då, med Olle Schills underbara klarinett-intro, så sätter nu försteklarinettisten Urban Claesson nivån direkt. Detta är Sibelius direkt från de trolska nordiska skogarna; en grovhuggen, karg värld som luktar barr, lavar och lingon och där trollen skymtar runt varje mossbestruken sten. Detta är besjälad musik ursprungen ur skogens och naturen kraft med dess spännande sagor, och den framförs just precis så.

Med det stora urvalet av mycket bra Sibelius-ettor (förutom cirka 40 stycken från de kompletta symfonicyklerna finns det minst lika många till separata ettor inspelade) så krävs det något alldeles extra, men det bjuder verkligen symfonikerna och Rouvali på här. Symfonikerna har likt alla orkestrar haft sina berg- och dalgångar, men med Rouvali så känns det som om orkestern håller på att förfina sin grundton; och det är inte bara den breda stråkklangen som framhävs idag, här medverkar i allra högsta grad orkesterns alla stämmor.

Det finns partier där orkestern visar upp en smått magisk sida, och man häpnas över den maffiga tonen och det intensiva uttryckssättet. Sådana passager finns det igenom hela verket; inledningen på scherzot med dess rytm och pukslag är måhända ett litet men bra exempel. Allra mäktigast är ändå de magnifika fyra, fem sista minuterna av finalen, just avslutningen av symfonin tillhör nog det bästa jag hört med orkestern. En känsla som förstärks av att ljudbilden är av första klass. Dirigenten suger ut varje detalj och det känns som en oändlighet att vänta på de avslutande två pizzicatona. Rouvali slår dirigentpinnen med en slagverkares exakthet och håller med den orkestern i ett järngrepp, men de verkar trivas där och ger full respons tillbaka.

På skivan finns även tondikten En Saga, ett verk fyllt av skogsrår, jättar och troll. I denna tolkning är de om något ännu mer skrämmande och olycksbådande och en jämförelse av dessa mytiska skogsvarelser med de som Eugene Ormandy, Osmo Vänskä, Mark Elder, Lorin Maazel och Paavo Berglund framkallar visar att ingen lyckas framtvinga en sådan skräckinjagande kraft som Santtu-Matias Rouvali.

Den unge dirigenten klickar mycket väl med den unge Sibelius och med en viss farhåga om att de senare mer mogna symfonierna i cykeln kanske inte fullt kommer att kunna matcha denna utgåva, så kan jag ändå inte annat än att ha mycket stor förväntan på resten av serien.

Summerat så får jag nog säga att Paavo Järvis Sibelius från Paris levereras långt över min förväntan, och jag tänker återkomma till den många gånger. Göteborgs och Santtu-Matias Rouvalis Sibelius kommer att bli bra referensinspelningar för mig; både i första symfonin och En saga. Symfonin förmodligen då tillsammans med Osmo Vänskäs och Okko Kamus Lahti-inspelningar, Leif Segerstams från Helsingfors och Lorin Maazels från Wien. En saga i Rouvalis tappning vet jag inte om någon annan är i närheten av att matcha.

Jean Sibelius: Symfoni nr 1-7
Orchestre de Paris
Dirigent: Paavo Järvi

Jean Sibelius: Symfoni nr 1, En Saga, tondikt
Göteborgs symfoniker
Dirigent: Santtu-Matias Rouvali

https://capriccio.se/sibelius-fran-paris-och-goteborg/

Surrealistisch anmutender Sibelius

pizzicato.lu
4.03.2019

Jean Sibelius: Symphonien Nr. 1-7; Orchestre de Paris, Paavo Järvi; 3 CDs RCA 19075924512; Aufnahmen 2012-2016, Veröffentlichung 01/2019 (240') - Rezension von Alain Steffen



Dieser Sibelius wird polarisieren. Paavo Järvi und das hier hervorragende ‘Orchestre de Paris’ bieten eine Leseart, die es in sich hat. Sie schaffen quasi surreale Landschaften, denn Järvi nimmt die Partituren auseinander, entstaubt sie und setzt sie wieder zusammen. Der Melodienseligkeit traut er nicht so richtig, er wirft einen kritischen Blick hinter diesen Wohlklang und entdeckt dabei so manche Ungerade. Ja, Sibelius’ Musik ist wirklich modern und in dieser Leseart sehr dramatisch und hochexpressiv. Allerdings treibt es Järvi nie zu weit, der Sechsten lässt er ihren pastoralen Charakter und auch die Zweite darf in Schönklang schwelgen, obwohl es in seiner Interpretation immer noch genug Momente gibt, die dies in Frage stellen.

Wer die späten Aufnahmen von Bernstein mit ihrer romantischen Üppigkeit und ihrer Kitschnähe kennt, der wird hier das komplette Gegenteil erleben. In diesem Sinne ist Järvis Interpretation nicht gefällig, dafür aber herausfordernd und neu. Sie öffnet Perspektiven, die dem liebgewonnenen Sibelius-Bild entgegenwirken und dabei uns als Hörer auf die Probe stellen.

Das ‘Orchestre de Paris’ mit seinen exzellenten Solisten nutzt die Gunst der Stunde und spielt, wie es besser wohl nicht geht.

Obwohl dieser Zyklus zwischen Oktober 2012 und März 2016 über fast vier Jahre live in der Salle Pleyel und in der Philharmonie de Paris aufgenommen wurde, besticht er durch ein konsequentes Konzept und musikalische Geradlinigkeit. Für mich ist es eine der allerbesten Gesamtaufnahmen.
In his Sibelius cycle with the outstanding Orchestre de Paris, Paavo Järvi comes close to surrealistic musical paintings. For the listener it’s a totally new and unexpected, highly expressive encounter with the Finnish composer. At the end there is no doubt: this is one of the best ever set of Sibelius’s complete symphonies.

パーヴォ・ヤルヴィ&NHK交響楽団、ヨーロッパ公演を成功に導いた『マーラー: 交響曲第6番「悲劇的」』リリース

cdjournal.com
4.02.2019




マーラー:交響曲第6番「悲劇的」 P.ヤルヴィ - NHKso. [SA-CDハイブリッドCD]
 パーヴォ・ヤルヴィ(Paavo Järvi)&NHK交響楽団(N響)が、ヨーロッパ公演のハイライト演目を収めた最新アルバム『マーラー: 交響曲第6番「悲劇的」』(SICC-19040 3,200円 + 税)を2月6日(水)にリリース。

 2017年2月、パーヴォとN響は初めてヨーロッパを訪れ、主要7都市を巡るツアーを開催。このコンビの相性の良さと、オーケストラとしての機能性の高さを聴衆に届けました。ベルリン、ロンドン、ケルン公演のプログラムに選ばれたのがマーラーの交響曲第6番「悲劇的」で、ツアーのハイライトとなりました。本作は、そのヨーロッパ・ツアーを前に、神奈川・横浜みなとみらいホールでライヴ録音されたアルバムです。

 N響は、日本のオーケストラ黎明期からマーラー作品を積極的に取り上げ、新交響楽団時代の1930年には近衛秀麿指揮で交響曲第4番を録音し、世界で初めてマーラーの交響曲を録音したオーケストラとなるなど、名実ともにマーラー演奏の伝統を築き上げています。定期公演の放送用ライヴからのディスク化はいくつか例があるものの、ディスクでの発売を前提としたマーラーの録音は、本作が1930年以来87年ぶりです。

 パーヴォはN響首席指揮者就任が発表されてから最初の定期公演(2015年2月)で交響曲第1番「巨人」を取り上げ、就任披露定期公演(2015年10月)では第2番「復活」を演奏。以来、第8番「一千人の交響曲」(2016年9月)、第3番(2016年10月)、本作の第6番「悲劇的」(2017年2・3月)、第7番「夜の歌」(2018年2月)、第4番(2018年9月)と、N響と、マーラー演奏を重ねています。なお本作は、第2楽章スケルツォ、第3楽章アンダンテの構成で演奏しています。

Friday, March 01, 2019

Chinese pianist Zee Zee dazzles in Ravel concerto, NHK Symphony Orchestra nails Prokofiev’s 6th

scmp.com
Christopher Halls
1.03.2019

Chinese pianist Zee Zee dazzles in Ravel concerto, NHK Symphony Orchestra nails Prokofiev’s 6th

Soloist’s breathtaking technique was on display in performance of Ravel’s jazz-infused Concerto in G
Japanese orchestra under Paavo Järvi played with power and precision in Prokofiev’s demanding and sometimes excruciating Symphony No. 6


Soloist Zee Zee (Zhang Zuo) is applauded by the audience in the Hong Kong Cultural Centre Concert Hall after her performance of Ravel’s Piano Concerto with Tokyo’s NHK Symphony Orchestra under the baton of Estonian chief conductor Paavo Järvi, part of the 2019 Hong Kong Arts Festival. Photo: Hong Kong Arts Festival

Like a well-oiled and tightly run machine, Tokyo’s NHK Symphony Orchestra under its celebrated Estonian chief conductor Paavo Järvi gave a brilliant performance of Sergei Prokofiev’s austere and demanding Symphony No. 6 in E flat minor.
The work is a far cry from the Russian composer’s jovial Symphony No. 1
performed a week ago by the São Paulo Symphony Orchestra, also as part of the Hong Kong Arts Festival.

Prokofiev’s eerie depiction of “the painful results of war” in the opening Allegro moderato movement was interpreted in spectacular fashion and with laser-like precision from the wind and brass in the excruciating climaxes; oboe and cor anglais made superb contributions, the horns wailed wonderfully, and there was robust playing from the violas.

When lyricism intruded in the mournful Largo second movement, Järvi allowed the musicians to lap it up. Both the cello and viola sections blossomed, fully overcoming the Cultural Centre Concert Hall’s acoustic shortcomings.

Tokyo’s NHK Symphony Orchestra played like a well-oiled machine under the baton of Estonian chief conductor Paavo Järvi. Photo: Hong Kong Arts Festival
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Although Järvi’s breakneck Vivace finale left the relentless chugging rhythm feeling rocky on the rails at times, he kept a tight leash on its furious virtuosity, always accentuating the underlying echoes of darkness until the final sardonic cries from the NHK’s excellent brass battalion concluded the symphony.

The concert began with significantly lighter fare – Tokyo-born composer Toru Takemitsu’s 1991 composition How Slow the Wind.