Thursday, February 27, 2020

Messiaen: L’Ascension; Le Tombeau Resplendissant; Les Offrandes Oubliees; Un Sourire - Tonhalle-Orchester Zürich; Paavo Järvi
Daniel Foley

Messiaen – L’Ascension; Le Tombeau Resplendissant; Les Offrandes Oubliees; Un Sourire
Tonhalle-Orchester Zürich; Paavo Järvi ALPHA 548 (

To celebrate Paavo Järvi’s appointment as their new music director, the Tonhalle-Orchester Zürich has released this admirable collection of early orchestral works by Olivier Messiaen (1908-1992), a composer demonstrably dear to Järvi’s heart. The disc begins with Le Tombeau resplendissant (1931), a lesser-known work that reflects a crucial time in Messiaen’s life; it bears an unsettling autobiographical program note that begins, “My youth is dead: it was I who killed it.” Perhaps feeling it was too personally revealing, he withdrew the work from his catalogue for decades. It was eventually published in 1997. This is followed by the transcendent “symphonic meditation” Les Offrandes oubliées (1930), one of his most successful works in this genre.

Notably absent in the works of the 1930s, Messiaen’s preoccupation with birdsong is front and centre, alternating with retrospective hymnal passages reminiscent of his earlier style, in the late Un sourire (1989), which premiered December 5, 1991, as Messiaen’s exquisite contribution to the bicentenary of Mozart’s death. The recording concludes with the original orchestral version of the lengthy, supremely Catholic devotional tone poem L’Ascension – Quatre méditations symphoniques (1932/33); the later 1934 version, with a different third movement, is a well-known crown jewel of the organ repertoire.

Järvi maintains an excellent command of the orchestra throughout. The dense harmonies projected by the Zürich strings are sublime and expertly balanced, the percussion section is impressively resonant and solo passages are outstanding. A very fine job indeed by the recording team, sourced from live performances from January and April 2019.

Thursday, February 20, 2020

Monday, February 17, 2020

Meet the Artist – Paavo Järvi

Who or what inspired you to take up conducting and pursue a career in music?

I was born into a family of a conductors, so it was my father.

Who or what are the most significant influences on your musical life?

There have been many influential musicians along the way who have been important influences for me – my father, my teacher Max Rudolf at the Curtis Institute of Music and Leonard Bernstein as far as conductors go. But there have been also influential instrumentalists and composers who have been important in my life, for example Radu Lupu and Arvo Pärt.

What, for you, is the most challenging part of being a conductor? And the most fulfilling aspect?

Every part of conductor’s life is challenging. From the enormity of the repertoire to the geography and travel.

The most fulfilling aspect is that a conductor can spend his or her life with talented human beings and explore music of geniuses like Mahler and Beethoven, for example

As a conductor, how do you communicate your ideas about a work to the orchestra?

One communicates ideas through various methods – with the eyes, verbally, with gestures and body language.

How exactly do you see your role? Inspiring the players/singers? Conveying the vision of the composer?

I see my role as a medium between the composer and the musicians. The role is to formulate a point of view about the piece through study of the score and to convey this to the musicians.

Is there one work which you would love to conduct?
There are many works I would love to conduct but one lifetime is not enough to get close to all the masterpieces in the repertoire.

Do you have a favourite concert venue in which to perform?

The Zürich Tonhalle, Suntory Hall in Tokyo, the Musikverein in Vienna, just to name a few.

Who are your favourite musicians/composers?

Hard to name a favourite composer but I do have a soft spot for music of Sibelius and Bruckner.

As a musician, what is your definition of success?

Success is when you can make music on the highest possible level with like-minded musicians.

What do you consider to be the most important ideas and concepts to impart to aspiring musicians?
Make sure you love music enough to make it your profession and then be prepared to work very hard.

Where would you like to be in 10 years’ time?

On the planet Earth.

What is your idea of perfect happiness?

I think it would be the balance between personal and professional life.

What is your present state of mind?

I’m looking forward to the upcoming tour to Europe with the NHK Symphony Orchestra, Tokyo

Paavo Järvi conducts the NHK Symphony Orchestra in music by Takemitsu, Rachmaninov and Schumann at London’s Royal Festive val Hall on 24 February. Full details

(Artist photo: Julia Baier)'

Friday, February 14, 2020

Paavo Järvi conducts orchestral works by Bartók
James Longstaffe

Since 2016, the Chief Conductor of the NHK Symphony Orchestra, Tokyo has been Paavo Järvi, and together they have made several acclaimed recordings of music by Mahler and Richard Strauss. Now comes their most accomplished album yet of three works by Bartók: alongside characterful accounts of the Divertimento and the Dance Suite they offer an unsettlingly eerie performance of the Music for Strings, Percussion and Celesta.

The orchestra has over the years attracted an impressive list of previous conductors, including Vladimir Ashkenazy, Wolfgang Sawallisch, Charles Dutoit, and André Previn, and it only takes a few moments of listening to them to understand why: the sound they make is really rather beautiful, especially in the string section, which plays with great finesse. In fact, so technically polished are they that sometimes this can be detrimental: in an interview with my colleague Katherine, Järvi commented that when performing music such as Stravinsky and Bartók he would often have to ask the orchestra to stop sounding so beautiful and to make their playing much uglier! Although I feel they could have gone even further in a few places, the results of this attention to quality of sound are most evident, particularly the opening of the Music for Strings, Percussion and Celesta, where the muted violas bring a detached coldness that is quite unnerving.

The whole first movement is extremely intense; the tension builds as more and more string parts enter, but even with multiple independent lines going on, you can hear with absolute transparency each and every one of them. Again in that interview, Järvi mentions how important clarity and precision are to this orchestra, and there’s no better example of that than here.

For me, the highlight of both the piece and this recording has to be the third movement: with its desolate, repeated xylophone notes, timpani glissandos, and harsh, angular string writing, it’s an extraordinarily creepy movement full of quiet despair. It’s hard to describe in words, but the passage about two and a half minutes in where pianissimo trills and a chain of ascending and descending glissando wails from the violins accompany a chromatic melody from celesta and two solo violins, punctuated by implacable major sevenths from the piano, is so disturbing and chilling that I’m not sure it’s the sort of thing I would want to listen to in the dark! It's no surprise that Stanley Kubrick chose this precise section of the piece for part of the soundtrack to The Shining.

Especially in this piece, Järvi often takes a relatively expansive view on tempos (Bartók actually gives quite detailed breakdowns of the timing of movements here and in the Divertimento for string orchestra, which admittedly Järvi frequently exceeds, but then very few other recordings get anywhere near either!), but this is all for the very good reason of allowing the music the space it needs. Not once did I feel that the pace was sluggish or dragging in any way, it was simply a pleasure to wallow in the tremendous sounds that the NHK players were making.

The versatility that the orchestra possesses is amply demonstrated in the Divertimento, where they are adept at navigating its changing moods: the opening is full of richness and depth, and yet they bring a huge amount of grace and deftness when required. I can’t say enough good things about this recording: the variety of sounds that they make is nothing short of stunning, turning from the gentlest of pianissimos to the most ferocious of fortissimos with great ease. I hope you enjoy it as much as I have!

 Bartók: Music for Strings, Percussion and Celesta, Divertimento & Dance Suite

NHK Symphony Orchestra, Paavo Järvi

Available Formats: CD, MP3, FLAC, Hi-Res FLAC

Thursday, February 13, 2020

Paavo Järvi on the NHK Symphony Orchestra
Katherine Cooper

Photo credit: Kaupo Kikkas.

Since being appointed Chief Conductor of the NHK Symphony Orchestra in late 2016, Paavo Järvi has programmed a significant amount of twentieth-century and contemporary music as well as conducting acclaimed performances of their trademark German Romantic repertoire in Japan and across Europe, and this month sees the release of a slew of new recordings including works by Mahler, Strauss, Bartók, Wagner and Mussorgsky. I met up with him recently in London to discuss the orchestra’s special qualities, extending the comfort-zones of players and audiences alike, and why he believes that ‘a good young conductor is an oxymoron’…

Do you rehearse in English, Japanese, or a mixture of both?

We work mostly in English, with a couple of German and Italian words thrown in, and occasionally a very basic Japanese phrase from me! But very often I just sing – not necessarily because of any language-problem, but because you can communicate far more by singing a line than by getting into long involved philosophical discussions. (In fact I think that’s sound advice for any conductor anywhere!). If you go in with a strong enough view of something and if you are connected to the players then it’s relatively easy to get your point across, and I’ve seen that with visiting soloists too - Truls Mørk did an incredible Don Quixote with us recently, and just the way he played it made everybody adapt to his view of the piece.

Are there significant differences between Japanese and European orchestral culture – both in terms of players’ backgrounds and audience expectations?

Very much so. Even though the NHK musicians have often studied in the US and in Europe (a lot of the younger musicians in particular are German-educated), they still need to function in an extremely well-defined Japanese culture, and there are certain things that are simply non-negotiable. They are taught that there is a right thing and there’s a wrong thing, so sometimes when I spontaneously ask for something in the rehearsal – say, for a piano to be marked slightly up for a particular instrument - I can see them checking the score and thinking ‘But that’s not what Mahler [or whoever] writes!’. And I’ll say ‘Look, I understand that it’s marked piano, but in this context we need a little bit more of your voice because it’s all relative - a tuba piano is going to be a bit louder than a clarinet piano’.

There’s also an intense hierarchy at work in orchestras, as in Japanese society, so there is a very specific road which you have to follow in order to progress in your career. And it's a slightly conservative culture, so when it comes to programming, something like Bartók is considered ‘new’ music. Takemitsu (whose music we recorded recently) is rather different, because that’s a matter of national pride, rather as Arvo Pärt is for us in Estonia. There are some very good Japanese composers like Toshio Hosokawa who are making a significant name for themselves, but Takemitsu is the only one who's truly internationally-known and he’s taken on an almost legendary status for them. Without that national connection they might not necessarily take his music to their heart in the same way: if you programme Hindemith or Lutosławski, for instance, there is a hardcore fan-base who’ll be totally into it, but your typical audience-member really wants Beethoven, Brahms, Schubert, Mahler and Bruckner…Germanic music, essentially.

When and how do you think that preference developed?

I think the Japanese interest in Western classical music really started when Karajan first visited with the Berliner Philharmoniker in the 1950s, and it’s that sort of repertoire that remains central. In the 60s, 70s and 80s NHK worked with a lot of German conductors, but in the recent past they had Vladimir Ashkenazy and Charles Dutoit as music directors - so two very great musicians who didn’t necessarily concentrate on the Germanic core repertoire. Ashkenazy in particular was less interested in doing Beethoven, Mahler and Bruckner than exploring more esoteric repertoire which really fascinated him, which I think is absolutely the right approach and really broadened their range. These days they play Tchaikovsky and other Russian composers all the time, but the prevailing belief is still that the ‘real’ music is Germanic, and that the real conductors are the old Germans and Austrians. Anybody old is preferred, but especially if they’re Old World. And I think they have that age thing exactly right: in the West we have this obsession with young conductors, but to me a ‘good young conductor’ is an oxymoron! Conducting is a profession of experience, so there are young conductors who are talented, promising or exciting, but really ‘good’? I don’t think so. (Having said that there are also very many bad old conductors, but that’s a different issue!). The Japanese culture is built on old masters and apprenticeship: instead of starting out by expressing your own opinions you copy everything the master does stroke-by-stroke, and once you’re able to do that then you can become your own man. That’s exactly how Japanese society works, and to me there’s a very clear logic to it.

Given that slight cultural conservatism which you mentioned, is it a challenge to get the ugliness and wildness that you often need for Stravinsky and Bartók?

Ugliness and wildness are not easy to come by anywhere these days! Wherever you do Rite of Spring now it always sounds too beautiful, too polished and too easy: it used to be so difficult for people to read that that added a kind of nervous tension in itself, but today everyone plays it so well and so often that you almost feel that there’s no longer anything really scary about it. (I find something similar with Bruckner’s scherzos at times: you have something that’s supposed to sound like a heavy-footed Ländler but what you end up with is an elegant Viennese waltz...). The technical capacity of NHK is unsurpassed, to me – I don’t know any other orchestra that can play that precisely, so very often I would have to stop and say ‘This is too beautiful! It has to be much more brutish!’, and they’d do it and look shyly at each other as if to say ‘Is this OK?! We sound so ugly!’. Sometimes I had to practically beg them to make more unsophisticated sounds.

The orchestra has quite a substantial Strauss discography, but as far as I can see this new recording of the Sixth is their first commercial Mahler recording...

They’d never recorded any Mahler before as far as I’m aware, which is surprising given how often they play his music - I’ve done all of the symphonies with NHK, and they’ve acquired such a reputation in this repertoire that we’ve had to turn down a few requests from guest conductors who wanted to come and do it as well! We don’t plan to record a complete cycle, because there are so many other pieces which I think they would do incredibly well, such as the Turangalîla-Symphonie. And another priority was the Bartók recording, which has always been my dream because Music for Strings, Percussion and Celesta and the Divertimento and the Dance Suite don’t often get to be on the same disc: I think that particular combination was kind of shocking to the musicians, but boy they played it well! It’s amazing how well they actually play this repertoire, and I think that’s partly because clarity and precision are incredibly important for the Japanese. If you really listen carefully to even the greatest European orchestras, you find that a lot of things are done fairly approximately, but with the Japanese you can hear every line.

Is the Suntory Hall acoustic conducive to that clarity?

Oh yes, environment is everything. All our NHK recordings are done there and it’s one of the best natural acoustics in the world – artificial acoustics are often used in recordings, but we don’t have to do that so much because the hall itself is so fantastic. It’s become one of the venues everybody wants to go to, in a way that really helps us.

The orchestra recorded a lot of Italian opera in the mid-twentieth century – has that fallen out of vogue, or would you consider exploring that with them in future?

I’d love to do that kind of stuff, but there's so much I’d love to do and so little time! In terms of opera, the preference is for Wagner, as Italian repertoire is pretty well covered by imported productions and visiting companies: smaller Italian houses like Torino (and sometimes even La Scala) regularly come out and do a whole month of verismo or bel canto, so there’s definitely a market for it but NHK are fundamentally a symphonic orchestra and it's not quite in their DNA.

What else is on your twentieth-century repertoire wish-list with NHK?

I’d like to do Nielsen and Sibelius – not the popular Sibelius symphonies like 2 and 5, but some of the others. They play some of the popular Prokofiev and Shostakovich pieces (things like Romeo and Juliet and the Fifth Symphony) but there’s a lot of wonderful music by those two that isn’t programmed so often. We recently played a programme of Polish music which included Bacewicz’s Concerto for Strings, Lutosławski’s Concerto for Orchestra and Little Suite, and the Wieniawski Violin Concerto No. 2: it was very difficult to convince people that they needed to play or hear Bacewicz but once they got going they loved it, and I think that was the first time ever that her music was played in Japan. I also plan to do some Sven-Erkki Tüür, and Hans Abrahamsen’s new Horn Concerto, which was premiered by the Berliner Philharmoniker last month and was co-commissioned with NHK. And the next recording that’s coming out is more Stravinsky: the Symphony in Three Movements, Jeu de Cartes and Apollon musagète, which is an interesting combination in that it’s all dance music – if the Ballets Russes inspired the Diaghilev pieces, then these three are pure Balanchine.

Paavo Järvi & the NHK Symphony Orchestra perform Takemitsu, Schumann and Rachmaninov at South Bank Centre on Monday 24th February as part of the Japan-UK Season of Culture 2019-2020.

Wednesday, February 12, 2020

PÄRNU MUSIC FESTIVAL 2020 - Familienbande
Peter Krause

Die Dirigentendynastie der Järvis führt in Estland mit dem Pärnu Music Festival Orchestermusiker aus Ost und West zu einem Weltklasse-Klangkörper zusammen.

© Kaupo Kikkas
Paavo Järvi am Strand von Pärnu

Sanft streift der Seewind über die Dünen des gigantisch breiten und extra feinkörnigen Sandstrands. Dahinter laden schattige Park­anlagen zum Lustwandeln während der Siesta-Zeit. Davor wird die einst die Schiffe der Hanse einladende, gut geschützte Bucht von Pärnu zum Kinderparadies, denn so seicht und sicher nimmt die Ostsee sonst nirgends an Tiefe zu. Der Weg zum Schwimmen gleicht einer wohligen Wasserwanderung. Die gute alte Sommer­frische, als Ferienbegriff sonst etwas aus der Mode gekommen, wird hier fürwahr Ereignis. Zumal die Küste der viertgrößten Stadt Estlands nicht durch massentouristische Ferienkomplexe verschandelt ist, sondern sich ihren Charme eines Kurorts des 19. Jahrhunderts bewahrt hat.

Der Kursaal mit Konzertmuschel wurde erhalten, die Jugendstil- und Bauhaus-Villen aus der ersten Phase estnischer Unabhängigkeit zwischen den Weltkriegen aufwändig herausgeputzt, das angestaubte Kurort-Image liebevoll sensibel in die moderne Spa-Welt überführt. In manchen der schnuckeligen nordischen Holzhäuschen haben sich Buchantiquariate, Kaffeehäuser und Pizzerien angesiedelt. Der Transformations­prozess vom Sozialismus in die Gegenwart erfolgte sensibel, geschichtsbewusst und beherzt zugleich; der kluge junge Bürgermeister, der zum Studium in England weilte, steht beispielhaft dafür, dass die alten sozialistischen Eliten hier nichts mehr zu sagen haben, Investitionen nicht in dubiosen Kanälen versickern, sondern zum Wohle von Land und Leuten eingesetzt werden.

© Indrek Aija

Spielstätte beim Pärnu Music Festival: Villa Ammende

Europäischer Sprachenmix und Tiefenentspannung

Die Strategie zeigt Wirkung: Die Hotels sind voll. Besonders die finnischen Nachbarn haben die estnische Küste für sich entdeckt, doch längst zeugt ein europäischer Sprachenmix davon, dass Entspannung hier ein Prinzip ist, dem all jene Urlaubs­hungrigen folgen, denen der Süden zu heiß und zu laut, der Norden hingegen zu langweilig oder zu teuer ist.

Schließlich zeugt die Perle Pärnu vom kulturellen Reichtum und wiedergewonnen Bewusstsein Estlands. Ein zarter Hauch von westlicher Freiheit wehte hier freilich bereits, als Sowjet­spitzel noch das Leben im Riesenreich verfinsterten. So wussten Komponistengenie Dmitri Schostakowitsch oder Geigenlegende David Oistrach die Oase namens Pärnu zu schätzen, sie kehrten Sommer für Sommer hierher zurück. Die privaten, oft spontan anberaumten Kammermusik­abende Oistrachs, der Studenten und Musikerfreunde gern in seine grün angestrichene Datscha lud, gehören denn auch zur Inspirationsquelle für Paavo Järvi, den Ort, an dem er einst als Kind dem großen Schostakowitsch vorgestellt wurde, in eine Art musikalisches Sommercamp zu verwandeln. So ging 2011 das erste Pärnu Music Festival über die Bühne, im August 2020 steht nun das Jubiläum mit der zehnten Ausgabe an.

Die Rückkehr der Järvis in ihre Heimat hat auch eine dezidiert politische Dimension. Sie ist Statement. Denn die Dirigentendynastie gehört zu den berühmtesten Exilanten des kleinen Estland. Neeme Järvi emigrierte mit Frau und Kindern in 1980ern in die USA, er selbst stieg zu einem Dirigenten-Weltstar auf, seine Söhne studierten in der Neuen Welt. Heute hat das Oberhaupt der Musikerfamilie längst wieder einen Wohnsitz in der Hauptstadt Tallin, weitere Mitglieder der Järvis sind in ihre Heimat zurückgekehrt. Der Braindrain, mithin der gefährliche Abfluss von meist jungen Talenten als Kennzeichen der einstigen Sowjet­länder, er scheint hier nun nicht nur gestoppt, er kehrt sich um. Denn die Lebensqualität in Estland stimmt, die Altlasten der Diktatur sind weitgehend beseitigt, russische Müllkippen wurden in blühende Naturschutzgebiete zurückverwandelt. Sogar das ein Viertel der Stadtbevölkerung fassende Plattenbau-Trabantenviertel von Pärnu wurde aufgehübscht und hat heute längst westlichen Wohnstandard erreicht.

© Toomas Olev

Eine der schönsten barocken Kirchen Estlands: die Elisabeth-Kirche
Mitunter ist Talent erblich

Das Festival seinerseits ist Ausfluss der Familienbande. Opa Neeme sowie die Brüder Kristjan und Paavo geben gemeinsam ihr Wissen an Nachwuchsdirigenten weiter, die mit dem besonders jung und besonders exzellent mit estnischen Musikern besetzten Akademie­orchester arbeiten können und die Ergebnisse der Meisterklassen dann in einem beim Pu­blikum überaus beliebten Abschluss­konzert präsentieren. Und im eigentlichen Festivalorchester versammeln sich neben Paavo Järvis Lieblingsmusikern aus der Kammer­philharmonie Bremen, dem Frankfurter Radiosinfonie­orchester, den Münchner Philharmonikern und dem NDR Elbphilharmonie Orchester oder den großen russischen Klangkörpern natürlich auch die besten Musiker Estlands, darunter so manche, die wiederum auf den Nachnamen Järvi hören. Mitunter ist Talent eben erblich.
Entdeckerfreude beim Pärnu Music Festival

Damit die im Klassikbetrieb der Großstädte gefährliche Routine hier ein absolutes Fremdwort bleibt, setzt Paavo nicht die Schlachtrösser von „Pathétique“ oder Fünfter von ­Tschaikowsky auf das Programm des Festival­orchesters, sondern im vergangenen Jahr etwa dessen Sinfonie Nr. 2, die kaum jemand im Orchester je gespielt hat. Gemeinsame Neugierde, Maximal­motivation, Entdeckerfreude prägen das Weltklasseensemble. Das gewählte Repertoire spiegelt zudem die Einflüsse, die hier wirksam wurden: russische und deutsche Komponisten, dazu jene Meister der Gegenwart, die der estnischen Erde entstammen und ganz große Musik schaffen: Altmeister Arvo Pärt und der mit seinen sechzig Jahren jung gebliebene, persönlich anwesende Erkki-Sven Tüür zählen zu diesen Neutönern, deren Werke von den Festivalfans mit nicht weniger kennerischem Beifall bedacht werden wie jene des Dänen Carl Nielsen oder des Böhmen Antonín Dvořák, dessen Cellokonzert der norwegische Stargast Truls Mørk so gar nicht als Star, sondern als Erster unter Gleichen mit warm abschattiertem und mit der dunklen Streicherglut des Orchesters intim abgemischtem Ton spielt.

Pärnu Music Festival
Mit: PaavoJärvi, Truls Mørk, Hugo Ticciati, Estonian Festival Orchestra u.a.
Pärnu, Tallinn

Friday, February 07, 2020

Igor Levit und Ludwig van Beethoven: Sondersendung zum 250. Geburtstag

Beethoven der Rebell

Sein Vermächtnis: Die 9. Sinfonie
Quelle: Kaupo Kikkas

Als er diese Sinfonie komponiert ist Beethoven schon komplett taub. Die Sopranistin der Uraufführung muss den Komponisten, der sein Werk selbst dirigiert hat und mit dem Rücken zum Publikum steht, herumdrehen, damit er beim Schlussapplaus mit eigenen Augen sehen kann, wie begeistert das Publikum auf die letzte Sinfonie des Meisters reagiert. Die „Ode an die Freude“ hat es zu besonderer Berühmtheit gebracht. Bei Weltgeschichtlichen Anlässen spielt man vor allem diese Melodie – und sie passt in jedes politische Portfolio: Stalin wünschte sich 1936 eine Aufführung der Neunten zur Feier seiner totalitären Verfassung. Furtwängler dirigierte sie 1937 zu Führers Geburtstag. 1949 zierte sie die Gründungsfeiern der DDR. 1972 dann wird sie zur offiziellen Europahymne. Mit dem Dirigenten Paavo Järvi schauen wir ins musikalische Detail und fragen: Wie sehr glaubte Beethoven selbst daran, dass alle Menschen Brüder werden?

Tuesday, February 04, 2020

Schwärzeste aller Mahlersinfonien
Frank Armbruster

Das NHK Symphony Orchestra unter der Leitung von Paavo Järvi spielt Mahlers Sechste auf einem technisch extrem hohen Level.

Früher gab es Bruckner- und Mahlerdirigenten – und nur sehr wenige, die sich gleichermaßen beiden Komponisten nahe fühlten. Heute ist das anders. Der Este Paavo Järvi etwa hat mit dem hr-Sinfonieorchester den kompletten Mahler und das meiste von Bruckner eingespielt, und das auf sehr hohem Niveau. Dass es aber offenbar noch besser geht, zeigt Järvi nun mit der Einspielung von Mahlers Sechster mit dem NHK Symphony Orchestra. Nicht nur spielt das Orchester aus Tokio auf einem technisch extrem hohen Level, fabelhaft ist die Homogenität der Klanggruppen. Auch was strukturelle Durchgestaltung und emotionale Dringlichkeit anbelangt, muss man lange suchen, um Vergleichbares zu finden. Järvi trifft den Kern dieser vielleicht schwärzesten aller Mahlersinfonien und bündelt deren divergente Stränge in einem Finale von existenzieller Wucht, bei dem die Hammerschläge wie Detonationen die Welt erschüttern und aus den Angeln heben.

© Kaupo Kikkas

Paavo Järvi

Mahler: Sinfonie Nr. 6 „Tragische“

NHK Symphony Orchestra, Paavo Järvi (Leitung)
Paavo Järvi

Er hat den Rhythmus im Blut und ist in seinem Dirigierstil dennoch vielmehr eleganter Gentleman als Haudrauf: Paavo Järvi. Als Sohn einer Dirigentenfamilie – Vater Neeme, Onkel Vallo und Bruder Kristjän gehen derselben Berufung nach… weiter

Friday, January 31, 2020

Paavo Järvi juhatab taas Berliini Filharmoonikuid
Priit Kuusk

Paavo Järvi Klassikaraadios Autor/allikas: Kairit Leibold/ERR

Paavo Järvi alustas aastat oma uue, Zürichi Tonhalle orkestriga, juhatades 8.- 10. jaanuaril kolme kontserti kodulinna kultuurikeskuse Maag saalis. Need olid klassikalised kavad, Pjotr Tšaikovski sümfooniad nr 2 ja nr 5, Béla Bartóki Tantsusüit ning Aaron Coplandi Klarnetikontsert, solistiks menukas rootsi muusik Martin Fröst. 15.-19. jaanuaril tehti esimene välisreis samade kavadega Innsbrucki Tirooli saalis, Viini Kontserdimajas ning Budapesti Kunstide palees ja Dortmundi Kontserdimajas.

Jaanuarikuu kolmel viimasel päeval (29.-31. jaanuaril) dirigeerib Paavo Järvi aga Berliini Filhamoonikuid, Herbert von Karajani soovide põhjal ehitatud ja 1963 avatud Euroopa omaaegses parimas, filharmoonia suures saalis Karajani nime kandval tänaval.

Kümnetele, pigem sadadele andekatele dirigentidele on Berliini Filharmoonikute ette saamine jäänud kättesaamatuks unistuseks. Paavo on kuulsa orkestri ees juba ei-tea-mitmendat korda, ja nüüdki kokku kolmel õhtul sama kavaga. Selles kõlavad Igor Stravinski peaaegu tundmatu "Scherzo fantastique" op 3 (1908) ning Hector Berliozi igihaljas "Fantastiline sümfoonia". Nende vahel sünnib esimeses kavapooles aga maailmaesiettekanne, samaviisi haruldusena selle orkestri puhul, selles saalis, aga nüüd Eesti dirigendiga sündmuse ühe algatajana. See on taani heliloojalt Hans Abrahamsenilt tellitud Kontsert metsasarvele ja orkestrile, solistiks Stefan Dohr, orkestri metsasarverühma kontsertmeister, kes mängib siin 1993. aastast.

Uue kontsertteose tellijaks on ühiselt Berliini Filharmoonikute fond, NHK sümfooniaorkester Tokyost, Hollandi Raadio filharmooniaorkester (Radio 4), Seattle'i Sümfooniaorkester USAst ja Aucklandi filharmoonia Uus-Meremaalt.

Hans Abrahamsen (s. 1952) on edukamaid Taani heliloojaid. Eriti viimased aastad on talle kõrgeid tunnustusi toonud. Väga kaalukad Grawemeyeri fondi kompositsiooniauhind ja Põhjamaade Nõukogu muusikapreemia 2016, Leonie Sonningi preemia (Taani) 2019. aastast räägivad iseenda eest.

Paavo Järvi viimaste aegade tegemistes märkab aina pikemat ja põhjalikumat tööd omaenda orkestritega. Novembris 2019 pikendas ka NHK sümfooniaorkester Tokyos veelkordselt Paavo Järvi lepingut orkestri peadirigendina, nüüd kuni aastani 2022. Terve veebruarikuu 2020 tegutseb Järvi NHK orkestri kunstilise suunaja ja juhina, dirigeerides 5. veebruarist 3. märtsini nende kokku 15 kontserti. Esimesed kuus kontserti tehakse Jaapanis, kuni 16. veebruarini: esinemispaikadeks Tokyos Suntory Hall ja NHK Hall, Takasaki ja Koriyama. Kavades kõlavad Prokofjevi Viiulikontsert nr 2 (solist hispaanlanna Leticia Moreno) ning Rahmaninovi Sümfoonia nr 2, viimasel kahel õhtul NHK Hallis Abrahamseni Metsasarvekontsert (solist Stefan Dohr Berliinist) ning Anton Bruckneri Sümfoonia nr 7.

Ja siis, 22. veebruarist kuni 4. märtsini mängib NHK orkester koos Paavo paljukordsete solistidega Euroopa kõige kuulsamates saalides, alustab aga meie vabariigi sünnipäeva puhul Tallinnast Estonia kontserdisaalist. Nii Tallinnas kui järgnevalt on kavas Tōru Takemitsu "How Slow the Wind", kuulsa Sol Gabetta soleerimisel Schumanni Kontsert tšellole ja orkestrile, või pärast Beethoveni Klaverikontsert nr 3, kus tuntud solist on Khatia Buniatishvili, kava teises pooles kõikjal Bruckneri Sümfoonia nr 7. Tallinnale järgnevad alates 24. veebruarist Londoni Royal Festival Hall, Pariisi uus filharmooniasaal, Viini Kontserdimaja, Kölni Filharmoonia, Detmoldi Kontserdimaja, Amsterdami Concertgebouw, Berliini Filharmoonia ning Brüsseli Palais des Beaux Arts.

Vaid nädala jätab Paavo Järvi puhkamiseks, õigemini Jaapani orkestri reisist toibumiseks ja enda ümberhäälestamiseks. 11. märtsil alustab ta uut, põhjalikku ja süsteemset kontsertide sarja oma Zürichi Tonhalle orkestriga, nüüd vaid kodus: Järvi toob märtsikuul välja kokku kaheksa järjestikust kontserti erineva repertuaariga, mida orkester pole varem mänginud. "See kõik on alles algus", ütles ta Tšaikovski Viienda sümfoonia omalaadse ettekande puhul. Samaviisi saab hinnata Paavo kogu tegevuse praeguseid suundumisi, mis ta plaanib Zürichis teoks teha. Repertuaari uuendamisel on tal abiks aga tema senised, paljudes koosesinemistes läbiproovitud silmapaistvad solistid. Tolles samas Maagi saalis kõlavad nüüd Tšaikovski "Itaalia capriccio" ja tema Sümfoonia nr 3 (kavades korduvalt) ning resideeriva helilooja Erkki-Sven Tüüri akordionikontsert "Prophecy", solistiks võrratu Ksenia Sidorova; 18. märtsist on kavas ka Tšaikovski avamäng-fantaasia "Romeo ja Julia" ning Sümfoonia nr 1, 20. märtsist Szymanowski Viiulikontsert nr 1 (solistiks Lisa Batiashvili). 26. märtsist ilmuvad kavadesse ka Antonín Dvořáki Sümfoonia nr 6 ning Carl Nielseni Sümfoonia nr 2. Niisugusel kombel avardab Paavo mitte ainult oma uue orkestri, vaid ka siinse publiku kuulamiskogemust. Vaatlejate hinnangul on märgatavalt tõusnud ka orkestri mängutase.

Suur arv huvitavaid ja õnnestunud kontserte pole ainus põhjus, miks Paavo Järvi tegevus rahvusvahelist tähelepanu köidab. Jaanuarikuul, mis pole veel möödas ning arvustusi veelgi tulemas, avaldab PaavoProject, et Paavo esinemistest (veel enne Berliini Filharmoonikute kontserte) on meedias avaldatud 27. jaanuari seisuga juba kokku 20 arvustust, intervjuud ja kommentaariumi(!). Ilmunud on neid saksa, inglise, prantsuse, eesti ja vene keeles, sh pikki ülevaatlikke materjale. Tähelepanu on kontserdiarvustuste kõrval leidnud ka Zürichi orkestriga tehtud esimene sisukas plaadistustöö Olivier Messiaeni orkestrimuusikast firmale Alpha; orkestri Deutsche Kammerphilharmonie Bremen plaadid Beethoveni sümfooniatest (firma Sony) jpm. Ja kui pressimaterjali ilmub näiteks 152 nimetust, nagu Paavo Järvist 2019. aastal, võib muusikust ainsa aasta jooksul saada päris põhjaliku teadmise. Ootame põnevusega, mis juhtub eelolevatel hooaegadel.

Thursday, January 30, 2020

In stile nordico

Amadeus magazine

Hornkonzert von Hans Abrahamsen: Der Romantiker als Einzelkämpfer
Clemens Haustein

Das Horn als Instrument der Natur und der Idylle: Der dänische Komponist erweist in seinem Konzert noch einmal dem ganz klassischen Horn-Bild die Ehre.

Paavo Järvi dirigiert die Berliner Philharmoniker.
Foto: Stephan Rabold

BerlinRomantisches Empfinden ist bekanntlich nichts, was mit einer Epoche oder einem bestimmten Stil zu tun hat. Ein Adagio von Georg Friedrich Händel oder der Schlusschor aus der Matthäus-Passion von Johann Sebastian Bach können in ihrer wärmenden Gefühlsdichte ebenso romantisch, vielleicht auch sentimental wirken wie ein Stück des 21. Jahrhunderts.

Der Beginn von Hans Abrahamsens neuem Hornkonzert, am Mittwoch wurde es bei den Berliner Philharmonikern mit dem Solo-Hornisten des Orchesters, Stefan Dohr, uraufgeführt, ist der Empfindung nach hochromantisch. Ein Panorama der Weite und der Ruhe tut sich hier zu Beginn auf, Streicher im Flageolett deuten dämmerige Fernen an, Harfenzupfer leuchten auf wie am Abend die ersten Sterne, bedeutungsvoll knackt der Holzblock, auf den ein Schlagzeuger schlägt. Und das Horn? Singt darüber so sehnsüchtig und leuchtend wie es eben nur ein Horn kann: weich gedämpft, mit der Ahnung großer Abenteuer, vielleicht auch mit der Erinnerung daran.
Das Horn als Instrument der Natur und der Idylle

Das Horn als Instrument der Natur und der Idylle: Der dänische Komponist, der das Instrument einst selbst lernte, erweist in seinem Konzert noch einmal dem ganz klassischen Horn-Bild die Ehre. Dabei schreibt er eine Musik, die in der romantischen Anmutung doch Frische und Eigenständigkeit atmet. Überhaupt das Atmen: Abrahamsen nimmt es sehr ernst nicht nur bei der Gestaltung der Phrasen, die der Solist bequem mit einer natürlichen Atemlänge spielen kann, auch das Orchester setzt in diesem ersten Satz - „sehr langsam und mit viel Ruhe“ - immer wieder geschlossen aus, um gleichsam Atem zu schöpfen. Wie ein fester Organismus erscheint das Ensemble dadurch, dessen wuselnde Betriebsamkeit der Hornist im folgenden „stürmischen“ Abschnitt kommentiert. Daran wird sich bis zum Ende des Stückes kaum etwas ändern: Dass das Horn mit seinem Klang von romantischer Empfindsamkeit hier immer auch ein einsamer Einzelkämpfer bleibt.

Stefan Dohr spielt mit Kraft und Sicherheit

Der Solist lässt seinen Ton über dem Orchester leuchten, monologisiert später, als es nach dem Sturm wieder „sehr langsam“ wird, in weit sich über den Tonumfang des Instrumentes spannenden Floskeln. Ein Aufgehen in der Gemeinschaft mag Hans Abrahamsen dem Solisten nicht gestatten, er bleibt nobler Sonderling. Vielleicht ja das reale Schicksal eines Romantikers. Stefan Dohr, der zuletzt auch Toshio Hosokawa und Wolfgang Rihm zum Schreiben eines Hornkonzertes anregte (kein Bläser hat derzeit einen so guten Draht zu den Komponisten), spielt mit einer Kraft und Sicherheit, die zugleich großes poetisches Empfinden zulassen. Paavo Järvi am Dirigentenpult ist ihm darin ganz ähnlich, mit Strawinskys klangkulinarischem „Scherzo fantastique“ und Hector Berlioz’ „Symponie fantastique“ rahmen zwei Stücke das Programm, bei denen Järvi weniger das Fantastische einer außermusikalischen Handlung interessiert als die Komplexität der Machart. Der Eindruck ist dadurch nicht weniger groß.

Berliner Philharmoniker unter Paavo Järvi
Andreas Göbel

Bild: Julia Baier
Philharmonie BerlinBerliner Philharmoniker unter Paavo Järvi

Stefan Dohr, Solohornist der Berliner Philharmoniker, glänzt mit einem neuen Hornkonzert. Und Paavo Järvi treibt am Pult des Orchesters Berlioz' Symphonie fantastique in eine köstlich radikale Überzeichnung.

Ein Solokonzert – und doch jenseits aller erwartbaren Klischees. Hans Abrahamsen, dessen neues Hornkonzert Stefan Dohr uraufgeführt hat, lässt den Solisten hier nicht in klassisch-vordergründiger Weise brillieren. Das Soloinstrument hat überwiegend lang gehaltene Töne zu spielen, die immer mal wieder vom Orchestergegrummel überspült werden. Der Solopart ragt in der Manier einer Haifischflosse heraus.

Das hat mitunter etwas Idyllisches, wenngleich nur zum Schein. In manchen Momenten gibt es sich gefällig – das ist keine Avantgarde mit neuen Spieltechniken oder nie zuvor gehörten Klängen. Das akzeptiert auch ein Publikum, das bei zeitgenössischer Musik eher zurückhaltend ist.


Titel "Berliner Philharmoniker unter Paavo Järvi"

Werke Igor Strawinsky: Scherzo fantastique, op. 3 | Hans Abrahamsen: Hornkonzert | Hector Berlioz: Symphonie fantastique, op. 14a

Mit Berliner Philharmoniker | Leitung: Paavo Järvi | Stefan Dohr, Horn

Aufführung vom 29. Januar 2020

Philharmonie Berlin
Herbert-von-Karajan-Str. 1
10785 Berlin


Dennoch biedert sich diese Musik nicht an. Für Augenblicke klingt es nach Bekanntem, um diese Andeutungen wie hinter einer unsichtbaren Wand verschwinden zu lassen. Hier ein Gemurmel in den Streichern, dort ein paar Sekunden, in denen alle rhythmisch gegeneinander zu arbeiten scheinen. Eine wohlkalkulierte Ziellosigkeit, die etwas raffiniert Geheimnisvolles hat.

Hans Abrahamsen hat den Solopart für Stefan Dohr geschrieben, beide haben sich vor Beginn des Kompositionsprozesses getroffen. Und für die melodischen Qualitäten des Solohornisten der Berliner Philharmoniker ist das auch gedacht. Lange Einzeltöne, die anfangen zu leben, ein scheinbar endloser langer Atem in unglaublicher Intensität, mit gut abgezirkelten naturtonalen Verschiebungen gegenüber dem Orchester. Das in dieser Qualität kann nur ein Weltklassemusiker wie Stefan Dohr so überzeugend umsetzen.

Brave Bienen

Am Beginn stand ein frühes Orchesterwerk von Igor Strawinsky: das Scherzo fantastique. Reste von Spätromantik treffen auf bereits ziemlich gut ausgeprägte schillernde Klangfarben, die in ihren besten Momenten die großen Ballette des Komponisten vorwegnehmen. Die Berliner Philharmoniker haben damit nicht die geringsten Probleme, Paavo Järvi hat das entspannt und souverän geleitet.

Dennoch wurde hier einiges verschenkt. Gerade diese Orchesterfarben wirkten blass und allzu brav und freundlich. Dabei hat Strawinsky in seinem Stück an Bienen gedacht – ein für die Musik dankbares Thema. Und doch fehlte die Raffinesse. Vor diesem Bienenschwarm musste niemand in Deckung gehen.


Ganz anders dagegen vermittelte sich Hector Berlioz' vielgespielte Symphonie fantastique. Und hier lag hörbar Spannung in der Luft. Selbst wer das Werk gut kennt, musste in den aufgeladenen Pausen mitfiebern, wie es weitergeht.

Die extremen Leidenschaften, die permanenten Energieentladungen dieser Musik waren ein gefundenes Fressen für die kollektive Virtuosität der Berliner Philharmoniker. Ein bisschen muss das noch zusammenfinden, bis wirklich alles übereinander ist, aber der Spaß an diesen exzentrischen Gegensätzen, an der musikalischen Schießbude, die Berlioz hier auffährt, hatten alle spürbar.

Zwischen Traum und Drogen

Paavo Järvi unterstützte diese Überzeichnung noch in dieser Musik, die zwischen Traum und Drogen changiert. Dabei besteht die Herausforderung bei Berlioz oft darin, die langweiligen Teile nicht durchhängen zu lassen. Wie oft musste man im langsamen Satz mit seiner ländlichen Idylle schon gähnen. Hier nicht! Das war ganz exquisit zwischen Regentropfen und Donnergrollen, und das Fernduett mit Albrecht Mayer (Oboe, hinter der Bühne) und Dominik Wollenweber (Englischhorn, auf der Bühne), war ein einziger Genuss.

Überhaupt ließen sich alle von der Riesengaudi anstecken: Im Finale mit seinem Hexensabbat spielten die Klarinetten köstlich schief und kreischend, die Glocken tönten ohrenbetäubend links oben knapp unter der Decke. Bald zwei Jahrhunderte ist diese Symphonie fantastique alt, wirkt aber deutlich radikaler als etwa der Abrahamsen. Auf jeden Fall: Verrückter im besten Sinne kann man das nicht spielen.

Monday, January 27, 2020

Dirigent Paavo Järvi: "Die Stimmungsmacher erkenne ich gleich"
Judit Hecht

Dirigent Paavo Järvi: „Die Russen sind noch immer furchtbar homophob.“ (c) Die Presse (Clemens Fabry)

Der estnische Dirigent Paavo Järvi ist seit 2019 Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters in Zürich. Sein Idol ist Leonard Bernstein. Wie wichtig der Name eines Orchesters ist und wie, seine Töchter so wenig zu sehen, sagte er der „Presse am Sonntag“.

Dirigent Paavo Järvi: "Die Stimmungsmacher erkenne ich gleich"
Judith Hecht

Dirigent Paavo Järvi: „Die Russen sind noch immer furchtbar homophob.“ (c) Die Presse (Clemens Fabry)

Der estnische Dirigent Paavo Järvi ist seit 2019 Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters in Zürich. Sein Idol ist Leonard Bernstein. Wie wichtig der Name eines Orchesters ist und wie, seine Töchter so wenig zu sehen, sagte er der „Presse am Sonntag“.

Saturday, January 25, 2020

Messian CD review / The Arts Desk
Graham Rickson

Messiaen: L’Ascension, Le Tombeau resplendissant, Les Offrandes oubliées, Un sourire Tonhalle-Orchester Zürich/Paavo Järvi (Alpha)

Both ends of Messiaen’s orchestral career are bookended in this useful compilation, illustrating that several features of his mature style were already present in the early 1930s. Could 1930’s Les Offrandes oubliées, a ‘symphonic meditation’, have been written by anyone else? There's an engagingly punchy middle section, Messiaen's debt to Stravinsky clear, and the depiction of spiritual salvation via ecstatic string harmonies is gorgeous. Le Tombeau resplendissant dates from 1931 but was suppressed after a single performance, only resurfacing in 1984. There's a similar blend of violence and consolation, the busy counterpoint before the close suggesting Hindemith. Paavo Järvi’s Zurich strings are superb in the final minutes, the fade to silence sweetly done. Still, the most engaging of the early pieces collected here is L’Ascension, still more often heard as a solo organ work. It's miles better in orchestral colours, the brass writing in the first section both imposing and warm. Wallowing in those squelchy, incense-rich chords is like sitting in a warm bath. The second movement's unison melodies were derived from Gregorian chants, and, predictably, Messiaen bids farewell with another ripely harmonised string hymn. It's a treat.

The one element missing from each of the early works is birdsong, which Messiaen only began to study in the 1950s. Bird calls are a key feature of Un sourire, commissioned in 1989 as part of the Mozart Bicentenary. Written “in the spirit of Mozart”, its soft, slow chorale passages are interrupted by bursts of percussive chirruping, the two worlds’ peaceful coexistence a nod by Messiaen to Mozart's “serene cheerfulness in the face of all adversity.” Anyone nervous about sampling Messiaen should start by downloading this compact, irresistible little piece. Good playing and outstanding sonics too: a highly desirable acquisition.

Friday, January 24, 2020

Olivier Messiaen - œuvres pour orchestre
Laurent Bergnach

Olivier Messiaen
œuvres pour orchestre
1 CD Alpha (2019)


Directeur musical de l’Orchestre de Paris (2010-2016) avant de guider le Tonhalle-Orchester Zürich depuis la rentrée 2019, Paavo Järvi a migré en Suisse avec son admiration de la musique française. Aujourd’hui, il enregistre Messiaen à la tête de sa nouvelle formation, un compositeur dont il salue la voix unique en son genre, à la clarté de style très reconnaissable. « Son fabuleux langage harmonique, précise-t-il à l’attention d’Ulrike Thiele, est parfois si déroutant qu’on ne sait pas où il nous mène – et pourtant, il possède une logique intérieure absolument cohérente » (notice du CD).

Durant moins d’une décennie (1925-1933), l’Orchestre des concerts Straram mit à l’affiche les musiciens de son temps, ceux de la Seconde École de Vienne comme ses compatriotes (Ravel, Ropartz, Roussel, etc.). Le 19 février 1931, au Théâtre des Champs-Élysées, il présente Les offrandes oubliées, une des premières pages orchestrales d’Olivier Messiaen (1908-1992) dont l’orchestration se ressent beaucoup de l’admiration de l’auteur pour son professeur Paul Dukas – selon Michèle Reverdy (in L’œuvre pour orchestre d’Olivier Messiaen, Alphonse Leduc, 1988). Conçue en trois volets (La Croix, Le péché, L’Eucharistie), cette évocation de l’oubli de l’homme devant le sacrifice du Christ débute dans une grande douceur qui n’exclut pas la tension, avant de gagner en animation et en fureur. Au jeu des influences, on pense à Honegger dont la religiosité – Le roi David (1923), Judith (1925), etc. – a pu trouver écho chez son jeune confrère parisien. Lente et sereine, la portion finale s’appuie sur des cordes soyeuses.

La même année, Messiaen démarre l’écriture du Tombeau resplendissant. Au journaliste de L’intransigeant venu saluer sa nomination, le tout jeune organiste titulaire du grand Cavaillé-Coll de l’Église de la Sainte Trinité explique avoir voulu « chanter une façon de Béatitude pour ceux qui retrouvent dans la foi mieux que des illusions d’une jeunesse morte » (18 octobre 1931) – cf. la biographie de Peter Hill et Nigel Simeone, traduite puis publiée par Fayard, en 2008. Le 12 février 1933, salle Pleyel, Pierre Monteux joue cet adieu à un temps consacré à « une musique de fleurs », éclairé par « l’oiseau bleu des illusions » – comme indiqué sur l’Épitaphe. On y repère une alternance de deux sections énergiques avec deux autres apaisées. De ces dernières, la première intrigue par son aspect lancinant et élégiaque, proche d’un rituel, tandis que la seconde conclue le quart d’heure par une monodie tournante, à l’unisson, qui échappe à la pesanteur. Le chef estonien, au geste un peu lourd au départ, termine l’exécution dans une grande égalité de nuances.

Si elle fut créée d’abord, la version pour orgue de L’Ascension (29 janvier 1935) – toute première pièce de Messiaen entendue, et aussitôt aimée, par Järvi – est postérieure à celle pour orchestre, donnée par les Concerts Siohan le 9 février 1935, salle Rameau. En effet, elle fut élaborée entre mai et juillet 1932… avec une journée prise pour épouser la violoniste Claire Delbos, le 22 juin. Jugées plus tard comme peu caractéristiques de son langage musical (1944), ces Quatre méditations symphoniques n’autorisent pourtant pas le doute sur leur architecte, à repérer les influences (inflexion grégorienne au seuil du I, fanfare dukasienne à celui du III), l’invitation du mystère (bourrasques frémissantes au second plan, au cœur du II) et le cadre serein de l’ensemble (long thrène sur chemin d’accords au I, lente élévation du IV).

Le programme s’achève avec un opus tardif donné au Théâtre du Châtelet, le 5 décembre 1991, par son commanditaire Marek Janowski, retrouvant là l’Orchestre philharmonique de Radio France dont il eut la charge quelques années plus tôt (1984-1989). Si Le sourire, page centrale de Trois mélodies (1931), constituait un hommage à la mère de Messiaen – la poétesse Cécile Sauvage (1883-1927) dont il empruntait les mots pour la seule et unique fois –, Un sourire évoque la disparition de Mozart, deux cents ans plus tôt, ainsi que sa constance face aux douleurs. « Mozart a toujours eu beaucoup d’ennemis, écrit notre contemporain. Il avait faim, froid, presque tous ses enfants sont morts, sa femme était malade, il n’a connu que des malheurs… Et il souriait toujours. Dans sa musique et dans sa vie » (notice du CD). Järvi y cultive le caractère de douceur général, même dans les sections rythmées, plus tendues, qui émaillent dix minutes lyriques et aériennes.

Wednesday, January 22, 2020

Dieser Saal klingt noch prächtiger als das KKL
Christian Wildhagen

Erstmals seit seinem Antritt in Zürich geht Paavo Järvi mit dem Tonhalle-Orchester auf Europa-Tournee. Bei den gemeinsamen Konzerten in Innsbruck, Wien, Budapest und Dortmund gibt es Offenbarungen – künstlerische wie akustische.
Uncle Sam wants . . . you: Musikdirektor Paavo Järvi gibt einen unmissverständlichen Einsatz.

Uncle Sam wants . . . you: Musikdirektor Paavo Järvi gibt einen unmissverständlichen Einsatz.
János Posztos /
Müpa Budapest

Schon bevor Paavo Järvi im Oktober den Stab als Musikdirektor beim Tonhalle-Orchester Zürich übernahm, ging er mit den Musikerinnen und Musikern auf Tournee – ins klassikverliebte Asien, wo für Künstler aus Europa immer noch Goldgräberstimmung herrscht. Damals dachte man sich nicht viel dabei, es war halt die Zeit der Flitterwochen, und das Orchester erschien durch die Vorfreude auf den neuen Chef bereits hörbar beflügelt. Doch gut drei Monate nach Järvis eigentlichem Amtsantritt wurden jetzt erneut in grossem Stil die Koffer gepackt. Diesmal ging es kreuz und quer durch Mitteleuropa, und plötzlich war klar: Der «Neue» meint es ernst.

Womit? Nun, mit einem Vorsatz, den Järvi in seiner nordisch-zurückhaltenden Art nur wie nebenbei geäussert hatte, bescheiden, eher als Arbeitshypothese denn als ein laut hinausposauntes Programm: Das Tonhalle-Orchester habe das Zeug, zu den besten fünf Klangkörpern weltweit zu gehören, und genau das wolle er der Welt zeigen. Nach der am Montag zu Ende gegangenen Europa-Tournee, die von Innsbruck über Wien und Budapest schliesslich ins eindrucksvolle Konzerthaus in Dortmund führte, lässt sich sagen: Der Herr Musikdirektor hat den Mund keineswegs zu voll genommen. Wenn einer es schaffen kann, diesem hochgesteckten Anspruch gerecht zu werden, dann er – im Verbund mit diesen Musikern.

Wachstum durch Wechsel

Tourneen bringen es mit sich, dass meist ein und dasselbe Programm nacheinander an mehreren Orten gespielt wird. Das kann für die Ausführenden wie für mitreisende Hörer zu einer Art Dauerschleife werden, in der die zuvor einstudierten Interpretationen gleichsam bloss noch wie aus einer Datenbank abgerufen werden, dabei stets bedroht von Routine und Abstumpfung. Oder es kann zu einem inneren Wachstum kommen, fast in Goethischem Sinne, wobei gerade der Wechsel der Umstände, der Aufführungsorte und der jeweiligen akustischen Gegebenheiten, des Publikums und der Stimmungen im Ensemble, die Wiedergabe selbst bereichert.

Im Verlauf der ersten drei Etappen geschah ebendies beim Tonhalle-Orchester in beinahe exemplarischer Weise. Während die Musiker den akustisch sehr trockenen Tiroler Saal im Congress Innsbruck nach eigenem Bekunden als schwierig und gewöhnungsbedürftig empfanden, trafen sie in Wien und Budapest auf zwei herausragende Konzerthallen, die nicht zuletzt durch ihre extreme Verschiedenheit inspirierend auf ihr Spiel zurückwirkten.

Das Wiener Konzerthaus von 1913 ist – wie das Opernhaus und die Tonhalle in Zürich – ein Werk des Architekturbüros Fellner und Helmer, dessen Theaterbauten bis heute viele Städte prägen. Dennoch steht es etwas im Schatten des berühmteren Musikvereins, dessen Goldener Saal klanglich seit nunmehr 150 Jahren als das Mass aller Dinge gilt, zumindest beim klassischen «Schuhschachtel»-Grundriss. Das Gastspiel im Grossen Saal des Konzerthauses, dessen knapp 1900 Plätze an dem Abend nahezu ausverkauft sind, fühlt sich indes für das Orchester an wie ein Nach-Hause-Kommen – eine vorzeitige Heimkehr in den gewohnten Rahmen der historischen Tonhalle am Zürichsee, die erst 2021 nach umfassender Renovation und Rekonstruktion wieder bezugsfertig sein soll.

Wie schnell sich die Musiker an den ähnlich romantisch-sonoren Grundklang des Konzerthauses adaptieren, ist schon bei einer ersten Anspielprobe im noch leeren Saal faszinierend mitzuerleben. Es ist, als habe jemand die Schraubzwinge gelöst, die das Orchester im notgedrungen kleineren Interim der Zürcher Tonhalle Maag beengt. Und plötzlich meint man auch zu begreifen, warum Järvi in der heimischen Maag-Halle ein ums andere Mal an (und über) die akustischen Grenzen geht: Für ihn steht offenbar die so glücklich wiedergewonnene Spielfreude, ja, die unmittelbar zu spürende Hochstimmung des Orchesters im Vordergrund; ihr will er buchstäblich den nötigen Raum geben.
Die beste aller Klang-Welten

Freilich hält das Konzerthaus, im Unterschied zur Maag, die dynamischen Spitzen in Peter Tschaikowskys 5. Sinfonie – dem vorher in Zürich an drei umjubelten Konzerten erprobten Hauptwerk der Tournee – ohne Einbussen bei der Transparenz aus. Der Ton der Violinen und insbesondere der Bratschen, die allesamt in der Tonhalle Maag mitunter zu kämpfen haben, blüht und leuchtet wieder frei und offen. Järvis zu Amtsantritt formuliertes Ziel, mit Tschaikowskys melodien- und ausdrucksgesättigter Musik namentlich dem Streicherklang des Orchesters frischen Glanz zu verleihen, zeigt bereits Wirkung.

Mehr Farben, mehr Holz, aber das Vorbild dieses Saales steht unverkennbar in Luzern: Das Tonhalle-Orchester Zürich spielt unter Paavo Järvi erstmals im «Bartók Béla Nemzeti Hangversenyterem», dem Béla-Bartók-Auditorium in Budapest.
János Posztos /
Müpa Budapest

Doch es kam noch besser. In Budapest steht seit 2005 das Kulturzentrum «Müpa» (kurz für: Művészetek Palotája, der Palast der Künste) mit dem Béla-Bartók-Auditorium als Herzkammer. Dieser Saal ist eine geringfügig vergrösserte und deutlich buntere Neuauflage der Salle blanche im KKL. Er ist zugleich das letzte vollendete Projekt des legendären Akustikers Russell Johnson, der sein Luzerner Konzept – inklusive der Nachhall-Kammern und des verstellbaren Reflektors – hier nochmals optimiert hat. So glaubt man denn wirklich, in der besten aller Welten zu sitzen, wenn zum Wohlklang à la Wien noch Luzerner Klarheit und Farbigkeit treten.

Tschaikowskys Fünfte lässt dies derart wie von innen heraus strahlen, dass ihr oft hohlwangig tönender Triumph-Schluss überhaupt nichts Aufgesetztes mehr hat. Aaron Coplands Klarinettenkonzert (mit dem charismatischen Solisten Martin Fröst) und vor allem die mutig zum Einstand gespielte «Tanz-Suite» von Bartók gewinnen in ihren kleineren Besetzungen sogar noch stärker an Klangtiefe und fast greifbar in den Raum gestellter Plastizität. Das Publikum, durch Iván Fischers Budapest Festival Orchestra Erstklassiges gewohnt, ist danach dennoch ganz aus dem Häuschen. Laut Tonhalle-Archiv war dies das erste Ungarn-Gastspiel des Orchesters überhaupt. Es soll nach dem Willen aller Beteiligten nicht das letzte bleiben.

Tuesday, January 21, 2020

Martin Fröst und das Tonhallen-Orchester Zürich in Dortmund
Edda Breski

Der Klarinettist Martin Fröst. Foto: bäcker/sony music

Dortmund – Es ist eine große Kunst, notierte Töne so klingen zu lassen, als entstünden sie im Moment des Spielens durch den Spieler neu. Als erschaffe sich durch Luftströme eine eigenständige, völlig unvorhergesehene Welt. Der Klarinettist Martin Fröst beherrscht diese Kunst. Vor mehr als zehn Jahren zeigte er als Junger Wilder am Konzerthaus Dortmund, was er konnte. Am Sonntag kam er für ein Gastspiel mit dem Tonhalle-Orchester Zürich unter Leitung von Paavo Järvi zurück.

Fröst spielt Aaron Coplands Klarinettenkonzert (1948), als seien die Töne Quecksilbertropfen. Nichts klingt wie notiert. Der erste Satz, „Slowly and expressively“, entwickelt sich aus einem wie körperlos einschwebenden Solo. Frösts technische Möglichkeiten erscheinen endlos. Der Ansatz kann hauchfein sein, wie herbeigeweht, oder er pfeift und rumpelt wie eine ganze freche Trollschar. Fröst hat keine Sorge um die sentimentalen Melodieverspinnungen Coplands, sondern kostet sie aus, nutzt sie als Spielwiese für mäandernde Tonfolgen und Klanggebungen. Er tanzt seinen Part im Grunde ebenso vor, wie er ihn spielt. Zwei Schritte vor, einer zur Seite, wandert er auf die Streichergruppe zu, mit der die Klarinette gerade interagiert (das Konzert erfordert neben Streichern nur ein Klavier im Orchester). Seine Tänzelei dient einem konkreten Zweck, nämlich mit den Bewegungen des Schalltrichters seines Instruments auch den Ton wandern zu lassen, als entstehe er jedesmal an einem anderen, etwas verschobenen Ort. So erhält das Konzert die Qualität einer Luxusimprovisation.

Die Kadenz ist ein musikalischer Gestaltwandler, Fröst flötet und pfeift und lacht und groovt. Der zweite, jazzige Satz, „Rather fast“, ist ein präzises Wechselspiel zwischen Fröst und dem fabelhaft mitfedernden Orchester. Als Zugabe gab es eine Improvisation für Benny Goodman, für den Copland das Klarinettenkonzert geschrieben hatte.

Hingeleitet hatte Järvi auf den Copland mit Bartóks Tánczsvit (1923), voll unterdrückter Energie und spielerischer Freude am Klang. Die Effekte, die Bartók in der „Tanzsuite“ zusammenschmiedete – die Posaunen, die klingen wie auf Glatteis, die klappernden Geigenbögen und der kraftmeiernde Wettstreit zwischen Hörnern und Blechbläsern – behandelt Järvi eben nicht wie Überraschungsmomente, sondern wie kluge Gedanken, die einfach aus Lust und Laune die Richtung wechseln. Ein großer Spaß.

Nach der Pause folgte Tschaikowskys 2. Sinfonie, die „Kleinrussische“. Järvi verbindet strenge rhythmische Kontrolle mit einem satten dunklen Klang, der, gerade im Finalsatz, durchaus mal überkandideln kann. Ein Sound wie der Tritt eines Riesenkaters: samtig, schwer, saftig federnd und mit notfalls blitzschnell ausfahrender Klaue. Der gezügelte Marsch im zweiten Satz schlägt bei Järvi in einen breiten Strom dunkler Melancholie um. Das Scherzo ist aber dann straff wie ein Blitzbündel und mündet praktisch bruchlos in die Triumphfanfare des vierten Satzes mit dem berühmten Kranich-Thema. Järvi wird aber nicht folkloristisch. Er versteht die Sinfonie als Kraftprobe und Melodienwerkstatt. Für den warmen Applaus dankte das Orchester mit der Polonaise aus „Eugen Onegin“.

Friday, January 17, 2020

Paavo Järvi alustas oma uue orkestriga Zürichist esimest kontserdireisi
Kirsti Kuusk

Paavo Järvi alustas tööd Zürichi Tonhalle orkestriga Autor/allikas: Gaëtan Bally

Uue aasta esimesel kontserdireisil esineb Paavo Järvi oma uue, Zürichi Tonhalle orkestriga, mille peadirigendi ja kunstilise juhi ametisse ta sügisel astus. Kuni 19. jaanuarini mängib Zürichi orkester Austrias, Ungaris ja Saksamaal. Oma muljeid esimestest kontsertidest jagab viiuldaja Kirsti Kuusk.

Paavo Järvi esimene kontserdireis oma uue orkestriga Šveitsist algas kolmapäeval Austriast Innsbruckist. Võib kinnitada, et ka reisi esimene kontsert oli igati suurepärane. Välja müüdud ja nii akustilises mõttes kui ka oma suuruselt kammermuusikalise hõnguga saal oli avaõhtul Innsbruckis Congress Saal Tirol. Kavas kõlasid Béla Bartóki Tantsusüit orkestrile op. 77 (1923), Aaron Coplandi Kontsert klarnetile, keelpillidele, harfile ja klaverile (1947/48), solist alati huvitav ning unikaalne Rootsi muusik ja dirigent Martin Fröst, ning Pjotr Tšaikovski meistriteos 5. sümfoonia. Martin Fröst on ka Zürichi orkestri fookusartist sel hooajal.

150-aastane (asutatud 1868) orkester demonstreeris kõrgeimat mänguklassi. Bartóki Tantsusüit, üks raskemaid teoseid nii tehnilises kui ka koosmängu osas, esitati tulise hooga, tehniliselt perfektselt ja erakordselt artistlikult. Ja seda vaatamata faktile, et lugu on orkestrile põhimõtteliselt täiesti uus, nende repertuaaris mitte kunagi olnud teos, nagu tuli välja jutuajamiselt vaheajal Paavo Järviga. Järvil on plaan orkestri mängukava rikastada ning laiendada uue repertuaariga. "See on alles algus," kommenteeris ta Bartóki teosega tehtud töö tulemust.

Seda, et Copland kirjutas oma klarnetikontserdi kuulsa jazz-muusiku Benny Goodmani tellimusel, on kuulda solisti esimesest noodist kuni viimaseni. Omapärane muusikaline keel, huvitavad kõlalised efektid orkestris, finaali kuulad/ vaatad kui animafilmi! Eriti kui solist on Martin Fröst, kes mitte ainult ei mängi perfektselt oma instrumenti, vaid elab, lausa tantsib laval nagu üks filmiartist. Publiku aplaus oli teenitult tormiline. Martin Fröst mängis ka lisapala, Coplandi muusikaga hästi haakuva peadpööritava virtuoossusega klezmer-stiilis teose.

Paavo Järvi alustas oma uue orkestriga Zürichist esimest kontserdireisi. Pildil 15. jaanuari kontserdi afišš. Autor/allikas: Kirsti Kuusk

Vaheajal ajame juttu Paavo Järvi dirigenditoas. Räägime orkestritest Euroopas ja USA-s, nende erinevustest, positiivses ning negatiivses mõttes. Räägime sellest, et nn hea ja halb on kunstis üks väga suhteline asi ... et halb võib saada hea staatuse, kui paljud kinnitavad pikka aega, et see nii on ... Eks nii on igal pool, mitte ainult kunstis, aga kunstimaailmas on seda veel raskem tabada.

Räägime ka sellest, kuidas hoida keha ja meelt värskena sellise koormuse juures nagu on Paavol (tal on praegu kolm oma orkestrit – Tokyos, Bremenis, Zürichis, lisaks Eesti festivaliorkestri projektid ning kontserdid külalisdirigendina). Küsin: "Sa ei saa oma niisugust elu elada ilma alatise raudse distsipliinita ...". Paavo: "Nagu isa tavatseb öelda: häda ajab härja kaevu!". "Kas sa üldse puhkad, saad sa näiteks värskes õhus viibida?" Paavo: "Just jalutasin hotellist saali tervelt kolm minutit".

Kontserdi teises osas mängitakse Paavo nn leivanumbrit – see on Tšaikovski Viies sümfoonia. Seda mängisin ma ise tema käe all Eesti festivaliorkestri Jaapani-turneel möödunud aastal. Ma tean oma kogemusest, kui hästi ta seda teeb. Aga kuulates saalist, siis ikkagi: milline elamus! Tšaikovski geniaalne partituur on sajaprotsendiliselt publikuni toodud, väiksemgi detail pole kaduma läinud. Kõik neli osa mängitakse attacca, tulemus on üks terviklik muusikaline jutustus elust. Erakordne.

Vaimustatud, liigutatud publik ei lase orkestrit ära, lisapalana kõlab Tšaikovski Polonees ooperist "Jevgeni Onegin".

Orkestri muusikareis jätkus neljapäeva õhtul Viinis kontserdimaja suures saalis, reedel, 17. jaanuaril on ootamas Budapestis Béla Bartóki rahvusliku kontserdisaali ja 19. jaanuaril Dortmundi kontserdimaja publik. Võib julgesti öelda, et külalisturnee tuleb großartig, suurepärane.

Zürcher Orchester zu Gast in Innsbruck: Happiness vor dunkler Ausdrucksfülle
Ursula Stohal

Zürcher Tonhalle-Orchester mit Dirigent Paavo Järvi im Aufbruch. Brillanter Solist Martin Fröst

Der glänzende Klarinettist Martin Fröst, links von Dirigent Paavo Järvi, inmitten des Zürcher Orchesters, das im Innsbrucker Congress ein emotionsreiches Meisterkonzert bot.
© Kern

Innsbruck –Paavo Järvi übernahm vergangenen Herbst die künstlerische Leitung des Tonhalle-Orchesters Zürich und feiert den Aufbruch des traditionsreichen Klangkörpers nun mit einer Konzerttournee. Sie führte am Mittwoch nach Innsbruck und demonstrierte zum einen die Neigung des Dirigenten zu ungewöhnlicher Konzertprogrammierung sowie zum anderen einen – Järvi und den neuen Möglichkeiten geschuldeten – enormen Leistungswillen des Orchesters.

Vor Peter Iljitsch Tschaikowskys e-Moll-Symphonie Nr. 5 standen Bela Bartóks herbe, multikulturell genährt­e Tanzsuite für Orchester, mit der er 1923 die 50-Jahr-Feier der vereinten Stadt Budapest feierte und gleichzeitig dem nachdrücklichen Nationalismus Ungarns begegnete, sowie das einst für Benny Goodman komponierte Klarinettenkonzert von Aaron Copland.

Mit Bartóks typischem Mix aus scharfem Rhythmus und klanglichem Erfindungsreichtum sowie Coplands Weg aus lyrischen Gefilden zum Jazz nützte Järvi im Hörerlebnis des Publikums den Einfluss derart prägender Musik auf das Folgende. Noch dazu war der fulminante schwedische Klarinettist Martin Fröst für Coplands Konzert aufgeboten, mit dem er klangsinnlich und geschmeidig verführte. Gekrönt durch eine eigene Bearbeitung von Klezmer-Musik – „Let’s be happy!“ –, deren mitreißende Interpretation im Jubel-Echo des Publikums aufging.

Und mitreißend, emotional fordernd bohrte sich dann Tschaikowskys schicksalsschwere Fünfte Symphonie durch die Aufnahmefähigkeit. Järvi erreicht mit seinem ideal deutlichen, geradezu tragenden Dirigat ein gemeinsames Musizieren von starker Intensität, die Musikerinnen und Musiker geben ihm alles.

In einem atemberaubenden Bogen, das Ziel gegenwärtig, bindet er die Sätze zu einer Einheit eng aneinander, reizt die Dynamik, ohne zu mildern, bis ins geforderte vielfache Forte aus, ohne Stimmen, ohne die Ausdrucksfülle zu opfern. Immer breiter und doch pathosfrei fließt die Ausdrucksfülle durch russische Seelenlandschaft, kreuzt die Unerbittlichkeit gesellschaftlicher Anlässe und politischer Systeme – bis zur nächsten Insel von Tschaikowskys hoffnungsarmer Einsamkeit.

Das Tonhalle-Orchester Zürich mit Paavo Järvi im Konzerthaus

Man arbeitet an einem Tschaikowsky-Zyklus und neuen Deutungswegen – die klingen interessant

Paavo Järvi dirigierte im Wiener Konzerthaus.Foto: Gaetan Bally

Ob er wohl aktuell einen eigenen Spind hat im Dirigentenzimmer? Innert drei Monaten ist Paavo Järvi mit seinen drei Orchestern aus Bremen, Zürich und Tokio im Konzerthaus zu Gast. Am Donnerstagabend war der Este mit den Schweizern da. Mit dem Tonhalle-Orchester Zürich ist Järvi erst relativ kurz liiert, man arbeitet zusammen an einem Tschaikowsky-Zyklus, in dem neue Deutungswege eingeschlagen werden sollen. Wie klingen die?

Interessant. Die fünfte Symphonie erlebte man in einem Spannungsfeld von straffer Energie und feinnerviger Eleganz. In der eidgenössisch-estnischen Darstellung ist Tschaikowsky ein Mann, der Crossfit macht und zum Ellmayer geht. Die Fortissimo-Passagen (etwa im Kopfsatz) waren von einer muskulösen Kompaktheit – Wampe gibt’s nicht bei Järvi. Die Valse wurde mit artistischer Grazie getanzt – toll, wie nuanciert der 58-Jährige hier das erste Thema modellierte und dann steigerte. Auch in der Körpersprache des Dirigenten spiegelten sich diese zwei Pole wider: Järvi agierte wie ein Offizier und Gentleman.

Anspruchsvolle Kost

Anspruchsvolle, ungewöhnliche Gastspielkost wurde im ersten Programmteil serviert: Béla Bartóks Tanzsuite in sechs Sätzen wurde fernab jeder Sprödigkeit mit vitaler Pracht, zauberhaften Farbzeichnungen und federnder Bewegungsfreude erfüllt.

Der Swing fehlte bei Aaron Coplands Klarinettenkonzert etwas. In Järvis Deutung vermisste man ein lässiges Bernstein-Momentum, Solist Martin Fröst setzte auf luftig-leichtes, zungenfertiges Virtuosentum. Jubel und Zugaben. (sten, 17.1.2020)

Thursday, January 16, 2020

Paavo Järvi: „Neujahrskonzert in Wien würde ich nicht ablehnen“
Markus Schramek

Dirigent Paavo Järvi im Gespräch über seine Zeit in der Sowjetunion, seine Rolle als Orchesterleiter und die spezielle Beziehung zu Österreich.

Paavo Järvi jettet als Dirigent um die Welt. Heimisch fühlt er sich in Estland, wohin er seit dem Fall der Sowjetunion oft zurückkehrt.
© Foto TT/Rudy De Moor
Letztes Update am Donnerstag, 16.01.2020, 05:32

Der 2019 verstorbene Dirigent Mariss Jansons und Andris Nelsons, der heuer das Neujahrskonzert in Wien leitete, stammen aus Lettland. Sie stammen als gebürtiger Este ebenfalls aus dem Baltikum. Ist diese nordöstliche Ecke Europas ein musikalisch besonders fruchtbarer Boden?

Paavo Järvi: Die baltischen Staaten Estland, Lettland und Litauen waren lange Zeit von der Sowjetunion besetzt. Um den eigenständigen Charakter zu bewahren, musste man in diesen Ländern kreativ sein. Kunst, Musik und Literatur boten sich als Stimme an in einem staatlichen Regime, in dem es keine Meinungsfreiheit gab.

In Mitteleuropa betrachtet man die baltischen Staaten oft als eine Einheit. Dabei sind die einzelnen Länder doch sehr unterschiedlich?

Järvi: Wir hängen geografisch zusammen, doch wir verstehen kein Wort der jeweils anderen Sprache. Wir Esten gehören zur selben Sprachfamilie wie die Finnen. Mit diesen können wir uns leicht verständigen. Nach dem Fall der Sowjetunion haben die drei baltischen Staaten verstärkt zusammengearbeitet, um zusammen mehr politisches Gewicht zu haben.

1980 traf Ihre Familie die Entscheidung, von Estland in die USA auszuwandern. War das eine Flucht oder eine bewilligte Ausreise?

Järvi: Man darf nie vergessen, dass die Sowjetunion eine brutale Diktatur war, es ist selbst im heutigen Russland ja kaum besser. Jeder wollte damals weg, aber nur wenige konnten das auch. 1980 bot sich eine gute Gelegenheit: Die Russen waren in Afghanistan einmarschiert, und in Moskau standen die Olympischen Spiele bevor. Das Regime erteilte damals viele Ausreisebewilligungen an Bürger, die möglicherweise ihre Stimme gegen das System hätten erheben können.

Als vielbeschäftigter Dirigent sitzen Sie viel im Flugzeug zwischen Europa, Japan und Ihrem Wohnort in den USA. Wo fühlen Sie sich daheim?

Järvi: Ich lebe zwar offiziell in den USA, aber ich halte mich mehr in Europa auf. Ich würde immer noch Estland als meine Heimat bezeichnen. Ich kehre oft dorthin zurück. Als wir damals in die USA auswanderten, war ich erst 18. Ich hätte nie geglaubt, dass ich meine Verwandten und Freunde in Estland jemals wiedersehen würde.

Seit Herbst 2019 leiten Sie das „Tonhalle-Orchester Zürich“, zusätzlich zu Ihren Orchestern in Bremen und Tokio. Wie bringen Sie das zeitlich unter einen Hut?

Järvi: Mithilfe eines sehr guten Teams, das die Termine koordiniert. Ich habe nie eine Orchesterleitung angestrebt, sondern bin gefragt worden, ob ich die Posten übernehme. In Zürich sind wir jetzt in der Kennenlernphase.

Sehen Sie sich als Freund des Orchesters oder als dessen unumstrittener Chef?

Järvi: Ich empfinde mich als Dirigent nicht als hierarchisch höhergestellt. Ich bin ein Musikerkollege, der zu den Stücken, die gespielt werden, eine Meinung hat und versucht, diese ohne Worte zu kommunizieren. Laut zu werden, weil Fehler passieren, ist nicht mein Stil. Tyrannen am Dirigentenpult hat es vielleicht früher gegeben.

Sie haben denselben Beruf ergriffen wie Ihr Vater Neeme Järvi, der auch als Dirigent Karriere machte. Stört Sie nicht der unvermeidbare Vergleich mit ihm?

Järvi: Ich habe kein Problem damit. Denn ich werde mit einem sehr guten Musiker verglichen. Wenn man selber gut ist, wird man auch wahrgenommen. In einer Musikerfamilie dreht sich alles um Musik. Man hat fast keine andere Wahl, als selbst Musiker zu werden. Wenn man sich in die Musik verliebt, dann verliebt man sich eben. Sollte man etwas nicht tun, nur weil es der Vater tut? Mein Vater hat mich nie zur Musik gedrängt. Unser Verhältnis ist sehr eng.

Sie haben eine sehr spezielle Beziehung zum Neujahrskonzert in Wien.

Järvi: Mein Vater hat Aufnahmen der Wiener Philharmoniker gesammelt. Und deren Neujahrskonzert war für uns schon in Estland ein Fixpunkt. Die Familie versammelte sich vor dem Fernseher. Verbotenerweise verfolgten wir das Konzert über das finnische TV, das russische Fernsehen übertrug das Konzert ja nicht. Noch heute sehe ich mir jedes Neujahrskonzert an, auch heuer wieder. Andris Nelsons hat seine Sache als Dirigent sehr gut gemacht, finde ich.

Würden Sie das Neujahrskonzert in Wien gerne einmal selbst dirigieren?

Järvi: Ich habe keine Check-liste von Dingen, die ich noch erledigen möchte. Doch das Angebot, das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker zu leiten, würde ich ganz sicher nicht ablehnen.

Conductor Paavo Järvi: 'Beethoven is no fake star'

Paavo Järvi, one of the world's most sought-after conductors, will again perform all nine Beethoven symphonies in 2020, the composer's anniversary year. In a DW interview, he explains why Beethoven remains so relevant.

The Estonian star conductor Paavo Järvi is, among other things, artistic director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, one of the world's leading orchestras. The "dream team," as they call themselves, has already won several prizes for their collaborative recordings, including those of Ludwig van Beethoven's nine symphonies. Deutsche Welle has filmed Paavo Järvi and the orchestra on "The Beethoven Project." Here the conductor explains the secret of their success and why Beethoven's music — especially his symphonies — are so relevant in 2020.

DW: Ten years ago, with "The Beethoven Project," you sought to present a version of his symphonies for the 21st century. What is always new to you about Beethoven?

Paavo Järvi: Beethoven considered his symphonies the summit of his output. For me, the thrill is a test of time. If you listen to a performance of a Beethoven symphony and listen to it again ten year later, does it still stand up? Is it still something that feels interesting to hear, is os alive and does it have energy? That's really the goal and the key.

I think a lot has been said about the historic importance and political aspect of Beethoven symphonies and his quest for brotherhood, fairness and empathy. That message will always be there and will always be important. That's why we talk about Beethoven as a kind of revolutionary. But as a musician, I find that there is something about his music that never grows old, that is very direct, uncompromising and also honest.

Why is his music relevant nowadays?

Paavo Järvi will be conducting all of Beethoven's symphonies during this anniversary year: shown here with the German Kammerphilharmonie Bremen

We live in a time when you can't believe much of what you hear. A time where you always doubt everything. In fact the biggest deficit nowadays — as far as I'm concerned — is the lack of authenticity. There are a lot of fake stars, manufactured stars and manufactured ideas. You very seldom hear somebody tell it like it is.

Beethoven not only does that, but he says it in such a brilliant way that you just stop and listen because it is really authentic, and powerful and uncompromising. Beethoven's musical statements are delivered so compellingly that you have no choice but to listen. It's not: "Let me tell you a story about what I heard somewhere." It's about the here and now, and it's only this way, and there is no other way. It's not political music per se, but it is a kind of music that reacts to things. Reacts against injustice, reacts against what is fake.

How do you convey that authenticity?

Before we made the recordings, we worked on the symphonies for ten years and then recorded them one by one. We took a lot of time to actually discover exactly what's in the score, how to seat the orchestra, what kind of instruments to use, whether the metronome markings are correct, and how many liberties we can take. All the things that we had been looking to achieve were achieved only because we had enough time to really immerse ourselves in the works.

With the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, you have recorded not only Beethoven's symphonies, but also those of Johannes Brahms and Robert Schumann. With the Orchestre de Paris, where you were principal conductor for five years, you dedicated yourself to the symphonies of Jean Sibelius. What does it mean for you to record these complex symphony cycles?

I think with certain composers you just feel like tackling the whole cycle makes sense. If you do the cycle of Beethoven's symphonies and play them in chronological order, you hear each symphony quite differently than if you just play one of them.

Playing the Fifth alone, for instance, is a great experience, but if you play the Fifth right after the Fourth, it's a real shock. It puts it in a different context. Then, after the Fifth, where fate knocks at the door and everything revolves around this kind of higher power, you have the Sixth, the Pastoral, where it is suddenly very close to nature and much less heroic and imperial. All that will change the way you look at the piece, if you have the right context.

Can we draw conclusions about Beethoven's musical development from this?

We instinctively believe that progress is linear and logical. But with Beethoven, there's no such typology. For example, after the Third Symphony, the Eroica, one thinks that something really amazing, unique must follow. But then comes the Fourth Symphony, which is very close to the Second. It's as if he had taken two steps backwards after the great breakthrough he had made with the Third Symphony. Then, from that place, it seems like a mystery why he wrote the Fifth, which takes another ten steps further forward than the Eroica. Then he returns with the Sixth to a kind of Pastoral, which seems like a walk in the park. I'm obviously simplifying here, of course.

With the Seventh, he's written a dance symphony, which one would really not have expected. After that comes one of the greatest jokes ever written by a genius. From the beginning, the Eighth Symphony is just a number of pranks. And with the Ninth comes a piece that changed the history of music, with chorus and the statement that "all men should become brothers." It changed the way one looks at symphonies. So there's no clear logical progression in Beethoven's symphonies. An inner logic perhaps, but not one that's easy to detect.

Which of his symphonies with all these different attributes do you like best?

I like every one of them, because once you are immersed in one symphony, it becomes the piece you like the most. Looking back, I've always specially looked forward to conducting the First, the Second and the Fourth. They are fresh, they are incredibly witty and slightly less familiar to the orchestras and also to the audience than, let's say, the Fifth, Seventh and Ninth. Purely from my personal point of view, conducting the Fourth symphony is always a joy.

The Fifth Symphony is physically so demanding and so complicated to do the way you really want to. I have never been a part of a good performance of the Fifth, other than with the Kammerphilharmonie Bremen. With the Kammerphilharmonie, we have had many good performances with the Fifth symphony. It's not that there was anything wrong with the other orchestras, it's just that we hadn't gone through those ten years of experimentation together.

The Kammerphilharmonie with Järvi

You have been working as artistic director with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen since 2004. What makes your collaboration so special?

The Kammerphilharmonie Bremen is an orchestra that organizes itself around projects. We take a composer and immerse ourselves in the works. We do cycles, we have specialists who come and talk to us. We experiment and take enough time to really delve into the composer. With Brahms, we took four years; with Schumann, five years; with Beethoven, ten years. How many orchestras have the luxury to spend that much time on standard repertoire? It's an entirely different way to get into the essence of a piece.

With The Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Paavo Järvi will again perform the entire cycle of Beethoven's nine symphonies in Bremen and Frankfurt during the Beethoven Anniversary Year 2020, as well as conduct the Ninth in Tokyo to mark Beethoven's birthday in December.

onhalle-Orchester Zürich/Paavo Järvi in Vienna – Béla Bartók's Dance Suite and Pyotr Tchaikovsky's Fifth Symphony – Martin Fröst plays Aaron Copland's Clarinet Concerto [live webcast]
Ateş Orga

Paavo Järvi likes working on large-scale long-term projects with his orchestras, immersing them in different styles and intensities – witness his Beethoven and Brahms symphonies with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Nielsen with the Frankfurt Radio Symphony, and Sibelius with the Orchestre de Paris. His recent appointment as Chief Conductor and Music Director of the prestigious Tonhalle-Orchester Zürich sees a new Tchaikovsky cycle get under way – a more than crowded field we need no reminding yet for all the distinguished competition, from Russian to European to American, one with room still for surprises and unexpected angles.

Closing the second leg of a mini 'railway' tour taking in Innsbruck, Vienna, Budapest and Dortmund, Järvi's view of the Fifth Symphony emphasised the “once upon a time” approach, a grandfather telling stories, as he put it, imagery and mood painting to the fore. Counterbalancing this was his welcome regard for the music's “structural brilliance” – re-affirming that radical change in analytical thinking about Tchaikovsky nurtured in the sixties by Markevitch, Mravinsky and Hans Keller amongst others. Narrative and architecture combined brilliantly in the first movement, music which, like the succeeding Andante, can all too easily sag into sentimentality. Järvi steered a sensitive course, taking tempo liberties but welding them into an articulate expressive whole built on sonorous harmonic roots and a naturally breathed meter. He got the music, like his musicians, to talk, to equally ruminate, gather steam and grow. Scenically unfolded, the Valse came over like a young ballerina's dream, all embrace and chatter before the bated breath of a nervous invitation and fleeting kiss caught on the wing. Pride of the Tonhalle-Orchester is the string department, led by charismatically musical principals, the corporate sound glowing like a sunset refracted through ruby wine. Setting the scene – violins divided antiphonally, doublebasses left of stage – the Andante introduction was an incomparably poetic demonstration of hushed, balanced voicing and ensemble, not a note out of place. Never one given to histrionics, Järvi generally reined in the brass, blending rather than rasping entries, focussing more on nobility of tone than heat of the hour – a virtue in the climax of the slow movement and the final pages.

Järvi's style has always been distinctive. The measured walk-on, baton angled at thirty degrees, the calm (calming) stage presence, the sense of a musician participating with his players, crafting and conveying a conception through co-operation, trust and warmth. His technique, the fine-tuned clarity of his beat, sets the bar high. However tough the going might get, you know you're in safe hands. All parameters matter to him. One distinction of this concert was the degree of detail and conversazione that came across. Correspondingly the acuteness, and body language, of pulse, Järvi as open to emphatic communication as to doing nothing at all, eyes and shoulder tension carrying the burden. Both Bartók and Copland give us pages of intricate chamber-like discourse. Similarly, on a broader canvas, Tchaikovsky, master of compositional variation through instrumental coloration. Typifying the best kind of classical harmonie, the Tonhalle woodwind excelled, each phrase timed, breathed and dovetailed with svelte elegance, each section member a cultured, responsive soloist (Sabine Poyé Morel, flute, and Michael Reid, clarinet since 1986, particularly but not only catching my attention). It all added up to a notably inventive panorama.

The folk orientation of the first half – Bartók's six-movement Arabic-Wallachian-Hungarian Dance Suite of 1923 and Copland's exquisitely wrought post-war Clarinet Concerto for Benny Goodman – set a variety of challenges, not least in terms of unifying extremes of tempo and paragraphing into cohesive totalities. Järvi's firmness at the helm, favouring onward progression and tightness of attack, laid good, referential, foundations.

Asserting a shamanic, life-enhancing hold over the audience, Martin Fröst, inevitably, stunned in the Copland, liberally jazzy and nuanced in the second movement, swung and bent with lavish fantasy, expressively wondrous and yearning in the Conrad Aiken-like lyricism of the plainsman first, dramatically commanding in the ‘interludial’ cadenza. From Mozart to Penderecki, ever-seeking the subtleties of “spice and honey” sound, there's nothing this fabulously agile artist cannot do. Like Pekka Kuusisto, another Scandinavian of the freewheeling, loose-shirted, anti-tails league, he's a wonderfully engaged, relaxed communicator, without the “bubble” of ego. His lithe frame, his instrument, his gestures, his eyes, tell stories and suggest more. One moment all is silence. The next, out of nowhere, flutters a murmuring of sound, supremely controlled, swelling into rosebuds, flowers, the screeching of Nordic birds. It's phenomenal. His rapport with Järvi, their easy relationship, was heartening to watch – two quietly-spoken master musicians in consumate accord with themselves, with each other, with the composer.

Two encores. First, one of Fröst's in-demand favourites, the third of three klezmer elaborations by his younger viola-playing brother, Göran – Giora Feidman's Let's Be Happy. "I don't play the clarinet. I'm a singer", Feidman once said. "I sing through my instrument”. Fröst is a bit like that. Maybe the earthy, intimately ancient, freely 'speaking' soul the Bessarabian Feidman used to find in these notes isn't his – he's cooler, more distanced – but that he lives out an adrenalin-fuelled personality and naturalness of delivery scarcely less enthralling is irrefutable. I've heard him nail this dance in a variety of guises. With a class orchestra motoring behind him it's another experience. From theremin-like opening through delirious cadenzas to stamping rhythms, diversely liquid, throaty and growling, he didn't let up, the Tonhalle strings delighting as much in catching him as matching the razor bite and electricity of his phrasing and articulation, Järvi smiling and cuing. Thrillingly physical.

Second, the Polonaise from Tchaikovsky's Eugene Onegin, Järvi illustrating how to bring off the courtly heroism of this tricky number through keenly judged tempo (not too fast), precision attack, and just enough emphasis on the downbeats to impel the music on its way without labouring the issue. Showcase stuff.