Thursday, December 30, 2010

Beethovens Sinfonien: Bonn gegen Wien

21.12.10
Von Bernhard Hartmann
General Anzeiger


Bonn. Es ist ein bisschen der Kampf zwischen David und Goliath, wenn die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen und die Wiener Philharmoniker gegeneinander antreten, um Beethovens neun Sinfonien zu präsentieren.

Hier schwingt der drahtig schlanke Paavo Järvi den Taktstock, dort steht der hünenhaft massige Christian Thielemann am Pult; hier bietet die in jeder Sinfonie andersfarbig ausgeleuchtete Bonner Beethovenhalle die Kulisse für Aufführung und Aufnahme, dort der Goldene Saal des Wiener Musikvereins. Erschienen sind beide Zyklen jetzt als DVD-Box. Es sind freilich nicht nur solche Äußerlichkeiten, die den Unterschied ausmachen. Aber sie passen zum musikalischen Ergebnis.

Als Paavo Järvi 2004 künstlerischer Leiter der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen wurde, fand er ein Ensemble vor, das seinen Vorstellungen von einem Beethoven-Klang ganz nahe war: Man orientierte sich mit behutsamem Einsatz alter Instrumente und kleiner Besetzung durchaus am Originalklang der Beethoven-Zeit. Mindestens ebenso wichtig aber ist die unbedingte Leidenschaft der Beteiligten. Wenn die Kamera an den Musikern vorbeifährt, liest man in jedem Gesicht: "Das hier ist unser Projekt!"

Järvi und das selbstverwaltete Orchester, das seit Jahren eine Residenz beim Beethovenfest innehat, haben ihren Beethoven wachsen und reifen lassen. In ungezählten Konzerten rund um den Globus und mit einem bei Sony erschienenen, hochgelobten CD-Zyklus, der 2009 mit der neunten Sinfonie vollendet worden war. Die Präzision, mit der sie nun bei den live in der Beethovenhalle mitgeschnittenen Bonner Konzerten des vergangenen Jahres etwa das atemlos virtuose Finale der vierten Sinfonie spielen, wirkt auch am Bildschirm und vor den heimischen Boxen absolut spontan und mitreißend.

Järvi orientiert sich mit seinen Tempi an Beethovens originalen eigenen Metronomangaben. Eine vor allem bei den Vertretern der romantischen Tradition nicht ganz unumstrittene Vorgehensweise. Sein Kollege Kurt Masur sagte erst vor einigen Tagen während seines Bonner Meisterkurses, dass Beethovens eigenes Metronom wohl sehr ungenau gewesen sei und man die Tempi stets etwa 20 Prozent geringer ansetzen müsse. Auch Järvi hat sich dazu einmal geäußert: "Beethoven war zwar taub, aber nicht doof", meint der estnische Dirigent.

Er sieht die teilweise radikalen Tempi durchaus in Übereinstimmung mit Beethovens gesamtem Kunstwollen, das nie sich im Mainstream bewegt. Christian Thielemann setzt sich da ganz souverän über die überlieferten Zahlen hinweg, orientiert sich an Beethovens ausgeschriebenen Tempobezeichnungen in den Partituren und am Charakter der Musik, wie er ihn empfindet, überlegt jedes Mal neu, was in einem bestimmten Kontext Allegro, oder was Adagio bedeutet. Inspiration ist für ihn ein wichtiges Wort.

Wie man in der fünften Sinfonie erleben kann, muss dies nicht heißen, dass die Tempi grundsätzlich langsamer sind als bei Järvi. Aber Thielemann achtet sorgsam darauf, die Philharmoniker nie bis an die Grenze zu führen. Dieses Orchester will immer schön klingen, und bei ihm darf es das auch. Beide DVD-Zyklen bieten eine Fülle an Zusatzmaterial. Der Bonner Zyklus enthält einen Dokumentarfilm von Regisseur Christian Berger, der Orchester und Dirigent bei den Proben in Bremen und Bonn begleitet. Die Kamera ist auch dabei, wenn sie am Rhein entspannen oder wenn eine Bratschistin den Bonner Geigenbauer Peter Greiner aufsucht und um Hilfe bittet.

Ausführlich reden Musiker und Dirigent dabei über ihr spannendes Projekt. In der DVD-Edition der Wiener Philharmoniker sprechen nur der Dirigent und der Münchner Kritikerpapst Joachim Kaiser. Man widmet sich sich jeder Sinfonie gut eine Stunde lang. Das ist vor allem unterhaltsam. Man erfährt viel über Kaisers Beethoven und viel über Thielemanns Beethoven. Sie verstehen und deuten die Sinfonien aus einer sehr romantischen Tradition, etwa wenn sie die Musik danach abklopfen, welche Ideen sich später bei Wagner, Mahler oder Pfitzner wiederfinden.

Im Ergebnis wirkt Järvis Beethoven aufregender und auch authentischer. Nicht ohne Grund hören viele Kritiker in seinem Zyklus den Beethoven des 21. Jahrhunderts. Auch in der Musik ist David gegen Goliath eben nicht ganz chancenlos.

http://www.general-anzeiger-bonn.de/index.php?k=loka&itemid=10003&detailid=827371&bid=1021629

Monday, December 20, 2010

Alchimie

Par Christian Merlin
Le Figaro
14/12/10

Pourquoi certains orchestres ont-ils le vent en poupe quand d'autres marquent le pas? Pour être plus précis: pourquoi l'Orchestre de Paris engrange-t-il triomphe sur triomphe, quand l'Orchestre national de France et l'Orchestre philharmonique de Radio France évoluent en dents de scie? Conjonction de facteurs difficile à démêler, un peu comme pour les équipes de football. La qualité des musiciens n'est pas suffisante: le collectif dépasse tellement la somme des individualités, que les mêmes instrumentistes peuvent passer de l'excellence à la médiocrité en moins de temps qu'il ne faut pour le dire. Les conditions pour que l'alchimie fonctionne? Une dynamique de groupe, des musiciens confiants et fiers d'appartenir à leur orchestre, un directeur musical incontestable, une administration responsable et inventive, une identité artistique définie, un lien de fidélité avec le public. Depuis l'arrivée de Paavo Järvi, on sent chaque semaine les musiciens concentrés et investis, désireux de puiser sans réserve dans un potentiel qu'ils souffraient de voir mal exploité ces dernières années. Avec 4500 abonnés, ils ont reconquis un public et le résultat est là. Les concerts sont tous plus brillants les uns que les autres, sans se ressembler puisque David Zinman fut capable d'obtenir transparence et légèreté d'un orchestre que Järvi fait sonner puissant et compact.

Depuis septembre, les deux orchestres de Radio France n'ont pas toujours été à la même fête. On a trouvé le National flamboyant et motivé dans la Cinquième de Mahler avec Daniele Gatti, mais éteint dans Schumann et prosaïque dans Verdi avec le même, morose dans Brahms avec Hartmut Haenchen. À la recherche d'un successeur à Myung-Whun Chung, qui fête ses dix ans à sa tête, le «Philhar» a brillé avec Inbal, mais ses prestations avec Eötvös ou Foster ont confirmé la tendance à une sonorité standardisée, revers d'un niveau technique très affûté. Irrégularité dans la qualité qui s'accompagne de salles trop souvent clairsemées. Avec sa structure associative, l'Orchestre de Paris serait-il plus souple que la lourde machine de Radio France? Avec l'extraordinaire force de frappe du service public, les deux orchestres de la Maison ronde devraient jouer un rôle moteur, avec pour chacun une identité qu'il n'est pas toujours facile de repérer. Les musiciens sont les premiers à vouloir être fiers de leur magnifique outil. Souhaitons qu'ils soient portés par une politique ambitieuse et cohérente en termes de programmation et de communication. Le paysage musical parisien a tout à y gagner.

http://www.lefigaro.fr/musique/2010/12/14/03006-20101214ARTFIG00469-alchimie.php

Mozart to Stravinsky: CSO, Hahn Shine

Mary Ellyn Hutton
MusicInCincinnati.com
December 19, 2010

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This weekend’s Cincinnati Symphony concert at Music Hall (Dec. 17 and 18) had “special” written all over it.

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Paavo Järvi
It marked the return of music director Paavo Järvi to the podium after a three-month absence, a guest appearance by one of today’s certified stars, violinist Hilary Hahn, and a delectable program of chamber-sized repertoire.

Indeed, the Cincinnati Symphony became a chamber orchestra, a welcome guise that demonstrated the flexibility of the orchestra, as well as the extraordinary talent that dwells within it. With members of the CSO playing concurrently for Cincinnati Ballet’s “Nutcracker” at the Aronoff Center, it was an illustration of the value of a fine orchestra and the multiplicity of ways in which it can serve a community.

Multi-Grammy winner Hahn, one of the finest violinists before the public today, performed Mozart’s Violin Concerto No. 5 in A Major -- called the “Turkish” for its colorful Turkish-flavored episode in the final movement. With a complement of 25 strings plus pairs of horns and oboes, ensemble was perfect, a word that also begs to describe Hahn's exquisite playing.

The balance of the program was three works for chamber orchestra, Bartok’s 1939 Divertimento for strings, Benjamin Britten’s “Simple Symphony” and the Suite from Stravinsky’s music for the ballet “Pulcinella.” All were performed completely in front of the stage's double proscenium arch, with the acoustical towers aligned horizontally behind them for a “close-up,” intimate experience (at least to the extent the huge hall allows).

Winsome in a long, sea-blue gown, Hahn, 31, was every inch a star. But her true greatness lay in her consummate musicality. Allied with Järvi and the CSO, she presented a classically refined performance, full of detail and nuance, always at the service of the composer. If one may fumble for a metaphor, the music was the aural equivalent of a piece of finely-painted, classic sculpture.

Hahn played with a bright, smooth tone, utilizing tight bowing and tasteful vibrato. Interaction with the CSO was pinpoint precise, and the winds added a layer of great beauty, as in the outer movements where her sound blended with principal oboist Dwight Parry's in some ravishing, jewel-like moments.

Her cadenzas exhibited grace as well as virtuosity. They were like small essays, spun with grace, polish and in the second movement, supple double stopping. She, Järvi and the CSO put lots of zing into the Turkish episode in the finale where the cellos and double basses relished playing rhythmic accents with the wood of their bows.

Responding to the crowd’s ovation, Hahn performed encores by Bach, the Sarabande (Friday) and Bouree (Saturday) from his Partita in B Minor for violin solo. (For Saturday’s audience, she donned a Santa Claus cap before returning to the stage for her encore.)

Järvi opened the concert with Bartok’s Divertimento, a work written on the cusp of World War II during a special moment carved out for him by conductor/patron Paul Sacher at a retreat in the Swiss Alps. In three movements, it is modeled on the baroque “concerto grosso,” i.e. with a solo quartet playing against a larger ensemble. Hungarian folk flavor abounds, particularly in the outer movements. The central Adagio, however, was filled with pain, even horror, as ominous trills and hammer blows intruded on the stillness of the music (premonitions of the conflagration to come are read into this).

CSO principal players excelled in the demanding work, which, particularly in the Allegro finale, is filled with rapid exchanges. Järvi played his hand beautifully at the end, which alternates pizzicato with rushing figures, leading to a fortissimo conclusion.

Britten’s “Simple Symphony” belies its title, for, like Bartok’s Divertimento, more resides in it than would be apparent from such a designation. It is short, often sweet and perky – the pizzicato second movement was a delight – but the slow movement, “Sentimental Saraband,” ached with something more. Often heard separately, the music is heart-rendingly beautiful, suggesting the composer’s deep feelings of nostalgia (the work is built on compositions he wrote as a child). Järvi led it heart-on-sleeve with great tenderness. By contrast, he brought out all the prankishness and good humor of the other three, with plenty of boisterousness in “Boisterous Bouree” (when does it end, really?), playfulness in “Playful Pizzicato” (is that a big guitar or what?) and frolic in “Frolicsome Finale” (with some conductorial choreography to boot).

Stravinsky’s “Pulcinella” Suite called upon the individual and corporate virtuosity of the CSO. The work is drawn from his music for Serge Diaghilev’s 1920 ballet “Pulcinella” based on the Neapolitan commedia dell’arte, with Pulcinella (also known as Punch) tormenting ladies and gentlemen alike with his amorous mischief. It is a brilliant and challenging score (audition material for many an instrumentalist) and called for playing to match. Like Bartok’s Divertimento, it is written in concerto grosso style and was the first of Stravinsky's great neo-classic works.

Less was more here, with an orchestra of 42, including a “concertino” of five strings (two violins, viola, cello and double bass). It was a glory day for the CSO winds, as well, all of whom had moments to shine: Parry in the lovely Serenata; principal flutist Randolph Bowman in the Gavotta; and principal bassoonist William Winstead, also in the Gavotta (second variation), where he was joined in a taxing sixteenth-note accompaniment by bassoonist Hugh Michie. Trombonist Cristian Ganicenco had some of the best lines of the evening in the comical Vivo, where he was joined in some delightful solos by principal bassist Owen Lee. As for concertmaster Timothy Lees and the other CSO principals -- violist Christian Colbert, cellist Ilya Finkelshtyn and violinist Kun Dong filling in for Gabriel Pegis -- they shone everywhere.

No one seemed to have more fun than Järvi, who brought the Finale of the Suite to an end with an airy tune, begun in the flute, which gave way to raucous rhythmic repetitions and an emphatic sign off.

Saturday, December 18, 2010

Hahn wows CSO audience with violin skill

by Janelle Gelfand
Cincinnati Enquirer
December 17, 2010

Hilary Hahn is, quite simply, one of America’s brightest stars.

On Friday, the violinist performed Mozart with the Cincinnati Symphony Orchestra, and you couldn’t help but smile through her performance. It was not because of her effortless technique or the gorgeous tone she projected from her violin. There was a genuine, unaffected quality about her music making that made her performance of Mozart’s “Turkish” Concerto one of sheer joy.

Paavo Järvi was back in town for an inventive program designed for small orchestra. (The other half is playing Cincinnati Ballet’s “Nutcracker” this weekend.) Bartok’s Divertimento for String Orchestra, Britten’s Simple Symphony, Op. 4, and Stravinsky’s Suite from the ballet “Pulcinella” allowed the strings and orchestral soloists to shine.


But it was also interesting to hear this performance in a new configuration being used, which places the orchestra closer to the audience. The presence of sound was remarkable.

Hahn, 31, a native of Lexington, Va., first picked up a violin at age 3. She has been touring for half of her life, released a dozen recordings, won fistfuls of awards, including two Grammy Awards, two composers have written concertos for her and she has even appeared on “The Tonight Show with Conan O’Brien.”

That’s impressive enough. But then she picks up her violin, and projects the big, effortless, golden sound that is uniquely hers. Mozart’s Concerto No. 5 in A Major, nicknamed “Turkish” for its finale, was an ideal vehicle for her artistry.

She was animated in her performing, stepping into her phrases as she played, and communicating easily with Järvi and the orchestra, as well as with her listeners. The first movement was ebullient, and she found character in every phrase.

The violinist’s cadenzas, one in each movement, were searching and full of imagination, several times reaching into the stratosphere with pristine intonation. Hahn approached the slow movement, one of Mozart’s most beautiful, with purity of tone and occasionally, a glimpse of old-world romantic style.

Järvi and the orchestra made excellent partners, echoing the gentle beauty of the slow movement, and providing a sizzling Turkish march in the finale.

The enthusiastic response from the Music Hall audience resulted in encore: J.S. Bach’s Sarabande from the Suite in B Minor, a profound performance played with mesmerizing beauty.

For the orchestra, Stravinsky’s neoclassical Suite from “Pulcinella,” which concluded, was a tour de force. The work, in nine movements, was bursting with inventiveness – a mark of Järvi’s tenure here for nearly a decade.

The orchestra performed superbly and soloists made fine contributions, including oboist Dwight Parry’s nuanced phrasing in the gentle “Serenata,” the heroic efforts of bassoonist William Winstead, and the showmanship of principal bass Owen Lee.

Järvi led it all with wit, bringing out unexpected details and keeping the music buoyant. His feeling for color and atmosphere made it a magical performance.

He opened with Bartok’s Divertimento, not performed by the CSO since 1970. The work for strings uses a group of orchestral soloists in concerto grosso style. Rich in folk tunes and rhythms, it was written on the eve of World War II, and includes a mournful Adagio.

After some initial unevenness, the orchestra responded with vivid playing. The conductor went for an earthy quality in the rhythmic finale, which included slapping strings and a rhapsodic cadenza for concertmaster Timothy Lees.

The second half included the subscription premiere of Britten’s cheerful Simple Symphony, evoking childhood tunes. I’ve never heard so much dynamic contrast in an all-pizzicato movement, as in the piece’s “Playful Pizzicato.”

Bruckner: Sinfonie Nr. 9 Review

by Blair Sanderson
All Music



Paavo Järvi is not noted primarily as a Bruckner conductor, but this 2008 performance of the Symphony No. 9 in D minor with the Frankfurt Radio Symphony Orchestra promises great things to come if he chooses to record the other symphonies with as much expressive depth and personal connection. Järvi often takes considerable liberties in conducting the Romantic repertoire, and his elastic rubato sometimes seems too loose, yet it works rather well here and seems to open up Bruckner's monumental harmonic rhythms and heavy structures to a more flexible and freer interpretation. Granted, the Symphony No. 9 is still one of Bruckner's weightiest works, and it is many times rendered as if it is carved in granite, so ponderous are its fanfares and dense its orchestration. Yet Järvi draws out a fluid and evenly paced performance from the Frankfurt orchestra, and the overall feeling of the music is of transparency, smoothness, delicacy, and radiance, traits that are seldom associated with this piece, but should be. The first movement retains its gloomy depths and elegiac lyricism, while the scherzo is still menacing in its hammered dissonances, and the Adagio keeps its air of mystery and majesty. But Järvi has given this elevated symphony a more human dimension, and through the rapport he has developed with his musicians, he communicates more intimately and warmly than one might expect in this massive valedictory work, which Bruckner dedicated to God. Thanks to RCA's terrific DSD recording, this is one of the best sounding Ninths to appear in ages, and this hybrid SACD is compatible with conventional compact disc and super audio players. Highly recommended.

Thursday, December 16, 2010

Junges Konzert / hr-Sinfoniekonzert mit Janine Jansen und Paavo Järvi

09./10.12.2010 | Frankfurt | Alte Oper:
»"Eine hochmusikalische Glanzleistung ..." (FAZ)«



"Chefdirigent Paavo Järvi und das hr-Sinfonieorchester haben sich jetzt an das gewaltige Orchesterwerk "Amériques" von Edgard Varèse gewagt. ... Im wahrhaft riesigen Schlagzeugensemble des Orchesters finden sich auch Windmaschinen und - besonders häufig hervortretend - eine Sirene. Überdies hat Järvi beim "Freitagskonzert" in der Alten Oper die Kontraste und Akzentuierungen noch zugespitzt bis zu spektakulär anmutenden akustischen Grenzen. ... Eine hochmusikalische Glanzleistung war an diesem Abend der halbstündige Auftritt der niederländischen Geigerin Janine Jansen, die derzeit als 'Artist in Residence' beim hr-Sinfonieorchester ist. Äußerst konzentriert, doch mitreißend lebendig und klangvoll gestaltete sie Leonard Bernsteins fünf Sätze umfassende Serenade. ... Es bietet ungeahnte Entfaltungsmöglichkeiten, die von der Solistin auch genutzt und von Paavo Järvi liebevoll unterstützt wurden.

Harald Budweg, Frankfurter Allgemeine Zeitung, 14.12.2010


Das Schwierigste zum Schluss: Edgard Varèses beunruhigtes, wie von innen her überquellendes Orchesterstück "Amériques" (1920) war das zweitälteste Stück beim HR-Sinfonieorchester in der Alten Oper Frankfurt in einem Konzertprogramm, das die USA thematisch umkreiste - und das bei weitem komplexeste. … Bernsteins fünfsätzige "Serenade" (1954) ist die durchaus nicht revolutionäre Version eines romantischen Violinkonzerts, von beträchtlicher Sentimentalität und binnendifferenzierter Prägnanz. Solistin Janine Jansen (zurzeit Artist in Residence beim HR-Orchester) machte das Stück zum Höhepunkt des Abends mit ihrem feinen, singenden Ton, ihrer sensiblen Farbigkeit, ihrer zurückhaltenden Dynamik. Sie dosierte den in der Musik enthaltenen Überschwang präzise und knapp und ließ sich keinen Augenblick davon treiben, sondern wandte sich eher nach innen und ließ sich im Jugendkonzert auch von den begeisterten Beifallsbekundungen nach fast jedem Satz nicht aus dem Intensitäts-Konzept bringen.

Hans-Jürgen Linke, Frankfurter Rundschau, 11.12.2010


Janine Jansen, "Artist in Residence" beim HR, hatte sich Bernsteins "Serenade" für Orchester und Violine ausgesucht, ein zugleich wirkungsvolles und technisch anspruchsvolles Stück, das Platons "Gastmahl" zum Vorbild hat. Besonders die lebhaften Abschnitte "Phaedros" und "Sokrates-Alkibiades" brachten ein ausgewogenes Zusammenspiel des von Paavo Järvi akzentreich geleiteten Orchesters und der niederländischen Geigerin zur Geltung. Die Wiedergabe des Werks (1954) bestach durch die präzise Ausleuchtung seiner klanglichen Nuancen, wobei immer wieder ein sehr präsenter und kraftvoller Geigenton Jansens zu bestaunen war.
Begonnen hatte der einzig der amerikanischen Musik gewidmete Abend ("Junge Konzerte") ebenfalls mit Bernstein. Dicht und temperamentvoll ließ das Orchester die drei Tanzepisoden zu "On the Town" erklingen, auf seine Streicher konnte sich Maestro Järvi wieder verlassen. Nach der Pause Charles Ives' "Unanswered Question" sowie Edgar Varèses "Amériques": Beide Werke standen in großem dynamischen Kontrast zueinander. Das in sich gekehrte Brüten Ives über die Antwort auf die Frage nach dem Sinn des Daseins wich der großformatigen Darstellung Varèses vom Großstadttreiben in New York, einschließlich Alarmsirenen, Pistolenschüssen, Autogehupe und Menschengewimmel. Man plünderte den Instrumentenfundus und war dieser gewaltigen dynamischen Aufnahme bestens gewachsen.

Matthias Gerhart, Frankfurter Neue Presse, 11.12.2010


Aschaffenburger Stadthalle: Begeisternde musikalische Visionen aus Amerika mit dem HR-Sinfonieorchester und Geigerin Janine Jansen:
Ohne sichtbares Vorzählen stürzen sich der dynamische Dirigent Paavo Järvi und sein fantastisch aufspielendes Orchester in die drei Tänze, die Leonard (»Lenny«) Bernstein (1918 bis 1990) aus seinem ersten Musical »On the town« 1945 zusammengestellt hat. Das Sinfonieorchester wird zur Big-Band, die tänzerische, vor rhythmischem Elan überschwappende Musik reißt mit, und an der wortlosen, aber sichtbar heiteren Kommunikation zwischen dem ersten Bratschisten und dem Cellisten sieht man, welchen Spaß die Musiker dabei haben. ... Blut- und glutvoll präsentiert sich Bernsteins »ernsthafteres« Werk, die 1954 entstandene »Serenade«, die eigentlich ein Violinkonzert ist, das in der holländischen Geigerin Janine Jansen eine phänomenale Interpretin gefunden hat. Mit jeder Faser ihres Körpers geht sie mit der Musik mit. Wenn sie nicht spielt, lauscht sie aufmerksam, die musikalischen Energieströme kriechen förmlich in sie hinein und lassen sie beben; wenn sie spielt, ist sie geballte musikalische Präsenz.
... Als gewaltiges Klangexperiment, als Erkundung des gesamten Klanguniversums entpuppt sich »Amériques« des in Frankreich geborenen Wahlamerikaners Edgar Varèse (1883 bis 1965). ... Dieser musikalischen Welt eignet etwas Gewalttätiges. In jedem Zuhörer wird ein anderer innerer Film ablaufen: die Stadt als alles verschlingender Moloch oder das Bild einer unkontrollierbar gewordenen Maschine, die auf einen Abgrund zugeht. Und doch ist da einer, der standhält: Paavo Järvi, der Dirigent, der große Organisator des Ganzen, der mit stoisch ruhigen Armbewegungen Takt und Einsatz vorgibt. Das Werk ist eine Herausforderung an Musiker und Zuhörer: Wenn Musik existenziell ist, so darf sie schon auch mal weh tun.

Werner Ziegler, Main-Echo, 13.12.2010

http://www.hr-online.de/website/rubriken/kultur/index.jsp?rubrik=37844&key=standard_document_40344501

Wednesday, December 01, 2010

Paavo Järvi Beethoveni-esitused on saadaval DVD-l

Priit Kuusk
uudised.err.ee
30.11.10

Dirigent Paavo Järvi laialt tuntuks saanud interpreteeringud Beethoveni sümfooniatest eeskätt Deutsche Kammerphilharmonie’ga on nüüd ilmunud ka selle orkestri DVD-l.

Kuigi Paavo Järvi on oma nägemust Ludwig van Beethoveni sümfooniatest, esmajoones orkestriga Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (DKB) tutvustanud ka praegu käival Jaapani turneel, on need eriliste sündmustena teada Beethoveni sümfooniate koguettekannetest rahvusvahelisel festivalil Beethoveni sünnilinnas Bonnis, samuti Salzburgi suvefestivalil, muusikapidustustel Varssavis ning mõne sümfoonia kaupa veel paljudes teisteski tuntud saalides.

Beethoveni sümfooniate plaadistuste eest on Paavo Järvi saanud Saksa Heliplaadikriitikute auhinna, ta valiti Saksamaa preemiate sarjas Echo Classics aasta dirigendiks 2010 (ka seal Beethoveni Viiulikontserdiga).

Uus, novembrikuul müügile tulnud neljast DVD-st koosnev komplekt on Beethoveni projekti (Das Beethoven-Projekt) lõppdokumendina unikaalne väljaane, millist pole Saksamaal Eesti dirigendi käe all esitatud muusikast kunagi varem ilmunud. Pidagem silmas veel seda, et rohked tunnustused ja tähelepanu on tulnud Saksamaalt ja Austriast, kus Beethoveni muusika on tõeliselt omane, tuntud ja teatud juba iga saksa keelealal elava inimese jaoks.

DKB koosseisu 40 muusikut esitasid Paavo Järvi juhatusel traditsioonilisel Beethoveni festivalil Bonnis 2009. aasta suvelõpul Beethoveni kõik üheksa sümfooniat nelja päeva kontsertidel. Nüüdsel DVD Box-il on kolmel DVD-l kõik sümfooniad kokku 358 minuti ulatuses, neljas DVD on projekti dokumentaarium (109 minutit – film neljas osas, näidatud ka Deutsche Welle TV-s oktoobris), mis avab nende sümfooniate ettevalmistuse ning mängimise n.ö argipoole nii orkestrantide kui dirigendi käsitluses. DVD Boxi on välja andnud Sony Music.

Beethoven-Projekti raames salvestati mitme aasta jooksul kõik Beethoveni sümfooniad esmalt firma Sony CD-dele ning heli- ja videosalvestus Bonnis on muusikasündmusena juba võitnud niisugused tunnustused, nagu preemia "Creation" konkursil "Eyes and Ears Awards 2010" Münchenis, preemia "Best Soundtrack" Rhode Islandi rahvusvahelisel filmifestivalil 2010 USA-s ning Cincinnati rahvusvahelise filmifestivali (USA) auhinna "Audience Award for Best Documentary Feature," mis on samuti tänavune saavutus.

DKB on kutsutud aga 2011. aasta Beethoveni festivali resideerivaks orkestriks.

Paavo Järvi ise on aga Cincinnati Sümfooniaorkestri muusikadirektorina pälvinud äsja veel ka Emmanuel Community Center Triumph Award’i kui Cincinnatiga seotud väljapaistev persoon. See auhind antakse Cincinnatis talle üle uue aasta veebruarikuu algul.

Monday, November 22, 2010

Emmanuel Community Center to honor Järvi, others, as Outstanding Cincinnatians

Posted by Janelle Gelfand
November 22, 2010
Arts in Focus Blog, Cincinnati Enquirer


The Cincinnati Symphony Orchestra’s music director Paavo Järvi, Herb Brown, retired senior vice-president of Western and Southern Financial Group and Ellen van der Horst, president of Cincinnati USA Regional Chamber, will be recognized as Outstanding Cincinnatians at the Emanuel Community Center Triumph Awards on Feb. 2 at the Hilton Cincinnati Netherland Plaza, Hall of Mirrors.

The award honors individuals in Cincinnati who have worked hard for success and shared that success with our community. Journalist and TV anchorman Nick Clooney will be the evening’s keynote speaker, with Courtis Fuller of WLW-TV serving as the Master of Ceremonies.

In addition to the awards program, the 6 p.m. event will include dinner and a silent auction. Proceeds benefit the Emanuel Center’s Over-the-Rhine Community Connect programs.

Tickets are $60 per person. Table sponsors and other sponsorship opportunities are still available. Contact Gail Moe at (513) 241-2563, ext. 32 or visit www.emanuelcenter.org

Emanuel Community Center was founded in 1871 to serve the expanding and diverse population of people in the Over-the-Rhine area of Cincinnati. The center focuses on children, youth athletics, arts and cultural programming.

http://cincinnati.com/blogs/arts/2010/11/22/emanuel-community-center-to-honor-jarvi/

Paavo Järvi viib Saksa orkestri kontserdireisile Jaapanisse

Priit Kuusk
18.11.2010
uudised.err.ee

Dirigent Paavo Järvi alustab täna tema juhitava Bremeni Deutsche Kammerphilharmonie kontserte Saksamaal, mille järel viib orkestri üheksa kontserdiga turneele Jaapanis.

Täna orkestri kodulinna Bremeni esindussaalis Die Glocke, homme kuulsas Kölni Filharmoonia saalis, annab Deutsche Kammerphilharmonie Bremen oma peadirigendi Paavo Järvi käe all n.ö eelkontserdid enne 23. novembril algavat pikemat kontserdireisi Jaapanis.

Kui Saksamaal mängitakse Beethoveni ja Schumanni kõrval veel ka Paul Hindemithi, siis viis esimest kontserti Jaapanis on valdavalt Ludwig van Beethoveni muusika päralt; vaid nooruke hollandi tippviiuldaja Janine Jansen on kaasas Johannes Brahmsi Viiulikontserdiga. Beethovenist on seal kavas avamäng balletimuusikast "Prometheuse loomine", "Suur fuuga" ning Sümfoonia nr 4 ja Sümfoonia nr 5, vaid Yokohamas ka Schumanni avamäng.

Viie esimese kontserdi paikadeks on 23. – 28. novembril Kita-Kyushu, Tokyo Bunka Kaikan ning Tokyo NHK Festival, Yokohama ja Nagoya.

Alates 1. detsembrist pöörab Deutsche Kammerphilharmonie end Paavo Järvi juhatusel täielikult selle aasta tähtpäevahelilooja Robert Schumanni (1810-1856) muusika lainele. Ühes kavas Schumanni "Overture, Scherzo und Finale" ning Sümfoonia nr 4 ja Sümfoonia nr 1, teises avamäng "Manfred" ning Sümfoonia nr 2 ja Sümfoonia nr 3, mängitakse neljal esimesel detsembripäeval need läbi algul Osaka Izumi Hallis ning seejärel Tokyo Opera City kontserdihallis, kus reis 4. detsembril ka lõpeb.

Niisugused kaunid kavad Euroopa muusika kuldklassikast on Jaapani kontserdikorraldajate tellimus.

Jaapanist tagasi, jääb Paavo Järvi juhatama edasi Saksamaaale: 9. – 11. detsembril on tal kolm kontserti Frankfurti Raadio Sümfooniaorkestri ees.

http://uudised.err.ee/index.php?06219480

Aufregender Beethoven in Bonn und Köln

Von Bernhard Hartmann
22 November 2010
General Anzeiger

Kölner Philharmonie. Eigentlich könnten Paavo Järvi und die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen es gelassen angehen, wenn sie Beethoven aufführen. Wohl niemand würde es dem 48-jährigen Dirigenten ernstlich verübeln, wenn er es ähnlich handhabte wie der legendäre Hans Knappertsbusch.

Der als Probenmuffel bekannte "Kna" sagte einmal zu Beginn einer Wiener Strauss-Premiere: "Meine Herren, Sie kennen den Rosenkavalier, ich kenne den Rosenkavalier - wir sehen uns bei der Aufführung." Ein solches Verhalten ist Järvi völlig fremd. Auch wenn die neun Beethoven-Sinfonien längst auf CD vorliegen, auch wenn es mittlerweile eine ausführliche DVD-Dokumentation des vom Bonner Beethovenfest aus weltweit live erprobten Beethoven-Projekts gibt, bleibt jede Aufführung einer Beethoven-Sinfonie eine neue Herausforderung.

Und das bedingt immer wieder intensive Probenarbeit, bei der Erreichtes auch gern einmal infrage gestellt wird. Das ist eines der Geheimnisse, warum die vierte Sinfonie Beethovens in der Kölner Philharmonie so frisch wirkte. Keine Spur von Routine im spannungsvollen Adagio-Beginn, keine Spur von Patina im rhythmisch widerborstigen Scherzo, und im rasanten Finale vernahm man ganz viel Spielfreude.

Die zeigte auch der französische Bratschist Antoine Tamestit in dem Konzert für Viola und kleines Orchester von Paul Hindemith, das den hübschen Titel "Der Schwanendreher" trägt und nach einem der volkstümlichen Lieder benannt ist, die der Komponist hier verwendet. Tamestit schlüpfte hier musikalisch in die Rolle des von Hindemith imaginierten mittelalterlichen Spielmanns und verlieh seiner Interpretation eine wunderbare Leichtigkeit, mit der er den volkstümlichen Charakter der durchaus sehr anspruchsvollen Violastimme unterstrich. Und als er zusammen mit Annika Wirths zarten Harfenklängen das Lied "Nun laube, Lindlein, laube" anstimmte, war das zum Niederknien schön.

Sehr effektvoll stellte er seine Virtuosität anschließend in der Hindemith-Zugabe zur Schau. Während das Orchester bei Hindemith auf eine Rumpfbesetzung reduziert war, trat man zu Robert Schumanns "Frühlingssinfonie" in großer Besetzung an. Järvi dirigiert das Werk frei von dem Ballast einer jahrzehntelangen Aufführungstradition, sondern setzte als historisch informierter Musiker bei Schumann unmittelbar an. Mit dem Ergebnis, dass dieses Werk mit seinem jugendlichen Schwung, seiner Poesie und seinem unverbrachten musikalischen Ausdruck wieder ganz nach Aufbruch klang.

Ein grandioser Beitrag zum aktuellen Schumannjahr. Das Publikum bedankte sich stehend dafür und erhielt im Gegenzug die Ungarischen Tänze Nr. 5 und 6 von Brahms als Zugabengeschenk, die allerdings fast schon ein bisschen zu durchgestylt daherkamen. Bernhard Hartmann


http://www.general-anzeiger-bonn.de/index.php?k=loka&itemid=10003&detailid=814914

Rencontre avec Paavo Järvi

Par Marc Zisman | QOBUZ | RENCONTRES | 5 novembre 2010


Quelques semaines après avoir pris les rênes de l’Orchestre de Paris, où en est le maestro estonien ? Ses souhaits parisiens, son enfance à Tallinn, son approche des répertoires, son expérience rock et même ses envies de silence, Paavo Järvi se confie le temps d’un long entretien.


Sa discographie est déjà imposante. L’éventail des répertoires qu’il traverse, dantesque. Et puis il y a ce nom, Järvi, ancré dans la musique depuis des lustres. Une façon de vivre la musique plus qu’une usine à chefs… Depuis quelques mois, la nouvelle casquette de directeur musical de l’Orchestre de Paris vient étoffer un peu plus le CV de Paavo Järvi, un cas assez unique sur l’échiquier musical contemporain. Une enfance passée dans Tallinn « soviétisée », le choc culturel d’une adolescence outre-Atlantique puis une carrière internationale assez éblouissante. Ce 4 novembre 2010, Järvi termine dans l’antre de Pleyel sa répétition à la tête de « son » Orchestre de Paris. Quelques heures plus tard, ils créeront ensemble, sur cette même scène, Silhouette, hommage à Gustave Eiffel de son compatriote Arvo Pärt, aux aguets durant cette répétition…

Vous connaissez Arvo Pärt de longue date ?


Paavo Järvi : Arvo Pärt m’a vu quand j’étais haut comme trois pommes. Il a le même âge que mon père et sont bons amis. Je me souviens surtout de son accoutrement quand il débarquait chez nous à la maison. Habillé en jeans des pieds à la tête. Pantalon et veste en jeans. Il avait même toujours une casquette sur la tête ! Pour moi, il ressemblait à un occidental (sourire). Et puis sa barbe lui donnait également un air assez exotique…

Connaissiez-vous déjà sa musique à l’époque ?


Pas trop… Il était un ami de la famille de plus. Il y en avait tellement qui défilait à l’époque. Et pour moi, ils étaient tous des amis de mes parents. Rostropovitch, Guilels, Oïstrakh, Chostakovitch et bien sûr Arvo Pärt, ils venaient tous à la maison. Ce n’est que plus tard que j’ai découvert leur musique. Ma vraie rencontre avec celle de Pärt, ce fut tout simplement lorsque Gidon Kremer et Alfred Schnittke ont joué Tabula Rasa sur scène. Un concert historique ! La pièce était dédiée à Kremer d’ailleurs…

Finalement, vous avez grandi à l’inverse de vos confrères. En général, on écoute des maîtres que l’on rencontre éventuellement plus tard. Vous, vous avez rencontré toutes les fortes personnalités que vous venez de citer avant de découvrir leur musique…


Complètement. Mais pour moi tout ceci était très naturel. C’est finalement ce qui arrive lorsque vous grandissez dans une famille de musiciens. Il y a un côté très sain car tandis que les autres rencontrent des légendes avant de rencontrer des hommes, moi j’ai connu des hommes avant de réaliser qu’ils étaient des artistes mondialement connus…

À la même période, la légende dit que vous avez même joué dans un groupe de rock ?!?!


Tout à fait. J’avais quatorze ans et c’était un choix, personne ne m’a forcé (sourire). D’ailleurs tous les membres du groupe étaient des étudiants du conservatoire. C’était notre récréation, notre moment de défoulement…

Et puisque vous êtes percussionniste de formation, vous étiez le batteur du groupe ?


Tout à fait. En même temps, je suis content qu’il n’y ait pas de traces enregistrées de tout ça parce que je n’étais pas très bon… (rire)

Revenons à votre nouvelle maison : Paris. Etre chef d’orchestre et directeur musical, n’y-a-t-il pas, parfois, un peu de schizophrénie ou disons de dualité dans ces deux casquettes qui n’en font qu’une ?


Oui ce sont deux professions différentes. La facette la plus intéressante de la direction musicale est évidemment la rencontre avec les musiciens. La rencontre également avec de nouvelles musiques. En même temps, vous représentez l’orchestre. Vous lui donnez un visage. Cet aspect est parfois un peu difficile à gérer car vous devez régler des problèmes qui n’ont rien à voir avec la musique. Mais bon, aujourd’hui, j’arrive à un âge où mon expérience comme directeur musical est assez grande. J’ai commencé au Toronto Chamber Orchestra puis il y a eu Malmö, Stockholm, Birmingham, Cincinnati, Brême avec la Deutsche Kammerphilharmonie puis Francfort avec le hr-Sinfonieorchester, bref j’ai déjà été confronté à toutes les problématiques, différentes d’ailleurs selon les pays parfois, rencontrées par un directeur musical. Tous ces trucs logistiques…

Comme un chef d’entreprise ?


Complètement. D’ailleurs, aux Etats-Unis, on parle de directeur artistique plutôt que musical… Mais mes motivations premières en endossant le statut de directeur musical comme ici à Paris c’est avant tout de pouvoir développer une relation avec les musiciens de l’orchestre sur la durée. Dans ce sens, je ne suis pas un grand fan de la position de chef invité. Car un invité reste un invité. Il vient. Il va. Il ne décide rien. Il ne développe aucune politique artistique. Il n’a aucune autorité sur le long terme. Etre chef invité au final, c’est comme participer à un concours de beauté. Agréable, mais pas pour moi.

Comment débute donc votre histoire avec Paris ? Est-ce similaire à une histoire d’amour, on se regarde, on écoute, on jauge ? Doit-on jouer aussi au psy avec les musiciens ?


Comme au commencement de n’importe quelle relation les débuts sont toujours très excitants. Vous explorez l’orchestre. On apprend à se connaître. Je perçois mieux l’histoire de la phalange. La personnalité de certaines individualités m’apparait désormais plus clairement. Mais la chose la plus importante, c’est le mot que vous avez prononcé : l’écoute ! Pour l’instant, j’écoute énormément. Au début, c’est vital. Je ne vais pas débarquer en imposant mes vues, en dictant tout. Sans écoute, impossible d’obtenir le meilleur de l’orchestre et de ses musiciens. De toute façon, quand je signe avec un orchestre au départ, c’est qu’il me plait. Un son, une mentalité, une organisation, tout ça vous attire. Aussi, entamer une telle relation en s’opposant à ce son, cette mentalité et cette organisation n’est pas très rusé… Il y a bien sûr des choses que je changerai, surtout des directions vers lesquelles je veux aller, notamment en matière de répertoire. Évidemment toute la musique nordique du XXe siècle qui n’est pas quelque chose de très populaire ici (sourire). Surtout qu’en général les gens aiment cette musique. Ils n’ont juste pas assez d’occasion de l’entendre…

Même s’il y a toujours des modes, et la musique classique n’est pas épargnée, comment expliquez-vous justement que mis à part Sibelius et Grieg, les autres compositeurs scandinaves soient si peu joués, voire tout simplement si peu connus ?


D’un côté, certaines œuvres sont justement trop connues et masquent le reste. Il y a également tous ces aspects qui ne coïncident pas avec ce que connait le public. Prenez une des premières symphonies de Sibelius ou un des premiers concertos de Grieg. Ce sont des pièces au langage disons compréhensible. Mais plus Sibelius développera son œuvre, plus il s’éloignera de certains cannons, créant des sensations uniques presqu’impossible à comprendre si vous n’avez pas grandies avec. Et les musiciens français ne grandissent pas vraiment au son de la musique nordique, n’est-ce pas ? Par contre, ils grandissent avec beaucoup de musiques russe et allemande. Chaque nationalité a ses affinités pour tel ou tel type de langage musical…

C’est aussi très lié à l’éducation musicale personnelle de chacun…


C’est évident. La mentalité de l’école dans laquelle vous êtes formée à un impact décisif sur la suite. Si votre professeur déclare que Sibelius est un compositeur de deuxième division, vous avez tendance à le croire. Juste parce que c’est votre professeur. Idem s’il vous dit qu’Alban Berg est un compositeur majeur. C’est un point essentiel.

Vous êtes le parfait contre-exemple de tout ceci, avec d’abord une éducation russe contrebalancée par l’ouverture d’esprit de votre père et chamboulée à nouveau lorsque vous arrivez aux Etats-Unis avant même d’avoir 20 ans…


Je suis effectivement une exception parce que j’ai grandi dans la maison d’un chef d’orchestre, une chose assez rare. Mon père est de plus un chef très ouvert, embrassant des répertoires très variés. Il ne m’a jamais transmis qu’un seul son, qu’une seule conception de la musique. Et je peux vous dire que parmi mes collègues, beaucoup n’ont pas cette ouverture d’esprit. En fait, certains ne connaissent même pas grand-chose à la musique. Ils connaissent très bien certaines œuvres précises, très bien même. Mais c’est tout. Et si vous leur demandez quelles œuvres d’Hindemith ils aiment, mis à part Metamorphosis et Mathis der Maler, ils sont incapables de vous répondre ! Cela montre juste que beaucoup n’ont jamais véritablement été intéressés par la musique mais juste par l’idée de devenir chef d’orchestre. Et certains sont même des amis. Ils n’ont pas une grande curiosité. Surtout de la musique qu’ils ne connaissent pas. L’autre facette de ce problème est qu’il y a tant de musique connue, tant de pièces considérées comme des chefs d’œuvre, qu’une seule vie ne suffit évidemment pas pour bien les aborder toutes. Limitez vous à Brahms, Beethoven, Mendelssohn, Mahler, Bruckner, sans parler de Mozart et Haydn, et également de certains œuvres de Stravinsky, Bartók et Berlioz, etc. La liste est déjà énorme. Pourquoi alors aller creuser chez, au hasard, Martinů ? Ou Janáček ? Ou même Arvo Pärt ? C’est si facile de ne pas aller vers ces « autres » compositeurs…

Pourquoi allez-vous vers les deux ?


Mon éducation. Mon père m’a toujours appris à être musicalement curieux. Ça n’a rien à voir avec ma personnalité, non, c’est juste une évidence pour moi. Si vous n’aimez pas quelque chose, comprenez vraiment pourquoi. Je me souviens d’un voyage en voiture avec mon père. Une œuvre qui ne me plaisait pas passait à la radio et j’ai changé de station. Mon père m’a tout de suite arrêté : « Attends ! Je sais que tu n’aimes pas ça mais tu dois savoir exactement ce que tu n’aimes pas là-dedans. » C’est cette mentalité, cette façon de penser, qui est en moi depuis toujours.

Une mentalité que vous voulez transmettre aux musiciens de l’Orchestre de Paris ?


Les musiciens aiment découvrir de nouveaux répertoires. En septembre, lorsque nous avons fait Kullervo de Sibelius pour les concerts d’ouverture de la saison, les musiciens sont venus me dire « merci d’apporter des répertoires neufs et intéressants ».

Certains n’avaient sans doute même jamais entendu cette œuvre…


Effectivement. Car il y a toujours cette idiotie de croire que les musiciens n’aiment pas les œuvres qu’ils ne connaissent pas. C’est souvent l’inverse. Ils sont même souvent fatigués de jouer pour la énième fois certaines œuvres. Le bon équilibre est au milieu. Jouer les symphonies de Beethoven et Brahms et intégrer des répertoires moins évidents…

Quels sont donc les compositeurs du Nord que vous voulez apporter à Paris ?


D’abord, même si c’est évident, quoique peu aisé à apporter ici, ce sont déjà Sibelius et Nielsen. Il faut trouver comment bien les jouer à Paris. Et comment en jouer assez pour que l’orchestre s’habitue à cette langue musicale si particulière. Et surtout, le jouer si bien que le public soit emporté. Ça ne m’intéresse pas que les gens applaudissent poliment à la fin de chaque pièce de ce répertoire. Je veux une vraie réponse émotionnelle. En tant que chef estonien, il y a évidemment certains autres compositeurs que je veux jouer avec l’Orchestre de Paris. Eduard Tubin, Erkki-Sven Tüür et évidemment Arvo Pärt. Il y aussi ce merveilleux compositeur suédois quasi-inconnu Hugo Alfvén et, un de mes préférés, Wilhelm Stenhammar. Mais là je vous cite juste les principaux. Il y en a tant d’autres que j’aimerai jouer ici. Le problème est de trouver le bon équilibre dont je vous parlais. Surtout que je veux aussi diriger des grands classiques, de la musique française et aussi de la musique contemporaine. Je n’ai que quatorze semaines à Paris ! Difficile d’aborder tout cela en si peu de temps… Sans parler du fait que dans ces quatorze semaines, une bonne partie du temps est consacrée à la préparation des tournées internationales, en Chine, au Japon, en Europe… Là-bas, vous devez aussi tenir compte des désidératas des organisateurs qui veulent être certains de remplir leurs salles. Et je ne parle même pas de la disponibilité des solistes, de leur répertoire à eux, etc. Bref, tout ça est un sacré casse-tête au final (sourire).

Ce répertoire français que vous avez évoqué, quel sera-t-il ? Et d’ailleurs de quelle manière l’avez-vous rencontré dans votre éducation musicale ?


Au début, j’ai été bercé par toutes pièces internationalement connues et reconnues, toutes ces œuvres que même les non-Français dirigent un jour ou l’autre dans leur vie. La Mer, L’Après-midi d’un faune, Daphnis et Chloé, les symphonies de Saint-Saëns, Ma mère l’Oye, Le Tombeau de Couperin, toutes ces choses incontournables… Personnellement, cette langue musicale m’a tout de suite parlé. Avec mon père, nous écoutions beaucoup de musique romantique française. Beaucoup de Bizet, de Chausson, de Vincent d’Indy même, des choses ayant malheureusement disparu du répertoire ici en France. Je veux donc diriger du Fauré, du Dukas, du Chabrier aussi. Déjà parce que ce sont des musiques avec lesquelles j’ai grandies et avec lesquelles j’ai une réelle affinité. Mais je ne veux pas me limiter à ça non plus. Je suis un grand fan de Dutilleux et de Messiaen également. Récemment, j’ai dirigé une des Notations de Boulez à Francfort, j’ai aussi dirigé la création américaine du Concerto pour flûte de Marc-André Dalbavie avec Emmanuel Pahud. J’ai besoin de créer une constante avec des compositeurs vivants également. Actuellement, Richard Dubugnon est en train d’écrire une œuvre pour moi… Au final, je ne suis pas un cas facile à traiter pour des gens du marketing (sourire). En Allemagne par exempke, on me décrit comme un spécialiste de Beethoven et Bruckner alors qu’ici, à Paris, on pense que je suis LE spécialiste de Sibelius (sourire). C’est bien mais c’est faux. Ou plutôt ça n’est pas que moi… Il y a certaines choses que je fais plus que d’autres. Plus de Nielsen que de Dutilleux, par exemple.

Comment faites-vous le tri ?


Toujours faire attention à ce qui vous va le mieux. Aucun intérêt à accumuler les faits d’arme. L’œuvre choisie doit vous intéresser assez pour que le concert soit bon, qu’il se passe vraiment quelque chose.

Traverser ces répertoires, ces siècles, toutes ces différentes langues musicales, c’est votre oxygène ?


Je ne peux pas faire autrement. C’est ce qui me permet d’être vivant. Comme un chalenge permanant. Je pourrais aisément me limiter aux deux-cents symphonies que j’ai à mon répertoire et ne plus rien apprendre de nouveau. J’ai assez de matière jusqu’à la fin de mes jours. Soyons réaliste : je dirige une quinzaine de symphonies par an, pourquoi aller chercher plus loin ? Mais pour savoir ce qui vous convient le mieux, vous devez diriger le plus d’œuvres possibles. Il y a par exemple certaines pièces que je ne dirige plus, tout simplement parce que ça n’est pas moi ! Je ne veux diriger que les œuvres que je dois diriger…

Dois ?


Oui, dois. Quelque chose de très personnel où le public n’entre pas en compte. Certaines œuvres, vous sentez naturellement que vous devez les diriger, qu’elles sont pour vous. Comment cela s’explique, je ne sais pas vraiment…

C’est indissociable de l’évolution de votre vie personnelle aussi ?


C’est étroitement lié, oui. À chaque fois que je monte sur scène, à chaque fois, je dois avoir quelque chose à dire ! Faire une performance n’est pas une finalité en soi. Vous devez avoir digéré la musique pour avoir quelque chose d’intéressant à raconter. Et cela arrive assez rarement la première fois. Il faut laisser le temps agir, permettre à votre expérience de changer éventuellement d’avis et de repenser l’œuvre différemment. Et c’est comme vous le dites lié à la vie. Vos priorités changent au fil des ans. Des répertoires vous intéressent soudainement plus qu’un autre…

Dans ces changements de priorités liés à votre vie, la lassitude peut-elle surgir ? L’envie d’appuyer sur le bouton « pause » ?


Ah oui je rêve d’avoir ce bouton « pause » (sourire). En même temps, tout est question de choix. Aujourd’hui, à mon âge (Järvi est né en 1962, NDR), je sens que j’ai assez d’énergie et d’envies dans ce que j’entreprends. Il est fort possible que je n’aie plus envie d’un tel rythme indéfiniment, surtout lorsque j’aurai 60 ans. Là, je me sens au sommet de mon énergie. Je ne suis surtout pas fatigué par la musique. Parfois, par tout ce qu’il y a autour…

Comme les interviews…


Parfois (sourire). Non mais le vrai test est l’instant où vous montez sur scène. Le jour où je me dirai « mon dieu, c’est l’heure d’y aller, pfff », là il sera temps d’arrêter. Il n’y a rien de pire que la routine. Surtout en concert.

Vous avez j’imagine des envies d’accomplissements précis ?


Beaucoup oui. De nombreuses pièces pour lesquelles je ne me sentais pas prêt jusqu’ici. Je boucle un cycle Beethoven puis il y a celui de Bruckner et évidemment cette nouvelle histoire avec Paris. Je ne me serai jamais lancé dans un cycle Bruckner il y a dix ans par exemple. Je n’étais pas prêt. Votre fort intérieur vous dit quand le moment est bon ou pas. Votre intérêt doit être optimal. C’est comme le petit enfant qui est assis et qui va regarder un détail pendant des heures alors que quelque chose de plus important se déroule au même endroit. Non, lui est là, assis, à scruter cet insecte posé sur son doigt par exemple, pendant cinq minutes. Sans doute que c’était pour lui le bon moment pour ne regarder que cet insecte. Je me dis la même chose en choisissant mon répertoire : c’est le bon moment pour ne m’intéresser qu’à cet insecte (sourire). C’est aussi lié au fait d’être assez autocritique.

Vous l’êtes ?


Enormément. Je suis très rarement satisfait par mon travail…

Vous avez fait des erreurs ?


Oh oui. Et c’est pour ça que j’autorise toujours l’enregistrement de mes concerts, pour pouvoir les réécouter. J’ai besoin de savoir pourquoi ça n’a pas fonctionné. Toute cette musique est complexe. Prenez une symphonie de Brahms : je n’ai jamais entendu une symphonie de Brahms bien interprétée. Jamais. En tout cas pas par moi, c’est sûr. Et pourtant j’ai fait beaucoup de Brahms. Donc disons que je m’améliore. Il y a toujours cette sensation que ça reste un peu académique, qu’il n’y a pas assez de vie, d’expressivité ou contrastes… Evidemment tout ça est très personnel mais ce sont les sujets majeurs auxquels on se retrouve confrontés. Vous savez, quand le public est debout pendant dix minutes à la fin du concert, vous vous dites que finalement ça n’était pas si mauvais que ça. Et pourtant si, ça l’était (sourire). Vous réécoutez ce concert un mois plus tard sur votre iPod et vous vous dites « c’est moi ça ? Vraiment pas terrible… »

Est-ce différent lorsque vous abordez les répertoires contemporains ?


Oui complètement. Votre cerveau fonctionne et évalue les données différemment… C’est pour ça qu’il y a souvent deux types de chefs : les spécialistes des créations et de la musique du XXe et les spécialistes du grand répertoire. Et les premiers sont incapables d’assurer dans le répertoire des seconds, et vice-versa ! S’ils dirigent du Mozart, du Haydn ou du Beethoven, c’est une ca-tas-tro-phe ! Cela-dit, quelqu’un qui sait diriger Beethoven a de grande chance d’assurer en dirigeant Kaija Saariaho. Mais quelqu’un qui ne dirigerait que du Saariaho aurait quelques difficultés à diriger une symphonie de Haydn. C’est paradoxal, n’est-ce pas ? Moi, je ne veux pas trancher. Je veux être des deux mondes. Ça m’est vital. Chaque répertoire possède ses petits trucs à lui. On s’habitue vite. On en abuse. J’utilise ce terme « truc » volontairement. La soi-disant tradition accumule si facilement de mauvaises habitudes. Certains appellent ça le style. Parfois certes. Mais ce sont souvent des « trucs » plus que du style. C’est comme une boite à outils… Si vous diriger Haydn, puis Mahler, Richard Strauss et Alban Berg et revenait ensuite à Rachmaninov et Sibelius, l’évolution du vocabulaire est logique. Vous pouvez alors revenir en arrière sans trop de difficultés…

Et ces compositeurs contemporains à portée de main comme tout à l’heure avec Pärt…


C’est si important. Et surtout si différent. Le compositeur est là, entend la musique, sa musique. Pour la première fois en plus. Ce qui n’a plus rien à voir avec sa première écoute, seul dans sa tête face à sa partition. Vous avez vu Arvo venir me voir à plusieurs reprises durant la répétition. La veille, au téléphone, il me donne des indications sur tel mouvement. Et là, aujourd’hui, il s’est précipité vers moi « c’est beaucoup trop rapide là ! ». Je lui ai répondu, « mais Arvo c’est exactement ce que tu m’as indiqué au téléphone hier ! » (rire). Intéressant de voir la réalité dans la salle, si différente de celle dans sa tête. Lorsque les choses deviennent pratiques, il faut concrètement écouter le résultat live. Finalement, le processus créatif ne s’arrête pas à la partition. Jusqu’à la dernière seconde de la répétition, les choses changent encore. Donc pour revenir à votre question, avoir le compositeur sous la main est on ne peut plus instructif. Et pas exclusivement pour ce que je viens de décrire. Surtout pour notre perception des musiques plus anciennes. Lorsque nous parlons des grands compositeurs classiques, nous évoquons des personnalités érigés en dieux. Mozart ! Haydn ! Bach ! Et chacune de leur note est prise comme un écrit religieux, la Bible même ! Si nous devons parler de tempo, lorsqu’il s’agit d’évoquer des termes ayant une connotation précise. Comme andante, presto ou n’importe quel autre. Et que vous mettez cela en parallèle avec l’anecdote que je viens d’évoquer avec Arvo, ça relativise pas mal de choses… Imaginez la même conversation entre Beethoven et un chef d’orchestre de son époque, même si Beethoven dirigeait sa propre musique. Rien n’est absolu en musique. Rien n’est gravé dans la pierre. Car la perception du temps et du son, l’environnement du son également, dépendant de tant de facteurs différents, physiquement et émotionnellement. Même la perception du temps de nos jours n’est plus la même. Le concept de vitesse n’a plus rien à voir avec celui de l’époque où il n’y avait pas internet par exemple.

Justement, vous avez traversé ces différentes périodes où temps et vitesse sont en mutation permanente… Vous êtes en quête de silence ? De spiritualité même ?


Toutes ces choses existent. Question de choix, c’est tout… Ce qui me manque de plus en plus, c’est effectivement le silence. Si j’avais une journée totalement libre, les gens me demanderaient « Tu veux aller où ? Tu veux faire quoi ? », et je répondrais « mais juste chez moi ! Pour surtout ne strictement rien faire ! » En fait ça n’est pas le temps libre qui me manque, mais plutôt le temps pour réfléchir. C’est totalement différent. Ce que je préfère par-dessus tout lorsque je suis dans un avion c’est d’être assis sans personne à côté de moi, sans même écouter de musique. Ni regarder de films. Avoir juste les yeux clos. Et réfléchir. Car croyez moi, lorsque vous retrouvez durant sept heures totalement seul, sans aucune activité, là vous commencez à cogiter réellement. Et avant même que vous ne vous en rendiez compte, vous pratiquez une forme de méditation. C’est ce qui me manque le plus dans ma vie aujourd’hui.

Quel type de mélomane êtes-vous ?


J’écoute des disques sans cesse ! J’adore surtout aller au concert dès que j’en ai l’occasion. Dans ma voiture, je mets tout le temps de la musique. En général, jamais rien de symphonique. Plutôt des quatuors de Chostakovitch et Bartók. Ou alors du jazz. J’écoute aussi beaucoup de musique contemporaine. Les gens n’arrêtent pas de m’en envoyer.

http://www.qobuz.com/info/MAGAZINE-ACTUALITES/RENCONTRES/Rencontre-avec-Paavo-Jarvi50295

Tuesday, November 16, 2010

BIZET: Symphony in C Major; Jeux d’enfants, Op. 22; Roma--Suite for Orchestra, No. 3 -Orchestre de Paris/Paavo Jarvi - Virgin Classics

Gary Lemco
November 15, 2010
Audiophile Audition

http://www.audaud.com/article.php?ArticleID=8189

BIZET: Symphony in C Major; Jeux d’enfants, Op. 22; Roma--Suite for Orchestra, No. 3 -Orchestre de Paris/Paavo Jarvi - Virgin Classics 62861304, 75:54 ****:


With the partnership of Radio Classique, these live inscriptions of Bizet staples by Paavo Jarvi took place at the Salle Pleyel, Paris, 18-19 November 2009 (Symphony and Petite Suite d’Orchestre) and 20-21 November 2009 (Roma). The three works herein performed constitute Bizet’s repute as a composer of orchestral works, all else consigned to his opera oeuvre, barring the incidental music--the first suite--for L’Arlesienne.

The C Major Symphony we recall is the product of a teenager (1855) under the spell of Charles Gounod and the legacy of Franz Joseph Haydn. The lighthearted and facile nature of the writing remains predominantly Classical; and ever since Beecham’s historic inscription, a model for conductors of quicksilver ensembles. Both the first and second movements allow the principal oboe to strut its melodic capabilities in a form agreeable to the Massenet legacy of French instrumental ariosi. The sailing quality of the line in the Adagio could be likened to the melody in Gounod’s Judex--Mors et Vita, which had a fine inscription from Nicolai Malko two generations ago. Jarvi keeps the swaggering fugato on light feet, a delicious moment of youthful counterpoint. A delicious Scherzo follows, the string trills clean and lucid, the tympani part alternating between D and A in the outer parts, while the rustic trio gravitates to C and G. The Allegro vivace finale proceeds as a tour de force for the orchestra, plastic and lithe, the spirits jubilant and a mite impish in the manner of a Gallic Mendelssohn. A pity we have no recording by Felix Weingartner, who introduced the work in 1935. Paavo Jarvi nonetheless effects a suavely wrought Symphony, devilishly infectious at each turn.

The Petite Suite d’Orchestre, Jeux d’enfants (1871), derives from a set of twelve piano pieces conceived along the lines of Schumann’s Kinderszenen. Bizet selected five pieces for orchestration, and they emanate a spirit of youth and alert detail in their colors. The opening Marche (Trompette et Tambour) has the same mock militancy that Tchaikovsky ushers in with the Nutcracker. We can hear allusions to Carmen and to another opera, Ivan IV. The Berceuse rocks and lulls us in charming dialogues among violins, clarinet, flute, and oboe, the dark colorations well indicative of later music by Faure. The Impromptu whirls in an aerial space similar to Tchaikovsky’s Dance of the Reed Pipes.

Duo floats operatically, the melody worthy of Massenet. Finally, a joyful Galop (Le Bal) invites us to a round dance, an invocation I first heard years ago on “Children’s Theater” hosted by the late Ray Forrest, a man well ahead of his time for educational media. Next to my old classic performance by Igor Markevitch (on American Decca), this performance by Jarvi sets a new standard.

The so-called Roma “Symphony” in C Major (1860-1871) qualifies neither as a symphony nor a symphonic suite as such, but a kind of musical picture of four cities in Italy Bizet visited while residing at the Villa Medici for his Prix de Rome. The first movement remains the most ambitious, the evocation of Rome moving from an Andante tranquillo to Allegro agitato and a loose sonata-form structure. The grave sections of the score--a chorale motif or a somber pastoral--remind us of Mendelssohn, especially in the wind and French horn parts. The Scherzo (Allegro vivace) calls forth Florence, opening with a sunny fugue in bouncing, songful figures. The Andante molto invokes Venice, whose lulling waters hint at dark-hued gondolas and romantic trysts. The delicacy of the scoring might have provided Prokofiev a few clues for his Romeo and Juliet ballet. The final movement applies Neapolitan harmonies and a sense of the saltarello for Naples, and this movement caught the fond attentions of Sir Thomas Beecham. The lure of the Roman Carnival captivates us here as it does when Berlioz or Mendelssohn try their respective hands to the task. Light, frothy, and charming, the suite finds only lovely sympathies in Jarvi’s measured inscription.








Saturday, November 13, 2010

Paavo Järvi et Elisabeth Leonskaja à l’Orchestre de Paris - Désir collectif

Alain Cochard
4 Nov 2010
ConcertClassic.com


La musique de Sibelius serait-elle en train de sceller l’union de Paavo Järvi et de l’Orchestre de Paris ? Après Kullervo – choix aussi osé que passionnant en ouverture de saison – et tandis que Tapiola va bientôt être donné, le nouveau patron de l’Orchestre de Paris vient de diriger une Symphonie n° 2 qui démontre que le règne du chef estonien s’ouvre sous les meilleurs augures. Plus, que l’ «effet Järvi » joue déjà pleinement !

Quel cocktail multivitaminé le maestro a-t-il donc donné à ses musiciens ? On n’avait pas depuis longtemps entendu des cordes d’une présence aussi intense, des violons aussi lumineux, un orchestre aussi impliqué, fourmillant de détails. Mais si chef sonde chaque recoin d’une partition qu’il connaît comme sa poche, il ne perd pas un instant de vue la globalité d’un ouvrage dont la grande arche de tend avec évidence. Aucun show, aucune emphase toutefois. L’approche de Järvi passionne d’autant plus que, sans en rien assécher le propos, elle gomme une part du postromantisme dont la partition est porteuse ; partant l’Op. 43 devient une musique pleine de prédictions où se lit le futur de parcours symphonique sibelien. L’ovation du public est à la mesure du formidable désir collectif avec lequel Järvi et ses troupes ont servi Sibelius.

La soirée avait il est vrai bien commencé avec Eiffel, une courte pièce d’Arvo Pärt en hommage à l’architecte de « Notre-Dame de la rive gauche », donnée en création. « Il s’agit, écrit le compositeur estonien, d’une pièce courte et légère, comme une danse, qui fait un peu tourner la tête comme les vents, peut-être, qui passent à travers ce colosse pointu.» Järvi restitue avec une élégance racée la poésie délicate et charmeuse d’une pièce qui débute avec un faux air de Valse triste.

Quinze ans… Cela faisait un sacré bout de temps que l’Orchestre de Paris n’avait invité Elisabeth Leonskaja ! Le Concerto de Grieg permet de retrouver une merveilleuse pianiste riche de la plus belle tradition certes, mais aussi, d’abord, une formidable conteuse qui sait surprendre, se risquer avec palette sonore magnifique, un jeu capable de fulgurants emportements comme d’une poésie diaphane. Si certains pisse-vinaigre faisant la moue à quelques accrocs absolument mineurs savaient leur ridicule…


Paris, salle Pleyel, 4 novembre 2010

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http://www.concertclassic.com/journal/articles/actualite_20101104_3422.asp

Friday, November 12, 2010

La marque de Järvi

Simon Corley
ConcertoNet.com

Paris
Salle Pleyel
11/10/2010 -
Jean Sibelius: Tapiola, opus 112
Dimitri Chostakovitch: Concerto pour violoncelle n° 1, opus 107
Serge Prokofiev: Symphonie n° 6, opus 111

Steven Isserlis (violoncelle)
Orchestre de Paris, Paavo Järvi (direction)


Si Paavo Järvi n’a apparemment pas encore tout à fait trouvé ses marques dans la musique française – que ce soit avec Dukas en concert (voir ici et ici) ou bien avec Bizet au disque (voir ici) – il est en revanche dans son élément dès qu’il s’agit de musique russe ou scandinave. De fait, ce programme à la fois somptueux et sans concessions a attiré un très nombreux public salle Pleyel, où il n’était certes donné qu’à une seule reprise, et a tenu toutes ses promesses.


Aussi surprenant que cela puisse sembler, c’est la deuxième fois seulement que Tapiola (1926) apparaît à l’affiche de l’Orchestre de Paris depuis sa fondation en 1967: un peu plus de dix ans après Leif Segerstam, le nouveau directeur musical, en choisissant ce poème symphonique, peut-être la pièce maîtresse de son auteur, témoigne ainsi de son ambition de faire partager son expérience de cette musique, affichée clairement dès le concert d’ouverture en septembre dernier. Voilà qui contribuera salutairement à remettre les pendules à l’heure dans la capitale, où Sibelius n’a sans doute pas encore acquis la place qu’il mérite. La cohérence de l’ultime page orchestrale du compositeur finlandais, figurant une forêt nordique qui n’a pas grand-chose à envier à ses contemporains les plus audacieux (Janácek, Schönberg, Varèse), n’est pas aisée à trouver, ce qui explique sans doute la fascination qu’elle exerce en même temps que la difficulté d’exécution qu’elle présente. Il n’est pas certain que Järvi parvienne à restituer pleinement cette cohérence, mais chaque section n’en est pas moins réalisée avec un grand soin, spectaculaire alternance de climats déchaînés et de textures évanescentes.


Truls Mørk se remettant lentement mais – si l’on en croit l’annonce reproduite dans les notes de programme – sûrement de la maladie de Lyme qu’il a contractée en avril 2009, doit reporter à la saison prochaine son retour à l’Orchestre de Paris. C’est Steven Isserlis qui le remplace dans le Premier Concerto (1959) de Chostakovitch: dédié à Rostropovitch, celui-ci l’a dirigé en novembre 2006, quelques mois avant sa disparition, à l’Orchestre de Paris, avec Tatiana Vassilieva en soliste (voir ici). S’aidant de la partition – et avec le chef, en tant que de besoin, en tourneur de pages –, le violoncelliste britannique donne l’impression de se jeter tout entier dans la bataille, sans retenue, comme un Mischa Maisky, qu’il évoque en outre par son abondante chevelure. Mais il n’en adopte cependant pas les excès et débordements, à l’image du Moderato central, dont il ne surjoue pas le caractère mélancolique. Pour autant, son interprétation extrémiste, vraisemblablement très éloignée de celle qu’aurait offerte Truls Mørk, assume ses violents contrastes de nuances dynamiques et de couleurs, voire d’intonation. Isserlis fait d’ailleurs partie de ces quelques artistes dont les mimiques et attitudes peuvent agacer et rendent donc préférable de fermer les yeux et de profiter ainsi exclusivement du résultat sonore: sa puissance et son tempérament, comme s’il remontait avec bonheur à ses ascendances russes (un grand-père pianiste et compositeur), autorisent une telle approche, servie en outre par une virtuosité illustrée tant par l’immense cadence que par l’Allegro con moto final, mené à un train d’enfer. Et il trouve dans l’orchestre un partenaire en harmonie avec sa prestation: non seulement la qualité instrumentale est au rendez-vous, à commencer par Benoît de Barsony dans l’importante partie de cor, mais la direction ne manque ni d’engagement ni de mordant.


Après avoir veillé à saluer personnellement le premier pupitre des violoncelles, Isserlis rend hommage, après Rostropovitch, à l’autre légende du violoncelle du XXe siècle, Pablo Casals, avec sa célèbre adaptation de la mélodie folklorique catalane Le Chant des oiseaux (1941), pas si éloignée que cela, au demeurant, de la cantilène du mouvement lent du concerto. Après l’entracte, il retrouve dans les rangs du public Jean-Efflam Bavouzet et Ivry Gitlis, pour assister à un événement: la Sixième Symphonie (1947) de Prokofiev n’avait pas été programmée à l’Orchestre de Paris depuis les débuts de Myung-Whun Chung avec cette formation... voici exactement vingt-huit ans, où elle avait alors fait son entrée au répertoire de l’orchestre.


Entre les Cinquième et Septième, plus conformes aux canons officiels et toutes deux couronnées du prix Staline, la Sixième précède de peu la condamnation par le tristement célèbre Jdanov des orientations esthétiques adoptées par la plupart des grands compositeurs soviétiques. Il est vrai que ces trois amples mouvements, dédiés à Beethoven jusqu’à choisir sciemment un numéro d’opus (111) correspondant à celui de sa Trente-deuxième Sonate pour piano, avaient tout du vilain petit canard pour les censeurs staliniens, comme la Neuvième de Chostakovitch, pirouette au régime qui attendait un hymne convenu à la victoire dans la «grande guerre patriotique». Prokofiev ne paraît d’ailleurs jamais aussi proche de son cadet que dans cette symphonie, à la convergence de ses difficultés personnelles et des drames de l’histoire russe. Car si l’on reconnaît sa palette orchestrale si typique, celle de Roméo et Juliette, de Cendrillon, de Guerre et Paix ou même de la Cinquième, le mélange de joie triviale et d’ironie féroce du Vivace final rappellent le style de Chostakovitch, par exemple le mouvement homologue de sa Sixième. Et il y a comme chez lui une dimension mahlérienne assez inhabituelle chez Prokofiev, que la baguette objective de Järvi met remarquablement en valeur, sans pour autant ôter la charge expressive et élégiaque du propos. Accueil triomphal pour un chef qui rend non seulement justice à toutes les facettes de cette œuvre sans pareille mais imprime déjà fortement sa marque sur la phalange parisienne, telles ces trompettes vibrant de façon plus russe que nature.

http://www.concertonet.com/scripts/review.php?ID_review=6951

Thursday, November 11, 2010

A sound croissant-crisp and blended like fine wine

Lawrence B. Johnson
11/06/10
Classical Voice America

Review: Orchestre de Paris, Paavo Jarvi conducting;
Elisabeth Leonskaya, piano, at the Salle Pleyel, Paris

Each time I’ve heard the Orchestre de Paris on its home turf in recent years, I’ve wondered why this fine ensemble typically does not come up in conversations about the world’s great orchestras.

In any case, whether because it doesn’t visit the United States very often or its recordings are unfamiliar to us, American critics seem to undervalue the Orchestre de Paris. I find it hard to believe any connoisseur could have come away from the concert I heard Nov. 4 at the Salle Pleyel unconvinced that this orchestra ranks in the top class.

For that matter, I might say the same about the Estonian-born conductor Paavo Jarvi, who at age 48 has just begun his new directorship of the Orchestre de Paris. Jarvi steps down as music director of the Cincinnati Symphony Orchestra at the end of this season.

In an electrifying performance of Sibelius Symphony No. 2 in D major, the rapport between conductor and orchestra was so thorough-going that one might have surmised they had been a musical family for several years rather than a few weeks.

While Jarvi’s conducting style tends toward open, exuberant gestures, he works with a clear purpose that these musicians obviously understand down to the last nuance. This was a fairly brisk Sibelius Second, but animated rather than frenetic and – notably in the brasses -- brilliant rather than merely clamorous.

In Sibelius’ plethora of grandly sweeping tunes, Jarvi allowed the Paris strings to glisten and to sing; and shine they did, from opulent cellos and violas up through gossamer textures spun by a superb choir of violins. The Orchestre de Paris also boasts a prize group of wind players who made impeccably poised chamber music in passages that sometimes get lost in the storm and stress of the mighty Second Symphony.

Just as Jarvi’s penchant for sudden accelerations injected the performance with hair-raising bursts of energy, his masterfully contoured peroration in the finale – a sound that grew ever more majestic and seemed to tap every possible resonance of the Pleyel’s splendid acoustic – was pure, unrelenting excitement.

The balance of the program offered Elisabeth Leonskaya’s lyrical, romantically old-school Russian account of the Grieg Piano Concerto and the premiere of Arvo Pärt’s “Silhouette: Homage to Gustave Eiffel” for strings and percussion, a short piece of winsome lyricism commissioned to welcome Jarvi to Paris. Pärt was on hand to acknowledge the applause.

It seems likely Jarvi – whose predecessors at the Orchestre de Paris include Herbert von Karajan, Georg Solti and Daniel Barenboim -- will be present at the Pleyel for many an ovation to come.

As for the orchestra coming to a U.S. concert hall near you, that doesn’t appear to be in the offing near term. While Jarvi is quoted in an Orchestre de Paris publication espousing the value of tours and citing extensive plans to take the orchestra to cities around Europe in the coming year, the U.S. is not on that agenda.

But the new maestro already has begun recording with the orchestra. Their CD of works by Bizet – the youthful Symphony in C, the Jeux d’Enfants” and a second symphony called “Roma” – is available at Amazon.com.

Jarvi’s extensive discography includes some excellent Telarc CDs with Cincinnati, where he has been music director since 2001. Notable are Stravinsky’s “Sacre du Printemps” and Nielsen’s Fifth Symphony on one disc and Berlioz’s “Symphonie fantastique.”

You can also listen to the Orchestre de Paris’s vault of concerts dating back to 1982, without charge, here.


http://classicalvoiceamerica.com/blog/member.cfm?blogid=325&bloggerid=33

Monday, November 08, 2010

Paavo Järvi toob Pariisis ettekandele Pärdi uusteose

Priit Kuusk
uudised.err.ee
2.11.10

Dirigent Paavo Järvi toob ülehomme Pariisis Salle Pleyelis maailmaesiettekandele Arvo Pärdi uue teose "Silhouette".
Arvo Pärdi verivärske oopuse mängib Paavo Järvi uus orkester Orchestre de Paris neljapäeva õhtul oma residentsis Salle Pleyel’is. Proovid algasid täna ning Pariisis viibib kohal ka helilooja Arvo Pärt ise.

"Silhouette, hommage à Gustave Eiffel" on pala keelpilliorkestrile ja löökpillidele, mille loomisele on heliloojat inspireerinud Pariisi üks imposantsemaid mälestusmärke ja sümboleid, Eiffeli torn.

Uusteos on Paavo Järvi tellimus ning pühendatud temale ja Orchestre de Paris’le nende pideva koostöö alguse puhul. Selle sünd sai teoks pärast Arvo Pärdi üht telefonikõnet, kus helilooja tänas Järvit ta teose "Summa" hea ettekande eest koos ERSO-ga tehtud plaadil. Dirigent ja helilooja kohtusid uue teose juures aga veel tänavu suvel.

Paavo Järvi ülehomne kava Orchestre de Paris’ga on tervenisti Põhjamaade heliloojate muusikast ja kannab pealkirja "Soirée nordique". Arvo Pärdi uusteose järel avapalana kõlavad Edvard Griegi Klaverikontsert, kus solistiks on Elisabeth Leonskaja Viinist, ning Jean Sibeliuse üks populaarsemaid, Sümfoonia nr 2.

Kontserdist teeb otseülekande Arte Live Web. Klassikaraadios tutvustas täna esiettekannet toimetaja Mirje Mändla ning Orchestre de Paris’ ja Klassikaraadio kodulehelt saab aadressi otseülekande kohta internetis. Alles 31. oktoobril tehti Paavo Järvi juhatatud kontserdist Frankfurti Raadio Sümfooniaorkestriga otseülekanne (Arte Live Web), kus solistiks oli pianist Aleksandr Melnikov.

"Silhouette" on Orchestre de Paris’ repertuaaris alles kolmas Arvo Pärdi teos "Fratrese" ja "Cantuse" järel.

"Silhouette’i" esiettekanne märgib Arvo Pärdi hiljutist juubelit ning seda meenutatakse praegu Pariisis taas ka ajakirjanduses. Alates ülehomsest ongi Pärdi 75. sünnipäeva tähistamine kandunud Pariisi, Normandiasse ja mujalegi Prantsusmaale mitmete kontsertidega, kuhu igale poole helilooja ise kohale ei jõuagi.

Eile tuli Iirimaa kaudu müügile sealse nüüdismuusikaühingu Louth Contemporary Music Society välja lastud uus plaat "Path", kus mitme helilooja kõrval (peamiselt Ida-Euroopast) on ka Arvo Pärdi kaks pala – esmakordselt kitarrikvarteti versioonis ning helilooja kohalolekul salvestatud teos "Summa" ning 2005. aastast pärit teos "Von Angesicht zu Angesicht". Mõlemast teosest on need esmaplaadistused. Ettekandjaiks on Dublin Guitar Quartet ning sopran Patricia Rozario ja bariton Eamonn Dougan.

"Silhouette", d'Arvo Pärt, séduit par son lyrisme raffiné

Marie-Aude Roux
Le Monde
06.11.10

L
e compositeur estonien Arvo Pärt, né à Paide, le 11 septembre 1935, est à l'honneur en cet automne, qui voit fêter ses 75 ans. La longue et mince silhouette à la barbe de pope s'est fait connaître chez nous au début des années 1980, date à laquelle Pärt quitte l'Estonie pour s'installer à Vienne puis à Berlin. Les musiques de film de celui qui est le compositeur vivant le plus enregistré aujourd'hui sont dans bien des oreilles : Les Amants du Pont-Neuf, La Chambre des officiers, There Will Be Blood...

Créateur protéiforme, Arvo Pärt a tout essayé - les techniques sérielles, l'aléatoire, le collage citationnel, les polyphonies de la Renaissance - avant de trouver sa voie propre, celle d'un langage minimaliste et épuré, qui passe par la tentation spirituelle (en témoignent ses nombreuses oeuvres religieuses) et une recherche particulière des timbres. Un style qu'il a appelé "Tintinnabuli", inspiré du nom de la clochette que l'on accrochait au Moyen Age aux orgues portatives.

C'est pour l'Orchestre de Paris et plus encore pour son compatriote, le chef d'orchestre Paavo Järvi, qui en est le directeur musical depuis le début de la saison, que Pärt a écrit Silhouette. Cet hommage à Gustave Eiffel pour orchestre à cordes et percussions a été créé jeudi 4 novembre, Salle Pleyel, à Paris. En 1968, Credo, oeuvre orchestrale composée par Arvo Pärt, avait été interdite par le régime soviétique, mais néanmoins jouée par le père de Paavo Järvi, Neeme Järvi. Ce qui avait valu à toute la famille Järvi de devoir s'expatrier aux Etats-Unis. Silhouette est une oeuvre séduisante, au lyrisme raffiné, qui mêle sourds râles de gongs et courts éclats de glockenspiel avant de déployer une manière de valse lente aux cordes, parfois comme évidée par le passage de l'archet au pizzicato.

Cela faisait quinze ans que la pianiste russe Elisabeth Leonskaja n'avait pas joué avec l'Orchestre de Paris. Lors de la soirée, le Concerto pour piano en la mineur de Grieg aura consacré le retour de "la dernière grande dame de l'école soviétique", un piano carré et sans fioritures, puissant et vigoureux, mais capable d'impalpables finesses (comme le prouvera le clair-obscur d'un "Adagio" de la Sonate en fa majeur de Mozart joué en bis).

Ce concert "100 % nordique" s'est terminé par une éblouissante Symphonie n° 2 en ré majeur de Sibelius, dirigée par un Paavo Järvi très à l'aise et visiblement en terrain d'affinités électives.


Création française de la "Symphonie nº 4", Orchestre de Paris, le 10 novembre à 20 heures, au Théâtre du Châtelet. Tél. : 01-40-28-28-40. De 10 € à 20 €.

Intégrale Musiques du Nord : Sibelieus, Grieg, 13 novembre à 20 h 30 (Orchestre de Paris sous la direction de Paavo Järvi) et Arvo Pärt (Lumières de la Baltique), 14 novembre à 17 heures (Ensemble de Basse-Normandie) au Théâtre de Caen. Tél. : 02-31-30-48-00. De 6 à 45 €. Création française de "In Spe", par les Solistes de Moscou, le 21 novembre à 17 h 30, à l'Espace Philippe-Auguste de Vernon (tél. : 02-32-64-53-16). De 8 € à 19 €. Concert du 4 novembre sur Liveweb.arte.tv.

Disque : "Symphonie no 4" d'Arvo Pärt, par l'Orchestre philharmonique de Los Angeles, Esa-Pekka Salonen (direction), 1 CD ECM.


http://www.lemonde.fr/culture/article/2010/11/06/silhouette-d-arvo-part-seduit-par-son-lyrisme-raffine_1436412_3246.html

Tuesday, November 02, 2010

Purchase the Beethoven Project !



Click here to order: Deutsche-Welle website

The 40 musicians of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen make up what is perhaps Germany's most unusual orchestra. Together with artistic director Paavo Jarvi, this extraordinary ensemble has taken on the challenge of playing all nine Beethoven symphonies in four days at the Beethovenfest Bonn. They are not only world-class musicians but also shareholders in the company that runs the orchestra, so they bear the financial risk of all their projects. And they see their work as extending well beyond the final applause: they take their social responsibilities seriously, for instance by passing on their passion for music to students at a local school.

The film focuses on star conductor Paavo Järvi and several members of the orchestra. They convey their enthusiasm for music, and they deliver insights into the internal life of the orchestra. The film crew accompanied them closely in Bremen, Tallinn and Bonn, in rehearsals, concerts and behind the scenes. How was this former youth orchestra able to reach the very top of the classical music world? How do conductor and instrumentalists see Beethoven´s masterpieces? How did the orchestra develop its unique sound? What is the message of Beethoven´s music in the 21st century? How is the orchestra able to perform all nine symphonies at a consistently high level over four days? The music documentary The Beethoven Project answers these questions - and many others - in 90 minutes. A conductor, an orchestra, Beethoven and his music.

The DVD-Box consists of all 9 Beethoven symphonies, recorded with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, conducted by Paavo Järvi at the Beethovenfestival in Bonn 2009.

Das Beethoven-Projekt has won 3 international prizes by now:

Creation at the Eyes and Ears Awards 2010, München
Best Soundtrack at the Rhode Island International Film Festival 2010, USA
Audience Award for Best Documentary Feature at the Cincinnati International Film Festival 2010, USA