Friday, August 30, 2019

Mäng mägede ja mastaapidega

sirp.ee
Taavi Hark
30.08.2019


Rännakust Sumera kaudu Sibeliusest Straussini kujunes külluslik ja haarav helimatk, mille läbinut valdas põhjatu rahulolu, nagu ikka pärast pikka ja rasket matka.

ERSO kontsert „Alpisümfoonia“ 16. VIII Noblessneri valukojas. Theodor Sink (tšello), Eesti Riiklik Sümfooniaorkester, dirigent Paavo Järvi. Kavas Jean Sibeliuse sümfooniline poeem „Tapiola“, Lepo Sumera tšellokontsert ja Richard Straussi „Alpisümfoonia“.

Teeb rõõmu, et põhjaliku uutmise tulemusel on Noblessneri valukoda saanud värske näo: seinad seisavad ja krohvi ei kuku, katuski näib kindel. Tänu sellele võis ajaloolises laevaehitustsehhis üle aastate taas muusikalisel suursündmusel osaleda. Sealses akustilises avaruses on varem menuga esitatud Wagneri ja Pärdi loomingut, korraldatud suurejoonelisi kontsertetendusi. Sedakorda viis 16. augusti soojal suveõhtul Eesti Riiklik Sümfooniaorkester Paavo Järvi eestvõtmisel kuulajad helirännakule, mis kulges põhjamaisest metsast Alpide avarusteni, vahepeatuseks kodumaine tšellokontsert Theodor Singi, meie noorema põlvkonna ühe silmapaistvama tšellisti soleerimisel. Mastaapse ja ambitsioonika kava jaoks paslikult paisutati ERSO kõlaväed lisajõudude abiga üle saja piiri.

Avang tehti Jean Sibeliuse paeluva sümfoonilise poeemiga „Tapiola“, soomlaste suurmeistri viimase ulatusliku helitööga. Pealkiri osutab põhjanaabrite eeposele „Kalevala“, kus Tapiola tähistab metsajumal Tapio elupaika, ent eepose aines otseselt muusika kulgu ei suuna. Pigem on Sibelius loonud metsa ideest lähtudes läbinisti abstraktse helimaali, mis ei anna edasi kindlat sündmustikku. Loodust inspiratsiooniallikana mainides peab targu rõhutama, et tänapäeva linnainimese lihtsameelset imetlust, mis piirneb botaanikaaias ahhetamise või metsatuka kaemisega, sealt otsida ei maksa. Siin kajab vastu hoopis looduse ürgne ülevus, sügav salapära, tunderõhk on tumedamatel hoovustel.

Tinglikult võiks „Tapiolat“ vaadelda ka ülimalt kokkusurutud sümfooniana, kus Sibelius on oma muusikalise mõtlemise taandanud vaid põhilisele. Kitsa ulatusega tuumikmotiivist areneb ärev rännak läbi erisuguste kõlavärvide. Meisterliku orkestratsiooni abiga viiakse kuulaja hõredalt kaeblevast faktuurist kõhedavõitu kõrgustesse, teisal paisatakse raevutseva pikse eest madala mätta varjust kaitset otsima. Üle kõige hõljub üksilduse nukrus, äng, mingi olemise kitsus, mis ei luba korrakski tunda rahu ega rõõmu, vaimustusest rääkimata. Mažoorne lõpuakordki mõjub pigem vaibuva rahunemisena, pika väljahingamisena. Paavo Järvi kujundas Sibeliuse helipoeemi selge dramaturgiaga eredaks elamuseks, kus leidus nii kõlamassiivi suruvat suurust kui ka kammerlikult peeni nüansse.

Tšellokontsert, Lepo Sumera hilise loomeperioodi tippteos ja üks väheseid selle žanri esindajaid Eesti muusikaloos, kõlas ERSO esituses viimati selle sajandi alguses. Harvast mängitavusest on omajagu kahjugi, sest teose sisemised sügavused ei lahustu rohkema kuulamise järel ju sugugi. Natuke lohutab see, et taies on plaadile püütud ja noodimaterjal kirjastatunakättesaadav. Pöörast edu laia maailma lavadel pärsivad ilmselt mõned muusikalised omapärad. Nimelt pole Sumera tšellokontsert esmajoones solistikeskne.


Tšellist Theodor Sink on oma põhjalik-nõudliku muusikasse suhtumisega võitnud kolleegide sügava lugupidamise, kuulajad hindavad aga ennekõike tema väljendusrikkust ja karismat.
Martin Dremljuga

Kohati võib aduda sinfonia concertante printsiipi: soolopartii põimub läbi orkestri argumentidega, on suure terviku teenistuses. Teatavasti on Sergei Prokofjevi kontsertsümfooniast (op. 125) saanud nimetatud omadusest hoolimata tšellorepertuaari üks tugitaladest. Küllap annab aeg arutust Sumera tšellokontserdi kohast kaanonis või äärealal. Seekordne ettekanne pakkus igal juhul küllaga huviväärset.

Tšellist Theodor Sink on oma põhjalik-nõudliku muusikasse suhtumisega võitnud kolleegide sügava lugupidamise, kuulajad hindavad aga ennekõike tema väljendusrikkust ja karismat. Selgi korral ei pidanud pettuma. Esimene signaal solisti kindlast haardest oli tõik, et Sink sai hakkama noodita. Nüüdismuusika valda kuuluvat soolokontserti esitatakse peast harva. Aga kui aated kohustavad, siis polegi teist teed! Suure ja tüseda kõla eest peab lisaks solistile tunnustama ka Eesti Pillifondi. Sink mängib XIX sajandi tšellol, mille on teinud prantsuse meister Auguste Bernardel. Sedavõrd head pillid ei jõua meie muusikute kätte iseenesest. (Kõiki lugejaid pillidesse investeerima meelitada siinkohal muidugi ei saa, aga huvi fondi tegevuse vastu võiks tunda küll.) Tõsi, nii suure ruumi puhul võib isegi väga hea pilli ja meisterliku solisti summast väheks jääda. Varem mainitud põhjustel teravduvad Sumera kontserdis iseäranis kõlalise tasakaalu küsimused: viimastesse ridadesse olevat olnud detaile osaliselt vähe kuulda. Dirigendilgi on kõla ülimalt keeruline sättida, sest tema positsioonist kuuldu erineb küllalt palju tagarea tunnetusest.

Tšellokontserdi avaosa valitseb ärev ja valulik tundetoon, mis kulmineerub kohati üsna äkilistes vihapursetes. Solistil avaneb siin võimalus tunnetada oma rammu. Meloodika on rikas pooltoonidest, ulatuselt sageli kitsapoolne. Mingi motoorne jõud kisub tšellot pööristena ikka ja jälle kõrgeimasse registrisse tõusma. Harva antakse solistile mahti pika kantileeni näitamiseks. Kui antaksegi, siis läbistatakse laulvus järsu katkestusega: orkestri agressiivne sekkumine ei lase nagu hinge pealt kõike ära öelda. Nii jääbki õhku mingi saladus, väljaütlemata tõe paine. Küsimärgi lisab kellamängu ja vibrafoni müstiline repliik enne avataktidest juba tuttavat arpedžeeritud sekstoolides kõrgustesse kihutamist, mis ka osa lõpetab.

Saladuslikkus jätkub teises osas, kus solisti suunavad sageli juhised „misterioso“ või „susurrando“ (sosistades), orkester jääb delikaatseks ja dünaamikas tagasihoituks. Keelpillide hellad klastrid saadavad solisti napisõnalisi kaebeid (üldse on kogu teoses rohkelt ohkavaid kujundeid). Tšello nagu otsib õiget ütlemise viisi, pagedes ühelt kromaatiliselt käigult teisele. Abituse kasvuga kaasneb dünaamiline tõus, lisandub vaoshoitud raev, mis viimaks siiski vaibub. Küsimus on ikka lahendamata! Alles finaal toob esimest korda sisse ka helgemaid toone. Äkitsi saavad metsasarved voli alustada džässiliku ilmega sünkopeeritud meloodiat, mille võtavad peagi üle tromboonid. Pärast orkestri tutti’t jõutakse solisti kadentsini, orkestri taashaakumine viib peatamatu tõusuni nii harmooniliselt kui ka dünaamikas. Aplaus! Dramaatilistest pööristest tulvil tšellokontserdi kandis Theodor Sink saali toeka sisendusjõu ja vapra veenvusega. Võitlus akustilise paratamatusega möödus suuremate kaotusteta kõlailus või fraaside nõtkuses.

Richard Straussi „Alpisümfoonia“ (1915) on sümfoonia vaid pealkirja poolest. Tegelikult rullub kuulajate ees lahti pildirikas ja muusikalise motiivistiku abil tervikuks seotud sümfooniline poeem. Tõsi, žanrimääratluste oma­päraselt eritlev mitmekesisus pole võõras Straussi varasemaski loomingus. Nii on sümfooniline poeem „Don Quijote“ saanud sildi „Fantastilised variatsioonid rüütelliku karakteriga teemale“. Ooperidki said liiginimeks küll „Singgedicht“, küll „Musikdrama“ jne, alles „Ariadne Naxoselt“ sobis Straussil ristida ooperiks. Olulisem täpsest määratlusest või žanrisildist on aga Straussi filosoofiaga läbi põimunud sõnum. Olgugi et „Alpisümfoonia“ on palgejoontelt programmiline, ei maksa siiski oodata väga selget jutustust ega kantslist maha hõigatavat ühest moraali. Mõtteainet pakub aga „Alpisümfoonia“ ka pikaks ajaks pärast kuulamist.

Alpide suurejooneline ilu väljendab vahest kujukaimalt ülevuse kogemust, mida võib pakkuda Maa loodus. Miks küll kiikab abitu inimene aina taevastesse kõrgustesse, otsib jumalate tuge kusagilt kaugest laotusest? Kõik on siinsamas: maas, mullas, kivis, puudes, suur vägi peitub inimeses endaski. Milleks karta või oodata jumala(te) apokalüptilist tahteavaldust? Purskav vulkaan või laviin mägedes – jääb siis sellest väheks, et aduda loodusjõudude stiihiat ja valitsemise vägevust?

Straussi mastaapselt kaarduva vormi arengut veavad erinevad juhtteemad, mis rännaku kulmineerudes naasevad vastupidises järjestuses. Nii tekib otse pildiline seos hiiglasliku mäemassiiviga. Aga mitte mäestikku ennast ei ole vahendatud maalilise täpsusega helidesse. Oluline on inimese aktiivne roll, tema teekond, eksimine, ohtlikud hetked, ilmutuslikud momendid. Seiklus väljendub helides vaimustavalt virtuoosse orkestratsiooni kaudu, milleks vajalik kõlakehand hõlmab üle saja mängija. Kummatigi on Strauss andnud võimaluse särada ka üksikutel pillidel. Eriliselt jäid meelde mõlkuma Guido Gualandi esitatud oboesoolod, mis lummasid kirkalt laulva tooniga ja meisterliku vabadusega fraaside kujundamisel.

Seekordne võimalus sulada kõlamassiivi embusse või kuulatada hõrke helipeensusi, tunda inimliku mõõdu tühisust ja samas ülevat suurust just läbi nende teoste kõlailma oli ainuline ja kordumatu kogemus. Jääb vaid üle oodata tulevasi suurteoste ettekandeid mastaapses Noblessneri valukojas. Rännakust Sumera kaudu Sibeliusest Straussini kujunes igal juhul külluslik ja haarav helimatk, mille läbinut valdas põhjatu rahulolu, nagu ikka pärast pikka ja rasket matka.

Wednesday, August 28, 2019

ПААВО ЯРВИ ВЫСТУПИЛ С ЭСТОНСКИМ НАЦИОНАЛЬНЫМ СИМФОНИЧЕСКИМ ОРКЕСТРОМ В МОРСКОМ ПОРТУ ТАЛЛИНА

ВИКТОР АЛЕКСАНДРОВ
28.08.2019



Экспериментальный проект маэстро Пааво Ярви, не имеющий прежде аналогов в истории концертной жизни стран Балтийского моря, вызвал большой общественный резонанс в Таллине! Несмотря на летний отпускной сезон музыкантов Эстонского национального симфонического оркестра, концерт, инициатором которого выступил Пааво Ярви, по праву занял достойное место в летописи музыкальных событий таллиннского коллектива.

Просторный литейный цех бывшего завода в квартале Ноблесснер Пыхья-Таллина, где в советское время строили подводные лодки, сейчас обретает новую жизнь. Эта балтийская верфь существует уже больше века, еще с тех времён, когда Таллин назывался Ревелем. Здесь мечтали построить военную гавань Петра Первого. Планам не суждено было сбыться, впоследствии на территории порта соорудили большой кораблестроительный завод. Название он получил по имени его владельцев Эммануэля Нобеля и Артура Лесснера. После восстановления независимости Эстонии завод работал до начала 2000-х годов. Рядом расположены пассажирские терминалы таллинского порта. Здесь динамично развивается инфраструктура.



Само пространство цеха с его прекрасной акустикой будто создано для исполнения «Альпийской симфонии» Рихарда Штрауса, написанной для расширенного состава оркестра. Это объемное произведение позволяет слушателям совершить воображаемую музыкальную прогулку в Альпы и насладиться ее утренним рассветом, красотами горной природы и роскошным закатом дня. Штраус запечатлел в своей гениальной музыке все эти альпийские пейзажи.

Пааво Ярви и Эстонский национальный симфонический оркестр доставили публике массу неизгладимых впечатлений и бурных эмоций! Вечер открыла симфоническая поэма «Тапиола», позднее сочинение Яна Сибелиуса, отражающее пейзажи суровой северной природы. Прозвучавший затем Виолончельный концерт эстонского композитора Лепо Сумеры отчасти перекликается со страницами поздних симфонических партитур Дмитрия Шостаковича. В одухотворенной игре солиста, концертмейстера Эстонского национального симфонического оркестра Теодора Синка было немало экспрессивных интонаций и драматических переживаний. Премьеру этого сочинения в конце 1990-х исполнял Давид Герингас, которому Лепо Сумера и посвятил свою партитуру.



Отдельной похвалы заслужила феноменальная дирижерская работа Пааво Ярви, которую он провел с Эстонским национальным симфоническим оркестром. Продолжительный репетиционный процесс необходим дирижеру в работе с любым коллективом. Это всегда успешный залог качества и ясное оригинальное прочтение партитуры. Пааво Ярви – настоящий гуру оркестра, он слышит его изнутри и заставляет звучать совершенно по-новому. Для музыкантов подробный опыт сотрудничества поистине бесценен, особенно, когда дирижеру есть что сказать в каждом из произведений. Пааво Ярви принадлежит к числу редких музыкальных художников нашего времени, который честно и самозабвенно служит музыке.

С Эстонским национальным симфоническим оркестром дирижёр сотрудничает регулярно. Несколько лет назад он дирижировал цикл симфонических поэм Бедржиха Сметаны «Моя родина», а запись кантат Яна Сибелиуса на лейбле Virgin в 2004 году была удостоена первой для Эстонии премии «Грэмми».

http://muzlifemagazine.ru/novaya-zhizn-noblessnera/

独裁とフェイクニュースの時代だからこそ《フィデリオ》を! パーヴォ・ヤルヴィ、N響とのBunkamuraオペラ・コンチェルタンテを語る

ontomo-mag.com
30.03.2019

ベートーヴェンを得意中の得意とするエストニア出身の指揮者、パーヴォ・ヤルヴィ。
Bunkamuraオーチャードホールと3年連続の「オペラ・コンチェルタンテ・シリーズ」では、昨年のバーンスタイン《ウェスト・サイド・ストーリー》に続き、8月29日・9月1日にいよいよベートーヴェンのオペラ《フィデリオ》を取り上げる。パーヴォ・ヤルヴィの意思を汲んで選んだ歌手たちを揃え、本場ヨーロッパでも《フィデリオ》に擁したら最高峰であろうキャスティングで臨む。
NHK交響楽団首席指揮者としては4シーズン目を迎え、ますます好調のパーヴォ・ヤルヴィが、演奏会形式でいまこのオペラを取り上げる意義、そして音楽の未来についても思いのままを率直に語ってくれた。
この記事をシェアする


——オペラ好きの人たちのなかには、ベートーヴェンのオペラ《フィデリオ》の台本の欠陥について指摘する声が多いと思います。苦心惨憺の末、何度も書き直された《フィデリオ》は、果たして欠陥だらけのオペラなのでしょうか?

パーヴォ・ヤルヴィ ベルカント時代やロマン派のイタリア・オペラを好むオペラ・ファンが、自分たちの思っているオペラと違う、と感じるのは理解できます。

しかし、この作品自体が弱いという話は、私は聞いたことがない。それどころか、これほど素晴らしいビジョンを持っているオペラは、ベートーヴェンに限らず、すべての音楽作品の中でもそれほど多くはありません。

ベートーヴェンは常に伝統を打ち破り、枠組みというものを押し広げようとしてきました。《フィデリオ》は、音楽が見事なだけでなく、普遍的な人間について取り上げようとしている。どの時代に置き換えても、共通して理解できる内容であり、人間の普遍的な真実がテーマなのです。そこには恐怖があり、愛があり、レジスタンスがあり、理想があり、善悪がある。

——《フィデリオ》はベートーヴェンの10番目の交響曲ではないかと思うのですが、9曲の交響曲を聴いてきた人は、《フィデリオ》を聴いて何を発見することになると思いますか?

パーヴォ・ヤルヴィ 通常の人は、「第9」を例外として、ベートーヴェンは声楽が得意という連想はあまりしないでしょう。しかし《フィデリオ》では、どれほど彼が人間の声に共感していたかがわかります。特に囚人たちの合唱は、その音楽的魔法のあまり凍り付くような思いさえする場面です。オペラのなかでもこれだけドラマティックに人間の声を使っている作品も少ない。

ベートーヴェンは交響曲を得意としていましたが、それをオペラの環境下で見事に再現できている。ベルカントの作曲家と比べるつもりはありません。ロッシーニもドニゼッティも、ヴェルディもワーグナーも、彼らのベストを作っています。しかしベートーヴェンは交響曲作家として、オーケストラ・ピットのためにも最高の作品を作った。だからこそ、この作品がコンチェルタンテ(演奏会形式上演)の形で、演奏されることが意義深いのです。

自由と民主主義、そして強い女性を歌う


——《フィデリオ》は民主主義と自由のオペラだと思いますが、最近の演出では、最後がお葬式のように暗く全員がうなだれていたり、自由と解放そのものが幻想にすぎなかったとするような、疑問符をつけるような舞台が多いですよね。

パーヴォ・ヤルヴィ おっしゃるように、現代という時代は、人間の理想、自由や人権、個人の尊重といった考え方に疑問符が出てきています。ほとんど第2次世界大戦の直前に似ていて、独裁者がこの世を謳歌している。アメリカを始め、トルコ、ハンガリー、ロシア、イラン、北朝鮮など多くの国々がそうですね。実際これは非常に心配すべきトレンドではないかと思っています。表現の自由もアメリカでもサボタージュに遭っています。

そして世界はフェイクニュースで充満している。人間の権利、私たちが当たり前だと思っている価値に対する攻撃です。そういうことを、最近の演出は反映しているのではないでしょうか。

《フィデリオ》のストーリーは、ベートーヴェンが確たる信念を持って書いたものです。「第9」でも《フィデリオ》でも、彼は自由を重視しています。「エロイカ」(交響曲第3番「英雄」)でも、ナポレオンへの献呈を止めたときから、自由への信念はすでに生まれていました。実際に抑圧されている人々がいるときに、独裁者がいる時代にこそ、希望や愛が重要になってくる――それははっきりと彼の音楽の中に聴こえてきます。

ただし、音楽が語っていることと、舞台で起きていることは、また少し違うかもしれない。だからこそオペラは面白いのです。演出家たちはベートーヴェンが作り上げたものを、いまの時代を反映するものとするためにいろいろな変わった舞台を作る。それはありだと思います。ベートーヴェンの愛と自由は、ステージがどうあろうと、存在しているのですから。

——《フィデリオ》のもうひとつの要素として、理想の女性としてのレオノーレ(フィデリオという名前で男性に変装し、政治犯として拘留されている夫を救出する主人公)があると思います。ベートーヴェンはこのヒロインに何を託したと思いますか。

パーヴォ・ヤルヴィ 彼は精神的な理想像をレオノーレの中に追求しているだけでなく、彼は理想の女性をそう見ていたかもしれませんね。無限の愛をもち、人を育み、変わらぬ忠誠心を持っている、母であり大地であるような、強い女性。そして愛がすべての弊害を乗り越える。そういう考えを持っていたし、描きたかった。

そういう女性は、他のオペラにもいくらでも存在します。

ベートーヴェンが歌う自由や兄弟愛の中で、彼自身が一番望み、そして彼の人生に欠如していたのが、そういう女性の存在なのではないでしょうか。これは私の憶測ですが。

——ベートーヴェンは恋多き男でしたが、彼が強い女性を理想像として持っていたのは興味深いですね。

パーヴォ・ヤルヴィ 歴史の中で強い女性を理想化するのは珍しいことではありません。それは基本的には我々の人生における母親です。多くの芸術作品において、女性は力強さの象徴として扱われています。自由の女神は、神ではなくて女神であるというのは重要です。ドラクロワの絵でもそう。女性が抵抗、平等を象徴することはヨーロッパの歴史にも多く出てきます。

彼の個人的な女性観というよりは、彼の希求の表れがレオノーレという女性なのだと思います。



[information]パーヴォ・ヤルヴィが指名した歌手たち その1

カナダ人のソプラノ歌手、アドリアンヌ・ピエチョンカ。レオノーレ(男装時:フィデリオ)役。©Bo Huang

フロレスタン役のミヒャエル・シャーデ。ドイツ系カナダ人。©Harald Hoffmann

レオノーレ(男装時:フィデリオ)役:アドリアンヌ・ピエチョンカ


カナダ人ソプラノで、ウィーン国立歌劇場、メトロポリタン・オペラ、ロイヤル・オペラハウス、パリ・オペラ座、スカラ座など世界の超一流劇場でワーグナーやR.シュトラウスの強い女性の役をロマンティックに歌えるソプラノとして華々しい活躍を続けている。レオノーレはまさにハマリ役。

最近では昨年(2018年)秋、パリ・シャンゼリゼ劇場でのオペラ「フィデリオ」(同役)出演で大喝采を受けた。また、日本公演直後の10月には、バイエルン国立歌劇場にて、クラウス・フローリアン・フォークトと共に、同役を歌うことが発表されている。

動画:2016-2017シーズンのメトロポリタン歌劇場にて。フロレスタンを救出することを決心する場面。


フロレスタン役:ミヒャエル・シャーデ


パーヴォが理想とする「英雄的キャラクターを表現しつつ、音楽的にはデリケートでなくてはならない」というフロレスタン役に指名したのは、スター・テノールのシャーデ。力強さと繊細さを併せもつ歌声で、モーツァルトからR.シュトラウスやワーグナーまで、幅広いレパートリーを持つ。

また、ニコラウス・アーノンクールが指名した「フロレスタン」として、本役デビューの際には、観客・批評家満場一致の大喝采を浴び、以来この役は彼の重要なレパートリーとなっている。

動画:2013年 アン・デア・ウィーン劇場にて。フロレスタンとレオノーレが歓喜の歌を歌う終盤。


音楽の真髄に集中できる演奏会形式をN響と


——BunkamuraオーチャードホールでのNHK交響楽団との「オペラ・コンチェルタンテ・シリーズ」は、《ウェスト・サイド・ストーリー》《フィデリオ》《カルメン》と続きますが、自由と愛が統一テーマなのでしょうか?

パーヴォ・ヤルヴィ 確かに共通点はありますね。ただ、私の一番のモチベーションは、音楽的な内容がもっとも充実しているものを選びたかったことにあります。演出に気を取られず、音楽に集中ができます。ベートーヴェンやモーツァルトがオペラを書くということは、オーケストラのパートもそれなりに重要だということは当然言えるでしょう。

そして、多くの場合、オーケストラの演奏レベルが、理想ほど高くない。もちろん世界のトップ・オペラハウスのことではありません。世界の9割のオペラハウスはもっと小規模なところがやっていて、すべてのオーケストラが素晴らしいとは必ずしも言えない。

ですから、N響のような素晴らしいオーケストラがある場合は、やはり音楽的な部分に集中をしたい。今回はそれぞれの役で経験を積んでいる最適で素晴らしいキャストもそろっています。演出を心配することなく、重要な音楽的真髄に集中できるコンチェルタンテ(演奏会形式上演)に私は惹かれたのです。

——N響はふだんはシンフォニーオーケストラです。オペラを演奏することで、N響にはどういう影響が出てくると思われますか。

パーヴォ・ヤルヴィ 歌手は演技をしています。たとえ動き回っていなくとも、役に入り込んでいる。歌手は自分なりの歌い方の中で輝くのです。

それに合わせるタイミングと強弱が重要で、オーケストラは何が起きてもおかしくないという姿勢で向かわなければいけない。それは交響楽団にとっては最高の経験です。そのおかげで柔軟性を得ることができるのです。

——N響の首席指揮者になられて4年目ですね? どういうふうにN響との関係性は深まり、N響は変化したと思われますか。

パーヴォ・ヤルヴィ より信頼性が増しました。彼らも私をよくわかっていると思いますし、私も彼らのことをよくわかっている。そうなると指揮者の仕事がもっと楽に進むというのはある。

どんな指揮者でも優先順位を持っています。いまN響は私のこだわり、優先すべきものを、しっかり理解しています。だからこそ、相互的理解も有機的になっています。

——オーケストラもオペラハウスも会社もそうだと思うのですが、異なる意見を持った人たちの共同体です。そういう人たちをまとめて、力のあるものにしていくにはどういうコツがあるのでしょうか。

パーヴォ・ヤルヴィ やはり信頼が基本にあると思っています。どんな指揮者もいい結果を出すには、説得力がなければいけない。説得力のない演奏というのは、大抵の場合は、指揮台からの指示が明確でない、自信がない、そういうことが多い。

オーケストラがどう反応するか、その流れに乗っていくことも重要だと思います。私のほうからは論理的なコミュニケーションをとってきたつもりですし、その積み重ねが4年で築いた信頼だと思っています。彼らからの抵抗はありませんし、私が相当考え抜いたことなのだという信頼感もある。

そして最終的には、同じ目標をもって前進していける関係を作ることだと思っています。

世界中に音楽が重要だ


——エストニアの音楽一家のご出身ですね。ご両親から何を得て音楽家になったと思いますか。次の世代に大切な音楽をリレーしていくためには、どういうことが必要なのでしょうか?

パーヴォ・ヤルヴィ 簡単に言ってしまえば「教育」です。それが唯一の方法だと思っています。次の世代がクラシック音楽を本当に受け入れたいのか、もっと興味を持てるのか。それは私たちの手にかかっている。

音楽がなくなることはないでしょう。これまで何百年も音楽はあったわけですし、細々でいいのなら、これからも続くでしょう。ただし、問題は、社会の中でどういう位置づけになっていくのか、です。

エリートのみ理解できるものになっていき、とてもラグジュアリーで、それを大切に思う人がほんの数名になってしまう——これは最悪のシナリオです。

最良のシナリオとしては、みんなが音楽を最高かつ不可欠のものと考え、クラシック音楽の教育に貢献していく世界になることです。私はエストニアで立ち上げたパルヌ音楽祭で、マスタークラスをいろいろな楽器のために行なっています。若い音楽家たちが世界のトッププロに出会えるようにしたり、さまざまな工夫を凝らしています。

財団も持っています。パーヴォ・ヤルヴィ音楽財団というのですが、できるだけそこに私自身もお金を入れ、教育に関わる物理的な問題を解決しようと思っています。若い音楽学生がオーディションに行くための交通費を支給したり、楽器の問題を解決する、幼稚園の音楽の先生を育てるなど、どんな問題でも、ちょっとした具体的努力の違いが、大きな違いになっていくのです。

次の世代の音楽家を育てなければいけない——これは、本当のところを言えば、宗教を広めるのにも似ているかもしれません。世界中に音楽が重要だというメッセージを広げるためには、毎日毎日、できる限りのいろいろな方法でメッセージを発信していく必要があります。

私にとって音楽とは宗教です。どんな形でもいいから、音楽を知らない人に知ってもらう。若いうちに、少しでも扉を開いておくことです。音楽を怖がったり、異物だと感じないような子どもになってもらえるように……。

自らツイッター(@paavo_jarvi)で情報発信する。「エストニアってどんな国ですか?」と質問すると、「7月にパルヌ音楽祭を開くから来るといいよ」とのこと。

[information]パーヴォ・ヤルヴィが指名した歌手たち その2

刑務所長ドン・ピツァロ役のヴォルフガング・コッホ。

刑務所員ロッコ役のフランツ=ヨーゼフ・ゼーリッヒ。©Marion Köll

ロッコ役:フランツ=ヨーゼフ・ゼーリッヒ


シリアスな役柄を得意とする希少なバス。そのため世界の主要な歌劇場にて、「パルジファル」のグルネマンツ、「トリスタンとイゾルデ」のマルケ王、「さまよえるオランダ人」のダーラント、そして「フィデリオ」のロッコなどの役に欠かせない存在である。

2013年3月バーデンバーデンの祝祭歌劇場において、任期最終年のサイモン・ラトルが、ベルリン・フィルによるオペラ上演に選んだ「パルジファル」においてのグルネマンツ役の素晴らしい歌唱が記憶に新しい。

ドン・ピツァロ役:ヴォルフガング・コッホ


ドイツ・バイエルン州出身の、まさにドイツ・オペラの至宝。 今もっとも重要なバス・バリトンの一人。

バイエルン国立歌劇場、バイロイト祝祭歌劇場の常連であり、他にも世界最高峰のオペラ・ハウスで重要な役を任されている。

特に2013-15バイロイト音楽祭のキリル・ペトレンコ指揮による「ニーベルングの指環」上演において、「現代最高のヴォータン歌手」との名声を確立。そして、まさに今年1月ミュンヘンにて、ペトレンコ指揮での再上演が大注目であった「フィデリオ」に、2010年同劇場での新演出以来務めているドン・ピツァロ役で出演、圧倒的な歌唱と演技で喝采を浴びた。本場の旬な歌声を日本で堪能できる貴重な来日となるに違いない。

マルツェリーネ役:近日発表、乞うご期待!


マルツェリーネはこれから発表、海外からの招聘となる。

「この役には、単にきれいに歌うだけのソプラノではなく、より意味のある存在感を表現してくれる歌手がほしい」というマエストロのコンセプトに従って、キャスティングが行なわれている。

 
取材を終えて


パーヴォ・ヤルヴィは、物静かで、自信に満ち溢れていて、理知的で、あくまで感情は奥に秘めている人だ。そして目標を共有し、優先順位を明確にすることで、信頼関係を構築し、オーケストラをぐいぐいと引っ張っていく。

21世紀のクラシック音楽界の最重要なリーダーの一人として、その統率哲学と、未来へのビジョンを語る言葉も、彼の音楽と同じように、明快そのもので強い説得力を持っていた。

Bunkamuraオーチャードホールのオペラ・コンチェルタンテ・シリーズでは、公演の合間に、エデュケーション・プログラムでのトークも行なうが、それは子どもではなく母親を意識したものになるという。音楽一家の出身であるパーヴォならではの配慮を感じさせるところだ。

パーヴォが言うように、世界中で独裁の動きが強まり、人間の持つ権利や自由が危うくなりつつあるこの時代、《フィデリオ》というオペラは、ますます重要な意味を持つようになってきている。この秋の上演では、そのメッセージを一人でも多くの人が受け止める機会となって欲しい。

林田直樹


https://ontomo-mag.com/article/event/fidelio-paavo-jarvi2019/

Fidelio - NHK

bunkamura.co.jp
August 2019 

世界最高峰のキャストで聴く!!
ベートーヴェンが時代を超えて語りかける、愛・自由・正義のメッセージ

ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン(1770-1827)にとってオペラは、宮廷の娯楽的なものではなく、彼の思想をメッセージとして発するための創作であった。そして生涯で唯一完成させたオペラが《フィデリオ》である。託されたメッセージは、彼が何よりも大切にし、有名な「第九交響曲」でも表現した愛・正義・平和、そして自由。


ベートーヴェンの理想の女性像だったのではないかと言われる主人公レオノーレは、勇敢にも男装して愛する夫を牢獄から助け出す強さを見せる。
本作品は、より高次の芸術へと飽くなき探求をするベートーヴェンにより何度も改訂され、1805年の第1稿初演から8年半後の1814年5月に決定稿にいたるまでに、コンサート等でも単独で演奏される名曲「レオノーレ序曲第3番」も出来上がった。今回パーヴォは、この有名な序曲も入れて演奏をする。世界最高峰の歌手達の歌唱に加えて、まさに一つの聴きどころであろう。
また、エンディングの合唱は「第九」と同様、愛と自由を讃える歓喜の歌とされており、時代を超えて、最も大切な人生の真髄を感じさせてくれる瞬間となるに違いない!
パーヴォ・ヤルヴィとN響によるオペラ・コンチェルタンテシリーズ第1弾『ウエスト・サイド・ストーリー』

Storyストーリー


貴族フロレスタンは、この地域を治める総督であり刑務所長も務めるドン・ピツァロの政敵であるため2年以上も投獄されていた。フロレスタンの妻レオノーレは、夫を救うため男装しフィデリオと名乗って、刑務所看守長ロッコの部下として潜入する。レオノーレを本当の美青年と思いこんだロッコの娘マルツェリーネは恋心を抱き、マルツェリーネに思いを寄せ続けてきた刑務所門番ジャキーノは、それを見て心中穏やかではない。


レオノーレは潜入した牢屋で囚人を一時日光浴させるよう進言したりと、仕事をしながらも、ついに秘密の地下牢に繋がれた夫に辿りつく。しかし同じ頃、大臣フェルナンドの査察が入ると知ったドン・ピツァロは、非合法な政敵の収監が明るみに出る前にフロレスタンを葬ってしおうと画策していた。短刀を構えてついに現れたドン・ピツァロの前に、男装したフィデリオとして、妻レオノーレは身を投げ出す。まさに危機一髪、あわやというところでラッパが高らかに鳴り響く・・・!


Cast出演者


©Julia Baier


指揮
Paavo Järviパーヴォ・ヤルヴィ
(N響首席指揮者)


2015年からN響の首席指揮者。彼自らが「最高の作曲家の中の最高」とするベートーヴェンの《フィデリオ》は、彼の十八番。同じくドイツ音楽を得意とするN響と、相互の厚い信頼の下にこれぞ決定版という演奏を繰り広げるに違いない。 1962年エストニア生まれ。指揮者のネーメ・ヤルヴィは実父。シンシナティ響、フランクフルト放送響、パリ管などの首席指揮者や音楽監督を歴任。ベルリン・フィルなどの一流楽団に客演。現在はN響のほか、ドイツ・カンマーフィル、エストニア祝祭管弦楽団の芸術監督を兼務している。2019年秋にはチューリヒ・トーンハレ管の音楽監督に就任する。世界が注目するマエストロ。




ドン・ピツァロ
Wolfgang Kochヴォルフガング・コッホ


ドイツ・オペラの至宝、待望の再来日!

ドイツ・バイエルン州出身。現在、最も重要なバス・バリトンの一人。バイエルン国立歌劇場、バイロイト祝祭劇場を含む、世界最高峰のオペラ・ハウスで重要な役を任されている。特に2013‐15バイロイト音楽祭のキリル・ペトレンコ指揮「ニーベルングの指環(ワーグナー)」にて「現在最高のヴォータン歌手」との名声を確立。そしてまさに今年(2019年)1月、ミュンヘンにて再上演された注目のペトレンコ指揮「フィデリオ」に、2010年同劇場での新演出初演以来務めているドン・ピツァロ役で出演。劇場を深い感動で包む歌唱と演技で喝采を浴びた。本場の旬な歌声を日本で堪能できる貴重な来日となる。



©Harald Hoffmann


フロレスタン
Michael Schadeミヒャエル・シャーデ


フロレスタン役で伝説の大成功の、スーパー・スター!

世界の主要歌劇場及びコンサートホールの殆どを制覇しているドイツ系カナダ人のテノール。力強さと繊細さを併せ持つ歌声で、モーツァルトのオペラの主要な役の殆どに加え、R.シュトラウスやドヴォルザークまで幅広いレパートリーを持つ。そしてニコラウス・アーノンクール指揮の下に初めて歌った《フィデリオ》のフロレスタン役は観客・批評家満場一致の大喝采を受け、彼の重要なレパートリーとなった。2007年オーストリア政府よりカナダ人として初の「宮廷歌手」の称号を授与されている。



©Bo Huang


レオノーレ(男装時:フィデリオ)
Adrianne Pieczonkaアドリアンヌ・ピエチョンカ


世界中の歌劇場で観客を虜にするディーヴァ

1988年にデビューしたカナダ人ソプラノ。91年にはウィーン国立歌劇場のメンバーとなり欧州でのキャリアを積んだ。その後はメトロポリタン・オペラ、ロイヤル・オペラハウス、パリ・オペラ座、スカラ座など世界の超一流劇場でワーグナーやR.シュトラウスの強い女性の役をロマンティックに歌えるソプラノとして華々しい活躍を続けている。最近では、昨年(2018年)秋、パリ・シャンゼリゼ劇場でのオペラ「フィデリオ」(同役)出演で大喝采を受けた。勇敢なレオノーレはまさにハマり役。



© Marion Küll


ロッコ
Franz=Josef Seligフランツ=ヨーゼフ・ゼーリッヒ


世界の巨匠達の信頼厚いバス

非常にシリアスな役柄を得意とする希少なバス。そのため世界の主要な歌劇場の上演において、グルネマンツ(パルジファル)、マルケ王(トリスタンとイゾルデ)、ザラストロ(魔笛)、ロッコ(フィデリオ)、ダーラント(さまよえるオランダ人)などの役には欠かせない存在。2018年3月バーデンバーデン祝祭歌劇場において、サイモン・ラトル指揮のベルリン・フィルによるオペラ《パルシファル》上演での素晴らしいグルネマンツ役が記憶に新しい。



© FBroede


マルツェリーネ
Mojca Erdmannモイツァ・エルトマン


その美声と非の打ち所のない芸術性により、批評家から賞賛され、瞬く間に国際音楽シーンでライジングスターとなる。
2006年にモーツァルト《ツァイーデ》(ボルトン指揮)でザルツブルク音楽祭にデビュー。07年、09年にはハイドン《アルミーダ》で再登場。2014年には新作の《ばらの騎士》(ウェルザー=メスト指揮)のゾフィーで出演している。メトロポリタン・オペラには、2011年に《ジークフリート》の森の小鳥、および新演出の《ドン・ジョヴァンニ》のツェルリーナでデビューし、翌年《フィガロの結婚》のスザンナで再登場。ミラノ・スカラ座には《フィデリオ》(バレンボイム指揮)のマルツェリーネで2014年にオペラデビューを飾っている。
極めて多彩なレパートリーを持ち、現代音楽作品の歌い手としても人気を博す。ベルリン国立歌劇場の武満徹《マイ・ウェイ・オブ・ライフ》世界初演(ケント・ナガノ指揮)で同歌劇場にデビュー。2009年にはヴォルフガング・リームのモノドラマ《プロセルピナ》のタイトルロールを歌う。また翌年リーム本人より新作オペラ《ディオニュソス》のソプラノの主役の指名を受け、2010年ザルツブルク音楽祭で世界初演を行っている。2012年にはベルリン国立歌劇場でダニエル・バレンボイム指揮《ルル》のタイトルロール・デビューを果たし、大成功を収めた。そのほか、バイエルン国立歌劇場にてスルンカの新作「南極」にハンプソン、ヴィラゾンとともに出演(2016年)。2017年にはヤンソンス指揮バイエルン放響によるリームの新作《Requiem Strophen》 初演に出演し、2018年1月にはハンブルク州立歌劇場にて細川俊夫の《海、静かなる海》のクラウディア役で登場。
コンサートではラトル、アーノンクール、ボルトン、ナガノ、ルイージ、ハーディングなどの著名指揮者と頻繁に共演している。




ジャキーノ
Jun Suzuki鈴木 准


北星学園大学文学部を経て東京藝術大学卒業。卒業時松田トシ賞、アカンサス音楽賞受賞。
同大学院にて音楽博士号取得。三菱地所賞受賞。
『コジ・ファン・トゥッテ』フェランドで二期会デビュー。同公演の文化庁芸術祭大賞受賞に寄与した。
近年では兵庫県立芸術文化センター『セビリャの理髪師』アルマヴィーヴァ伯爵、びわ湖ホール『死の都』主役パウル、新国立劇場『沈黙』モキチ、『夕鶴』与ひょう、『フィデリオ』ヤッキーノ、日生劇場『後宮からの逃走』ベルモンテ、神奈川県民ホール『金閣寺』柏木等に出演。
とりわけ『魔笛』タミーノは日生劇場、兵庫芸術文化センター、二期会をはじめ多くのプロダクションで演じており、近年だけでもリンツ州立歌劇場との共同制作による二期会公演、新国立劇場公演、愛知トリエンナーレ、神奈川県民ホール・iichiko総合文化センター・二期会・神奈川フィル共同制作公演、よこすか芸術劇場公演等、上演において不可欠な存在である。 コンサートでも、J.S.バッハ「マタイ受難曲」福音史家、ヘンデル「メサイア」、モーツァルト「レクイエム」、ベートーヴェン「第九」、オルフ「カルミナ・ブラーナ」など数多くの公演に出演。またバッハ・コレギウム・ジャパンのメンバーとして、国内外の多くの公演・録音に参加。
ブリテンの作品をライフワークとし、「カーリュー・リヴァー」狂女役をロンドンとオーフォードの教会で演じて国際的評価を得、KAAT「隅田川二題」公演では同役を故・若杉弘による日本語訳で演奏。2018年には東京・春・音楽祭「ベンジャミン・ブリテンの世界Ⅰ、Ⅱ」で好演。
作詞家松本隆氏の厚い信頼を得、15年には松本氏の現代口語訳による「冬の旅」を、18年にも「白鳥の歌」をリリースしている。
二期会会員。



©Simon Pauly


ドン・フェルナンド
Takaoki Onishi大西宇宙


武蔵野音楽大学及び大学院卒業。全日本学生音楽コンクール第1位及びイタリア声楽コンコルソ金賞・バリトン特賞を受賞後、ジュリアード音楽院大学院に留学。
2015年、シカゴ・リリック歌劇場の世界初演「Bel Canto」に出演し、アメリカでプロ・デビューを飾り、各新聞社、雑誌から称賛を得た。
2018年まで同劇場の研修機関に所属し、「ロミオとジュリエット」、「エフゲニー・オネーギン」、「カルメン」、「真珠とり」、「清教徒」、「リゴレット」などに出演。アメリカのOpera Newsでは特集記事も掲載された他、「次世代期待のオペラ歌手15人」の1人として紹介された。
日本ではプレトニョフ指揮ロシア・ナショナル管弦楽団「イオランタ」(コンサート形式)、高関健指揮「戦争レクイエム」等を共演し、いずれも高評を得た。
2018年12月、プレミアオペラ財団国際声楽コンクールで優勝。
カーネギーホールで行われたニューヨーク・オラトリオ協会の公演で「カルミナ・ブラーナ」「クレルヴォ交響曲」等で出演し、2020年には「ドイツ・レクイエム」で共演予定。2020年にはノースカロライナで「道化師」、フィラデルフィアでは「蝶々夫人」に出演予定。 第30回五島記念文化賞 オペラ新人賞受賞。

公式ホームページ https://www.takaokionishi.com/ 



©K.Miura

NHK交響楽団


NHK交響楽団の歴史は、1926年にプロ・オーケストラとして結成された新交響楽団に遡る。その後、日本交響楽団の名称を経て、1951年NHK交響楽団と改称。今日に至るまで、カラヤン、アンセルメ、カイルベルト、マタチッチなど世界一流の指揮者を次々と招聘し、歴史的名演を残している。
近年N響は、年間54回の定期公演(NHKホール、サントリーホール)や昨年第100回を迎えたBunkamuraオーチャードホールでの定期公演をはじめ、全国各地で約120回の演奏活動を行っている。また、2013年8月にはザルツブルク音楽祭に初出演、2017年春にベルリン、ウィーンをはじめ、ヨーロッパ主要7都市で公演を行うなど、その活動ぶりと演奏は国際的にも高い評価を得ている。
現在N響が擁する指揮者陣は、首席指揮者パーヴォ・ヤルヴィ、名誉音楽監督シャルル・デュトワ、桂冠名誉指揮者ヘルベルト・ブロムシュテット、桂冠指揮者ウラディーミル・アシュケナージ、正指揮者 外山雄三、尾高忠明。

Wednesday, August 14, 2019

theartsdesk at the Pärnu Music Festival 2019 - super-orchestra, top clarinettists, transcendent strings

theartsdesk.com
David Nice
14.08.2019

Paavo Järvi motivates an ever-growing family of musicians in Estonia's summer capital.


Peerless chamber playing in Korngold's String Sextet from Florian Donderer, Robert Traksmann, Mari Adachi, Andres Kaljuste, Theodor Sink and Georgi AnichenkoKaupo Kikkas


Little has changed about Pärnu, with its concentric rings of eight-mile sandy beach and dunes, wooded gardens and wooden old town, in the five years I've been going there. It came as a bit of a shock to find that voters in the region favoured the far right, which now has an unwelcome white-supremacist father and son in an otherwise progressive parliament; but the town in July is full of Tallinn folk heading south to Estonia's "summer capital". It's still a calm background for the intense creative work of the music festival dominated by the Järvi family: Paavo, "Artistic Leader" with his phenomenal Estonian Festival Orchestra giving two concerts each season, father Neeme and now brother Kristjan also concertising and helping out with the Academy conducting course, sister Maarika playing flute in orchestra and ensembles.

Even so, there has been much fine tuning in what is now a whole week of extraordinary music-making, most of it in the state-of-the-art concert hall which is the last thing new visitors to Pärnu expect to encounter. The chamber events which for me are just as essential to hear great playing as the big orchestral concerts, and to discover new repertoire, have been streamlined to include a programme curated by Estonia's next greatest composer after Arvo Pärt, Erkki-Sven Tüür, turning 60 this year and also featuring as composer in the repertoire, and another selected by photographic artist Kaupo Kikkas alongside the images of his “Ansel” exhibition in the recently revitalised Pärnu Museum of New Art.

Visitors who always turn out to further embody the special festival spirit this year included a quintet led by the phenomenal Hugo Ticciati, making sure that every phrase came alive in a constantly engaging sequence of chamber music by Estonians Tüür and Tõnu Kõrvits alongside equal master, Finn Sebastian Fagerlund, Schoenberg's First Chamber Symphony in Webern's slimline version – from this experience, very much to be preferred to the densely screaming original – and a delicious yet serious duo of Swedish folksongs in a jazz trio arrangement (pictured below by Kaupo Kikkas: Ticciati, barely visible flautist Janne Thomsen, pianist Heini Kärkkäinen, clarinettist Christoffer Sundqvist and clarinettist Jamie Walton).
  
In fact the first notes I heard in this concert, having missed as so often Neeme Järvi's opening event with the Tallinn Chamber Orchestra, were as emblematic of a special aspect this year as Elisabeth Leonskaja's late-in-the-day decision to join with four of the world's best wind players in the Beethoven Quintet, first revelation of 2018. Clarinettist Matt Hunt, as much a leader of Paavo Järvi’s Estonian Festival Orchestra as violinist Florian Donderer, had been one of them; but here, in a clarinet arrangement from the saxophone solo original of Kõrvits’s Singing over the Seas, we listened open mouthed to the creativity of Christoffer Sundqvist.

The next morning, among 12 participants of the International Järvi Academy Masterclasses for strings and wind performing at the town hall – yes, dear reader, I heard them all – there was an absolute standout: Lithuanian clarinettist Morta Kacionaite (pictured right), stunningly charismatic in Jorg Widmann’s madcap Fantaisie. She’d been working with a soloist of calibre equal to Widmann the instrumentalist, Kari Kriikku – I wish I’d known he was there earlier – and told me emphatically that she thought Sundqvist was a more engaging player than Berlin Philharmonic principal Wenzel Fuchs had been in Mozart’s Clarinet Concerto on the first night.

The abundance of young players – that morning other remarkable soloists included flautist Ekaterina Kornishina in another wind solo, Bozza’s Image, among at least two-thirds of the performers you’d be happy to hear on a professional stage anywhere – could be confusing: the Academy Sinfonietta playing on the Wednesday night included many players from the main EFO, outstandingly so oboist Riivo Kallasmaa who shone especially in the best of the academy conducting students’ Stravinsky slots, former Estonian ballet dancer Maria Seletskaja (pictured above by Kaupo Kikkas with Paavo Järvi) taking charge of Pulcinella’s Theme and Variations and Vivo movements. The big showcase for the all-youth Academy Symphony Orchestra and its conductors came on the Saturday, and saw the young mostly Estonian players reach new heights this year in a stunning performance of Honegger’s hard-hitting Third Symphony (the Liturgique).
 
Clearly three of the most experienced conductors had been unleashed here, and together they wrought a perfect triptych: the first movement going to another Estonian, Edmar Tuul, the centrepiece to the immensely stylish Stephanie Childress of the UK, the third with its great redemption to Russia’s Yaroslav Zaboyarkin (the three pictured above by Kaupo Kikkas). Elsewhere Taavi Oramo (yes, son of Sakari, with much experience already to his credit) seemed to me to strike the right flowing tempo for the Andante of Mozart’s Symphony No. 38, ensuring it didn't become a slow movement, while Brazil’s José Soares Filho amazed those who’d found him introspective in the early stages by making the whole orchestra airborne in the finale.

The masterstroke had come from Kristjan Järvi (pictured right with brother Paavo rehearsing his Korale for 80), whose Baltic Sea Philharmonic often plays from memory, to get all the players except cellos to stand in the middle of a masterclass. The energy and contact with the conductors shot up, and they kept it for the concert’s second half, which also included a gracious performance of Bruch’s Double Concerto, originally for clarinet and viola but here shared between the EFO’s front-desk top violinist Triin Ruubel and star viola-player Mari Adachi.

One of the best horn players in the world from the best of all festival orchestras, Alec Frank-Gemmill, was also on the conducting course, and had taken centre stage in Strauss’s First Horn Concerto with the Academy Sinfonietta. Even more magical, though, was his first solo in the Dvořák Cello Concerto at the heart of the first big concert. Though there could have been no more nuanced soloist than Truls Mørk (pictured below in rehearsal by Kaupo Kikkas), the striking thing here was to realise that this is a symphony-concerto, with the wind absolutely crucial throughout. They were especially so as Paavo Järvi dared to stretch the tender coda of the slow movement into infinity, with fathomless perspectives, almost making the finale, brilliant and ultimately moving though it was, irrelevant.
 
There was vibrant re-evaluation, too, of Nielsen’s First Symphony: very much the great Danish individual from the start, giving the quirky lie to any idea that this is a romantic throwback and life begins with No. 2, “The Four Temperaments”. Absolutely equal in their company was Tüür’s perfect writing for strings in L’ombra della croce (The Shadow of the Cross), an exquisite homage to Gesualdo. Admiration for this great Estonian composer grows all the time; two years ago at the festival we heard his Licthttürme (Light Towers) II as a piano trio, magical then, but the shimmering gained from its quintet version in the hands of Ticciati and friends was absolutely transformative.

Tüür’s curation of this year’s chamber concert, in contrast to the fabulous but baggy-monster marathons of previous years, gave shape to different ensembles from the Festival Orchestra. It was startling to be plunged straight into the aphorisms of Berg’s Four Pieces for clarinet and piano from live wires Hunt and the young pianist on the Academy master classes Maksim Štšura; Webern’s quartet Bagatelles focused the mind even more intensely before the poetry and high jinks of Ligeti’s Six Bagatelles for wind quintet (pictured below by Kaupo Kikkas: Michel Moragues, Riivo Kallasmaa, Björn Olsson, Rie Koyama and Matt Hunt).

The one outsider of the evening was a septet arrangement of Sibelius’s En Saga in its original, more unwieldy version; it was made by Gregory Barrett on the grounds that the composer had originally sketched it for this combination, but we don’t know what that sounded like, and to omit an oboe from the textures seemed like a serious mistake.
 
Revelation of the entire festival, though, for me, was a supernaturally beautiful performance of the elaborate and sometimes elusive String Sextet Korngold composed at the frankly unbelievable age of 17. This eclipsed even the wonders of another chamber work I didn't know, Glière's String Octet, two days earlier. Donderer had wanted a perfect balance of Estonians – young Robert Traksmann, a violinist of incredible promise, alongside the well-established viola player and conductor Andres Kaljuste and Estonian National Symphony Orchestra principal cellist Theodor Sink – with distinguished visitors (himself, Adachi and the EFO’s own principal cellist Georgo Anichenko). All players made their individual and collective presences felt, with Donderer seemingly soaring to heaven in his higher-lying lines, perfect in intonation like the rest.

Kikkas’s choice was carefully staged at different points in the gallery room featuring canvases from his homage to Ansel Adams, many of them departing from the model with single naked figures dwarfed by the landscapes and given biblical titles. Meditations by Arvo Pärt for counter-tenor and string trio, ending with the supremely haunting Burns declamation My Heart’s in the Highlands, framed nature-related works by leading Latvian composer Pēteris Vasks, the “Summer Tunes” of his Second String Quartet – one movement rather than three makes the point – and Landscape with Birds played by Maria Luisk from the next room (pictured above), giving us the necessary air the gallery was lacking on that hot afternoon.

Nature as violent rather than still lashed us at the start of the final concert in Tüür’s Sow the Wind, a big ask from the undaunted EFO players with so much energetic music ahead. The meditations came in the first two of Musorgsky’s Songs and Dances of Death, not in the most often-used Shostakovich arrangement but an equally sensitive one by Kalevi Aho, and Gremin’s aria from Tchaikovsky’s Eugene Onegin. Estonian bass Ain Anger’s voice is one in a million, though I wasn’t sure he delved deep below the surface in the Musorgsky, and the devoted Prince needs some femininity in his declaration of love for Tatyana to make it truly moving.

That didn't preclude a genially adjusted encore re-run, though.The tour de force came after the interval, with Paavo Jarvi’s irresistibly driven interpretation of Tchaikovsky’s Second Symphony (we had better stop calling it “Little Russian”; maybe the Estonians already have, in deference to Ukraine, another country that’s freed itself from the Russian yoke). Would one be comfortable with this away from the concert hall? An irrelevant question; the finale’s high-kicking variations virtually lifted us out of our seats. No more exciting official ending to a festival could possibly be imagined.



But then there were the usual three encores – Leroy Anderson had been a lively newcomer to round off the first concert – and how could one not welcome them back? With the most intense pianissimo Jarvi and his marvellous strings have yet achieved in Sibelius’s Valse Triste, and fresh inflections from Hunt and Donderer in Lepo Sumera’s parallel waltz, the seal was set: this is definitely one of the world’s great orchestras, and it’s here to stay.

Tuesday, August 13, 2019

Lieder und Tänze am Ostseestrand

deutschlandfunkkultur.de
Michael Volker
13.08.2019


Paavo Järvi dirigiert alljährlich das Estnische Festival Orchester im Badeort Pärnu. (picture alliance/Fredrik von Erichsen)

Seit acht Jahren beglückt die Järvi-Familie das estnische Ostseebad Pärnu mit einem Musikfest. Das festivaleigene Orchester spielt Musik von Tschaikowsky und Tüür – und der Bass Ain Anger singt Mussorgskys Lieder und Tänze des Todes.

Paavo Järvi gehört zur großen und einflussreichen Järvi-Familie. Mit seinem Vater Neeme Järvi, seinem Bruder Kristjan und vielen anderen Verwandten, Geschwistern, Onkel, Cousinen und Cousins haben sie das kleine Estland zur großen Musiknation gemacht. Zu ihrem Wirken gehören Auftritte und Dirigierverpflichtungen bei allen wichtigen Orchestern und in allen Konzerthäusern der Welt, aber auch die Arbeit im eigenen Land, das sie zu Zeiten der sowjetischen Okkupation verlassen hatten.
Festival in der Sommerhauptstadt

Das Festival im renommierten Badeort Pärnu, die auch als estnische Sommerhauptstadt gilt und zugleich ein wichtiger Hafen ist, hat Paavo Järvi zusammen mit seinem Vater Neeme vor acht Jahren ins Leben gerufen. Vorher hatte es in Pärnu schon ein Festival gegeben, das an die Aufenthalte des legendären Geigers David Oistrach erinnerte. Der verbrachte bis 1971 seine Sommerurlaube in der Stadt.
Schwieriger Nachbar Russland

Die kulturelle Bindung zum schwierigen Nachbarn Russland ist in Estland durchaus noch gegeben, nicht nur weil die russischsprachige Minderheit in Estland nennenswert groß ist und sich von der russischen Staatspropaganda beeinflussen lässt. So verwundert es nicht, dass in diesem Festivalkonzert überwiegend russische Werke erklingen.

Die zweite Sinfonie Peter Tschaikowskys gehört zu den selten gespielten Juwelen in seinem Schaffen. Sie trägt zwar den Untertitel „Kleinrussische“ oder auch „Ukrainische“, weil der Komponist in ihr Volksmelodien des südwestrussischen Grenzlandes verwendet hat, doch andererseits zeigt sie Tschaikowsky ganz in der Tradition der romantischen Sinfonik Europas.
Erkki-Sven Tüür wird 60

Eigentliches Hauptthema des 9. Pärnu Musikfestivals war das Schaffen des estnischen Komponisten Erkki-Sven Tüür. Er wird in diesem Jahr 60 Jahre alt und ist nach Arvo Pärt der bekannteste estnische Komponist.

Aus seinem umfänglichen Orchesterschaffen hatte Parvo Järvi für dieses Konzert des Estnischen Festivalorchesters (ebenfalls eine Gründung Paavo Järvis aus demselben Jahr, 2011) das Werk „Sow the Wind“ von 2015 ausgesucht. Järvi kennt dieses Stück sehr gut, denn er hat es selbst mit dem Orchestre de Paris uraufgeführt.
Gefeierter Sänger mit Weltkarriere

Als gefeierter Sänger in Wagner-Opern hat der estnische Bass Ain Anger weltweit Karriere gemacht. In diesem Festivalkonzert profiliert er sich auf seinem zweiten Spezialgebiet, dem russischen Kernfach.

Der estnische Bass Ain Anger (Agentur Harrison Parrott)

Er singt eine Arie des Fürsten Gremin aus Peter Tschaikowskys Oper „Eugen Onegin“ und die derb-theatralischen „Lieder und Tänze des Todes“ von Modest Mussorgsky. Diese ergreifenden und zugleich bizarr-ironischen Stücke hat Dmitrij Schostakowitsch instrumentiert und damit in den großen Konzertsaal eingeführt.

Pärnu Music Festival
Konzerthalle Pärnu
Aufzeichnung vom 21. Juli 2019

Erkki-Sven Tüür
„Sow the Wind“ für Orchester

Modest Mussorgsky
„Lieder und Tänze des Todes“ für Bass und Orchester

Peter Tschaikowsky
Arie des Fürst Gremin aus der Oper „Eugen Onegin“
Sinfonie Nr. 2 c-Moll op. 17 „Kleinrussische“

Ain Anger, Bass
Estonian Festival Orchestra
Leitung: Paavo Järvi


https://www.deutschlandfunkkultur.de/paernu-music-festival-lieder-und-taenze-am-ostseestrand.1091.de.html?dram:article_id=455617

Lieder und Tänze am Ostseestrand

deutschlandfunkkultur.de
Michael Volker
13.08.2019

Paavo Järvi dirigiert alljährlich das Estnische Festival Orchester im Badeort Pärnu. (picture alliance/Fredrik von Erichsen)

Seit acht Jahren beglückt die Järvi-Familie das estnische Ostseebad Pärnu mit einem Musikfest. Das festivaleigene Orchester spielt Musik von Tschaikowsky und Tüür – und der Bass Ain Anger singt Mussorgskys Lieder und Tänze des Todes.

Paavo Järvi gehört zur großen und einflussreichen Järvi-Familie. Mit seinem Vater Neeme Järvi, seinem Bruder Kristjan und vielen anderen Verwandten, Geschwistern, Onkel, Cousinen und Cousins haben sie das kleine Estland zur großen Musiknation gemacht. Zu ihrem Wirken gehören Auftritte und Dirigierverpflichtungen bei allen wichtigen Orchestern und in allen Konzerthäusern der Welt, aber auch die Arbeit im eigenen Land, das sie zu Zeiten der sowjetischen Okkupation verlassen hatten.

Festival in der Sommerhauptstadt

Das Festival im renommierten Badeort Pärnu, die auch als estnische Sommerhauptstadt gilt und zugleich ein wichtiger Hafen ist, hat Paavo Järvi zusammen mit seinem Vater Neeme vor acht Jahren ins Leben gerufen. Vorher hatte es in Pärnu schon ein Festival gegeben, das an die Aufenthalte des legendären Geigers David Oistrach erinnerte. Der verbrachte bis 1971 seine Sommerurlaube in der Stadt.

Schwieriger Nachbar Russland
Die kulturelle Bindung zum schwierigen Nachbarn Russland ist in Estland durchaus noch gegeben, nicht nur weil die russischsprachige Minderheit in Estland nennenswert groß ist und sich von der russischen Staatspropaganda beeinflussen lässt. So verwundert es nicht, dass in diesem Festivalkonzert überwiegend russische Werke erklingen.

Die zweite Sinfonie Peter Tschaikowskys gehört zu den selten gespielten Juwelen in seinem Schaffen. Sie trägt zwar den Untertitel „Kleinrussische“ oder auch „Ukrainische“, weil der Komponist in ihr Volksmelodien des südwestrussischen Grenzlandes verwendet hat, doch andererseits zeigt sie Tschaikowsky ganz in der Tradition der romantischen Sinfonik Europas.
Erkki-Sven Tüür wird 60

Eigentliches Hauptthema des 9. Pärnu Musikfestivals war das Schaffen des estnischen Komponisten Erkki-Sven Tüür. Er wird in diesem Jahr 60 Jahre alt und ist nach Arvo Pärt der bekannteste estnische Komponist.

Aus seinem umfänglichen Orchesterschaffen hatte Parvo Järvi für dieses Konzert des Estnischen Festivalorchesters (ebenfalls eine Gründung Paavo Järvis aus demselben Jahr, 2011) das Werk „Sow the Wind“ von 2015 ausgesucht. Järvi kennt dieses Stück sehr gut, denn er hat es selbst mit dem Orchestre de Paris uraufgeführt.
Gefeierter Sänger mit Weltkarriere

Als gefeierter Sänger in Wagner-Opern hat der estnische Bass Ain Anger weltweit Karriere gemacht. In diesem Festivalkonzert profiliert er sich auf seinem zweiten Spezialgebiet, dem russischen Kernfach.

Der estnische Bass Ain Anger (Agentur Harrison Parrott)

Er singt eine Arie des Fürsten Gremin aus Peter Tschaikowskys Oper „Eugen Onegin“ und die derb-theatralischen „Lieder und Tänze des Todes“ von Modest Mussorgsky. Diese ergreifenden und zugleich bizarr-ironischen Stücke hat Dmitrij Schostakowitsch instrumentiert und damit in den großen Konzertsaal eingeführt.

Pärnu Music Festival
Konzerthalle Pärnu
Aufzeichnung vom 21. Juli 2019

Erkki-Sven Tüür
„Sow the Wind“ für Orchester

Modest Mussorgsky
„Lieder und Tänze des Todes“ für Bass und Orchester

Peter Tschaikowsky
Arie des Fürst Gremin aus der Oper „Eugen Onegin“
Sinfonie Nr. 2 c-Moll op. 17 „Kleinrussische“

Ain Anger, Bass
Estonian Festival Orchestra
Leitung: Paavo Järvi

https://www.deutschlandfunkkultur.de/paernu-music-festival-lieder-und-taenze-am-ostseestrand.1091.de.html?dram:article_id=455617