Wednesday, July 29, 2020

Mere estisk end nogensinde | Festivalanmeldelse

Klassisk
Andrew Mellor
22.07.2020

Pärnu Music Festivals tiårs jubilæum blev realiseret mod alle odds.

Siden 2010 har dirigenten Paavo Järvi og hans familie samlet orkestermusikere til en sommerfestival i Pärnu, en badeby ved Østersøen, der er elsket af bedrestillede estere, finnere, lettere og russere. I år hang COVID-19 som en sort sky over festivalen, og det lignede en aflysning af tiårs jubilæet.

Det ville Paavo Järvi dog ikke finde sig i. Han ventede indtil sidste øjeblik, før han præsenterede et reduceret program, der på trods af færre koncerter alligevel er en af de største klassiske musikfestivaler i Nordeuropa denne usædvanlige sommer. Der var seks orkesterkoncerter på programmet (med fire forskellige orkestre) og adskillige kammerkoncerter samt masterclasses og workshops.

Stik mod alle odds lykkedes det Järvi at samle sit paneuropæiske, estiske festivalorkester.

»Det er utroligt, at I alle er her«, sagde Järvi, da han mødte musikerne på scenen i Parnü Concert Hall til den første prøve. De kastede sig straks over en gennemspilning af Mendelssohns 1. Symfoni – hurtigt, hidsigt og begejstret.

»Der er nogle rolige passager i symfonien«, sagde Järvi efter de sidste toner var ebbet ud, »men bare rolig, vi finder dem senere«. Han vidste, at musikere var desperate efter at spille.

Estonian Festival Orchestra er med tiden blevet et af de mest interessante europæiske orkestre, og de lød meget virtuose og refleksive i Pärnu. Orkestrets medlemmer tæller musikere fra nogle af de førende orkestre i Europa, men en positiv effekt af COVID-19 var, at der var langt flere estiske musikere repræsenteret end nogensinde før. Og det har været målet på langt sigt: at bringe lokale musikere op på et højere niveau. Så på underlig – men logisk – vis betød rejsebegrænsningerne, at den reorganiserede festival i år var mere estisk end nogensinde før, med musik af Erkki-Sven Tüür, Tõnu Kõrvits og Lepo Sumera. Vi hørte estiske solister, og til én koncert optrådte ikke mindre end syv estiske dirigenter.

Dirigent Ingrit Malleus og Järvi Academy Youth Symphony Orchestra
Foto: Kaupo Kikkas

Dirigenterne (der var faktisk ni, men den ene var fra Sydafrika og en anden tysk) var en del af Järvi-familiens dirigentmasterclass. Dirigenttalenterne var alle dygtige, men to tiltrak sig mere opmærksomhed end de øvrige og formåede at kommunikere deres idéer med autoritet. Hold øje med Ingrit Malleus, hvis Mozart-program var fuld af detaljer, form og formål. Den sydafrikanske dirigent Xandi van Dijk gjorde også et godt indtryk i Tüürs Violinkoncert nr. 2, strålende spillet af estiske Triin Ruubel.

Ved to af de andre koncerter stod det lysende klart, at familien Järvis og deres Pärnu-projekt har en reel indvirkning på den næste generation af estiske musikere. Under Kristjan Järvis ledelse lød Järvi Academy Orchestra charmerende og arbejdsomt, men den fineste opførelse under mit ophold i badebyen var med Paavo Järvi og Tallinn Chamber Orchestra, der ser yngre ud for hver gang, jeg oplever dem. Koncerten startede med en revisionistisk fremførelse af Arvo Pärts ‘Cantus in Memoriam Benjamin Britten’, der bedst kan beskrives som hårdtslående og trodsig, hvilket var passende til åbningen af en festival, der næsten ikke blev til noget. Derefter fulgte en opførelse af Beethovens klaverkoncert nr. 1 (med solist Kalle Randalu / foto top ) og symfoni nr. 1, der ville have imponeret ethvert kammerorkester i verden. Symfonien blev spillet årvågent, modigt og med en naturlig fornemmelse for detaljen.

Fast wie vor Corona: Das estnische Pärnu Music Festival

SWR
Regine Müller
27.07.2020

Anders als viele andere Intendanten entschied sich Paavo Järvi, sein Festival im estländischen Seebad Pärnu auch in diesem Jahr stattfinden zu lassen. Trotz der ziemlich umständlichen Organisation ist am Ende ein beinah normales Festival zustande gekommen, was die aktuelle Corona-Pandemie vergessen lässt.

Das Publikum ist dicht platziert, niemand trägt eine Maske und auf der Bühne sind die Abstände klein. Ein unwirkliches Gefühl, findet die Musikjournalistin Regine Müller, als sie das Festival besucht. Dass das Festival fast wie vor der Corona-Pandemie stattfinden kann, liegt an den niedrigen Infektionszahlen in Estland.

Ein internationales Festival zur Pandemie-Zeit

Der Dirigent Paavo Järvi leitet das Festival seit zehn Jahren und ließ dieses Jahr trotz Pandemie nichts unversucht, um das Festival dennoch stattfinden zu lassen. Dafür waren tägliche Meetings, Gespräche, Recherchen und sehr viel Organisationsarbeit nötig. Denn die Reise-Bestimmungen variieren derzeit von Land zu Land sehr stark. So musste man bei der Musiker-Besetzung einige Male umdisponieren. Am Ende ist aber ein scheinbar normales Festival zustande gekommen.

Für Paavo Järvi ist der Dirigierkurs das eigentliche Zentrum des Festivals. Das Unterrichten liegt ihm besonders am Herzen. Wegen dieses Lern-Aspekts des Festivals sind auch sehr viele junge Musiker nach Pärnu gekommen.


In einem normalen Orchester geht man nach der Probe nach Hause. Hier geht man nach der Probe zur nächsten Probe oder zu Kammermusik. Man geht zusammen essen [...] man geht in ein Konzert, man macht ein Coaching. Und wenn alles beendet ist, gehen alle ins Café Passion bis drei Uhr morgens und diskutieren [...]. Nur junge Leute machen das. Das hier ist eine Chance, wieder jung zu werden. Für eine Woche.

- Paavo Järvi, Festival-Leiter und Dirigent

Estland ist ein kleines Land mit einer noch jungen, aber bemerkenswert starken Klassik-Tradition. Komponisten wie Arvo Pärt oder Erkki-Sven Tüür sind weltweit begehrt, und auch die Musiker- und Dirigenten-Dynastie der Järvis ist international tätig. Vater Neeme Järvi war schon ein berühmter Dirigent, als die Familie 1970 Estland verließ und in die USA emigrierte. Dennoch betrieb er im Seebad Pärnu jedes Jahr sein eigenes Musikfestival. Vor zehn Jahren hat sein Sohn Paavo die Leitung übernommen. Dieser ist unter anderem Chefdirigent der Bremer Kammerphilharmonie und des Tonhalle-Orchesters Zürich.

Arvustus: tippfestivaliga postcorona’t trotsides

Postimees
Harry Liivrand
27.07.2020

Äsjalõppenud Pärnu 10. muusikafestival polnud erakordne mitte ainult oma maailmatasemel esituskvaliteedilt – Paavo Järvilt koos tema juhitud Eesti Festivaliorkestriga ei saakski teistsugust tulemust oodata –, vaid õigemini kultuuripoliitiliselt. Taas tõstis festivali ideoloog ja imagoloog Paavo Järvi rahvusvahelisele klassikalise muusika kaardile nii Pärnu linna kui ka Eesti tervikuna, taas kirjutasid välisväljaanded Eestist kui olulisest tegijast rahvusvahelisel muusikamaastikul. Kuid veelgi enam võimendas festivali selle toimumisajastu: postcorona aeg.

Muu Euroopaga võrreldes näib Eesti nagu mingi terviseoaasina, kus koroonapaanika oleks justkui ammune ajalugu ja soliidse, nädalapäevad kestva festivali toimumist ei sega miski; uue aja reeglitele viitasid vaid tühjaks jäetud istmed saalis, saalist lahkumise «koreograaIa» ja desovahendid sissepääsude juures.

Saalis oli hoomatav, millise naudingu ja kirega orkestrandid pärast kolme-nelja kuud isolatsioonis olemist musitseerisid – elavat esitust vahetu publiku, mitte ekraani ees, ei asenda loojale ju miski. Ega kuulajale. Koroonajärgne aeg tegi siiski omad organisatsioonilised korrektuurid ja kavad kohendati võimalikule orkestrikoosseisule, mis sobis nii Kõrvitsa, Beethoveni kui ka Sumera mängimiseks.

Lugesin kavast, et Paavo Järvi dirigeeris kaheksast festivalikontserdist viit. Mina jõudsin sel aastal kahele tema juhatatud briljantsele kontserdile ja ühele huvitavale vabaõhukontserdile. Viimane oli 18. juulil rahvast tulvil Raehoovis toimunud trompetisti Indrek Vau ja löökpillimängija Heigo Rosina kontsert meil väheteatud heliloojate muusikast, austraallaselt Brett Deanilt ja inglaselt Joe Duddellilt.

Nii esimese džässilik, kaja ning kõlaefekte kombineeriv «... The scene of crime...» kui ka teise traditsionalistlikum «Catch» kujutasid endast virtuoossete mängijate demonstratsioonesinemist ning loomulikult uue muusika vajalikku tutvustust.

Eesti Festivaliorkester Paavo Järvi juhtimisel andis päev hiljem Pärnu kontserdimajas sellise kontserdi, et annab ikka mäletada! Maailmaklassist orkester, maailmaklassist tšellosolist Theodor Sink ja maailmaklassist dirigent moodustasid sünergia (just siinkohal kasutan seda nii äraleierdatud sõna), mida Eesti kontserdilavalt harva kuulda saab.

Esiettekandele tulnud Tõnu Kõrvitsa kolmeosaline uudisteos «Kuuvalgusele» asetub helilooja loomingus minu kõrvus samale reale nagu «Rokokoovariatsioonid» Tšaikovskil või «Süit Holbergi aegadest» Griegil – võluv mäng klassikaga, nii dramaturgiliselt kui ka tämbriliselt meisterlik
impressioon. Meistritöö nagu «Kreegi vihik». Lepo Sumera tšellokontserdi ülima ekspressiivsuse ja virtuoossuse tõi justkui muuseas välja Theodor Sink. Vapustav.

Lõpuks Felix Mendelssohn-Bartholdy 1. sümfoonia esitus peadpööritavas tempos (III osa!) kui orkestrivõimete totaalne paraad (siinkohal kindlasti vaja nimetada kontsertmeistrit Florian Dondereri Deutsche Kammerphilharmoniest Breemenist), dramatismist ja lürismist läbipõimunud romantismi apoteoos. Lisalugudena kaunis tervitus Neeme Järvile Sibeliuse «Valse triste’iga» ja veel Sumera «Kevadine kärbes». Sumerat, kes sel aastal oleks võinud tähistada 70. juubelit, oli ilmselt sel põhjusel festivalil programmis meeldivat palju.

22. juulil samas Sumera 3. sümfoonia, milles eriti meelde jäi II osa erakordne löökpillikvarteti partii, ning Ludwig van Beethoveni Viiulikontsert klaveri versioonis fenomenaalse soome klaverisolisti Olli Mustoneniga, kelle sügavalt tundlik mäng ja artistlik väljenduslaad sobis hiilgavalt Järvi energeetilise interpreteermisstiiliga. Kava teises pooles Wolfgang Amadeus Mozarti 39. sümfoonia väga põnevas kontrastiderikkas, kuidagi romantilises võtmes.

Kontserdimuljete lõpetuseks paar üldist märkust. Nagu alguses öeldud, kajastavad Pärnu muusikafestivali ka välismaa kolleegid. Kuid festival peaks olema ka Eestis märksa tuntum, ta peaks olema sama tuntud kui laulupidu. Kui Frankfurter Allgemeine Zeitungi nimekas muusikakriitik Jan Brachmann festivali muidu ülistavas ülevaates kirjutab, et teda üllatas Eestis nende inimeste hulk, kes sellest muusikafestivalist polnud kuulnudki, siis on ikka piinlik küll. Muuseas informeerib Brachmann Saksa lugejat ka Estonia direktori Aivar Mäe skandaalist ja nimetab Eesti kahte ooperiteatrit vaid kohalikku tähtsust omavaks. Katsugem siis tulevaks aastaks oma festivaliteadlikkust parandada. Ooperiteatrid saavad siin samuti mõtlemisainet.

https://leht.postimees.ee/7026046/arvustus-tippfestivaliga-postcorona-t-trotsides

Sunday, July 26, 2020

theartsdesk at the Pärnu Music Festival 2020 – great live orchestra, ecstatic audience

theartsdesk.com
David Nice
25.07.2020

Paavo Järvi extends an elbow to Estonian Festival Orchestra leader Florian Donderer while fellow musicians including Theodor Sink and Triin Ruubel (to left and right of Donderer) look on.
Photo: Kaupo Kikkas

“At the Pärnu Music Festival 2020” were words I never expected to type. A fortnight ago Estonia finally upped its non-quarantinable country rate from 15 to 16 infections in every 100,000 people (the UK was then on 15.9; our unfathomable Foreign Office has not, to my knowledge, returned the compliment, despite Estonian rates being next to 0 for weeks). That meant two key players of the Estonian Festival Orchestra, clarinettist Matthew Hunt and horn-player Alec Frank-Gemmill, as well as myself could travel. If a first visit in 2015 was cause for wonderment at how the restless Soviet state of 26 years earlier had so happily embraced European democracy, the 10th anniversary festival meant stepping from the darkness of COVID-19 confusion into the light of a sunny yet responsible reminder of how concert life at its best had been before 16 March.

The festival week, in essence, was unchanged in the love and skill of the players, passionately devoted to Paavo Järvi; how easy it was to slip back into the exceptional expected. There were absences, of course: a strict 50 per cent limit on audience attendance, some key players who hadn’t been able to travel from Czechia, Russia and Japan - that meant the percentage of Estonian players in the orchestra was higher than before, and gosh, they're good enough - and while Paavo’s sister Maarika had travelled from Switzerland to join the flute section and his brother Kristjan was helping with sterling work on the conductors’ course, the patriarch of the festival, their father Neeme, 83 last month, was marooned in Florida (ouch) with their mother Liilia. Yet I arrived from Riga at the second half of the Saturday night concert, celebrating 50 years of Pärnu music festivals featuring three orchestras, to see him working the audience with characteristic aplomb from a big screen (pictured below).

Photo: Kaupo Kikkas

What followed was mixed. First came leading Estonian composer Jüri Reinvere’s Double Concerto for two flutes, string orchestra and percussion, expanded both in score and string size from when it was premiered here in the chamber hall in 2016; Maarika Järvi, in haunting dialogue with Monika Mattiesen, had quickly learnt a new cadenza. It was heartwarming to see the young Estonians of the Järvi Academy Youth Orchestra, on hand to work with the trainee conductors, take over from the experienced EFO players, but what followed was the only horror of the four days: a Mozart piano sonata movement and numbers from The Magic Flutetransfigured by jazz pianist Kristjan Randalu. Or rather disfigured. Prokofiev described Stravinsky’s Violin Concerto, very unfairly but wittily, as “Bach with smallpox”; this was Mozart with coronavirus. Kristjan Järvi’s own piece was sweet but very short, an odd conclusion to a programme which those who’d experienced it all said just hadn’t fitted together.

The revelation of the festival hit home in the first of the EFO concerts the following evening. Having shared the bowled-over audience responses to Lepo Sumera’s Fourth and Sixth Symphonies in Tallinn at the Estonian Music Days of 2016 and 2017, and discussed with Paavo how the Fourth would be a knockout success if he and the EFO brought it to the Proms, I was expecting something of an event in the Cello Concerto. Maybe not quite at the level we got. Sumera died in 2000 at the untimely age of 50, and this was one of his last works. The soloist’s often maniacal winding-ups to fever pitch and the haunting, ultimately devastating oscillations of the restless slow movement hint at deep personal distress, akin to the “Anfortas Wound” movement of John Adams’ Harmonielehre, his first work after an 18 month creative block which had brought him close to madness. There is not a cliched idea or sound-combination in the entire concerto, and the finale clinches it all by sailing out into determined melody, only to return to mania and extinction.  
Phtoto: Kaupo Kikkas

The Estonian National Symphony Orchestra performances of the symphonies under Anu Tali and Kristiina Poska had both been exceptional, and in Poska’s concert we had also been stunned by young cellist-principal Theodor Sink (pictured above in Pärnu rehearsal for the Sumera) in Erkki-Sven Tüür’s Cello Concerto; it wasn’t just the news that Sink’s mother had died the previous week that brought a two-minute silence at the end of the performance. He performed both works from memory; only afterwards did I discover that he didn’t know the Sumera until Paavo Järvi asked him to be the soloist (the conductor also told me that he was familiar with Sink as a hard worker, but now realised he could take him as soloist into any hall and orchestra in the world). The modesty, focus, intensity and collegiality were so obvious in another Sumera work to have an extraordinary impact on its audience. I urge you to watch it on the festival’s TV channel.

Focus was officially on a premiere, To the Moonlight, by a living Estonian composer, the always reliable Tõnu Kõrvits. Its hypnotic barcarolles, impressions and pointillistic details seemed to chime with the state of suspension we’ve been living through; it worked its magic in the hall, but is even better in the film, where the colours are visually pinpointed – distant magic from harpist Eda Peäske especially - and Järvi’s clairvoyant manner can be clearly witnessed. In a perfect programme, the sheer robustness of 15-year-old Mendelssohn’s First Symphony made a perfect third work. Even if C minor wasn’t the exuberant teenager’s natural mode, the quirky pizzicati in search of a clarinet tune in the finale and the introspective third-movement trio with its eerie, timpani-punctuated lead back to the scherzo proper – subject to the special brand of chiaroscuro Järvi can conjure from his very own players – are so striking. And the Mozartian wind ensembles of the Andante, handled as a team by some of the world’s best players, again reminded me what I’d been missing so much over the past few months.

Photo: Kaupo Kikkas

So did the Academy Orchestra pounding the Furiant of Dvořák’s happy Sixth Symphony at one of the conductor sessions the next morning: at last, an orchestra at full pelt. That evening, though, it was chamber music in the latest of the galas which have been as much a highlight as the main orchestral concerts. Players’ personalities always have more of a chance to emerge, and this year’s selection of repertoire highlights from the last 10 years blended, as always, faces familiar and (to me, at any rate) new.

Juliane Bruckmann from the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen was such a vivacious, collegial leader of the double basses within the orchestra (pictured above with Siret Lust, Regina Udod and Angie Liang) and stood centre stage in Hasenhõrl’s rudely truncated version of Strauss’s Till Eulenspiegel for unorthodox quintet, in which Frank-Gemmill, violinist Emma Yoon and clarinettist Signe Sõmer took the famous solos better than anyone I’ve ever heard.

Photo: Kaupo Kikkas

Staunch leader Florian Donderer (also DKK) made the Mendelssohn Octet fly – I’ve always thought of it as a brilliant piece but usually more earthed – with an unusual team which also included young Estonian Hans Christian Aavik and DKK cellist Thomas Ruge plus regulars Mari Poll, Eva Bindere, Karin Sarv and Sink. Maarika Järvi adopted the first violin part of Schubert’s B flat major String Trio (here, of course, flute, viola and cello) with Georg Katsouris and Teet Jarvi. Hunt’s brilliant partnership in Bartók’s Contrasts with Donderer’s front-desk regular partner Triin Ruubel was repeated, but with the luxury of Olli Mustonen (pictured abovewith Ruubel and Hunt) taking the place of Sophia Rahman (performing Messiaen’s Quartet for the End of Time tonight up in the Arvo Pärt Centre near Tallinn with Hunt and two other players).

Mustonen’s touch here could be harp-like as well as cimbalom-evocative: a marked contrast to his usual percussive way, which made Beethoven’s own arrangement of his Violin Concerto for piano and orchestra in the penultimate EFO concert seem even further from the lyric original. Mustonen has an odd way of highlighting individual notes which is far from the pearly runs you might expect from an Imogen Cooper, a Paul Lewis or Leif Ove Andsnes in Beethoven, but he made the cadenzas, especially the first-movement spectacular with timpani, leap out as absolutely modern. By Beethoven, really, people asked? Yes, every note.

Photo: Kaupo Kikkas

Another soloist of stunning individuality, Berlin Philharmonic principal horn Stefan Dohr, proved predictably peerless in Mozart’s Third Horn Concerto with the Academy, and took us to another place altogether in the distant gleams of the horn solo from Messiaen’s Des canyons aux étoiles.... It was a bit of a shock, then, to find Dohr the conductor make less than expressive work of Dvořák's first movement. Choosing the best from this year’s line-up of conducting course students seems invidious; some movements would have been worked on harder during the sessions than others, not least the loveliest of Adagios, gleaming in the performance under EFO viola-player-turned-conductor Xandi van Dijk. Undoubtedly the most striking was the emergence of a real conducting personality from an initially tentative impression made in the sessions by Estonian choral conductor Nele Erastus (pictured above) in Dvořák’s Furiant.

The great symphonic experience was yet to come at the end of the two final EFO programmes. Sumera’s Third Symphony was a welcome opener; my reaction to it might have been slightly more fine-tuned if I’d known that the drifting triads of the Larghetto were the endgame resulting from the previous frenzy, a finale which again brought Adams to mind (this time the metaphysical ending of Nixon in China) as well as the lunar landscape of the "Epilogo" to Vaughan Williams’s Fourth Symphony. But we needed a joyburst at the end of the concert, and I doubt if there has even been a more radiant unleashing of Mozart’s E flat (39th) Symphony than the one Jarvi so vividly won from his loving players. Staggering subtlety was here too, above all in the strings’ dropback to pianissimo in the Andante con moto, the most touching major/minor shifts in music before Schubert. But it was Mozart’s cornucopia of invention, the beauty of his tender transitions and his absolute oneness with the world which radiated from every bar.


Photo: Kaupo Kikkas

That, or more specifically the usual charge of the encores, two per EFO concert - was the live conclusion for me of a blissful four days which also included the familiar walks along the sandy bay and swims in a warm sea, café life at its most relaxed and meetings with wonderful people. But praise be to technology that when I arrived home in London, I could just catch a violinist who, when I met her after her first rehearsal with the orchestra, clearly embodied the true Pärnu spirit, Alena Baeva – coming from Luxembourg, she'd self-quarantined in Germany for two weeks to play in the final concert – in Strauss’s Violin Concerto (pictured above), made worthwhile by its tarantella finale but all of it beautifully articulated, and watch the Mozart symphony again, given one extra twist by the peerless Hunt’s little ornamentation in the minuet trio. You can witness the miracle, too, for a month; don’t miss the EFO concerts or the chamber gems. Music-making as an expression of sheer love from the very best players can never soar higher than this.

Watch the performances for the next month on the Pärnu Music Festival website.

Rondo Magazine review of Pärnu Music Festival 2020

Rondo Magazin
Regine Müller
25.07.2020


Wo die Masken fallen
Es ist ein erlösender Moment, als sich in der Konzerthalle die Streicherklänge des Tallinn Chamber Orchestra bei Arvo Pärts „Cantus in Memory of Benjamin Britten“ soghaft verdichten, und nach Monaten der schmerzhaften Entwöhnung endlich wieder ein satter Orchestersound zu hören ist. Vorher schon will man seinen Augen kaum trauen: Die Musiker des Orchesters sitzen ohne gewohnte Corona-Distanz auf der Bühne, im gut besetzten Saal – angeblich nur zu 50 Prozent belegt, aber dem auf Corona geeichten Distanz-Blick scheint es mehr zu sein – trägt niemand eine Maske. Die dauerhaft niedrigen Infektionszahlen in Estland ermöglichen dem baltischen Land bereits seit dem 1. Juni, dass nicht nur auf den Straßen, in den Restaurants und am Strand ein ziemlich normales Bild herrscht, sondern dass nun auch das prosperierende Musikfestival scheinbar so normal stattfindet, als sei Corona ein sehr ferner Albtraum.

Dirigent und Festivalchef Paavo Järvi entert dynamisch das Pult, Arvo Pärts „Cantus“ hat er bewusst an den Anfang gestellt, denn das Werk beginnt mystisch mit einem feinen Glockenschlag über wispernden Streichertremoli, die sich hymnenartig verdichten. In diesem denkwürdigen Moment scheint es, als würden die Glocken endlich eine neue, bessere Zeit einläuten.

Paavo Järvi ist gebürtiger Este und wird als Dirigent weltweit hoch gehandelt, er entstammt einer estnischen Musikerdynastie, sein Vater Neeme gründete vor 50 Jahren das Festival im Seebad Pärnu, damals hieß es noch Oistrach-Festival (weil Oistrach in Pärnu Stammgast war). Seit zehn Jahren steht Paavo Järvi nun dem Festival vor, er ist unter anderem Chef des Tonhalle Orchesters Zürich und der Bremer Kammerphilharmonie. Auch die Järvi-Familie verbrachte stets ihre Sommer in Pärnu, bevor sie 1980 in die USA emigrierte. Das Seebad blieb jedoch ein prägender Sehnsuchtsort der Järvis und so trifft sich der ganze Clan, zu dem noch eine unüberschaubar große Schar von MusikerInnen gehört, jeden Sommer wieder dort. Vater Neeme Järvi steckt ausgerechnet in diesem doppelten Jubiläums-Jahr in Florida fest, wird aber unter stürmischen Sympathie-Bekundungen im überwiegend estnischen Publikum beim Galakonzert am zweiten Festival-Tag per Video zugeschaltet und grüßt sichtlich bewegt und zugleich mit dem verschmitzten Schalk der Järvis nach Pärnu.

Paavo Järvi hatte lange geschwankt, ob er das Festival nicht absagen solle: „Es ging Schritt für Schritt. Wir hörten uns um in der Welt, alle sagten ab und die Dinge verschlimmerten sich. Aber wir hatten trotzdem tägliche Meetings: Was sagt der Gesundheitsminister, wie sind die Prognosen der Regierung?“

Die Dinge entwickelten sich dann überraschend günstig in Estland, zur Festivalzeit soll es nur sechs Infizierte in ganz Estland geben. Die Konzerte und der sonstige Festivalbetrieb mit dem Dirigierkurs und Klassen für Instrumentalisten und Kammermusik laufen scheinbar normal. Tatsächlich aber ist es ein tägliches Ringen mit ständig wechselnden Situationen, erzählt Järvi: „Wir sind ein internationales Festival, die Musiker kommen von überall. Plötzlich hatten wir keine Harfe! Eine unserer liebsten Freundinnen ist Jana Bushkova, die große Harfenistin vom Tschech Philharmonic Orchestra, sie ist immer hier. Aber nun konnte sie nicht kommen, denn ganz kurz vor dem Festival gingen die Zahlen in Tschechien hoch. Dann gingen sie auch Luxemburg, das nie ein Problem war, plötzlich nach oben. Deshalb musste eine Solistin aus Luxemburg nun erst zwei Wochen in Deutschland sein, um herkommen zu dürfen. Denn Deutschland ist erlaubt, Luxemburg nicht. Also, es ist noch immer ein tägliches Glücksspiel.“

Der besonderer Geist von Pärnu

Im Estonian Festival Orchestra sitzen Spitzenmusiker aus der ganzen Welt, die Paavo Järvi selbst rekrutiert. Diesmal eben nur aus „sicheren“ Ländern. Es sind aber auch viele junge Musiker vor Ort, die ein weiteres Orchester bilden, das ständig den Absolventen der Dirigier-Akademie zur Verfügung steht. Darüber hinaus belegen sie Instrumental- oder Kammermusikkurse, alle besuchen nach Möglichkeit auch alle Konzerte, sofern sie nicht selbst auf der Bühne stehen. So geht in Pärnu stets alles ineinander über: Unterrichten, Musizieren, Zuhören, Kurse besuchen, Konzerte und Coachings. Paavo Järvi und sein jüngerer Bruder Kristjan leiten den Dirigierkurs, bei den abendlichen Konzerten steht vor allem Paavo am Pult. Ein ziemlich strammes Pensum, wobei Paavo die permanente Arbeit an der Musik als „den einfachen Teil“ dieser Zeit bezeichnet. „Im Alltag mit einem normalen Orchester geht man nach der Probe nach Hause. Hier aber gehen alle ins Café ‚Passion‘ bis drei Uhr morgens, diskutieren und knüpfen Kontakte. Nur junge Leute machen sowas eigentlich. Das hier ist eine Chance, wieder jung zu werden. Für eine Woche …“ sagt er mit der Järvi’schen Selbstironie.

Das Festival atmet selbst im Pandemie-Jahr einen besonderen Geist der Kommunikation und einer gewissen Ausgelassenheit. Vielleicht liegt es neben den erlaubten Lockerungen auch an der besonderen Aura der Enklave, für die Pärnu schon immer stand? Pärnu war bereits in Zeiten der Sowjetunion ein Ort, an dem sich systemkritische Musiker und Intellektuelle trafen. In der Sowjetunion gab es zwei beliebte Möglichkeiten, Sommerferien zu machen. Die meisten zog es ans Schwarze Meer, so Järvi: „Die anderen Leute, die diese Art von Hitze nicht mochten und lieber in einer Umgebung sein wollten, die kulturell näher an Europa ist, kamen nach Estland. Estland hat nie den Kontakt zur Alten Welt verloren und zur Welt außerhalb der Sowjetunion. Es war der westlichste Ort, zu dem man gehen konnte innerhalb der Sowjetunion. Es war immer Musik hier. Und das Gefühl, dass man hier ein bisschen abgeschirmt war vor den Scheinwerfern des KGB.“

Es sind aber nicht nur die Freiheit von Masken, die gelockerten Abstandsregeln und das sensationelle Wetter, was Pärnu in diesem Jahr unvergesslich macht. Es sind vor allem die beglückenden Momente im Konzertsaal, in denen Paavo Järvi Beethoven dirigiert, wie etwa am Eröffnungsabend die 1. Sinfonie und das 1. Klavierkonzert mit dem fabelhaft plastisch spielenden Kalle Randalu. Järvi hat mit der Bremer Kammerphilharmonie jahrelang an einem Beethoven-Zyklus gefeilt. Das Ergebnis dieser Erkundung zeigt sich nun in einer atemberaubenden Souveränität, die in ganz großen Zusammenhängen denkt und sich nie verliert in kleinteiligen Maßnahmen, Effekten und aufgebauschten Manövern. Järvis minimalistischer und maximal effizienter Dirigerstil lässt den frühen Beethoven in transparentem, federnden Parlando erklingen, pointenreich, hellwach, inspiriert und geistvoll. Järvi versteht es, Beethoven gestisch zu schärfen und zu verdichten, ohne ihn immer nur auf Krawall zu bürsten, wie es derzeit schwer in Mode ist. „Alles ist Kammermusik“ untertreibt er lapidar seine Meisterschaft. Auch Mendelssohns Erste rehabilitiert Järvi als Meisterwerk, nimmt sie rauschhaft emphatisch und licht. Es fällt schwer, aus Pärnu wieder abzureisen. Bleibt zu hoffen, dass Pärnu der glückverheißende Vorbote ist und bald wieder überall Musik und Publikum in den so vermissten Kontakt kommen.

Ein Verrückter mit Mission: Paavo Järvi, Chefdirigent in Zürich, betreibt im estnischen Pärnu dirigierend Politik

Luzerner Zeitung
Christian Berzins aus Pärnu, Estland
25.07.2020

Die Zeit, von den Dünen aufs Meer hinaus zu blicken, hat Paavo Järvi während des Festivals in Pärnu nicht.
Bilder: Kaupo Kikkas

Paavo Järvi, Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters Zürich, leitet in seiner Heimat ein Festival und zeigt mit dessen Orchester Spitzenleistungen.

Wenn die Zürcher und Zürcherinnen ihren Chefdirigenten Paavo Järvi verstehen wollen, müssen sie zuerst akzeptieren, dass er verrückt ist. Grossartig verrückt! Zu welchen Hexereien er fähig ist, zeigt der 57-Jährige in seiner Heimat Estland. In Pärnu – einem Kaff mit Bäderhotels, ewiglangem weissem Strand, farbigen Holzhäusern, Alleen, einem Grand Café und drei Einkaufszentren - machte er aus einem unbedeutenden sowjetischen Festival ein einzigartiges, und estnisches. Mit Haut und Haar.

Järvi steht innerhalb von acht Festivaltagen fünf Abende auf dem Podium. Daneben leitet er stundenlange Dirigenten-Workshops, ist bereit für einen Nacht-Talk auf dem Podium und zeigt sich an den Partys des Orchesters genauso stilsicher wie an den Empfängen von Ministern. Warum?

Järvi verfolgt eine Mission. In und für Pärnu schlägt sein Herz – hier wallt sein blau-schwarz-weisses Blut. Naturgemäss würde Järvi nie so chauvinistisch sprechen, aber man fühlt es, man hört es.

«Ich verliess das Land mit 17. Aber ich habe meine tiefen ­Wurzeln hier.»

Esten unter sich: Pianist Kalle Randalu, das Kammerorchester Tallinn und Dirigent Paavo Järvi. Auf die Frage, warum er sich auch noch mit dem dirigierenden Nachwuchs befasse, sagt Paavo Järvi: «Weil sie dann besser werden!»
Bilder: Kaupo Kikkas

Als Estland 1991 von den Sowjets befreit war, bean­tragte Paavo Järvi den estnischen Pass, die Steuerresidenz blieb Palm Beach, Florida. 

Sein Vater Neeme dirigierte vor 50 Jahren in Pärnu, als man noch vom David-Oistrach-Festival
sprach. Die Helden der Arbeit genossen es im Sommer, fernab von Moskau West-Luft zu schnuppern. 2009 übernahmen die Järvis: Paavo, Bruder Kristjan, Schwester Maarika – und wie einst Neeme.

Zu meinen, dass der Familienknäuel oder die Dichte des Festivals das Haar in der Suppe seien, wäre falsch: Die ­Järvis geben dem Festival ein Gesicht, und jedes der Konzerte ist von einem unbändigen Willen beseelt und von intensiver Probenarbeit gestützt.

Bemerkenswerter Durchlauf zur Weltspitze

Fundament des Festivals ist sein Orchester, das innerhalb von zehn Jahren zu einem Topklangkörper reifte und seinem Vorbild, dem Budapest Festival Orchestra, prächtig nacheifert. Der Durchlauf zur Weltspitze ist umso erstaunlicher, als diese Gemeinschaft bloss zehn Tage in Pärnu und auf einer dem Festival folgenden Tournee existiert.

Das Modell kennen wir auch aus Luzern. Dort hat man um Claudio Abbado herum im Jahr 2003 das Lucerne Festival Orchestra ­geschaffen. Die «Frankfurter Allge­meine Zeitung» behauptete diese ­Woche keck, dass Järvis Orchester das Niveau habe, wie es das Luzerner unter der Leitung Abbados einmal hatte. Hatte...

Im Unterschied zu Abbados Orchestergründung hat Järvi nicht einfach den Ort mit den besten Bedingungen (und hohen Gagen) dafür ausgewählt, sondern quasi das Gegenteil.

Egal: Florian Donderer war von Beginn weg der Konzertmeister – und Järvis rechte Hand. Beeindruckend, mit welcher Ruhe und Autorität der Konzertmeister der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen bisweilen einer Phrase eine neue Richtung gibt. Nach einem langen Probentag setzt sich Donderer beim Konzert des Jugendorchesters und den Dirigenten-Schülern ans hinterste Pult und spielt Dvořáks 6. Sinfonie mit.

Diese Gesten und Grossartigkeiten zeugen von Järvis Geist. Da hat der Dirigent am sechsten Festivaltag Mendelssohns 1. Sinfonie so stürmisch belebt, dass sie klang wie vier «Italienische» zusammen, schon steht er entspannt auf dem Balkon des Konzertsaales, um mit dem Kulturminister zu plaudern. Keine 15 Minuten später taucht er im T-Shirt beim Empfang an der Bar auf und schmunzelt mit halben Auge ob des Lobes, das von allen Seiten auf ihn niederprasselt: da ein Ellbogenschlag, dort eine Coronafaust.

Typisch Pärnu: Man ist nicht in einem kristallleuchterbehangenen Saal eines Fünfsternehotels, wo nur die Festival-Elite zugelassen ist, sondern im Restaurant eines Einkaufszentrums. Man nimmt, was die Sponsoren geben, der Stimmung tut das keinen Abbruch. Wer um 1.30 Uhr nach Hause geht, gehört zu den Ersten. Ob man getanzt habe, werden wir am Morgen gefragt. Und die Festivalagentin schreibt, dass letztes Jahr eine Gruppe nach Mitternacht im Meer schwimmen ging.

«Und um 10 Uhr zur Probe»?, möchten wir fragen, schweigen aber, denn wir haben schnell gelernt, dass in Pärnu eine Frage tabu ist: «Wann schläft ihr?» Allerdings gibt es Gerüchte aus dem Kulturministerium, dass es Paavo Järvi jeweils am Nachmittag tut. An welchem Nachmittag bloss?, fragen wir uns, denn Montag, Dienstag Mittwoch steht er pausenlos im Saal. War es am Sonntag, als Bruder Kristjan die Dirigierklasse allein betreute?

Anderswo arbeitet Järvi still, in Pärnu treibt er (Kultur-)Politik. Stolz sagt er, dass beim Festkonzert 17 von 18 Kulturministern, die seit der Revolution regierten, im Saal waren – der Einzige, der fehlte, war der verstorbene Komponist Lepo Sumera. «Damals vertraute das Volk keinem Politiker», lächelt Järvi.
«Es brodelt unter der Decke, klar»

Die Politik ist in Estland ein heikles Thema, vor allem für einen liberalen Menschen. Viele Esten verspüren nach wie vor Hass auf die Russen, die ehemaligen Besetzer. Das wissen Politiker auszunutzen. 

«Es brodelt unter der Decke, klar. Die Leute vergessen den russischen Terror nicht. Gegen die russische Politik habe auch ich viele Vorbehalte, aber das russische Volk ist uns nahe – vor allem die Russen, die seit Jahrzehnten hier leben.»

Järvi spricht von einer Art Selbstverteidigung der Nationen: Wenn es Probleme gibt, mobilisiere man sich und kämpfe gegen den «Feind»: «Aber die Russen sind genauso gut oder normal wie andere Menschen. Ihnen geht es noch schlechter: Schauen Sie die Gewalt gegen Journalisten und andere Gruppen an. Ich bin nicht naiv, wir verändern hier nicht die Welt, aber Kunst und Kultur können Menschen zusammenführen – auch Esten und Russen.»

Aber auch bei ihm gilt: «Esten zuerst» – und das hat 2020 nicht nur mit Corona zu tun. Järvi lässt in fast jedem Konzert estnische Musik spielen, von Pärt bis Sumera. «Ich will estnischen Komponisten helfen, aber das ist keine chauvinistische Sache. Ich bin in einer Position, in der ich dem Land etwas Positives bringen kann. Das Festival gibt mir die Möglichkeit, mich mit vielen tollen jungen estnischen Musikern zu verbinden: Das hilft ihnen und mir. So werde ich Teil des Musiklandes.»

Es erfüllt Järvi mit Stolz, wenn er sieht, dass das Musikleben Estlands dank des Festivals und des Orchesters wahrgenommen wird. 

«Wir wurden eine Kulturdestination für gewisse Leute. Das ist grossartig.»

Und dringend nötig, denn die benachbarten Letten singen und spielen sich locker aufs Podest der drei baltischen Staaten: Weltstars noch und noch. Inklusive Dirigenten.

Und als ob er den Letten die Vormacht streitig machen wollte, stürzt er sich mit Inbrunst in den Dirigier-Meisterkurs mit einem Dutzend estnischer Talente. Macht einer zu wenig, springt er los wie ein Panther, lenkt, beschwört das Jugendorchester, (s)einen Klang gross werden zu lassen. Auf die Frage, warum er das alles tagelang mache, schaut er mit grossen Augen und sagt: «Weil sie dann besser werden!»

Jemand mit einem solchen Geist hat dem Tonhalle-Orchester bisher gefehlt, um doch noch unter die zehn Besten der Welt zu kommen. Järvi ist jener Diri­gent, der nicht nur die Zeit mit Vorgänger Lionel irgendwer in wenigen Monaten vergessen machte, sondern auch die verklärten Jahre mit David Zinman überflügeln wird. Järvis Schwärmen über das Tonhalle-Or­chester ist keine Schmeichelei, sondern er weiss: Zürich kann auch ihm zu einem weiteren Karriereschub ver­helfen. Vielleicht hilft es am Ende auch Estland.

https://www.aargauerzeitung.ch/kultur/ein-verrueckter-mit-mission-paavo-jaervi-chefdirigent-in-zuerich-betreibt-in-estland-dirigierend-politik-138543504

Tuesday, July 21, 2020

Estland setzt seinen Rang als singende Nation aufs Spiel

FAZ
Jan Brachmann
21.07.2020


Seit in Estland am 1. Juni die während der Corona-Pandemie geltende Quarantäne-Pflicht aufgehoben wurde und sich die Reise- wie die Veranstaltungregeln lockerten, war klar: Das Musikfestival in Pärnu würde stattfinden. „Ich habe nie darüber nachgedacht, das Festival komplett abzusagen“, sagt der Dirigent Paavo Järvi, der es seit zehn Jahren leitet. „Absagen ist momentan das Leichteste auf der Welt. Ich dachte: Entweder machen wir es nur im Internet, oder wir machen Kammermusik – aber die ganze Saison abzusagen, das ist defätistisch.“

Nun verläuft das Infektionsgeschehen in Estland seit Wochen so günstig, dass das Leben in Geschäften, Restaurants und Konzertsälen aussieht, als habe es nie eine Pandemie gegeben. Manche Esten reden von der „Corona-Zeit“, als sei sie vorbei. Veranstaltungstechnisch ist das, was gerade in Pärnu passiert, weitaus gewagter, als es die Vorhaben der Salzburger Festspielesind. Es grenzt entweder an Leichtsinn oder an ein Wunder: Ein Musikfestival findet statt, mit einem Orchester im Zentrum, das dicht an dicht auf dem Podium sitzt und aus dieser Dichte spielerische Funken schlägt, so dass die beste Musik dabei entsteht, die man derzeit überhaupt hören kann. Und das Publikum im modernen Konzertsaal des estnischen Ostseebads sitzt ebenfalls dicht an dicht, ohne Masken im Gesicht, allenfalls mit desinfizierten Händen, und hört gebannt, glücklich, manchmal fassungslos zu.

Die Angst, sich anzustecken, verfliegt in seligen Momenten, wenn man erlebt, wie Paavo Järvi Beethoven dirigiert. Das macht ihm derzeit keiner nach. Das ziemlich rechtwinklige, starre Hauptthema im Kopfsatz des ersten Klavierkonzerts federt vom ersten Takt an: ein Marsch voller Grazie, freundlich, biegsam, zugewandt. Allein die Arbeit mit den Hörnern wäre eine eigene Betrachtung wert: Wie sie gereizt schnarren können, sich dann wieder zärtlich an Streicher und Oboen anschmiegen – das ist gestalterische Virtuosität im Detail, die Kenntnis und jahrelange Erfahrung verrät. Paavo Järvis Zyklus aller Beethoven-Symphonien mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen ist noch immer unübertroffen. Was er dort an Erkenntnissen erworben hat, überträgt er hier höchst effektiv auf die Streicher des Tallinn Chamber Orchestra und die Bläser des Estonian Festival Orchestra.

„Im Grunde ist doch alle Musik parlando zu spielen“, sagt Järvi und meint damit, dass sie sprechen müsse. Der Solist Kalle Randalu mischt sich aufgeweckt und zu Scherzen aufgelegt in die orchestralen Gespräche. Dieses frühe Beethovenkonzert wurzelt – besonders in seinem Finale – ganz in einer Kultur dichter Konversation, die auf Verblüffung, Bonmots, Provokationen und Begütigungen angelegt ist und die hier in Pärnu zwischen Järvi und Randalu lebendigste Gegenwart wird.

Paavo Järvi hat das Estonian Festival Orchestra ins Zentrum seines vor zehn Jahren gegründeten Festivals gestellt. Erste CDs beim Label Alpha Classics sowie Tourneen durch Europa und nach Japan haben bewiesen: Dieses Orchester, das höchstbegabte Musiker aus vielen Ländern vereint, hat jetzt das Niveau, wie es das Lucerne Festival Orchestra oder das Mahler Chamber Orchestra unter der Leitung von Claudio Abbado einmal hatten. Järvi und Abbado sind insofern ein ähnlicher Dirigententyp, als sie die Kommunikation unter den Musikern zulassen und sogar anregen, statt sie auf ihre eigene Position zu zentralisieren. Zudem hat Järvi eine exzellente, gewiss durch den Vater Neeme Järvi geschulte Technik: Knapp, präzise, sicher im Stand (er hält die Füße still) und wirksam.

Das Festival in Pärnu ist derzeit einer der wenigen musikalischen Gründe, überhaupt nach Estland zu fahren. Die Opernhäuser in Tallinn und Tartu strahlen kaum über ihre Region hinaus. Das Tallinner Opernhaus wird zudem derzeit von einem Skandal um seinen Intendanten Aivar Mäe erschüttert, gegen den ein Ermittlungsverfahren wegen sexueller Übergriffe und Herabwürdigungen von Mitarbeiterinnen eingeleitet wurde. Das Land berauscht sich an der Verehrung für den Komponisten Arvo Pärt, dem der Staat für mehr als acht Millionen Euro schon zu Lebzeiten einen Schrein in Gestalt eines Arvo-Pärt-Zentrums errichtet hat. In der Stadt Rakvere, wo Pärt seine Kindheit verbrachte, soll die zum Fitness-Studio entfremdete Pauluskirche in einen Arvo-Pärt-Konzertsaal umgebaut werden: ein weiteres Monument nationaler Kunstreligion. So schön diese Begeisterung scheint – sie trügt erheblich: Denn die Jugend sieht darin für sich keine Perspektive mehr. Von der Georg-Ots-Musikspezialschule und vom Tallinner Musikgymnasium entschließen sich kaum noch Schüler zu einem Musikstudium. Sie haben das Vertrauen in den Betrieb verloren. „Ich weiß“, sagt Paavo Järvi, „und das macht mir große Sorgen. Wir haben nicht nur in Estland, sondern weltweit das Problem, dass besonders Männer nicht mehr die Musik zum Beruf machen wollen. Frauen gehen verstärkt auf die Hochschulen, was großartig ist. Aber Männer haben das Gefühl, sie könnten als Musiker keine Familie mehr ernähren. Und das ist traurig. Wir versuchen hier in Pärnu, die Hochbegabten mit Stipendien, Kursen und Kontakten zu fördern, sie zu ermutigen, der Musik ihr Leben zu widmen. Wir wollen die nächste Generation von Musikern erschaffen.“

Järvi, der in Estland geboren wurde, in den Vereinigten Staaten seine Familie hat und gerade als Chefdirigent das Zürcher Tonhalle-Orchester befeuert, ist Kosmopolit und Kulturpatriot zugleich. „Dieses Festival ist in Estland verwurzelt. Ich kann und will es nicht woandershin verpflanzen. Aber bei dem ganzen musikalischen Reichtum dieses Landes habe ich doch das Gefühl: Es fehlt uns an wirklich großen Sängern. Zwei, drei mag es geben. Aber für ein Land, das sich selbst als singende Nation versteht und von dem die singende Revolution ausging, ist das einfach zu wenig“, betont Järvi, der selbst nicht verstehen kann, warum ein Land, das jahrhundertelang nur als Kulturnation ohne Staat überleben konnte und mit Gesang die Sowjetunion in die Knie zwang, den weltweiten Musikbetrieb kaum mehr mitbestimmt. „International dominieren lettische, finnische und schwedische Sänger. Wo aber sind die Esten?“, fragt er leidenschaftlich. „Wir haben so ausgezeichnete Musiker im Land – aber wo ist der estnische Weltklassegeiger? Wo der Weltklassecellist? Wo ist ein estnisches Orchester von Weltrang? Daran müssen wir hier arbeiten.“

Triin Ruubel, die junge Geigerin, die derzeit mit dem Konzertmeister Florian Donderer am ersten Pult im Orchester sitzt, ist so eine Hochbegabung: Sie verfügt über Schwung, einen glänzenden Ton, Reaktionsschnelle, charismatische Ausstrahlung. Genauso der junge Cellist Theodor Sink, der sich durch Kraft, Ausdauer, gezielte Phrasierung und schnelle Auffassungsgabe auszeichnet. Sich in der Welt durchzusetzen wird für sie nicht leicht werden. Aber Järvi will etwas für solche Hochbegabungen tun. Für sein Orchester wünscht er sich, nicht nur eingeladen zu werden, „weil es irgendwo auf der Welt ein baltisches Thema gibt – sondern weil das Ensemble anderen Spitzenorchestern gleichwertig ist. Das ist mein Langzeitziel.“ Und Järvi ist dabei gleichermaßen ausdauernd wie sprintstark.


Neeme Järvi: Pärnu on tulevikulinn, mis viib Eesti kaugele maailma

Pärnu Postimees
Anu Jürisson
21.07.2020

Ameerikas möllava koroona tõttu oma kodus vangistuses istuv maestro Neeme Järvi ei jäänud sellegipoolest praegu Pärnus toimuvast klassikalise muusika suurpeost kõrvale, vaid andis oma juubelimõtted ja sõnumi saalis istunud publikule edasi Pärnu kontserdimaja laval otse-eetris: “Eks ole, Pärnu on tulevikulinn, mis viib Eesti muusika ja Eesti kultuuri kaugele maailma?”

Kogu tänavuse muusikapeo juhtlause “50 aastat Pärnu muusikafestivale” tähistamine haaras läinud nädalavahetusel kogu kesklinna – festivalil osalevate muusikute kammerkoosseisud täitsid muusikaga kontserdipaiku Endlast Eliisabeti kirikuni. Ranna kõlakojas mängis sel päeval suveserenaadi Pärnu linnaorkester, nii nagu suviti mängis seal sümfooniaorkester üle poole sajandi tagasigi.

Pidustused päädisid galaga kontserdimajas, kus üksteise järel mängisid Pärnu linnaorkester, koroona tõttu vähendatud koosseisuga Eesti Festivaliorkester, Järvi akadeemia noorte sümfooniaorkester ning märgilistest sündmustest rääkisid muusikafestivalide ajaloos olulised isikud Ilmar Tõnisson, Allar Kaasik, Peeter Vähi, Neeme ja Paavo Järvi ning Kristjan Hallik.

Teise ilmasõja järel katkenud suvise orkestrimuusika traditsiooni 1960. aastatel koduses suvituslinnas taastanud dirigent Tõnisson meenutas, kuidas ta pool sajandit tagasi tegi hiigelponnistusi selle nimel, et Pärnu saaks ükskord ometi omale korraliku kontserdisaali, kuhu mahuksid mängima orkestrid, ja kuidas toonased ametnikud ei tahtnud kuidagi vedu võtta. Nii sündiski tal peas mõte teha esimene suurejooneline Ludwig van Beethoveni loomingule pühendatud festival – ehk siis saadakse aru, et Pärnu on väärt ja vajab sellist kontserdisaali.

Samast ajast pärineb Pärnu muusikaelus legendiks kujunenud lugu sellest, kuidas Tõnisson jalutas jalgsi linna külje alla Kirbu jõe äärde, kus suvitas Neeme Järvi. Ja kuidas Järvigi, kes siin elanud ema kaudu end alati Pärnuga seotuks on pidanud, sellest ideest kohe vaimustus.

“Tulin Pärnu, oma sünnilinna, ja võtsin südameasjaks taastada Pärnus suvemuusika traditsioon, mis oli siin enne teist maailmasõda ja isegi enne esimest maailmasõda. Rahvas väga armastas seda. Algus oli väga raske, ei läinud kuidagi see asi meil käima, aga lõppkokkuvõttes oli nii, et kõlakoja ümbruses oli kuulajaid sadade viisi püsti. Seda oli omamoodi kurb vaadata ja ma hakkasin mõtlema, kuidas saaks ikkagi Pärnusse kontserdisaali. Käisin paljudes ministeeriumides Tallinnas, aga asi ei nihkunud. Ja tuligi mõte teha festival: siis tuleb siia külalisi ja ehk Pärnu saab rohkem tähelepanu,” meenutas Tõnisson.

“Nagu ikka tol ajal algas kõik parteimajast ja ettepanekud pidid tulema ülevalt, altpoolt need ei tahtnud läbi minna, aga minul läks hästi – kolmandal korral siiski nõustuti, et Pärnus võib teha muusikafestivali. Idee oli tekkinud, aga sel ei olnud tuult all. Neeme Järvi oli end väga hästi näidanud kui silmapaistev dirigent ja isiksus, kelle mõjul paljud asjad kultuurivallas nihkusid paika. Palusin sõpra professor Leo Normetit ja oma kaasat ja läksime jalgsi – autot mul ei olnud – Kirbule, kus Neeme Järvi puhkas. Rääkisime talle sellest mõttest ja Neeme oli vaimustuses. Aga mida tähendab, kui sellisel tasemel olev inimene on nõus? Siis läks asi kohe käima. Juba tulid koosolekud kultuuriministeeriumi ja riikliku [lharmoonia osavõtul, sai kokku programm ja esinejad, Leo Normet andis avakontserdil ülevaate Beethoveni loomingust.”

Nädal aega kestnud Beethoveni päevad võeti kokku mõtteavaldusega, et muusikafestivalist peab kujunema Pärnus traditsioon.

1980. aastal emigreerus Järvide pere Eestist, orkestrimuusika jätkus aga pärnakate ja muusikutest suvepärnakate ponnistusel edasi. 1990. aastatel andsid selle traditsiooni jätkumisse hindamatu panuse festivaliga Klaaspärlimäng Peeter Vähi ja Oistrahhi festivaliga tšellist Allar Kaasik. Kümme aastat tagasi võttis festival aga perekond Järvide ja korraldaja Kristjan Halliku eestvedamisel sellise kuju, nagu me seda praegu teame ja tunneme.

“Tahtsime Pärnus välja arendada tänapäeva nõuetele vastava rahvusvahelise festivali, millega saaksime Eesti viia maailma ja tuua maailma muusika Eestisse. Ja ma pean ütlema, et meil on hea meel, et see meil õnnestus,” tõdes Kaasik. “Loominguline õhkkond, mis Oistrahhi festivalil valitses, tekitas palju uusi ideid, sealhulgas idee sellest festivalist, kus me praegu oleme.”

Kaasik meenutas aastat 2000, kui Neeme Järvi tuli esimest korda taas Pärnusse ja dirigeeris Pärnu linnaorkestrit. Paljud ütlesid talle, et ärgu nähku vaeva, Neeme Järvi ei tule kunagi Pärnusse ega hakka kunagi Pärnu linnaorkestrit dirigeerima. “Aga ta tuli ja tõi kaasa siia oma perekonna. Minule teadaolevatel andmetel on Oistrahhi festival esimene festival maailmas, kus dirigeeris kolm Järvit,” kõneles Kaasik.

Ekraani vahendusel anti sõna Neeme Järvile. Järvi manas alustuseks näole talle omase ja tuntud muheda naeratuse, pälvides hetkega publiku poolehoiu ja käteplaksutuse. “Ameerikas on küllaltki traagiline elu praegu, nii et ma ei saanud siit välja tulla, aga oleks tahtnud küll. Olen tegelikult mõtte ja südamega teie juures, pärnakad, ja kõige selle festivali ja terve selle suvise elu juures, mida Pärnu on meile pakkunud,” lausus Järvi.

“Teate, me – Järvi perekond – oleme natuke sellised fanaatikud. Me oleme eluaeg fantaseerinud midagi. Ja see Pärnu festival iseenesest on ju tulnud pärnakate fantaasiast,” jätkas ta. “Millised inimesed Pärnus on elanud! Lydia Koidula, kes tegelikult oli saksapärane leedi, mõtles papa Jannseniga välja ajal, mil eesti keelt veel eriti ei räägitud, et hakkame laulupidusid tegema. Fanaatikuist pere võttis kätte ja organiseeris laulupeo. Ja õpiti selgeks eesti keel, seda räägib miljon inimest tänu neile kahele Pärnumaa inimesele. No kas mul ei ole õigus? Kas Eesti Vabariik kuulutati välja Pärnu Endla rõdult? Niisugused fanaatikud on elanud Pärnus.”

Laulupidu ja Koidula, Pärnu muusikafestival ja Eesti Festivaliorkester on need, mille üle uhke olla.

“Mis on toimunud viimase kümne aasta jooksul, on fenomenaalne. Mis Paavo Järvi ja Eesti Festivaliorkester teevad – kõik maailmamuusikud tahaks tulla Pärnusse, et musitseerida koos selle suurepärase kollektiiviga. Mida me sellega näitame? Et Pärnu on üks maailmalinn ja me näitame sellega Eestit. Eestit on vaja maailmale tutvustada ikka ja jälle,” märkis maestro.

“Seda, et Pärnust on arenenud Euroopa suvine kultuurilinn, olete teinud teie, Pärnu publik, sest nüüd meil on saalid täis,” lisas Kaasik, kes Oistrahhi festivali alguspäevadel pidi kuulajate leidmisega kurja vaeva nägema. “Te olete inspireerinud tulema Pärnusse suvel jälle neid puhkajaid, kes tahavad tulla kuulama klassikalist muusikat.”

Tõnisson märkis, et kui vene ajal korralikku kontserdisaali Pärnusse pingutuste kiuste siiski saada ei õnnestunud, siis nüüd on see fanaatiliste pärnakate, eesotsas tema oma õpilase Aivar Mäe ponnistusel meil olemas. “Järgmist juubelit tähistame jälle koos, siis kui Beethoveni sünnist möödub 300 aastat. Sel aastal on 250. Järgmine kord siis tingimata. Kes vahepeal ei saa tulla, siis kohtume ikkagi 50 aasta pärast. Elagu Pärnu muusikafestival ja veel kauem kui elu siin maakera peal!” lausus meie muusikafestivalide traditsiooni algataja.

Friday, July 17, 2020

Two “Firsts” as Beethoven opens the Pärnu Music Festival

Bachtrack
Mark Pullinger
16.07.2020

What a difference a year makes. Last July, I was basking on the white sands of Pärnu, Estonia’s summer capital, dotted about with spa hotels and pretty dachas. I was there to attend Paavo Järvi’s labour of love, the Pärnu Music Festival. With international travel the last thing on my mind in the wake of Covid-19, it is still possible to enjoy this summer’s festival tenth edition from a safe distance, with all the concerts streamed on its website, along with the Järvi Academy conducting masterclasses.
Harry Traksmann and Paavo Järvi
Photo: Kaupo Kikkas

Rather than starting with a fanfare, the festival began with a moment of sombre reflection, Arvo Pärt’s Cantus in memoriam Benjamin Britten perhaps acting as an elegy to those who lost their lives in the pandemic, the Tallinn Chamber Orchestra strings digging deep into Pärt’s sustained lines.

By the time the world shut down in March, we were already deep into Beethoven’s anniversary celebrations, perhaps wondering if we’d tire of yet another symphony cycle by the time we reached his actual 250th birthday come December. Most of those plans were aborted, but his music is gradually reviving European concert halls. No symphony cycle here in Pärnu, but two (almost) Firsts in this concert: the First Symphony and the First Piano Concerto.

The Piano Concerto no. 1 in C major was actually Beethoven’s third, but the first to be published. It begins with a long orchestral exposition, which allowed plenty of time for pianist Kalle Randalu to survey the landscape Järvi had chosen for their course – only to seemingly reject it. Where the TCO offered a brisk, muscular opening, Randalu was in no hurry, immediately slamming on the brakes at his initial entry. His articulation was admirably precise, but this was a ruminative journey, short on surprises. The first movement cadenza had an almost Mozartian quality, lovingly played. The Largo was unhurried and there was no rushing at fences in the Rondo finale, although Beethoven’s theme is so perky it couldn’t help but raise a smile, the interplay with the orchestra – Randalu often swivelling around on his piano stool – good-natured. His encore, a little Mozart march, was whipped with the lightest of hands.

Kalle Randalu
Photo: Kaupo Kikkas

The highlight of the concert was definitely the First Symphony. This was tousle-haired Beethoven, a young firebrand keen to upset the symphonic applecart, posing questions right from the opening chords. The Tallinn Chamber Orchestra may have sported only twenty string players, but what effervescent impact they made, full of grit, the pair of double basses nestled in front of the horns and flutes. Järvi’s conducting style is the epitome of less-is-more, minimal gestures, no grandstanding, but there was still tremendous impetus to the first movement’s Allegro con brio.

With hard sticks, the timpani thumps injected the subversive Minuet with vigour – Beethoven never invited anyone to dance to this music – and after the Trio, Järvi steered a neat accelerando back into the reprise. And the teasing opening to the finale positively grinned, eventually humming along at speed. There was further punch in the encore, the overture to The Creatures of Prometheus signalling there’s plenty more fire in Beethoven’s belly this year.

This performance was reviewed from the video live stream.

Desmitā vasara draudzīgā atmosfērā. Sākas Pērnavas Mūzikas festivāls

Diena
Jegors Jerohomovics
16.07.2020

Starptautiski pazīstamā diriģenta Pāvo Jervi rīkotā Pērnavas Mūzikas festivāla uzmanības centrā šovasar būs igauņu komponisti un izpildītājmākslinieki. Koncertus varēs apmeklēt klātienē un klausīties tiešsaistē.

Pērnavas Mūzikas festivāls notiks no 16. līdz 23. jūlijam – klātienē koncerti būs pieejami ierobežotam klausītāju skaitam Pērnavas koncertzālē. Visi astoņi koncerti tiks demonstrēti tiešraidē festivāla mājaslapā (būs nepieciešams iegādāties biļeti). Festivāla dibinātājs maestro Pāvo Jervi ir atradis iespēju operatīvi pārplānot programmu, pielāgojoties Covid-19 krīzes noteiktajām prasībām. Viņš ar prieku ir paziņojis, ka desmitajā jubilejas festivālā varēs apvienoties piecdesmit pieci Igaunijas Festivāla orķestra mūziķi, divdesmit no viņiem ir ārzemju mākslinieki.

Rezonanse pasaulē

"Esmu neiedomājami laimīgs, ka šajos apstākļos mums izdosies noorganizēt festivālu. Lai gan svinības būs mazāk vērienīgas, nekā sākotnēji plānots, to visu kompensēs Pērnavas gaisotne. Nespēju sagaidīt brīdi, kad atgriezīšos vienā no savām iemīļotākajām vietām un satikšos uz skatuves ar daudziem draugiem," uzsver Pāvo Jervi.

Festivāls Pērnavā ik gadu piesaista starptautisko mediju uzmanību. Kritiķi apbrīno Pāvo Jervi spēju pulcēt ap sevi lieliskus māksliniekus un slavē festivāla draudzīgo atmosfēru, kurai ir sveša jebkāda pretenciozitāte.

Jervi mūziķu dinastijas pārstāvis, diriģēšanas vecmeistara Nēmes Jervi dēls Pāvo Jervi, kurš ir dzimis Igaunijā un izglītojies ASV, pašlaik ir Cīrihes orķestra Tonhalle un Japānas NHK simfoniskā orķestra galvenais diriģents, kā arī Brēmenes Vācu kamerfilharmonijas mākslinieciskais vadītājs.

Pērnavas Mūzikas festivāls un Igaunijas Festivāla orķestris ir viņa lolojums. Orķestris izveidots 2011. gadā kā Pērnavas Mūzikas festivāla rezidējošais ansamblis. Šajā kolektīvā diriģents ir sapulcējis dažādu Eiropas orķestru dalībniekus un labākos igauņu mūziķus. Šis ir ilgtermiņa projekts, kuram jau ir laba reputācija un atpazīstamība pasaulē. Orķestris ir uzstājies Londonas festivālāBBC Proms, Hamburgas Elbas filharmonijā un daudzviet Eiropā, kā arī devies Japānas turnejā. Repertuāra pamatā ir Baltijas, Ziemeļvalstu, Polijas, Krievijas un Vācijas komponistu mūzika. Recenzijās tiek uzsvērta mūziķu aizraujošā enerģija un virtuozitāte: "Gadu no gada orķestris attīstās, mūziķi atveras cits citam, rūpīgi ieklausās cits citā."

Kompānijas Alpha Classics paspārnē ir izdoti divi Igaunijas Festivāla orķestra albumi: pirmajā ir iemūžināta Dmitrija Šostakoviča Sestā simfonija un Sinfonietta (Astotais stīgu kvartets), otrajā – Erki Svena Tīra opusi.

Uz mēness gaismu

"Kad apsēdos un sāku domāt par 2020. gada festivāla programmas pārveidošanu, ņemot vērā visus ierobežojumus, sapratu, ka šī situācija sniedz mums iespēju nosvinēt, cik tālu esam tikuši, pavadot desmit vasaru Pērnavā," saka Pāvo Jervi. "Sākotnēji mans mērķis bija audzināt un bagātināt igauņu talantus, pieaicinot daudz viesmākslinieku un tādējādi radot vidi, kurā jaunie igauņu mūziķi varētu attīstīties un spēlēt kopā ar labākajiem kolēģiem no visas pasaules. Esmu konstatējis, ka mērķis ir sasniegts – tagad izcilie igauņu mūziķi sagaida ciemos ārzemju kolēģus, lai atkal apvienotos muzikālā piedzīvojumā."

Festivāla koncertos piedalīsies igauņu solisti – pianisti Kalle Randalu un Kristjans Randalu, vijolniece Trīna Rūbele un čellists Teodors Sinks. Viesmākslinieku vidū būs somu pianists Olli Mustonens, krievu vijolniece Aļona Bajeva un vācu mežradznieks Stefans Dors.

Koncertos skanēs igauņu komponistu Arvo Perta, Erki Svena Tīra un Jiri Reinveres opusi. Notiks Tenu Kervitsa kompozīcijas Uz mēness gaismu pasaules pirmatskaņojums. Par godu Lepo Sumeras (1950–2000) septiņdesmit gadu jubilejai programmā būs iekļauts viņa Čellkoncerts, Trešā simfonija un mūzika no animācijas filmas Pavasara muša.

Festivālā būs dzirdama Ludviga van Bēthovena, Volfganga Amadeja Mocarta, Fēliksa Mendelszona, Jozefa Haidna, Antonīna Dvoržāka un Riharda Štrausa mūzika. Koncertos piedalīsies Tallinas kamerorķestris un Pērnavas orķestris. Igaunijas Festivāla orķestris Pāvo Jervi vadībā uzstāsies 19., 22. un 23. jūlijā.

Neatņemama festivāla sastāvdaļa ir jauno mūziķu akadēmija. Koronavīrusa pandēmijas dēļ šogad nodarbībās klātienē piedalīsies tikai Igaunijā dzīvojošie jaunieši. Pērnavā un Tallinā notiks meistarklases diriģentiem, kā arī mūziķiem, kuri spēlē stīginstrumentus un pūšaminstrumentus. Ar viņiem strādās brāļi diriģenti Pāvo un Kristjans Jervi, igauņu profesionāļi un ārzemju viesmākslinieki (viena no pasniedzējām būs latviešu vijolniece Eva Bindere). Jaunieši muzicēs festivāla koncertos Jervi akadēmijas simfoniskā orķestra un Jervi akadēmijas kamerorķestra Sinfonietta sastāvā.

Informācija: efo.ee, www.parnumusicfestival.ee

Koncertu tiešraide un biļetes: parnumusicfestival.tv

Friday, July 10, 2020

Tonhalle-Chefdirigent Paavo Järvi: «Wir finden Wege aufzutreten»

NZZ am Sonntag
Frank Heer
10.07.2020

Dem Tonhalle-Orchester Zürich steht eine ungewisse Saison bevor. Der Chefdirigent Paavo Järvi über Konzerte in Zeiten der Krise und die Psychologie eines Orchesters.


«Psychologie ist alles», sagt Paavo Järvi, Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters Zürich
Foto: Alberto Venzago

NZZ am Sonntag: Als die «Titanic» sank, trotzte die Bordkapelle ihrem Schicksal und spielte bis zur letzten Minute. Als Sie sich im Juni entschlossen, mit dem Tonhalle-Orchester Zürich noch ein paar Konzerte vor der Sommerpause zu geben, gab es da einen ähnlichen Beweggrund: der Corona-Krise mit Sibelius zu trotzen?

Paavo Järvi: Ich glaube tatsächlich, dass Musik in schwierigen Zeiten helfen kann, sei es, indem sie Trost spendet oder Zerstreuung bietet. Wir dürfen nicht abwarten und nichts tun, das wäre ein falsches Signal. Auch wenn wir uns noch nicht auf der Titanic befinden, so ist die Zukunft für unser Orchester tatsächlich ungewiss. Wenn wir ab Januar 2021 wegen der Covid-19-Massnahmen noch immer nicht als komplettes Orchester auftreten dürfen, ist eine Katastrophe nicht mehr ausgeschlossen. Was, wenn man uns den Geldhahn zudreht? Man kann sich ausrechnen, was dann passiert.

Was sind die Szenarien?


Wenn ein Orchester auf Dauer nicht spielen darf, gibt es keinen Grund mehr, es finanziell zu unterhalten. Das wäre selbst in einer reichen Stadt wie Zürich, in der Subventionen zum kulturellen Verständnis gehören, schwer zu begründen. Was passiert, wenn einem das Geld ausgeht, sieht man gerade in den USA, wo Musiker hochkarätiger Orchester nicht mehr bezahlt werden können, weil die Konzertsäle wegen der Corona-Krise geschlossen sind. So weit sind wir hier noch nicht. Aber wenn wir in einem oder zwei Jahren noch immer nicht zur Normalität zurückgekehrt sind, ist das Bild der Titanic gar nicht mehr so unwahrscheinlich - mit dem Unterschied, dass wir nicht schnell, sondern langsam sinken werden.

Wie schätzen Sie als Kapitän des Schiffes die momentane Lage ein?

Noch habe ich Vertrauen, dass der Untergang verhindert werden kann, der in anderen Ländern bereits droht. Ich hoffe, dass Zürich die nötige Geduld aufbringt und uns durch diese schwierige Periode trägt. Das heisst aber auch, dass wir als Orchester kreativ sein, Ideen entwickeln müssen, wie man in Zeiten der Pandemie trotzdem spielen kann. Auch gegen aussen ist es ein wichtiges Zeichen: Wir sind hier, und wir finden Wege aufzutreten.

Was war Ihr Gefühl, als Sie vor vier Wochen aus dem Lockdown in London nach Zürich kamen, um mit Teilen des Orchesters zu proben? Hatten Sie Bedenken?

Der Sicherheitsabstand von zwei Metern zwischen den Musikern machte mir grosse Sorgen. Er hat einen enormen Einfluss auf die akustische Wahrnehmung im Orchester, denn normalerweise sitzen die Musiker eng beieinander. Mit grossen Abständen hört man das eigene Instrument lauter, den Sitznachbarn leiser oder gar nicht mehr. Das wiederum führt dazu, dass man anders spielt. Glücklicherweise wurde der Abstand nun auf einen Meter reduziert.

Kann man nach einer Zwangspause von drei Monaten überhaupt einfach wieder zusammenkommen und klingen, als wäre nichts geschehen?

Unter normalen Umständen wäre das kein Problem. Drei Monate sind für ein gutes Orchester nicht lang genug, um den Sound zu gefährden oder zu verändern. Zwar waren wir bei der ersten Probe alle nervös, vor allem aber glücklich, wieder zusammen spielen zu können, auch wenn wir nicht wussten, was passieren würde.

Ich sass an dieser ersten Probe im Juni im Saal. Es war sehr eindrücklich, wie Sie und das Orchester mit den ersten Takten von Jean Sibelius’ Suite «Rakastava» zusammengefunden haben, schüchtern, aber zärtlich. Wie haben Sie das empfunden?

So, wie Sie es gerade beschrieben haben. Darum wählte ich auch dieses Stück. Ich wollte etwas spielen, das uns die Möglichkeit gab, über die Musik miteinander zu kommunizieren. Ich finde, es hat dann auch gut funktioniert. Was trotzdem bleibt, ist die Ungewissheit.

Hier kommt die Psychologie ins Spiel. Hat der mentale Zustand eines Orchesters einen Einfluss auf den Klang?


Alles hat einen Einfluss auf den Sound. Normalerweise sind Musikerinnen und Musiker in der Lage, ihre persönlichen Probleme auszuklammern und sich beim Spielen ganz auf ihre Arbeit zu konzentrieren. Aber das sind heute andere Zeiten. Wir alle spüren: Das ist nicht mehr normal. Wenn sich die Unsicherheit auf Dauer nicht zerstreut oder gar in Angst umschlägt, führt sie dazu, dass man anders spielt. Zurückhaltender, vorsichtiger. Das beeinflusst auch den Sound. Die Psychologie eines Orchesters, sein mentales Wohlbefinden, ist alles.

Können Sie den mentalen Zustand des Tonhalle-Orchesters beschreiben?

Er ist hoffnungsvoll. Zumindest herrscht noch keine Untergangsstimmung. Aber natürlich machen wir uns Sorgen. Niemand von uns will krank werden, niemand seinen Job verlieren. Wie lange wird die Krise andauern? Was, wenn wir nicht mehr als symphonisches Orchester auftreten können? Wird es Entlassungen geben? Das sind existenzielle Fragen, die uns alle beschäftigen. Und selbst, wenn sich die Lage Anfang 2021 normalisieren sollte: Die Pandemie hat bereits ein Loch in unser Budget gerissen. Wer wird dafür bezahlen? Was bedeutet das für uns als Orchester? Es ist sehr komplex.

Das Tonhalle-Orchester besteht aus rund hundert Musikerinnen und Musikern. Wie krisenanfällig ist ein so wuchtiger Klangkörper?


Als homogene Gruppe profitiert ein symphonisches Orchester vom Talent jedes einzelnen Musikers und ist somit stark. Gleichzeitig ist es eine heterogene Gemeinschaft, das heisst, je mehr Menschen in diesem Gefüge verunsichert sind, desto mehr leidet die Musik. Darum ist es auch so wichtig, dass wir im Herbst wieder spielen, auch unter erschwerten Bedingungen mit einem flexiblen Programm, das sich der Situation anpasst. Die Konzerte fördern den mentalen Unterhalt.

Wenn Sie vom «mentalen Unterhalt» eines Orchesters sprechen: Nehmen Sie als Dirigent auch die Rolle des Psychologen ein?

Ein wenig. Zumindest ist man mitverantwortlich für das Klima, das im Orchester herrscht. Ich muss mir dessen bewusst sein, dass jedes Mitglied eigene Erwartungen und Empfindungen hat. Die einen brauchen einen Anführer, die anderen einen Lehrer, wieder andere einen Freund. Um herauszufinden, wie es um die mentale Gesundheit eines Orchesters steht, muss ich sowohl ein gutes Gespür für die Gemeinschaft als auch für jeden einzelnen Musiker entwickeln.

Kann man sagen, dass jeder Ihrer zehn Vorgänger den Klang des Tonhalle-Orchesters geprägt hat, Sie miteingeschlossen?
Ja.

Und dennoch ist es so, dass jedes gute Orchester über Jahrzehnte seinen eigenen Sound behält, auch wenn ständig neue Dirigenten hinzustossen. Warum ist das so? Warum können die Wiener Philharmoniker nicht wie die Berliner Philharmoniker oder das Cleveland Orchestra nicht wie das Tonhalle-Orchester Zürich klingen?

Weil jedes Orchester eine eigene DNA hat.

Das müssen Sie erklären.


Man kann es auch eine kollektive Erinnerung nennen, die über Generationen weitergegeben wird. Wie das genau funktioniert, bleibt auch für mich rätselhaft. Wie kann es sein, dass sich der charakteristische Sound eines Orchesters kaum verändert, obwohl ständig neue und junge Musikerinnen und Musiker hinzustossen? Ich kann es mir nur so erklären, dass die Organisation als Ganzes ein eigenes Erinnerungsvermögen hat, das sich über Jahrzehnte, teilweise Jahrhunderte gefestigt hat.

Ein unbewusstes Erbe?

Manchmal ist es auch die Struktur der Organisation, die den Sound bestimmt. Nehmen wir die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, die ich ebenfalls leite. Dieses Orchester unterscheidet sich strukturell komplett vom Tonhalle-Orchester Zürich. Es besteht erst seit 1980 und ist als basisdemokratischer Zusammenschluss von Musikstudenten gegründet worden. Das Tonhalle-Orchester dagegen ist eine geschichtsträchtige Konzertgesellschaft mit traditionellen Strukturen, einem Vorstand, einer Direktion, einem Management-Team. Das alles wirkt sich auf die Entwicklung und den Sound eines Orchesters aus.

Hört man alte Aufnahmen von Dirigenten wie Fritz Reiner oder Arturo Toscanini, so ist man entzückt über die Darbietung - dabei waren beide Tyrannen am Pult, die ihre Orchester despotisch führten. Wie geht das zusammen? Guter Sound und unmenschliche Führung?

Dafür gibt es nur eine Erklärung: Es waren andere Zeiten. Glücklicherweise haben sie sich geändert, nicht nur in der Musik. Eine Firma ist nur dann erfolgreich, wenn sie die Angestellten respektvoll behandelt, sonst stimmt etwas nicht mit dem Fundament der Organisation. Ich zumindest kann mir nicht vorstellen, dass man als Dirigent etwas Gutes aus einem Orchester herausholt, indem man die Musiker anbrüllt.

In jungen Jahren waren Sie Rockschlagzeuger. Hat dieses Instrument einen Einfluss darauf, wie Sie - sagen wir - Mozart dirigieren?

Wahrscheinlich. Jede Musik basiert auf Rhythmus und Groove. Und als Dirigent nehme ich mir die Freiheit zur Interpretation. Wenn ich das Gefühl habe, diese Passage braucht mehr Ecken und Kanten, dann setze ich die Akzente etwas schärfer, so wie ein Schlagzeuger. Wir befinden uns gerade in einer spannenden Zeit, in der viele Traditionen und Spielarten gesprengt werden. Als Musiker sind wir eingeladen, uns unserer eigenen Imagination zu bedienen und darüber nachzudenken, wie wir klassische Musik interessanter und frischer klingen lassen können. That’s Rock’n’Roll!

Das heisst, Mozart oder Beethoven klingt heute anders als vor fünfzig oder hundert Jahren?


Ja. Innerhalb der Regeln gibt es viel Platz zur Interpretation in die eine oder andere Richtung. Dazu eine Anekdote aus meiner Kindheit in Estland: Mein Vater war Dirigent. Durch seinen Beruf kam er in der Welt herum und brachte viele Schallplatten aus dem Westen von seinen Tourneen mit nach Hause, die man in der Sowjetunion nicht kaufen konnte. Einmal war es eine LP-Box mit Mozart-Sinfonien, gespielt von den Berliner Philharmonikern unter der Leitung von Karl Böhm. Mein Vater lud seine Musikerfreunde ein, und wir lauschten ergriffen den Aufnahmen. Dabei finde ich sie heute ziemlich langweilig. Böhm war ein guter Operndirigent, aber nicht sehr innovativ mit symphonischer Musik. Trotzdem liebten wir diese Aufnahmen, denn wir glaubten, dass Mozart so gespielt werden müsse.

Und dann kamen Dirigenten wie Nikolaus Harnoncourt oder der Pianist Friedrich Gulda, die zeigten, dass Mozart auch ganz anders tönen kann.

Richtig. Leute wie Harnoncourt, Gulda, aber auch Roger Norrington und John Eliot Gardiner waren Pioniere, die vor vierzig Jahren ihre eigene Vorstellungskraft nutzten, statt sich an den alten Dirigenten zu orientieren, die Mozart wie Wagner dirigierten und von der Romantik beeinflusst waren. Die neue Generation war historisch informiert, sie wusste, dass man zu Mozarts Zeiten auch improvisiert hat, dass man es mit den Vorgaben oft nicht so genau nahm. Meistens spielte man diese Musik auch schneller, mit mehr Verve. Da nähert man sich schon fast dem Jazz.

Sie sammeln ja auch Jazz-Platten und bewundern den Popmusiker Prince. Welche Musik hörten Sie als junger Mann?


Ich hatte nie irgendwelche Barrieren. Bis heute interessiert mich jede Musik, die gut ist, innovativ, überraschend, egal ob Pop oder Jazz oder Klassik. Früher mochte ich Progressive Rock wie Queen, Yes, Emerson, Lake & Palmer, aber auch Police oder Aerosmith. Über meine Kinder bin ich informiert, was heute angesagt ist. Billie Eilish zum Beispiel. Ihr hört man an, dass sie ein grosses Bewusstsein für Musikgeschichte hat und dieses Wissen geschickt einsetzt. Was ich nicht mag, ist, wenn man gezwungen ist, schlechter Musik zuzuhören, zum Beispiel in einem Restaurant oder einer Bar.

Sie sagten in einem anderen Interview, dass viele der jungen Dirigenten mit Popmusik aufgewachsen sind und diese auch in ihre Arbeit einfliesst.

Ich benutze bei den Proben oft Worte wie swing oder groove - das sind Ausdrücke aus dem Jazz und der Popmusik. Aber sie gelten meiner Meinung nach auch für die Klassik, denn wenn die Musik nicht swingt und nicht groovt, machen wir etwas falsch. Interessant ist übrigens, dass die amerikanischen Orchester oft altmodischer klingen als die europäischen.

Obwohl Amerika die Heimat des Rock’n’Roll ist?

Das hat mit der akademischen Tradition zu tun, die in den USA noch immer stark von den alten Europäern geprägt ist, von Lehrern aus Deutschland, Ungarn, Russland, die lange an den amerikanischen Universitäten unterrichteten. Die meisten grossen US-Orchester legen Wert auf diese Tradition, weil sie denken, dass es «the real thing» ist. Eine Evolution wie in Europa fand in Amerika nie statt. Darum bin ich glücklich, mit einem Orchester wie dem Tonhalle-Orchester zu arbeiten, das nicht nur zu den besten der Welt gehört. Hier ist man auch bereit, Traditionen zu hinterfragen, Neues zu wagen. Die DNA eines Orchesters lässt sich nicht verändern, wenn man es nicht versucht.

Ein oft wiederholtes Argument gegen Ihre Philosophie ist der Verweis auf das Publikum: Man dürfe es nicht überfordern.

Meine Erfahrung ist eine andere: Die Zuhörer spüren sofort, wenn etwas gut ist, wenn mit Hingabe, Aufrichtigkeit und Imaginationskraft musiziert wird. Es geht ihnen weniger um Tradition, sie wollen überzeugt werden. Es ist sehr wichtig, wie wir die Musik vermitteln.

Sie waren während des Lockdown mit Ihrer Familie in London. Wie haben Sie diese Zeit erlebt?

Für mich persönlich waren diese drei Monate ein einschneidendes Erlebnis. Die ersten Wochen waren ein Schock. Doch dann, mit jedem Tag, begann ich dieses verlangsamte Leben zu mögen: Sich nicht darüber Gedanken machen zu müssen, wann ich am nächsten Morgen am Flughafen sein muss, die nächste Probe ansteht und in welchem Hotel ich übernachten werde. Ich führte ein Leben, wie ich es seit meiner Zeit als Student nicht mehr geführt hatte: Ich schlief in meinem eigenen Bett, machte mir mein eigenes Frühstück, kochte, hörte Musik, las viel, brauchte mich nicht mit meiner Agenda herumzuschlagen. Das war schon fast therapeutisch.

Inwiefern?

Weil ich plötzlich Zeit hatte, über mich selbst nachzudenken. Warum führe ich das Leben, das ich führe? Führe ich es so, weil ich es nicht anders führen möchte, oder weil ich mich daran gewöhnt habe? Wie viel Zeit bleibt mir noch, und wie möchte ich diese Zeit nutzen? Solche und ähnliche Fragen, für die mir bis anhin die Zeit fehlte, um darüber nachzudenken.

Und was sind Ihre Antworten?


So weit bin ich noch nicht. Doch die richtigen Fragen sind meines Erachtens schon sehr viel, finden Sie nicht?

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Krisensicheres Programm

Die Tonhalle setzt auf Überraschungen

Für die Saison 2020/21 kündet das Tonhalle-Orchester Zürich kammermusikalische Konzerte an, die auf die jeweils aktuellen Covid-19-Vorschriften zugeschnitten sind. Das erfordert Flexibilität, auch in der Programmierung. Bis Dezember sind das Kurzkonzerte zu Einheitspreisen, die jeweils monatlich bekanntgegeben werden. Das Management betont, dass man ein «überraschendes Programm» vorsehe, das «Lust auf Wiederentdeckungen macht» und auch Zeitgenössisches bereithält. Die Saison wird von Paavo Järvi am 23. September mit Beethovens 7. Sinfonie sowie der Erstaufführung von «La Sindone», einer Komposition des Estländers Arvo Pärt, eröffnet. Ab Januar 2021 hofft die Tonhalle-Gesellschaft auf eine Rückkehr zur Normalität, so dass wieder Konzerte mit dem kompletten Orchester durchgeführt werden können. Zum Konzertprogramm ab 19. August: tonhalle-orchester.ch.

Monday, July 06, 2020

ПЕРСОНА

МУЗЫКАЛЬНАЯ ЖИЗНЬ
ТЕКСТ: ВИКТОР АЛЕКСАНДРОВ

ФОТО: KAUPO KIKKAS
12.06.2020




ПААВО ЯРВИ:
КЛАССИЧЕСКАЯ МОДЕЛЬ ИСПОЛНЕНИЯ ЧАЙКОВСКОГО ДАВНО ПОТЕРЯЛА АКТУАЛЬНОСТЬ



Пааво Ярви – старший сын патриарха эстонской дирижерской школы Неэме Ярви, обладатель премии «Грэмми», сегодня возглавляет цюрихский оркестр Тонхалле, Немецкий камерный филармонический оркестр Бремена, Симфонический оркестр NHK (Токио, Япония), сотрудничает с ведущими музыкальными коллективами Старого и Нового Света. В период карантина Пааво Ярви проводит время у себя дома в Лондоне. Скучать маэстро не приходится, каждый день приносит новые музыкальные краски и идеи.

Виктор Александров (ВА) поговорил с Пааво Ярви (ПЯ) о том, чем занимается маэстро в режиме самоизоляции, о Чайковском и Брамсе, об актуальных записях.
ВА Пааво, как вы переносите самоизоляцию?


ПЯ Я не помню, когда у меня были три свободные недели посреди сезона. Пока нет большого желания вновь отправляться в аэропорт, чтобы снова ­куда-то лететь. Но беспокоит то, что никто из нас не знает, что будет дальше. Дома я слушаю много разной музыки, причем не всегда отдаю предпочтение той, которую должен сам дирижировать. За время карантина я изучил Торжественную мессу Бетховена, оперу «Кармен» Бизе. Сейчас меня также привлекает оркестровая музыка Артюра Онеггера и других французских композиторов, его современников.


ВА Какие партитуры стараетесь освоить?


ПЯ
Интенсивно вникаю в Четвертые симфонии Шостаковича и Прокофьева. Это всего пара названий из списка произведений, которые я должен обязательно посмотреть. Вообще, в темпе такой неспешной уединенной жизни, когда можно полностью погрузиться в тексты сочинений, почувствовать атмосферу музыки и времени, есть своя прелесть.


ВА Наверняка вспоминаете период, когда вместе с вашим отцом Неэме Ярви дома прослушивали записи и вели разговоры о музыке?


ПЯ
Конечно! Мы и теперь каждый день созваниваемся, много беседуем по Скайпу, сравниваем не только прошлые записи и концерты, но и обсуждаем будущие планы.


ВА Домашние концерты и дискуссии в режиме онлайн сейчас особенно актуальны. Раньше вы были готовы к подобным экспериментам?


ПЯ
Меня интересовало привлечение аудитории с помощью интернета. Кризис быстро помог преодолеть некоторый скептицизм. Всемирная паутина – важный способ самовыражения, общения. Мне нравится, когда люди интересуются, задают вопросы. Можно вести беседы на заранее выбранные темы. Недавно прошла очередная дискуссия о творчестве Сибелиуса. Было интересно – не только любителям музыки, но и молодым дирижерам. Многие из них пишут мне, что такие беседы очень полезны.


ВА Благодаря образовательной платформе для виртуальных искусств Culturenet на вашем YouTube-канале и Facebook Live был запущен онлайн-­проект «Диалоги о Брамсе». Почему выбрали этого композитора?


ПЯ
Мы начали серию проектов после выпуска на DVD записи «Немецкого реквиема» Брамса с участием Филармонического оркестра Бремена. Видео было записано в Кафедральном соборе города полтора века спустя после мировой премьеры сочинения. В Пасхальное воскресенье на сайте Немецкого камерного филармонического оркестра и на телеканале Deutsche Welle можно было послушать этот опус Брамса в исполнении Бременского оркестра, государственного хора «Латвия» и солистов – Маттиаса Гёрне и Валентины Фаркас. А затем на моем YouTube-канале и Facebook Live мы говорили о самом композиторе. Меня интересовало, вызовет ли это отклик у интернет-­аудитории. Все прошло как нельзя лучше, и пользователи попросили меня делать такой проект каждую неделю.


ВА Способна ли сегодня месса стать утешением для людей?


ПЯ
«Немецкий реквием» – не традиционная месса, которая воспринимается как утешение для тех, кто скорбит. Она помогает людям обрести правильный путь к новой вере и надежде. Брамс создал свое гениальное сочинение, полное духовного оптимизма и веры в жизнь! Здесь нет тяжелого религиозного аспекта, присущего другим реквиемам. Поэтому эта музыка особенно актуальна в наше непростое время.


ВА До «Немецкого реквиема» вы исполнили и записали с бременским коллективом едва ли не все оркестровые сочинения Брамса: симфонии, увертюры, Вариации на тему Гайдна. Со временем изменилось ли ваше отношение к музыке композитора?


ПЯ
Когда я только начинал проект, воспринимал Брамса несколько романтизированно. Я вырос в семье дирижера. Однажды во время прослушивания «Немецкого реквиема» папа сказал мне: «Это одно из самых гениальных произведений в истории мировой музыки». Я не очень осознал тогда истину этих слов, ведь мне было шесть лет. Многие интерпретации (Фуртвенглера, Караяна, Йохума) казались мне академическими и по-настоящему немецкими! А после собственной работы над «Немецким реквиемом» я иначе воспринял мир его музыки. Оркестр и хор теперь стали гораздо меньше – как во временаБрамса. Это очень повлияло на темпы и агогику. Онадолжна быть живой и искренней, но не массивной. После Вагнера все стало очень громоздким и медленным. Мне кажется, это не помогает, если мы говорим о «Немецком реквиеме».


ВА В Цюрихе с оркестром Тонхалле вы работали над записью всех симфоний Чайковского. Не помешал ли карантин?


ПЯ
К сожалению, мы не записали Третью и Первую симфонии.


ВА Каким был ваш путь к музыке Чайковского?


ПЯ
Я с ней вырос. В советское время Эстония ориентировалась на музыкальную жизнь Москвы и Ленинграда. Чайковский был самым любимым и играемым композитором, существовали определенные каноны исполнения его произведений. В Союзе часто говорили, что если не играешь Чайковского как Мравинский, значит, ничего в Чайковском не понимаешь. Каких же традиций следовало придерживаться – исконно русских, или же шире смотреть на творчество классика? Мне, тогда еще молодому дирижеру, было полезно об этом поразмышлять.


Спустя тридцать лет с того момента, как я впервые продирижировал симфоническую музыку Чайковского, многое поменялось. Сейчас дирижеры стараются следовать своим предшественникам. Это не подражание, а скорее попытка продолжить традицию. Но ведь подобный процесс имитации – это самообман! Преодолеть его – вот что, пожалуй, самое интересное в развитии дирижера как личности! Эпоха меняет отношение к культурным ценностям, всегда есть определенный момент импровизации, возможность переосмыслить и заново взглянуть на материал каждой из симфоний Чайковского, возможность сделать по-другому то или иное произведение, увидеть новые перспективы. Раньше жизнь была другой. А Чайковский – на все времена!

ВА Есть ли отличие европейской интерпретации Чайковского от русской?

ПЯ
В русской традиции мне чужд жесткий подход, когда все играется очень точно, быстро и без варьирования темпа. В скрипичном и фортепианных концертах Чайковского дирижеры это делают, идя за rubato солистов, а в симфониях ­почему-то боятся. А ведь каждая из них должна дышать свободно и иметь особую гибкость. У Евгения Мравинского оркестр звучал не только аристократично, но и брутально, без сентиментальности и грусти. Это был звук советской реальности – того времени, когда великий дирижер жил и творил. Трактовки Евгения Светланова, Николая Голованова и Геннадия Рождественского мне ближе. У Голованова и Гаука звучит все более индивидуально, там есть фантазия, какой в советское время не было. Тогда вообще на это смотрели немного свысока.

ВА А что вас привлекало в Чайковском у Геннадия Рождественского?

ПЯ
Его Чайковский для меня стал настоящим открытием. Геннадий Николаевич находил свои, порой неординарные решения. Но оркестр звучал свежо и необычно. Свои мысли в трактовкесимфоний Чайковского он обосновывал логикой и целесообразностью идей.

ВА Общаясь с Леонардом Бернстайном, вы говорили о Чайковском?

ПЯ
Чайковский Бернстайна – иной мир. В его интерпретациях симфоний всегда возникало ­что-то субъективное. Поэтому я считаю Бернстайна одним из самых великих дирижеров. В его Чайковском много сентиментальности и драматизма. Бернстайн не боялся обнажать субъективные и персональные моменты. К­то-то называл это эпатажем, а я думаю, что он делал все правильно. Классическая модель исполнения Чайковского давно потеряла актуальность. И Бернстайну было все равно, что о нем подумают люди, – он все делал так, как считал нужным.

ВА А Георг Шолти и Чикагский симфонический оркестр раскрывали Чайковского иначе?

ПЯ
В те времена, когда я жил в Америке, для местной публики существовали три дирижерских бога: Караян, Бернстайн и Шолти. После смерти первых двух Шолти занял позицию лидера. И что самое интересное – его дирижерский стиль противоречил тому, что делали его предшественники. У Шолти в работе с оркестром было все предельно ритмично и строго. Медные Чикагского симфонического оркестра поражали своим звучанием! Когда я слушаю записи Шолти, мне многое в них нравится – например, конкретность и ярко выраженная реальность. Чувствуешь не только работу над деталями оркестровой фактуры, но и ту внутреннюю могучую силу, какой нет в другихколлективах. У Шолти я нахожу в интерпретациях симфоний Чайковского интересно сделанные темповые переходы, обоснованные решения, которые не нарушают интонационную фабулу произведения. Для меня Шолти – блестящий образец того, как надо специфически и разумно управлять оркестром.

ВА Первые симфонии Чайковский написал в Москве. Для вас актуальна география, атмосфера места и времени, когда и где сочинялись симфонии?

ПЯ
Любому дирижеру важно знать все необходимые сведения в работе над партитурой. Как это влияет на само произведение – это уже другой вопрос. В музыке «Зимних грез» я очень ценю наивность и чувствительность. Это была дебютная для меня симфония Чайковского. Мне очень нравится начало первой части – главная партия поручена флейте и фаготу, которые играют гениальную по красоте мелодию! В трактатах по оркестровке Берлиоза и Глазунова можно встретить запреты на подобную комбинацию инструментов в оркестре. А Чайковский взял и написал – и это очень красиво звучит! Потрясающая своей кантиленой и прелестью гармонийвторая часть «Угрюмый край, туманный край». Там есть особая сентиментальность и красота, пленяющая своей меланхолией. Эту нежность русскойдуши Чайковский выразил в своей музыке. Об этой атмосфере нельзя забывать, когда дирижируешь его поздние симфонии. Там совсем другая музыка, но и в ней следует находить красоту, скромность и наивность раннего Чайковского.

ВА Вы отдаете предпочтение ­какой-то конкретной его симфонии?

ПЯ
Мне трудно определиться с выбором, но я очень люблю Первую. В ней есть та молодая наивная красота, которую мы меньше наблюдаем в его следующих симфониях. А второе место я бы отдал Пятой. Я дирижировал ее с разными оркестрами мира и всегда готов к новым открытиям в этой многогранной партитуре.

ВА Включали ли вы в программы своих концертов оркестровые сюиты Чайковского?

ПЯ
Пока еще нет, но я их очень люблю. Это прекрасная музыка, которую, к сожалению, сегодня мало исполняют. Существуют интересные записи сюит. Мой отец делал их с Детройтским симфоническим оркестром.

ВА А почему выбрали именно цюрихский оркестр Тонхалле для записи всех симфоний Чайковского?

ПЯ
Звук этого коллектива гибкий и сбалансированный. Тембр струнной группы сочный, элегантный и очень подходит для романтической музыки. Я хотел начать нашу совместную работу как раз с этого большого и амбициозного проекта, хотя первый альбом со швейцарскими музыкантами был посвящен музыке Оливье Мессиана. По-моему, неплохо получилось! Сегодня нечасто предоставляется возможность записать все симфонии Чайковского с западными оркестрами. Для меня это большая ответственность.

ВА Вы, наверное, планировали успеть осуществить этот проект к юбилею композитора?

ПЯ
Да, но ситуация изменилась. Я уверен, что сейчас весь музыкальный мир изменит свои планы. Важно понять, как выстраивать их после кризиса.

ВА Брамс и Чайковский при жизни недолюбливали друг друга. Как эти два композитора уживаются в вашем творчестве?

ПЯ
В любую эпоху композиторы имели прохладные отношения друг с другом. Мало найдется обратных примеров. Брамс и Чайковский – два великих музыкальных летописца, прославивших свою нацию. Я бы не стал говорить об их взаимоотношениях. Музыка обоих бессмертна, она любима миллионами, и ее никогда не забудут. В Чайковском заключена вся душа России, равнокак в Брамсе – все музыкальное сердце немецкого народа.

ВА Вы активно продолжаете знакомить мир с музыкой эстонских композиторов. Так, вы выпустили диск с сочинениями Эркки-­Свена Тююра. Это второй релиз Эстонского фестивального оркестра после пилотного альбома, посвященного Шостаковичу. Расскажите об этой работе. Название диска «Миф» заимствовано из одноименной Девятой симфонии Тююра, посвященной столетию независимости Эстонии.

ПЯ
С Эркки-­Свеном мы уже тридцать лет продолжаем наш творческий тандем. Я много дирижирую его сочинения во всем мире. Вместе мы неоднократно обсуждали редакции его сочинений. Тююр ко мне очень доверительно относится. А для меня его имя значит ничуть не меньше, чем Арво Пярт, Лепо Сумера и Тыну Кырвитс. У Тююра свой композиторский язык и индивидуальное мышление. Он много сочиняет для оркестра, прекрасно знает его возможности. Всегда очень интересно дирижировать каждое из произведений, как правило, поражающее техническими возможностями по части композиционной техники. В симфониях Тююра оркестр звучит сочно и очень спектрально. Девятую симфонию «Миф» Эркки-­Свен посвятил мне, за что ему огромное спасибо! На фестивале в Пярну вместе с Эстонским фестивальным оркестром мы исполняли еще два других колоритных опуса Тююра – «Заклинание бури» и «Посеяно ветром». Доволен, что нам удалось записать этот монографический диск. С музыкой Тююра познакомились музыканты интернационального оркестра. Каждый из них открыл для себя язык и стилистику композитора. Я всегда стараюсь включать в программы своих концертов с разными оркестрами мира эстонскую музыку. Такой необходимый процесс сотрудничества с живыми композиторами полезен каждому из музыкантов.

ВА Способен ли нынешний кризис изменить имидж классической музыки в мире?

ПЯ
Люди сейчас все больше понимают, что значит жить без живой музыки и как важно иметь ее у себя дома в такие моменты, когда ты не можешь никуда выйти. Многие открывают для себя мир классики, который раньше был не так хорошо доступен по разным причинам. Мы не должны бояться за ее имидж. Она продолжит свое существование. Меня тревожит судьба исполнителей. Многие из них остались без заработков. И потом – если публика будет бояться приходить на концерты, что же станет с оркестрами? Без энергии слушателей невозможна наша самоотдача! Как эта ситуация разрешится в будущем – большой вопрос! Мир находится в поисках выхода из этого глубокого тоннеля. Он обязательно восстановится, но ­какие-то нормы неизбежно поменяются.

http://muzlifemagazine.ru/paavo-yarvi-klassicheskaya-model-ispol/