Monday, December 30, 2019

Top 12 outstanding Estonians in the world 2019

estonianworld.com
30.12.2019


Paavo Järvi


Paavo Järvi. Photo: Zdeněk Chrapek.

By Silver Tambur

A truly global Estonian, Paavo Järvi has for years conducted the world’s finest orchestras, whether it be in Berlin or Moscow, Paris or Tokyo – but 2019 was extraordinarily successful for the conductor.

This autumn, Järvi was named the Conductor of the Year by Germany’s leading classical music awards, Opus Klassik, for his recording of the complete Sibelius Symphonies with the Orchestre de Paris. The award ceremony took place at the Berlin Konzerthaus on 13 October and was broadcast in Germany on ZDF and promoted on the leading streaming service for classical music, Idagio.

“As the son of a famous conductor [Neeme Järvi], Paavo Järvi has achieved world-wide success. He is one of the most sought-after orchestral conductors of our time. This autumn, he looks forward to his first season as Chief Conductor of the Tonhalle-Orchester Zürich, while continuing to direct the NHK Symphony Orchestra in Tokyo, as well as The Deutsche Kammerphilharmonie Bremen,” Opus Klassik said in a statement, while announcing the award.

And despite his seemingly constant travels, Järvi remains committed to promoting Estonian music throughout the world as well as staging innovative performances and producing high-quality recordings throughout Estonia. In the spring, the conductor led the Estonian Festival Orchestra’s tour in Japan. With sell-out concerts in Hamamatsu, Fukui, Nagoya, Osaka, Hiroshima and Tokyo’s Suntory Hall, the public was invited to hear a conversation with Järvi and members of the orchestra introducing the Japanese audience to Estonian culture before each concert.

https://estonianworld.com/life/top-12-outstanding-estonians-in-the-world-2019/

Friday, December 27, 2019

Ones that got away - Autumn/Winter 2019

prestomusic.com
Chris O'Reilly
27.12.2019




Messiaen: L'Ascension, Le Tombeau resplendissant, Les Offrandes oubliées, Un Sourire

Tonhalle-Orchester Zürich, Paavo Järvi

Järvi succeeded Lionel Bringuier as Chief Conductor and Music Director of the Swiss orchestra only a few months ago, and their first recording together (released to coincide with his inaugural concerts in his new capacity) promises great things to come; the early Le tombeau resplendissant and late Un Sourire (composed just a couple of years before Messiaen’s death) are both comparative rarities on disc.

Available Formats: CD, MP3, FLAC, Hi-Res FLAC

https://www.prestomusic.com/classical/articles/3039--new-release-roundup-ones-that-got-away-autumn-winter-2019

Thursday, December 26, 2019

Classical CD Reviews: “La Damnation de Faust,” Villa-Lobos’ Guitar & Harmonica Concertos, and Messiaen Orchestral Works

artsfuse.org
Jonathan Blumhofer
26.12.2019

Olivier Messiaen’s oeuvre can be among the 20th-century canon’s tougher to crack. He seemed to have a sense of this, in a 1985 essay identifying his focus on rhythm, ideas about tonal colors, emphasis on birdsong, and Catholicism as potentially off-putting “difficulties” about his music. Yet all of those characteristics are defining qualities of his catalogue and, when presented rightly, can reveal his music to be not only profoundly moving but also downright accessible.

Such is the case with Paavo Järvi’s new survey of Messiaen orchestral works early and late with the Tonhalle-Orchester Zürich, of which he became music director this fall. In it, Järvi has juxtaposed three of Messiaen’s earliest works – Le Tombeau resplendissant, Les Offrandes oubliées, and L’Ascension – with one of his last, 1989’s Un sourire.

They’re all decidedly personal statements. Le Tombeau resplendissant looks back on Messiaen’s youth following the death of his mother and prior to his marriage to his first wife with a mix of bitterness and hope. Les Offrandes oubliées and L’Ascension are meditations on different aspects of his faith. Un sourire, written for the bicentenary of Mozart’s death, is a study in cheerfulness in the face of adversity.

Järvi and his band seem perfectly at home in all of them.

Le Tombeau resplendissant opens with a beguilingly realized mix of Stravinskyan influences (darting, punchy rhythmic figures) and lush, familiar Messiaen textures. The present reading features electrifying precision in the former and lustrous woodwind playing in Le Tombeau’s searching middle section.

The tripartite Les Offrandes oubliées packs a lot into its 10-minute duration, all of which comes out in a terrific visceral performance here: a pungent, flowing “The Cross” leads directly into a ferociously taut, boldly colored depiction of “Sin.” Consolation is provided by way of a radiant “Eucharist.”

L’Ascension, too, doesn’t lack for color or drama. Even if it’s often pegged as a fundamentally immature Messiaen score, what comes over in the Zürich orchestra’s performance is thoroughly persuasive.

The first movement’s (“Majesté du Christ demandant a gloire à son Père”) brass playing surges with purpose. Woodwind rhythms and flourishes in the second (“Alléluias sereins d’une âme qui desire le ciel”) are crisp and biting. Here, too, there’s a wonderful sense of mystery and drama, the instrumental textures at the end glinting like flames in a holy bonfire. A spry, vigorous third movement (“Alléluia sur la trompette, alleluia sur la cymbal”) and gorgeously dissonant, devotional finale (“Prière du Christ montant vers son Père”) round out what is surely one of the finest L’Ascensions on disc.

And Un sourire comes over with innocent warmth. The concept of the piece – bright, serene chords alternating with lustrous rhythmic episodes – is simple enough, but Järvi and his orchestra shape it all carefully and inevitably. The results, to borrow from an earlier title, are resplendent.

https://artsfuse.org/192534/cd-reviews-la-damnation-de-faust-villa-lobos-guitar-harmonica-concertos-and-messiaen-orchestral-works/

Friday, December 20, 2019

Lisa Batiashvili on the joys of collaboration

thestrad.com
20.12.2019

Georgian violinist Lisa Batiashvili has recently taken on new challenges, among them artistic directorship of the Audi Summer Concerts festival and performing on the soundtrack to The White Crow. But, she tells Toby Deller, she finds equal joy in creating wonderful interpretations from long-term partnerships

The following is an extract from the January 2020 issue. Click here to log in or subscribe. The January 2020 digital magazine and print edition are on sale now.




Source: Thomas Bartilla

Lisa Batiashvili with conductor Daniel Barenboim at Staatsoper für alle, Berlin, in 2015

Some of Batiashvili’s closest working partnerships as a violinist have been with conductors and, to a certain degree, orchestras (she was artist-in-residence at the New York Philharmonic, 2014–15, for example).

I recall her explaining during a previous meeting how important Christian Thielemann’s contribution was to her interpretation of the Brahms Violin Concerto recorded with the Dresden Staatskapelle; and sure enough, on listening to the first movement of that recording you very much get the impression of an orchestra releasing her at her first entry – as one dancer might launch another into a solo – rather than merely setting the scene.

‘They influence me a lot musically because of their personality,’ she says about her favoured conductors more generally. ‘It’s not only about conducting and playing together; it’s more an exchange. In the long term, with Barenboim for sure, you get a lifetime’s lesson. But it’s not only a lesson – it’s two colleagues communicating with each other. That is due to respect, and to the fact that he likes to receive energy from younger musicians. Like Karajan. You know that all these fantastic musicians need more and more connection with young musicians as they get older. It’s a mixture of his wisdom and his life experience connected to what is happening today and what is going to happen tomorrow.’

It was with Daniel Barenboim that she recorded the Sibelius and Tchaikovsky concertos with the Berlin Staatskapelle (2015–16). Another collaborator on disc is Yannick Nézet-Séguin, who accompanies her on the piano in Tchaikovsky romances on a 2013 release, and conducts the Chamber Orchestra of Europe on an all-Prokofiev disc (2018) featuring both concertos and some ballet arrangements for violin and orchestra by her father, Tamás. She and Paavo Järvi, meanwhile, are frequent partners in concert.

‘With Yannick I have a very special friendship that gives me a feeling of being one family and breathing together. I also have a very long friendship with Paavo, and we connect in a different way: the Baltic countries [Järvi is from Estonia] and Georgia each understand on a political basis the fight for freedom, and for a better life enjoyed by the Western part of the world. The dream is to make it a reality and always to fight for it, even on a daily basis. I admire Paavo very much. Now that I know these conductors better, I have an idea of what to expect and how to make a start on any given project, depending on what and where we are playing.’

More unfamiliar was her work on a film soundtrack, playing Ilan Eshkeri’s music for the film The White Crow (2018), in which Ralph Fiennes, directing, plays Rudolf Nureyev’s ballet master. ‘When you look at these images and you accompany them with your performance, it’s not only about playing beautifully: you have to produce the emotion that the director wants to create in that scene. It’s more than just an abstract feeling; it’s really very direct.’ It also gave her a new creative partnership to explore. ‘Ralph Fiennes, of course, is such an incredible artist himself. So much more than just an film actor, he comes with his theatre experience as well and his incredibly interesting personality – he has so much to say. He even came to one of my trio concerts in London, and he loved it, apparently. We had an interview for Vogue, and I remember us speaking about very similar experiences on stage as a musician and as an actor.’

https://www.thestrad.com/playing-and-teaching/lisa-batiashvili-on-the-joys-of-collaboration/9889.article

EN MÄSTARE FRÅN START

opusmagasin.se
Camilla Lundberg
20.12.2019

Av det drygt timslånga albumet med orkestermusik av Olivier Messiaen är 54 minuter komponerade av en yngling på några och tjugo. De resterande tio minuterna är skrivna av en åttioåring. Ändå lyser det messiaenska dna:t genom hela skivan.

Det är märkvärdigt hur konstant den franske mästaren och mystikern var i sitt tonspråk. I de tre stora ungdomsverken från tidigt 1930-tal saknas visserligen fåglarna, liksom de indiska rytmerna. Men den katolska extasen och innerligheten finns där från start.

I februari 1931 gör Messiaen entré i det franska musiklivet med ”en symfonisk meditation”, den religiösa triptyken Les Offrandes oubliées. Ett i sanning häpnadsväckande orkesterverk komponerat av en tjugoettåring som två gånger misslyckats att erövra Rompriset – alla unga franska kompositörers graalpokal.

Bara ett år senare följer ännu ett prunkande orkesterverk, Le Tombeau resplendissant. Också det en tredelad historia, men nu är det inte ”ljuve Jesus” som åkallas. Utan kompositören själv som står i centrum och med våld krossar sin egen ungdom till en glänsande gravsten.

Måste lyssnaren veta detta?

Mais non! Njut bara av de gnistrande ackorden, de smäktande stråkarna, det jublande brasset, de ystra slagverkarna. I L’Ascension från 1933, ytterligare en symfonisk meditation (som Olivier Messiaen sedermera överförde till sin älskade orgel), finns en Hallelujasats som kunde platsa för ballroom dancing med sina sexigt sugande rytmer.

Det är ett härligt första album Paavo Järvi levererar som nytillträdd chef för Tonhalleorkestern i Zürich. Kombinationen av de tre ungdomsverken med den lättviktiga men charmerande Un Sourire från 1989 köper jag rakt av. Här tycks cirkeln slutas med ett leende från en av förra seklets mest originella och inflytelserika tonsättare.



https://opusmagasin.se/en-mastare-fran-start/

Wednesday, December 18, 2019

Bundespräsident Steinmeier würdigt Beethoven

dw.de
Gaby Reucher
18.12.2019

Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier rundete die Feierlichkeiten zum Start des Beethovenjubiläums mit einem Wandelkonzert im Schloss Bellevue ab. Er erinnerte dabei auch an die politische Dimension des Komponisten.




Zum "Hauskonzert" hatten Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier und seine Frau Elke Büdenbender ihre Gäste ins Schloss Bellevue eingeladen. Für den musikalischen Rahmen zum Auftakt des Beethoven-Jubiläumsjahres in Berlin sorgte die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Damit wollte der Schirmherr des Beethovenjubiläums eine "Form des privaten Musizierens und Musikhörens wieder stärker aufleben lassen, die zu Beethovens Zeiten in voller Blüte stand".

Dirigent Paavo Järvi (l.) zu Gast bei Elke Büdenbender und Frank-Walter Steinmeier

Steinmeier lobte Beethoven nicht nur als großen Komponisten, der sein Schicksal bezwingen wollte, sondern erinnerte auch daran, welche Bedeutung große Künstler wie er oft in der Geschichte eines Landes haben - im Positiven wie im Negativen. Im zweiten Weltkrieg etwa seien drei kurze und ein langer Paukenschlag - wie zu Beginn von Beethovens 5. Sinfonie - das Erkennungszeichen für die Auslandssendungen der BBC gewesen.

Als Morsezeichen stehe das Signal für den Buchstaben V, für Victory, also Sieg. In Beethovens fünfter Sinfonie, die gerade unter Daniel Barenboim zum Mauerfalljubiläum dirigiert wurde, sei das rhythmisch entsprechende weltbekannte Klopfmotiv wie ein "Herzklopfen für die Freiheit" gewesen, meinte Steinmeier. "In welcher Musik sonst hat all das Ausdruck bekommen, was uns an diesem Tag bewegt hat: Kampf und Sehnsucht, Zielstrebigkeit und Geduld und schließlich Freude und Jubel."


Bundespräsident Steinmeier spricht über die Bedeutung Beethovens in der deutschen Geschichte.

Am 17. Dezember wurde Ludwig van Beethoven in Bonn getauft. Seinen Geburtstag vermutet man am 16.12.1770. Das Geburtsdatum ist allerdings nicht sicher überliefert. Beethoven war fasziniert von den Idealen der Französischen Revolution: Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit. Auch dann noch, als Napoleon sich selbst zum Kaiser krönte und damit die Ideale verriet.

"Große Kunst wird gebraucht - und sie kann auch missbraucht werden", führte der Bundespräsident bei seiner Eröffnungsrede aus. So hätten die Nationalsozialisten im sogenannten Dritten Reich Beethovens Musik zur Selbstdarstellung und zur Darstellung eines überlegenen "deutschen Wesens" missbraucht. "Es mahnt uns zur bleibenden guten Vorsicht vor übersteigertem unreflektiertem Pathos."

Beethoven ist kein "Fake-Star"


Paavo Järvi dirigiert die Deutsche Kammerphilharmonie im großen Saal des Schlosses Bellevue

Eröffnet wurde das Wandelkonzert im Schloss Bellevue mit dem letzten Satz aus Beethovens erster Sinfonie unter dem künstlerischen Leiter des Orchesters, dem renommierten estnischen Dirigenten Paavo Järvi. Auch für ihn hat Beethoven nicht nur eine musikalische, sondern auch eine politische Bedeutung. Es gäbe etwas in Beethovens Musik, dass sehr aktuell, kompromisslos und ehrlich sei, sagte er der Deutschen Welle. "Wir leben in einer Zeit, in der man alles bezweifelt", meint Järvi. Es gebe viele Fake-Stars und viele fabrikgefertigte Ideen. "Authentizität ist selten, aber Beethoven sagt in einer überzeugenden, brillianten und bedeutungsvollen Weise wie es ist." Man könne nicht anders als ihm zuhören, das schaffe er mit seiner Musik, weil er authentisch sei.

Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen ist eines der weltweit führenden Orchester und wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, unter anderem für den Beethoven-Zyklus aller neuen Sinfonien. Seit 2004 arbeitet das Orchester erfolgreich mit Paavo Järvi zusammen. In diesem Jahr wurde der Dirigent zum wiederholten Male mit dem Opus Klassik Preis als Dirigent des Jahres ausgezeichnet.

Gemeinschaftserlebnis mit Beethoven

"Dieses Orchester ist insbesondere mit der Musik Beethovens sehr vertraut und international berühmt durch seine weltweiten Aufführungen und seine CD-Einspielungen der neun Sinfonien Beethovens", lobte Frank-Walter Steinmeier die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Große Werke wie Beethovens Sinfonien hätten die Kraft, viele "Seelen und Herzen zu einem gemeinschaftlichen Erlebnis zu sammeln".


Beethovens 9. rekomponiert: Orchester und Schülerinnen haben mitgemacht

Ein solches gemeinschaftliches Erlebnis erleben Schüler und Schülerinnen der Gesamtschule Bremen-Ost im Projekt "Zukunftslabor". Für das Konzert hatten sie sich gemeinsam mit dem Orchester mit Beethovens 9. Sinfonie auseinandergesetzt und mit dem Komponisten und Saxophonisten Jonas Urbat überlegt, wie Beethoven heute mit all den elektronischen Möglichkeiten komponieren würde.

Beim Wandelkonzert im großen Saal vom Schloss Bellevue kamen Wortfetzen wie "Tod" und "Flüchtlinge" aus den Lautsprechern, Nachrichten, die uns tagtäglich umgeben. Im Gegensatz dazu spielte das Orchester Bruchstücke von Beethovens 9. Sinfonie, ein Sinnbild für Frieden und Freude, verfremdet durch elektronische Live-Klänge. "Halten wir zusammen, schaffen wir, was einer allein nicht schaffen kann", sangen die Schülerinnen. Steinmeier würdigte das besondere Engagement des Orchesters in der musikalischen Erziehung "auch von jungen Leuten, denen durch ihre Herkunft oder Bildungssituation die Welt der klassischen Musik eher fremd ist."

Beethoven kann auch lustig sein


Liebeslieder von Beethoven, dargeboten von Nachwuchstalenten

Für die Kammermusikalischen Darbietungen im Schloss Bellevue hatte sich das Orchester einiges einfallen lassen. In einem Raum ein Bläseroktett, im nächsten Raum Liebeslieder von Beethoven zum Schmunzeln. Die größte Überraschung dann das große Finale "Best of Beethoven".

Es war ein Ritt mit dem finnischen Dirigent Jaakko Kuusisto und dem Klassik und Jazz-Pianisten Iioro Rantala durch Beethovens Sinfonien und bekannte Stücke von der "Mondscheinsonate" über "Für Elise" bis hin zur "Ode an die Freude", gewürzt mit Jazzimprovisationen und sogar Tangoklängen von Astor Piazzola.


Ein Ritt über den Sinfonie-Vulkan mit Iioro Rantala

Ein fulminanter Abschluss für den Auftakt zum Beethoven-Jubiläumsjahr. Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier bedankte sich bei allen Musikern mit den Worten: "Auch wenn vieles über Beethoven ungewiss ist, hätte Beethoven in der heutigen Welt gelebt, dieser Abend hätte ihm gewiss gefallen."

Tuesday, December 17, 2019

The Best Classical Recordings of 2019

wqxr.org
December 2019

Sibelius: Symphonies Nos. 1–7

Orchestre de Paris
Paavo Järvi, conductor

Recorded in the resonant acoustic of the Philharmonie de Paris during Paavo Järvi’s six-year tenure as Chief Conductor of the Orchestre de Paris, these incendiary performances set the Finnish composer’s notoriously chilly symphonies ablaze.

https://www.wqxr.org/story/best-classical-recordings-2019/

Saturday, December 14, 2019

Entführung in andere Welten – Igor Levits Brahms ist in Bremen angekommen

nmz.de
Ute Schalz-Laurenze
14.12.2019

Das kann man heute noch verstehen, wie sehr das Uraufführungspublikum in Hannover 1859 und erst recht die Menschen im selben Jahr im konservativen Leipzig verstört waren über das erste Klavierkonzert des 25jährigen Johannes Brahms. Die lange Orchestereinleitung wuselt und tobt in tiefen Lagen geradezu spröde und zornig vor sich hin und man hat lange keine Chance, den Solisten zu hören, denn er wuselt irgendwann mit in diesen „schreiendsten Dissonanzen“ und diesem „Würgen und Wühlen“, wie ein Uraufführungskritiker schrieb. Dem Konzert wurde wie auch 22 Jahre später dem zweiten vorgeworfen, es sei kein Solokonzert, sondern eine Sinfonie mit obligatem Klavier. Nun gab es in Bremen mit der Deutschen Kammerphilharmonie unter der Leitung von Paavo Järvi und dem 1987 geborenen Ausnahmepianisten – der etwas abgedroschene Begriff muss hier verwendet werden – Igor Levit wenige Tage nach dem Auftritt in der Hamburger Elbphilharmonie drei Aufführungen, die genau das zur Tugend erhoben und auf das Genaueste ausführten. Man erwischte sich sogar bei dem Gedanken „Schade, dass man nicht mehr von ihm hört“, auch wenn dieser Wunsch am Verstehen des originellen Werkes vollkommen vorbeigeht.

Levit, der Bremen schon viele großartige Konzertstunden geschenkt hat – Beethovens fünftes Klavierkonzert, Schumanns a-Moll-Konzert, Mendelssohns Klavierkonzerte – verwandelte an drei Abenden beide Klavierkonzerte von Brahms in die tief schürfenden Geheimnisse, von denen jede große Komposition in der Wiedergabe kongenialer Interpreten lebt. Levits ganz besondere Begabung und Auffassung – ein gleichberechtigtes Miteinander mit den Musikern des Orchesters – passt mehr als perfekt zu einer Ästhetik, die sich dem Glanz des Virtuosentums so sehr verweigert. Und so gelang dem Pianisten, von dem man weiß, wie verbissen er jenseits alles rein Manuellen Musik liest und studiert, um sie zu verstehen, ein Wunder an Einfühlung, an Horchen, an Vorausnahmen, an Entwicklungen aus dem Innersten.

Es gibt bei ihm Pianostellen, die er aus einer anderen Welt zu holen schien, und Kraftattacken, die ebenfalls in andere Welten führen. Immer extrem die Transparenz, die Deutlichkeit der Artikulation, die Schönheit der Lyrik. Diese Gegensätze verleihen seinem Spiel eine unfassbare Spannung. Und seine körperliche Art, sowohl mit dem Orchester als auch mit dem Publikum zu kommunizieren, hat so gar nichts künstliches, sondern entspringt auf wunderbare Weise immer der Musik. Ebenso radikal erklang der fabelhaft entschlackte und trotzdem wilde Orchesterklang, dies ein Markenzeichen von Järvis nun schon lang erprobtem Brahms.

Die vierte Sinfonie von Robert Schumann zählt zu den Werken, die die Kammerphilharmonie schon unzählige Male gespielt hat. Mag man kritisieren, dass das Orchester bestimmte Komponisten und Werke – wie Brahms, Schumann, Haydn und vor allem Beethoven – immer wieder und wieder spielt, so profitiert man auf der anderen Seite als Hörer von der traumwandlerischen Sicherheit und Perfektion, mit der das Orchester sich trotz aller individuellen Leistungen insgesamt als ein ungemein geschmeidiges Instrument präsentiert: hier Lebensfreude pur. So darf man gespannt sein, wenn sein bereits weltweit preisgekrönter Beethoven im November 2020 zu Beethovens 250. Geburtstag in vier Konzerten mit allen Sinfonien zu hören sein wird.

Wednesday, December 11, 2019

Igor Levit überwindet mühelos Zeit und Raum

nwzonline.de
Christoph Keller
11.12.2019


Virtuos: Igor Levit
Bild: Woitas


BREMEN Als Robert Schumann den jungen Johannes Brahms Klavierspielen hörte, schrieb er darüber: „Wir wurden in immer zauberischere Kreise hineingezogen. Dazu kam ein ganz geniales Spiel, das aus dem Klavier ein Orchester von wehklagenden und laut jubelnden Stimmen machte.“

Sicher hätte er so etwas auch über den Pianisten Igor Levit gesagt, wenn er ihn am Montagabend im ausverkauften großen Saal der Glocke mit dem ersten Klavierkonzert von Johannes Brahms gehört hätte. Levit interpretierte dieses sinfonisch angelegte Klavierkonzert mit einer ansteckenden und befeuernden Energie, die ihresgleichen sucht. Seien es die geballten Akkorde, die donnernden Oktavgänge oder die brillanten Trillerketten, immer war alles transparent gespielt und hervorragend im Verhältnis zum Orchester abgestimmt.

Der 32-jährige Pianist spürte jeder Melodielinie genaustens nach und führte durch seinen feinsinnigen und differenzierten Anschlag im zweiten Satz in die eingangs erwähnten „zauberischen Kreise“. Deren Atmosphäre war allerdings getrübt, weil der Konzertflügel die Stimmung nicht hielt und damit einige Töne in der Mittellage zu unschönen Schwebungen kamen.

Einen überlegenen Solisten wie Igor Levit lenkte das aber nicht ab. Beim anschließenden Rondo spielte er mit großer Souveränität und einem solchem Elan, als wolle er das ohnehin mitreißend interpretierende Orchester noch überbieten.

Im zweiten Programmteil erklang Robert Schumanns vierte Sinfonie. Die glänzend disponierte Deutsche Kammerphilharmonie Bremen verlieh dem Werk eine beeindruckende Strahlkraft und schillernden Glanz. Unter dem inspirierenden Dirigat von Paavo Järvi kamen die dramatischen und romantisch-schwärmerischen Momente genauso zur Geltung wie die melodisch freie Ausgelassenheit.

Järvi ließ, im Sinne des Komponisten, die vier kon­trastreichen Sätze fließend ineinander übergehen und verlieh der Sinfonie eine überzeugende Geschlossenheit. Mit dem Orchester entwickelte er aus fulminanten Steigerungen große Klanggesten. Gleichzeitig waren alle kompositorischen Details bis aufs Feinste ausgearbeitet. Beide Werke des ausgezeichneten Konzerts wurden vom Publikum bejubelt. Solist und Orchester bedankten sich mit jeweils einer Zugabe.

An diesem Mittwoch ist von denselben Interpreten, erneut in der Glocke, das zweite Klavierkonzert von Johannes Brahms auf dem Programm. Es bleibt zu wünschen, dass der Konzertflügel dieses Mal die Stimmung hält.

https://www.nwzonline.de/kultur/igor-levit-die-glocke-bremen_a_50,6,2493619820.html

Tuesday, December 10, 2019

Ungeahnte Leichtigkeit

weser-kurier.de
Lisa-maria Röhling
10.12.2019

Igor Levit ist aktuell einer der gefragtesten Pianisten weltweit. In der Glocke überzeugt er zusammen mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen und Paavo Järvi.



Der Pianist Igor Levit, hier auf einem Bild aus dem Jahr 2018 zu sehen, gastierte am Montag mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen in der Glocke. (Hendrik Schmidt)

Wie sich ein Pianist bei Orchesterpassagen eines Konzertes verhält, sagt viel über ihn aus. Ganz besonders bei einem Klavierkonzert wie dem ersten von Johannes Brahms: Orchester und Solostimme sind gleichwertige Partner, die Klavierpartie ist nicht selten als Begleitung komponiert. Igor Levit tut sich damit beim Konzert „Energiegeladen Brahms“ mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen am Montagabend in der Glocke aber nicht schwer. Während das Orchester mit der wuchtigen Anfangspassage des ersten Satzes vorlegt, hat der Pianist den Kopf geneigt, hebt ihn nur, um sich bei einzelnen Melodien den Musikern zuzuwenden. Einer, der aufmerksam zuhört, statt sich in seiner Partie zu verlieren.

Es hätte ein zäher Abend werden können. Sowohl das d-Moll-Klavierkonzert von Brahms (1833-1897) als auch die vierte Sinfonie von Robert Schumann (1810-1856) neigen zur Trägheit, wenn die Tempi ein wenig zu langsam sind, die Dynamik einen Hauch überzogen ist. Doch die Kammerphilharmoniker unter der Leitung von Paavo Järvi und Ausnahmepianist Levit lassen sich von der Konzertüberschrift lenken: Sie führen einen balancierten Dialog, ohne dem Stück seine Wucht oder – ja, genau – Energie zu nehmen.

Die ersten Takte des Klavierkonzertes geben den Ton für den restlichen Abend vor: Das klangvolle Hauptthema spielen die Kammerphilharmoniker, ohne ins Kitschige abzurutschen oder in Trägheit zu verfallen. Im Finale tun sie sich gerade im komplizierten Fugato mit enormer Präzision hervor. Paavo Järvi muss das Ensemble nur hier und da in die richtige Richtung schubsen, erschafft damit aber eine überzeugende Leichtigkeit in einem mitunter schwerfälligen Stück.

Igor Levit passt sich in dieses Zusammenspiel mit technischer Genauigkeit und fast bescheidenen Soli ein. Die komplizierten Triller des ersten Satzes verschränken sich nahtlos mit den Orchesterlinien, im zweiten Satz übernimmt er fast unauffällig die leise, aber intensive Melodie. Für das Finale gibt er ein ambitioniertes, aber angemessenes Tempo vor und fügt sich in das Fugato mit technisch herausragender Genauigkeit ein. Gleichzeitig zeigt er, warum er einer der gefragtesten Pianisten weltweit ist: Er spielt bodenständig, ohne die Brillanz zu verlieren. Das belohnt das Publikum mit anhaltendem Applaus.

Schumanns 4. Sinfonie bildet den logischen Anschluss: Brahms hatte lange mit seinem Klavierkonzert gehadert, überschattet wurde die Komposition vom Tod seines Idols Schumann. Erst drei Jahre danach kam es zur Uraufführung, das zeitgenössische Publikum reagierte mäßig: zu viele Brüche mit der gängigen Sonatenform, zu unüblich die Rolle des Solisten.

Schumann brach in seiner Sinfonie Nr. 4 in d-Moll ebenfalls mit zahlreichen Konventionen: Die vier Sätze gehen fließend ineinander über, auf Reprisen in ihrer üblichen Form verzichtet er in dem Stück fast gänzlich. Auch hier legen die Kammerphilharmoniker ein zügiges Tempo vor, verzichten in allen Sätzen auf süßliches Schwelgen und entschleunigende Phrasierungen. Das verleiht der Sinfonie eine ungeahnte Frische und Intensität. Trotz der Geschwindigkeit bleiben die Streicherläufe klar, die präzisen Bläsereinwürfe bilden ein knackiges Gegengewicht. Järvi treibt gelegentlich etwas voran oder fordert eine extremere Dynamik – doch oft lässt er sich einfach von der offensichtlichen Spiellust seines Ensembles tragen.
Weitere Informationen

Igor Levit und die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen gastieren am Mittwochabend mit Brahms’ 2. Klavierkonzert noch einmal in der Glocke. Das Konzert ist ausverkauft.

https://www.weser-kurier.de/deutschland-welt/deutschland-welt-kultur_artikel,-ungeahnte-leichtigkeit-_arid,1881976.html

Liebe zu Brahms:

kreiszeitung.de
Markus Wilks
10.12.2019


Igor Levit Foto: Robbie Lawrence

Wie sich die Zeiten ändern: Durchgefallen bei den ersten Aufführungen, doch heutzutage beliebte, gleichwohl alles andere als gefällige Werke des Konzertrepertoires. Die Rede ist von Schumanns 4. Sinfonie und Brahms‘ 1. Klavierkonzert. Sie standen beim jüngsten Abokonzert der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen in der Glocke auf dem Programm, das mit Paavo Järvi und Igor Levit von zwei ebenso klug wie unroutiniert musizierenden Künstlern geprägt wurde. Viele Musiker und Zuhörer benötigen mehrere Anläufe, um mit Brahms‘ 1. Klavierkonzert warm zu werden. Der 50-minütige Koloss mit seinen düsteren Elementen und der komplexen musikalischen Struktur fordert heraus. Järvi am Pult der Kammerphilharmonie und Levit am Flügel machten es dem Publikum jedoch leicht, diesen Brahms zu verstehen und – ja – zu lieben. Gerade weil sie die Zerrissenheit dieser Komposition als Basis für eine aufregende Interpretation betonten, ergaben sich viele wundervolle oder energiegeladene Momente, die in ein fließendes Ganzes eingebunden waren.

Monday, December 09, 2019

Igor Levit und Paavo Järvi entstauben Brahms

wienerzeitung.at
Katharina Hirschmann
9.12.2019

Man kann Brahms entschlacken. Man soll Brahms auch entschlacken und im Idealfall noch ein wenig entschleunigen. Denn dann tritt die Klarheit zutage, die sonst gerne einem undifferenzierten Gesamtklang zum Opfer fällt.

Expressiv steigt Pianist Igor Levit in Brahms’ Zweites Klavierkonzert ein und testet den Steinway auf Zartheit und Expressivität. Sein unaufgeregter geradliniger Zugang schmeichelt dem Werk, das ohnehin genug Schmalzpotenzial hätte. Insofern kann man, auch wenn man dafür wenig übrighat, erleichtert durchatmen. Denn unter Paavo Järvi dringt das Pathos nur vereinzelt durch in diesem Klavierkonzert, das weniger fürs Brillieren denn für den Gesamtklang komponiert ist.

Konzert

Deutsche Kammerphilharmonie Bremen

Igor Levit (Klavier)

Paavo Järvi (Dirigent)

Konzerthaus

Gerade dieser bleibt bei der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen allerdings auf der Strecke, das Ensemble besticht vor allem durch schöne Einzelelemente. Ein wunderbares Cello-Solo im dritten Satz, ein bodenständiger Levit, der auch verspielte Elemente einbringt, wo das Orchester, vor allem die Geigen, abzuheben drohen. Dass in manchen Übergängen Bruchstellen erkennbar werden, ist wohl dem Umstand geschuldet, dass Järvi antreibt, wenn man dem Stück noch mehr Zeit gönnen könnte.
Igor Levit meidet bei Brahms‘ das Pathos. - © Robbie Lawrence

Auch in Haydns Symphonie "Mit dem Paukenwirbel" bestechen die Streicher weniger durch Klangschönheit als durch Agilität, mit der sie schon den ersten Satz prägen, in dem sie dem Tänzerischen viel Schwere verleihen. Im selben Ton geht es weiter - unterbrochen von einem eher zweifelhaften Solo des Konzertmeisters. Es ist ein Tanz, ja, aber ein Tanz mit Marmorschuhen. Warum nicht?

Paavo Järvi: dirigeeris tippu

postimees.ee
Heili Sibrits
12.2019

2019. aasta oli Paavo Järvile tihe aasta, kus üks suurkontsert ajas teist taga.

Kuid eredaimaks sündmuseks lõppevast aastast on liitumine maailma kümne parima orkestri sekka kuuluva Zürichi Tonhallega. Oma esimesel hooajal Tonhalle sümfooniaorkestri peadirigendina soovib Järvi keskenduda Põhjamaade heliloojate loomingu tutvustamisele. Alanud hooajal on Tonhalle orkestri juures resideeriv helilooja Erkki-Sven Tüür, mis tähendab, et tema heliteosed on Zürichis fookuses.

Sügis tõi Paavo Järvile teisegi hea uudise – Opus Klassiku žürii valis Paavo Järvi aasta dirigendiks Saksamaal.

Tonhalle kõrval jätkab Paavo NHK sümfooniaorkestri juhtimist Tokyos, samuti tööd Deutsche Kammerphilharmonie Bremeni orkestriga ja südameorkestriks on talle jätkuvalt Eesti Festivaliorkester.

https://www.postimees.ee/100-nagu-2019/6825942/paavo-jarvi-dirigeeris-tippu

Sunday, December 08, 2019

WIEN/ Konzerthaus: PAAVO JÄRVI, IGOR LEVIT UND DIE DEUTSCHE KAMMERPHILHARMONIE BREMEN (Brahms, Haydn)

onlinemerker.com
Helena Ludwig
8.12.2019


Schlussapplaus. Foto: Ludwig

Wiener Konzerthaus, 7. Dezember 2019: Paavo Järvi, Igor Levit und die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen spielen Brahms und Haydn.

Zwei Große und Interessante Musiker der Klassik waren an diesem Abend im Konzerthaus zu erleben. Igor Levit spielte Johannes Brahms Konzert für Klavier und Orchester Nr. 2 in B-Dur op. 83 mit der Deutschen Kammerphilharmonie unter Paavo Järvi.

Der junge Pianist kam im schwarzen Anzug mit schwarzem Hemd und spielte beeindruckend verinnerlicht, manchmal wie selbstvergessen und dann wieder die Musik mit dem ganzen Körper begleitend, den Kopf im Rhythmus nickend und vom Hocker aufspringend. Meist mit geschlossenen Augen, in spielfreien Passagen oft zum Orchester zugewendet und ab und zu hatte ich den Eindruck, er würde gerne selbst dirigieren. Er hat mich oft an Glenn Gould erinnert, abgesehen von der Sitzhöhe… Nach dem Stück bedankte sich Herr Levit zuerst mit Umarmungen beim Dirigenten und einigen Musikern, bevor er sich dem Publikum zuwandte.

Absolut überzeugt hat mich dann allerdings seine Zugabe: aus Guernica nach Picasso von Paul Dessau. Lange blieb er nach dem Ende regungslos mit den Händen über den Tasten des Steinway Flügels und der gesamte Saal verharrte ebenso in Schweigen. Sehr beeindruckend, bravo – auch für die mutige Wahl des Stücks ein Daumen hoch!

Nach der Pause dann Joseph Haydn, Symphonie in Es-Dur Hob.1/103 „mit dem Paukenwirbel“. Es war schön zu sehen, wie vertraut das Orchester und der Dirigent miteinander sind. Seit 25 Jahren schon wird gemeinsam musiziert was zu fühlen und zu hören ist. Eine schöne, einfühlsame Darbietung die dem Klangkörper und dem Dirigenten wohl zu tun schien. Ein extra bravo für den Paukisten!

Aber auch hier war für mich das Highlight die Zugabe. Und was für eine! Der erste Satz von Beethovens Erster Symphonie. Das war schon eine großartige Einstimmung auf das Beethoven Jahr 2020! Paavo Järvi, der seit 2004 der künstlerische Leiter der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen ist, hat 2010 für die Einspielung von Beethovens 2. und 6. Symphonie mit diesem Orchester übrigens den Echo Klassik Preis als Dirigent des Jahres verliehen bekommen.

Herr Järvi wird am 16. Jänner 2020 mit dem Tonhalle-Orchester Zürich, deren Chefdirigent und künstlerischer Leiter er seit dieser Saison ist, wieder ins Konzerthaus kommen und u.a. Tschaikowsky´s 5. Symphonie dirigieren. Darauf können wir gespannt sein. Er hat mir verraten, dass er sich auf dieses neue Projekt sehr freut.

Igor Levit, geboren 1987 in Russland, bekam Klavierunterricht von seiner Mutter ab dem Alter von drei Jahren. Seinen ersten Auftritt als Solist hatte er mit vier und sein erstes Konzert gab er mit sechs Jahren. 1995 übersiedelte die Familie nach Deutschland, wo Igor Levit das Gymnasium besuchte und 1999 ein Jahr lang Klavierunterricht am Mozarteum in Salzburg nahm. Mit 13 Jahren begann er sein Studium an der Hochschule für Musik, Theater und Medien in Hannover und schloss es mit der höchsten Punktezahl in der Geschichte des Instituts ab. https://www.igor-levit.de/

Paavo Järvi, geboren am 30. Dezember 1962 in Tallin wo er auch Schlagzeug und Dirigieren studierte. Er verließ mit seiner Familie 1980 Estland um in die USA zu gehen und dort sein Studium u.a. bei Leonard Bernstein fortzusetzen. http://www.paavojarvi.com/

Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen https://www.kammerphilharmonie.com/

https://onlinemerker.com/wien-konzerthaus-paavo-jaervi-igor-levit-und-die-deutsche-kammerphilharmonie-bremen-brahms-haydn/

Saturday, December 07, 2019

RMF: Aufregendes Brahms-Erlebnis mit Igor Levit

wiesbadner-kurier.de
Dietrich Stern
7.12.2019

Gemeinsam mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen präsentiert der Pianist Igor Levit und im Wiesbadener Kurhaus auf Einladung des Rheingau Musik Festivals Brahms 1. Klavierkonzert.


Igor Levit lebt Musik durch und durch. (Foto: RMF/Ansgar Klostermann)


WIESBADEN - Paukenschlag oder -wirbel, wie auch immer, – mit Igor Levit und der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen gelingt dem Rheingau Musik Festival im Kurhaus ein großartiges Konzert gegen Ende der Saison.
Bedingungslose, radikale Art des Musizierens
Das 1. Klavierkonzert von Johannes Brahms fügt sich in die Beschäftigung des Bremer Orchesters mit dem Romantiker ein. Bei dem Pianisten Levit spielte die Romantik zwar bis jetzt keine große Rolle. Seine bedingungslose, radikale Art des Musizierens ermöglicht jedoch eine aufregend neue Sicht auf das Werk, um das Brahms lange gerungen hat. Scheinbar in sich zusammengesunken hört Levit die jäh auffahrenden, schmerzhaften Anfangsmotive, grundiert von dramatischen Paukenwirbeln. Wenn sich das Vorspiel fast bis ins Resignative, Verlöschende beruhigt hat, setzt er mit weichen Terzenketten ein, in einer unnachahmlichen Balance aus Beiläufigkeit und Präsenz.

Es ist diese Fähigkeit Levits, in der Musik „da“ zu sein, die den Abend so besonders macht. Er tritt mit einzelnen hohen Tönen in einen magischen Dialog mit den Holzbläsern, bei dem die Zeit stillsteht, um dann im Donnern der Oktaven wieder pure Energie auszuströmen, die ihn selbst noch in den Pausen weiter vibrieren lässt. Wenn das Klavier alleine spielt, trumpft es nicht fingerfertig auf, sondern singt wehmütig tröstlichen Gesang. Dann wieder glitzern die Läufe in atemberaubender Schnelligkeit und Brillanz.
Der Dirigent Paavo Järvi hat mit „seiner“ Kammerphilharmonie auch in Sachen Brahms neue Maßstäbe gesetzt. So entschlackt und modern hat man Brahms kaum gehört. Im engen Dialog mit dem Pianisten gehen Dirigent und Orchester bis an die Grenzen des Risikos und legen die Radikalität und den gedanklichen wie emotionalen Reichtum bei Brahms frei. Dem besonderen Augenblick dieser packenden Interpretation kann sich niemand entziehen. Igor Levit lebt Musik durch und durch, was vielleicht damit zusammenhängt, dass er auch sonst, menschlich und gesellschaftlich, höchst aktiv und kritisch im Leben steht. Ein kleines Klavierstück von Chilly Gonzales adelt er zum Schluss, indem er es bis zur vollkommenen Stille führt, und sich so verabschiedet.

Haydns „Sinfonie mit dem Paukenwirbel“ Nr. 103 hat es im zweiten Teil des Konzerts nicht gerade leicht nach so viel Intensität. Aus ihrer großen Beethoven-Erfahrung spielen Järvi und die Bremer die Verbindung von Volkstümlichkeit und hoher Kunstfertigkeit sehr deutlich und beredt aus. Das namengebende Paukensolo wirkt selten logisch zwingend, wenn es auch hier die Beziehung zum Pauken-Beginn des Brahms-Konzerts herstellt. Die Konzert-Routine aufzubrechen, und das Solokonzert nach der Sinfonie zu spielen, hätte sicher das Hörerlebnis bei Haydn und die Nachwirkung der grandiosen Brahms-Interpretation noch gesteigert.

Friday, December 06, 2019

パーヴォ・ヤルヴィ(指揮)ロング・インタビュー Part2

ebravo.jp
小室敬幸
6.12.2019




NHK交響楽団首席指揮者パーヴォ・ヤルヴィに話をうかがうロング・インタビュー。後半戦はN響とのレコーディングや、2020年2〜3月に控えたヨーロッパツアーについて、じっくりと語っていただく。

── パーヴォさんの指揮するN響のCDのなかで、バルトークにとりわけ強い感銘を受けました。これまでに発売されたもののなかでは唯一、完全にロマン派から外れるものになりますよね。演奏そのものが似ているわけではないのですが、アーノンクールの指揮するヨーロッパ室内管弦楽団によるバルトークに近しいものを感じました。

私はアーノンクールの大ファンです。彼が指揮したブルックナーの交響曲は本当に革新的でしたし、独墺の音楽以外にもガーシュウィンのオペラ《ポーギーとベス》なども録音するなど、とにかく音楽に対する好奇心を人一倍もっている人物だったのです。

いまの時代、技術は完璧であっても何にも内容のない演奏が多いなか、私の知る限りアーノンクールの指揮する音楽は月並みであったことが一度もありませんでした。彼の音楽は必ずしも完璧なものではないかもしれませんが実に鮮やかで、何かを必ず語っていて説得力がある……私はN響ともそのような演奏を目指しました。

N響はどんなオーケストラよりも巧みに演奏しますが、バルトークでは、その上で出来る限りハンガリー的な精神をみんなで生み出そうとしたのです。自分でもこの録音を誇りに思っています。

── 今後も、20世紀の音楽を収録したCDのリリースが続くと伺いましたが、どのようなディスクを予定されているのでしょう?

まずは武満徹の作品集。そしてストラヴィンスキーが2枚。片方は《春の祭典》をメインとしており、もうひとつはニューヨークで振付家のバランシンとコラボレーションした作品を収めています。そしてメシアンの《トゥーランガリラ交響曲》ですね。どれも素晴らしいので、楽しみにしていてください。

── 武満については、定期演奏会などで取り上げた《弦楽のためのレクイエム》《ノスタルジア》《ハウ・スロー・ザ・ウインド》《遠い呼び声の彼方へ!》《ア・ウェイ・ア・ローン II》が収録されるそうですが、これらの曲目はどのように選ばれたのですか。

映画音楽も含めて色々なものを聴きましたが、武満の音楽は本当に幅広い。その中からどの作品を演奏すべきか実に悩みました。例えば、《ノヴェンバー・ステップス》のように日本の伝統楽器を使っているものもありますが、まだそうした楽器への理解が足りないので今回は取り上げませんでした。《ノスタルジア》や《遠い呼び声の彼方へ!》といったヴァイオリン協奏曲については、昔から仲の良い諏訪内晶子さんと一緒に演奏できたのが嬉しかった。最終的にはバラエティに富んだラインナップとなりました。

── N響の首席指揮者に就任された頃に、武満以外の作曲家を取り上げることも検討していると話されていましたが……?

細川俊夫さんや藤倉大さんをはじめ、素晴らしい日本人作曲家がたくさんいらっしゃることは承知しているのですが、2つの選択肢で悩みました。N響の首席指揮者を務める限られた期間のなかで、日本の現代作曲家をたくさん取り上げていくべきなのか、あるいはひとりの作曲家に集中すべきなのか? 後者ならばその作曲家の作品を掘り下げてCDを作ることで、記録として残せる。それは5〜6人の異なる作曲家を毎年1曲ずつやっていくより、インパクトが強いのではないかと考えたのです。



── ここからは、2020年に控えているヨーロッパツアーについてお話を聞かせてください。AからDまで、4つのプログラムが用意されていますが、そのすべてで演奏されるのが武満の《ハウ・スロー・ザ・ウインド》です。この曲を選ばれた理由は?

まずは日本の有名な作曲家による作品をひとつは入れるべきだと考え、他のプログラムとの相性も鑑みた上で決めました。先ほどお話ししたCDにも収録されるので、売れてほしいという気持ちもあります(笑)。

── 協奏曲についてはソル・ガベッタさんがシューマン《チェロ協奏曲》を、カティア・ブニアティシヴィリさんがベートーヴェン《ピアノ協奏曲第3番》を演奏されますが、これらの曲目は各々のソリストとの相談で決定されるのですよね?

そうなのですが、オーケストラのツアーなので主眼をおいているのはメインとなる交響曲の名曲──今回で言えば、ブルックナーの交響曲第7番とラフマニノフの交響曲第2番になります。また先ほどお話ししたように、日本の音楽がひとつもないというのもおかしな話です。そう考えていくと、協奏曲の長さともおのずと決まってきます。

もうひとつ、ツアー先のホールで、同じシーズンのなかで同じ曲を演奏してしまっている場合もあります。そういう指摘をされることもあるので、パズルのように考えながら決めていきました。

── ブルックナーの交響曲については、フランクフルト放送響(HR響)と全集録音が進行中ですね(いまだリリースされていないのは習作を除けば、8番のみ)。パーヴォさんからみて、フランクフルト放送響とのブルックナーと、N響とのブルックナーでは、どのような違いがあるのでしょうか。

もちろん、オーケストラの個性の違いが前提になるわけですが、N響はドイツ・ロマン派の音楽に一番共感を覚えるオーケストラだと私は考えています。これまでサヴァリッシュなどといった素晴らしいドイツの指揮者たちがN響を振っていたという歴史もありますし、楽団員たちもドイツ・ロマン派を演奏している時が最も楽なようです。

それだけでなく、私自身もフランクフルト放送響とブルックナーの第7番を録音した頃(13年前)からずいぶん経ちましたし、N響の首席指揮者に就任してから5年も歳を重ねています。だから、常にオーケストラとのコラボレーションというのは新しくなっていくのです。

── 日本のオーケストラが海外ツアーをする意義について、オケのレベルを(国際的な水準に)上げるため……という言われ方をした時期があったように思います。パーヴォさんが既に世界レベルだと評価されている現在のN響が海外にツアーに行く意義は、どこにあると考えていらっしゃるのですか?

学ぶというプロセスには決して終わりがありませんし、自分たちの慣れ親しんだ毎日のルーティーンとは異なる行動をするということも重要なのです。世界的な音楽の中心地であるウィーン、ロンドン、パリなどに行くと、自分たちの考え方が大きく変わり、若者のように「とにかく自分のベストを出さなければ!」というような気持ちに自然となるのです。

そして実際に、現地の聴衆の方々にN響を“発見”していただく絶好の機会ともなりますし、ウィーン、ロンドン、パリの評論家の方たちに評価されれば、オーケストラの楽団員にとっても自分たちのことを再確認するきっかけになっていきます。ですから、どの立場にとっても海外ツアーは良いこと尽くしなのです。

── だからこそ、毎年のように必要なのですね。

あともうひとつ、音楽大使という意味も大きいのです。この役割はとても重要で、日本からの音楽大使というと最近はJ-POPなのですよ。それが悪いとは言いませんが、日本のオーケストラが音楽大使として存在感をみせることも、日本の国にとって意味のあることではないでしょうか。

── 今回のツアーでは、パーヴォさんの母国であるエストニアにも行かれますよね。ツアーの最初に訪れるのは、意図したものなのですか。

そうです。非常に素晴らしい瞬間になると確信しています。N響と一緒に母国へ行く……これは大袈裟ではなく「私の夢が叶う」と言って過言ではありません。エストニアという国は本当に小さな国で、人口もたった150万人なので、東京よりもずっと小さいのです。そこに日本最高のオーケストラを連れて行けるというのは、本当に夢のようです。NHKの収録も入る予定になっていますので、歴史的な瞬間を放送でご覧いただけるかと思います。



── 放送という話があがりましたが、N響は日本の他のオケと異なり、頻繁に定期演奏会の模様が全国放送されていますよね。それにより、国内でも音楽大使の役割を担っているように思います。

凄いことですよ。ベルリン・フィルの「デジタル・コンサートホール」のように、多くの優れたオーケストラがウェブ上に自分のチャンネルを作ってしまう時代ですが、N響ほど定期的にコンサートがテレビで放映されるという例は、なかなかありませんから。味見程度のものではない、本格的なクラシック音楽を毎週お聴きいただけるというのは素晴らしいことで、私も非常に嬉しく思っています。

というのも先日、N響と地方ツアーに行ってきたばかりなのですが、その際に多くのお客様が「毎週テレビでN響の演奏を観ていますよ」とおっしゃってくださる。頻繁には東京へ来て定期公演をお聴きいただけないという方や、子どもたちがテレビを通してN響の演奏を観てくれているのも重要です。これは本当に、理想的な環境だと思っています。

── そろそろインタビューの残り時間も少なくなってきました。ここから、どのような音楽に力を入れていこうと考えていこうと考えているのでしょう。

まずはこれまで通り、ブルックナー、マーラー、R.シュトラウスを。そして日本ではまだ演奏機会の少ないニールセン、シベリウス、またエストニアの音楽などを取り上げたいと考えています。ひとつ何かに集中するというよりは、N響が得意とするドイツ・ロマン派と、新しい作品を混ぜていくという感じになります。

── 日本や近隣のアジア諸国では、60歳を「還暦」といって人生の節目と捉えることが多いんです。パーヴォさんもあと3年後に「還暦」を迎えられるわけですが、これまでの活動を振り返って、その内容やペースをそろそろ変えようと思われますか? それとも、これまで通りであり続けますか?

面白い質問ですね。特にこの数年というのは思っていた以上に、物事の変化が早くなっているように感じます。自分が今まで絶対だと思っていたものが揺らいだり、音楽的にも個人的な人生のあり方もこれまでの方向性を考え直したりしているところです。

具体的には、人に教えたいという思いが、自分が指揮をしたいという思いよりも高まってきています。これまで私が受けてきた恩をお返ししたいのです。だからこそ教育プログラムを色々と手掛けるようになりました。若い音楽家たちに必要な彼らを着火するためのエネルギーに貢献できればと思っています。

この1月にはパーヴォ・ヤルヴィ財団(http://paavojarvifoundation.org/)を設立しました。音楽教育に特化した団体で、若い音楽家をサポートし、教育することを目的としています。私には(父が指揮者でしたから)生まれた時から音楽がありましたが、多くの人々はそうとは限りません。エストニアでは、かなり大きくなってからTVのCMなどを通して「ああ、これがクラシック音楽か」と気付くような状況なのです。だからこそ幼稚園の段階での早期教育として、クラシック音楽を聴かせることで少しずつ変えていきたいのです。

── 今度は、指揮ではなく教育が活動の主になるということでしょうか?

いえ、指揮をやめるということはないので安心してください。指揮と並行して、この財団の仕事と夏のエストニアでのパルヌ音楽祭もやっていきます。今度は(今シーズンから音楽監督を務めている)チューリッヒのトーンハレでも、若手指揮者のためのアカデミーを始めることになっています。
60歳になったときに自分がどう考えるかはまだ分かりません。ただ今までのように世界中を旅して飛び回るという生活は、考え直すかもしれませんね。

── たくさんの率直なお話、ありがとうございました! これからも日本のみならず、世界中の音楽ファンを魅了してくださること、楽しみにしております。

(通訳:井上裕佳子/取材協力:NHK交響楽団)



Part1はこちら

profile
パーヴォ・ヤルヴィ / Paavo Järvi
2019年9月にNHK交響楽団首席指揮者として5シーズン目を迎えたパーヴォ・ヤルヴィは、これまで重点的に採り上げてきたドイツ・ロマン派や北欧、ロシアの作品に加えて、オール・ポーランド・プログラムなど意欲的な曲目にも取り組んでいる。その挑戦する姿勢は、発信力の強さと相まって、N響のみならず、日本のオーケストラ界全体にとって大きな刺激となっている。海外活動にも積極的で、2020年2月から3月にはN響と2度目となるヨーロッパ公演を行う。
エストニアのタリン生まれ。現地の音楽学校で学んだ後、アメリカのカーティス音楽院で研鑽を積み、バーンスタインにも師事。シンシナティ交響楽団、hr交響楽団、パリ管弦楽団などの要職を歴任。現在は、ドイツ・カンマーフィルハーモニー管弦楽団芸術監督、エストニア祝祭管弦楽団の芸術監督などを務める。2019/20年シーズンからはチューリヒ・トーンハレ管弦楽団の音楽監督兼首席指揮者に就任。ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団などの名門オーケストラにも客演し、現代を代表する指揮者のひとりとして、世界で活躍している。
http://www.paavojarvi.com/

Information

パーヴォ・ヤルヴィ(指揮) NHK交響楽団
2月定期公演

◎Aプログラム
2020.2/15(土)18:00、2/16(日)15:00 NHKホール
アブラハムセン:ホルン協奏曲、ブルックナー:交響曲第7番 ホ長調

◎Bプログラム
2020.2/5(水)、2/6(木)各日19:00 サントリーホール
プロコフィエフ:ヴァイオリン協奏曲第1番、ラフマニノフ:交響曲第2番

◎Cプログラム
2020.1/31(金)19:00、2/1(土)15:00 NHKホール
ショスタコーヴィチ:バレエ組曲第1番、チェロ協奏曲第2番、交響曲第5番

問:N響ガイド03-5793-8161
https://www.nhkso.or.jp/

Thursday, December 05, 2019

Messiaen - ALPHA CLASSICS 548

musicweb-international.com
Stephen Barber
December 2019


Olivier MESSIAEN (1908-1992)
Le Tombeau Resplendissant (1931) [10:42]
Les Offrandes Oubliées (1930) [9:48]
Un Sourire (1989) [10:35]
L’Ascension (1932/33) [27:17]
Tonhalle-Orchester Zürich/Paavo Järvi
rec. 2019, Tonhalle Maag, Zürich
ALPHA CLASSICS 548 [64:48]
It is good to see a new generation of interpreters taking up Messiaen’s music as, however good older versions are, listeners like to hear music played by their contemporaries, and the good old versions by Marius Constant, Pierre Boulez, Myung-Whun Chung and others are now well over twenty years old. This disc represents the first fruits of Paavo Järvi’s new appointment as Chief Conductor of the Tonhalle-Orchester and he has certainly established a good rapport with them.

Three of the four works here are early, in fact Messiaen’s first published orchestral compositions. First, we hear Le Tombeau resplendissant. The tomb in question is that of the composer’s youth, his mother having died, and his father having remarried and starting a new family, while the composer was himself about to get married to his first wife. It begins with some savage stabbing chords which move into a kind of fierce dance. There is then an interlude featuring swooning strings and some delicate woodwind writing. The fierce music returns and then there is a long melody in that ecstatic language which is so characteristic of Messiaen. Although an interesting piece, it is not one of Messiaen’s most successful, and it is not surprising that he discouraged its performance for many years.

It had been preceded by Les Offrandes Oubliées, which, in contrast, had been and is a distinct success. This is described as a méditation symphonique. It is in three sections, the first featuring a sinuous string line haloed with wind chords. There is then a vigorous rhythmic section, in which the bass drum is prominent. The final section is slow and ecstatic. It is hard to say how this work comes off in a way in which its successor Le Tombeau resplendissant does not, but hearing the two together only reinforces that judgement.

Un sourire comes from towards the end of Messiaen’s long career. He wrote it for the Mozart bicentenary, and he always expressed his admiration for Mozart, particularly for Don Giovanni and the piano concertos. He also wanted to express his respect for Mozart’s cheerfulness in adversity. He, of course, had had his own trials to put up with, including having been a prisoner of war and having to endure the slow decline of his first wife. It is in Messiaen’s mature idiom, with an emphasis on treble instruments and no use of the heavy brass. There is an alternation between a modal string theme and birdsong, using his favourite tuned percussion, and the mood anticipates the heavenly world of Eclairs sur l’au-delà, Messiaen’s last completed orchestral work.

Finally, we return to the early period and L’Ascension, the best-known work here. Although probably even better known in its organ version, this orchestral one actually came first and has a different third movement. The orchestral writing is even more assured than in the two earlier pieces, and the solemn chords of the first movement remain immensely impressive. The winding lines for the wind in the second movement make a very suitable contrast to this. The third movement in this orchestral version is generally considered the weakest, its fugato theme deployed in a dance seeming oddly academic compared to the rest of the work, though I must admit to enjoying it. The final movement is a slow, radiant, ecstatic piece for strings which is wholly characteristic and wholly successful.

Paavo Järvi has held a previous appointment with the Orchestre de Paris and so has had ample opportunity to perform Messiaen. I don’t know how much experience the Tonhalle Orchester has had with the composer, but they play here with a fine assurance: the complex chords are well balanced, the wind solos are eloquent, and the strings never lose their warmth. I am slightly surprised that Järvi chose to include Un Sourire in this programme rather than to record the Hymne au Saint Sacrement, to complete the tally of Messiaen’s early orchestral works. (The original score of the Hymne was lost during the war and Messiaen reconstructed it from memory in 1947, and the reconstructed score probably benefits from the greater mastery he had by then achieved). Still, in its own terms this is a satisfying programme. The recording has a nice bloom on it. Un Sourire is a studio recording and the others live performances, but there is no noticeable difference in quality and applause is not included. The booklet notes, in three languages, are helpful.

Although there are other recordings of all the works here, some of them are now generally available only in large comprehensive boxes. All, in all, this would be a good place for anyone exploring Messiaen to start. I hope we shall hear more Messiaen from Paavo Järvi.

Wednesday, December 04, 2019

Myths and misunderstandings: On Paavo Järvi’s relationship with the NHK Symphony

bachtrack.com
Alexander Hall
4.12.2019




Konnichiwa. There’s no holding back from Paavo Järvi, who’s at pains to dispel some of the misconceptions about Japanese musicians: “We need to examine our own prejudices,” he says. As Chief Conductor of the NHK Symphony Orchestra since 2015, and with conducting experience in Japan for well over twenty years, he should know. In a wide-ranging conversation I had with him in London, he points to the high-profile individuals who are concertmasters in places like Berlin, with the Philharmoniker as well as at the Staatsoper, or at the Tonhalle in Zürich where he is now also in charge. So, he continues ironically, they might just be good enough for a few such appointments in European orchestras – the eyebrow is raised to hint at lazy and misinformed thinking in some quarters – but a whole sea of Japanese faces altogether in an orchestra that is aiming for the highest international standards? How could that possibly work?

The short answer is that it does. Very often, and this is especially true of the younger players, their first teachers in Japan have already accumulated musical insights all over the world, and they themselves have studied in centres of European tradition in Germany, Russia, France, Italy and the UK, as well as attending numerous masterclasses. The technical quality is there, no question. But then comes the next instance of prejudice: “Ah, but they play without understanding”.

Järvi is determined to shoot down that myth about his orchestra. It is precisely because the NHK reveres everything old and German that it has built up such a fine tradition in its core repertory. Amongst the regular visitors during the second half of the 20th century were not only Herbert von Karajan but Otmar Suitner and Horst Stein, who both embodied all the qualities of the reliable and dependable Kapellmeister. They knew how to rehearse painstakingly, had amassed invaluable experience of breathing with singers in opera houses and had a clear idea of the sound they wanted to create that was appropriate in the big Romantic works. On return visits they would then go back to the same pieces over and over again. Järvi singles out Wolfgang Sawallisch – who spent almost 40 years as the NHK’s conductor – as being especially formative in developing an understanding of the works of Richard Strauss. And the sound of this orchestra, Maestro Järvi, what exactly is that? “Dark, very legato, very tenuto, very sostenuto.” He even uses the word “glutinous” to describe the degree of expressiveness, at some remove from the generally light and fast playing he finds elsewhere.

Self-evidently the NHK has a huge advantage by being a radio symphony orchestra. It is mainly funded by the Japanese public, it pays its musicians more than any other Japanese orchestra, who in turn enjoy the kind of job security normally accorded only to public service employees. This kind of stability is one factor in understanding why the NHK is not only Asia’s top orchestra but is undeniably, according to Järvi, part of the international front-rank. This will come as no surprise to anybody who heard the stunning performances of Mahler Sixth which it gave on its previous European tour in 2017. But there’s something else which helps to explain the success. It is, as he says, “an amazingly disciplined ensemble”. This is in part a reflection of Japanese society as a whole, where “organisation has been transformed into an art”, putting ideas of German super-efficiency very much into the shade. Everybody in the orchestra automatically buys into the concepts of clarity, mutual respect and vertical togetherness. It is always obvious, for example, in rare cases of disputes, who to go to and which procedures need to be followed. Like so many other ensembles, NHK now has its own orchestral academy.

With such a solid core of tradition behind it, did Järvi feel he had to make any changes when he took over? Here he seizes another chance to debunk western notions about Japanese society. Admittedly, the international face of Japan is that of a highly technological state, but that is only part of the picture. There are huge swathes of the country which have no public wifi access; the country rarely turns outwards and instead expects others to come to it. He was quite shocked on his arrival to learn that the orchestra had no Facebook, Twitter or Instagram accounts. That has now all changed, with a lively presence on social media helping to raise the international profile of the orchestra as well as providing a domestic forum for reactions to whatever the orchestra happens to be doing. The regular TV and radio broadcast of concerts is already offering a high degree of visibility. What astonishes though is the fact that every single concert is also being filmed in ultra-high definition, to a standard not yet commercially available and well in excess of what is available on Blu-ray. This is just one example of the way in which Japan is continuing to keep abreast of technological developments.

Paavo Järvi and the NHK Symphony Orchestra
© Belinda Lawley


Ahead of next year’s European tour, I asked about the repertory the NHK will be bringing with it. This includes Bruckner's Seventh. Another opportunity to dispel myths: the idea that a crack Japanese orchestra couldn’t possibly have anything interesting to say about such a cornerstone of the Austro-German repertory. If that were indeed the case, “Why would you even entertain the idea of a top American orchestra going to play Debussy in Paris? Or a non-Russian orchestra attempting Tchaikovsky?” The conversation turns to a work of Takemitsu which is Järvi’s personal favourite and is part of the tour programme, How slow the wind. “It is,” he says, “very atmospheric and full of beautiful colours in the orchestration. What I like about it is a certain orientalism, the kind of music which instantly leads you to think it could be Japanese. Takemitsu gives you a motive which never ends: you never achieve closure.” Given that he has a forthcoming CD devoted entirely to Takemitsu’s works, including Nostalghia and the Violin Concerto, wouldn’t it be possible to programme the first half exclusively with Japanese compositions? But here the commercial pressures of western concert promoters intervene to forestall such ambitions. Audiences expect the standard works and they also expect to see internationally recognised soloists playing the standard concertos.

To some extent there is a similar built-in conservatism to the requirements of programming back home, even though there is a large subscription base which is often handed down from one generation to the next. “If you put on anything by Brahms, Bruckner, Strauss or Mahler, the concert is guaranteed to sell out.” That said, Järvi has been keen to extend the musical diet and broaden the NHK repertoire. He has already done symphonies by Sibelius and Nielsen as well as Messiaen’s Turangalîla and has pushed on in his exploration of Russian music. Though here, he admits, he comes up against problems in playing which are almost universal and not specific to the NHK. Players these days aim for a beautiful sound, yet in Shostakovich the piccolo must sound like “a bad military whistle” and the xylophone has less in common with an imagined marimba concerto by Bach and more with the idea of hitting somebody over the head with a hard stick. He adds tellingly: “Everything is in the score and yet nothing is in the score.”

I ask about Järvi’s particular relationship with his players. Like most artistic partnerships it is constantly evolving. He aims at encouraging even greater freedom of expression, of “letting your imagination go”, as he says, the kind of music-making that informs the best qualities of chamber music. When it comes to the important flute solo in Ravel’s Daphnis et Chloë, he would always say: “Don’t ask me how to play it. I’m here to enable you to play it the way you want to play it.” In that sense he sees himself as a facilitator, though he also insists that every orchestra needs a conductor. Why is this? Because musicians today are expected to be familiar with such a wide range of repertoire, it is impossible to have an ideal depth of understanding and overview within individual pieces. He cites the almost nonchalant view amongst orchestras elsewhere. “Brahms First? Oh yes, we know Brahms First.” But there’s a huge difference between “knowing” Brahms First and really knowing it. He recalls a run of ten performances of Don Giovanni he recently did at La Scala, where all the musicians in the pit knew every word of the spoken recitative. “If you play twenty Brahms First’s every year for 50 years, then you know it!”

What stands out for Järvi though is the question of trust. He has little time for journalistic notions of the magic created by conductors. It is all about a real musical and human connection with the players. If his musicians can see absolute reliability from him on the podium, they will follow instinctively. In turn, he is unstinting in his praise for an orchestra that is always thoroughly prepared and totally attentive during rehearsals. “If that’s professionalism,” he says, “nobody can beat them.” Arigatou gozaimasu, Maestro Järvi!

Click here to see all upcoming concerts of the NHK Symphony Orchestra.

Paavo Järvi med Messiaen

aftenbladet.no
Arnfinn Bø-Rygg
4.12.2019



Messiaen: Le tombeau resplendissant; Les offrandes oubliées, Méditation symphonique; Un sourire; L’ascension, quatre méditations symphoniques. Tonhalle-Orchester Zürich, dir.: Paavo Järvi. Utgitt på Alpha-classics.

Den estetiske dirigenten Paavo Järvi, sønn av Neeme Järvi, er nylig blitt sjefdirigent for Tonhalle-Orchester i Zürich. Man venter seg, ikke uten grunn, store ting av ham. Åpningskonserten hans i Tonhalle siste dag i oktober fikk strålende kritikker. Man venter ikke minst at han skal gjøre Nordens musikk mer kjent for sveitserne.

Men Järvi har også sans for fransk musikk, i særdeleshet Dutilleux og Messiaen. Slik er da også hans første innspilling med Tonhalle-orkesteret viet Messiaen. Ikke den Messiaen vi kjenner fra etterkrigstiden, men verk fra 1930-33, dvs. skrevet da han var ca. 22 til 24 år! Merkelig nok er det, iallfall for mitt øre, ikke så stor forskjell mellom disse verkene og de senere. Det første verket, «Den lysende graven», har det karakteristiske Messiaen’ske skinn over seg (spor 1). Skinnende eller rislende klanger er det også «Offerseremoniene» med satsene Korset, Synden, Nadverden (spor 2). Som et underlag her og i de andre verkene hører vi gregoriansk sang.

Et unntak fra de katolsk-inspirerte meditasjonene er «Un sourire» (Et smil), spor 3. Dette er skrevet i 1989, til Mozart som Messiaen elsket. Men hadde vi ikke hatt Messiaens egne kommentarer til dette verket, ville det vært vanskelig å forbinde det med Mozart.

Saturday, November 30, 2019

Friday, November 29, 2019

Scherzo

scherzo.es
Pablo L. Rodriguez
29.11.2019




Hay directores de una orquesta, otros son capaces de compaginar dos, pero muy pocos mantienen hasta tres relaciones sinfónicas estables a la vez. El director estonio-norteamericano Paavo Järvi (Tallin, 1962) lleva desde los años 90 enlazando titularidades con éxito. Empezó en Suecia con la Sinfónica de Malmoe y acaba de asumir la titularidad de la Tonhalle de Zúrich. Entre medias ha pasado por la Sinfónica de Cincinnati, la Radio de Fráncfort y la Orquesta de París. Y en la actualidad compagina la Tonhalle con la dirección artística de la Deutsche Kammerphilharmonie de Bremen y la titularidad de la NHK de Tokio. Pero Järvi también forma parte de una estirpe de directores que encabeza su padre, Neeme Järvi, y mantiene viva su hermano menor Krystian Järvi. De su progenitor también ha heredado una fascinación por hacer y coleccionar grabaciones. Scherzo conversó con Paavo Järvi durante el pasado Festival de Pärnu (Estonia) acerca de sus experiencias y pasiones orquestales y fonográficas.

Usted suele compatibilizar hasta tres titularidades de orquestas diferentes a la vez. ¿Cómo lo hace?

Quizá sea demasiado. Pero la verdadera motivación para mí no es mantener tres orquestas, sino obtener de cada una de ellas el mejor resultado. Como director invitado a veces no es posible. Y como titular puedes ser más exigente con los músicos. También te permite tener objetivos más a largo plazo y proyectos. Es una relación completamente diferente. De todas formas, le diré que llevo más de veinte años dirigiendo la Kammerphilharmonie, en los cuales hemos crecido juntos y hemos tenido nuestra propia forma de hacer música. Pero nuestro repertorio está limitado al Clasicismo y al primer Romanticismo. Por tanto, necesito otra orquesta para poder hacer Bruckner o Mahler. Cada orquesta te aporta un perfil y un repertorio diferente.

Por ejemplo, ¿qué le ha aportado la Orquesta de París, la cual dirigió como titular hasta 2016?

Para mí, hay orquestas alemanas que tocan bien, pero adolecen de falta de personalidad. En cambio, las orquestas francesas, como la de París, tocan con mucha personalidad, aunque no siempre lo hagan bien. Necesitan cierta exigencia. Eso sí, cuando responden pueden surgir conciertos mágicos. Pero ciertamente sin esta orquesta yo no habría aprendido tanto acerca de la música francesa. Y no sólo acerca de la música francesa, sino incluso también del repertorio romántico.

¿Y de Sibelius? Usted ha grabado con ellos en RCA/Sony Classical el primer ciclo sinfónico del compositor finlandés de una orquesta francesa.

Efectivamente. Ellos lo aceptaron por primera vez en Francia donde, como sabe, Sibelius es un compositor que nunca ha tenido muy buena prensa. Recuerdo que después de mi concierto de despedida como titular, en junio de 2016 con la Tercera de Mahler, tuvimos una fiesta con toda la orquesta y ellos me dieron las gracias por todo, pero especialmente por aportarles las sinfonías de Sibelius. Creo que soy una persona más rica cultural y musicalmente tras mi experiencia al frente de la Orquesta de París. Y lo mismo puedo decir ahora en Tokio con la NHK. (…)

(Foto: Kaupo Kikkas)

(Comienzo de la entrevista publicada en el nº 357 de Scherzo, de diciembre de 2019)

MESSIAEN LAscension, Le Tombeau resplendissant (Järvi)

gramophone.co.uk
Peter Quantrill
November 2019

MESSIAEN LAscension, Le Tombeau resplendissant (Järvi)

MESSIAEN LAscension, Le Tombeau resplendissant (Järvi)

(Le) Tombeau resplendissant
(Les) Offrandes oubliées
(Un) sourire
(L') Ascension

The received wisdom is that Messiaen grew up at the keyboard, so to speak, but according to his teacher Marcel Dupré he never so much as set eyes on an organ console until the age of 18. Having won a first prize in composition at the Paris Conservatoire in 1930, he completed four major orchestral scores in four years. Paavo Järvi and Alpha have missed a trick by leaving out the third of them, the Hymne au Saint-Sacrament (1932), and replacing it with the composer’s late tribute to Mozart, Un sourire (1989), in a scrupulous studio account that in no way supersedes previous recordings directed by Jun Märkl (Naxos, 9/12) and Myung-Whun Chung (DG, 8/95).

Rather, it is the live performances of the prentice works that merit further attention. This is the first recording to do full justice to Le tombeau resplendissant, more accurately played than Chung, more imaginatively voiced than Märkl. The piece emerges not as an inferior sequel to Les offrandes oubliées but as a powerful and deeply personal symphonic poem in its own right, precociously establishing Messiaen’s orchestral voice for all the evident debts to Franck in form, Scriabin in harmony and Berlioz in orchestration – hardly negligible models to follow. It becomes understandable why the deeply private and secretive composer should have discouraged performances, having bared his soul and given vent to his anger over the death of his mother in both the work’s first and third sections and a written preface, helpfully printed in the booklet: ‘My youth is dead: it was I who killed it. Rage, where are you leading me?’ There’s nothing quite like it in the rest of Messiaen’s output.

Dukas taught him composition, and the influence of L’apprenti sorcier is writ large over the screeching violins and irresistible accelerando in the central panel of Les offrandes oubliées, where a similar expression of grief is subsumed in a crucifixion scene. Here and in the closing, serene depiction of celestial rapture there is a silky assurance that bodes promisingly for the relationship between the Zurich orchestra and their new director, as well as the new recording studio built in the basement of the Tonhalle.

L’Ascension is more subject to the vagaries of live recording – some questionable brass intonation in the opening movement, tangled textures in the Debussian tracery of the ‘Alléluias sereins’ – but again Järvi has the full measure of the piece. He sustains momentum and tension through some tricky, slow metronome marks and draws a sumptuously appointed weight of sound from the Tonhalle strings in the ecstatic ‘Prière du Christ montant a son Père’ while steering clear of both Stokowski’s showmanship and Chung’s ponderous solemnity. ‘One of my favourite works’, says Järvi in an enlightening booklet interview, and you can tell.

https://www.gramophone.co.uk/review/messiaen-lascension-le-tombeau-resplendissant-j%C3%A4rvi

Bloß kein Allzweckklang

rondomagazin.de
Regine Müller
RONDO Ausgabe 6 / 2019



Der Dirigent tritt sein Amt als Chef des Tonhalle- Orchesters in Zürich an, mit einem nordisch gestimmten Programm.

Bei Antrittskonzerten neuer Chefdirigenten geht es meist groß, feierlich und repräsentativ zu. Kirill Petrenko etwa setzte neulich demonstrativ Beethovens „Neunte“ aufs Programm seines ersten Konzerts als Chef der Berliner Philharmoniker. In der Züricher Tonhalle Maag aber flirren zu Paavo Järvis Einstand zarte, minimalistische und sehr intime Klänge durch den Saal. Der estnische Komponist Arvo Pärt hat sein kurzes Werk von 1976 mit dem ironischen Titel „Wenn Bach Bienen gezüchtet hätte …“ eigens für das Züricher Konzert neu überarbeitet und sitzt selbst im Saal.
Das Konzert hat keine Pause, auf Pärt folgt „Kullervo“ von Jean Sibelius für Singstimmen, Männerchor und Orchester. Beide Werke findet man äußerst selten auf den Spielplänen. Järvi will sich mit diesem mutigen Programm klar positionieren: „Bis zu einem gewissen Grad war es ein Statement, denn es war Musik aus der Region, aus der ich komme. Es gab mir auch die Möglichkeit, dem Publikum Arvo Pärt vorzustellen, sogar persönlich. Und es war für mich auch eine Möglichkeit, einen starken Akzent auf den Norden zu setzen. Aber das heißt nicht, dass jetzt jedes Programm so sein wird. Es wird eine große Vielfalt geben. Grundsätzlich ist das der Schlüssel.“
Das Tonhalle-Orchester Zürich kannte Järvi bereits von einer ausgedehnten China- Tour und einem Konzert in Zürich. „Der Streicherklang dieses Orchesters hat dieses deutsche Legato, diese Art von ‚Sostenuto’-Tradition, die heutzutage zunehmend eine Kunst ist, die zu verschwinden droht. Im Grunde ist es ja so, dass inzwischen die Qualität, die heute in der ganzen Welt am höchsten geschätzt wird, Effizienz ist. Alles muss so schnell wie möglich zusammenkommen und mehr oder weniger gut klingen. Das aber war für mich noch nie attraktiv. Ich will keinen Allzweck-Klang produzieren. Dieses Orchester hat immer noch einen Alte- Welt-Klang, diesen tiefen, reichen Streicher- Klang und die Art, eben sostenuto zu spielen. Das ist für mich unglaublich wichtig.“
Paavo Järvi ist ein Dirigent, der auf dem Podium nicht herumwirbelt, sondern eher nüchtern wirkt und mit kompakten Gesten kommuniziert. Das Verständnis zwischen ihm und dem Orchester scheint jetzt schon nahezu perfekt zu sein. „Sie spielen zusammen, aber zusammen in einem tieferen Sinn, nicht nur so zusagen vertikal. In einem inneren Sinn. Und das ist etwas, das wirklich eine Rarität ist.“
Der Traumkandidat

Ilona Schmiel ist seit fünf Jahren Intendantin der Züricher Tonhalle. Mit ihr begann damals – als Nachfolger des langjährigen Chefdirigenten David Zinman – der erst 26-jährige Franzose Lionel Bringuier, der aber glücklos waltete und nach nur vier Jahren Zürich wieder verließ. Und dann zauberte Schmiel Paavo Järvi aus dem Hut. Järvi war schon immer Schmiels Traumkandidat: „Ich glaube, dass Höchstleistung auf der Bühne dann entsteht, wenn es genauso auch eine Höchstleistung im Management- Team gibt. Und auf der Leitungsebene muss es ein Teamwork sein. Es ist ja ein ständiger Dialog. Und da stimmt einfach die Chemie, wir ticken beide gleich.“
Die Züricher Musikliebhaber gelten allgemein als eher konservatives Publikum. Paavo Järvi sieht darin eine Herausforderung. „Ja, bis zu einem gewissen Grad ist es ein konservatives Publikum. Aber auch ein forderndes. Das heißt, sie wissen, was sie hören wollen. Und einer der Gründe, warum ich mit so einem ziemlich ungewöhnlichen Programm gestartet bin, war, sie sanft zu öffnen für Dinge, die sie gerne hören könnten, das aber noch nicht wissen.“ Paavo Järvi hat keine Angst vor Experimenten und will natürlich auch jüngeres Publikum in die Konzerte ziehen. Aber nicht um jeden Preis. „Das alles hängt ab von der Energie und Spannung, die auf der Bühne passiert. Ich gehöre nicht zu den großen Jüngern dieses oberflächlichen: Lass uns etwas Lustiges machen, dann kommen die jungen Leute. Wir können es auch nicht jedem recht machen. Aber ich denke, wenn hier wirklich etwas Spannendes passiert, sind wir attraktiv. Nicht unbedingt nur für jüngere Leute, sondern für neues Publikum! Es gibt auch viele Leute im mittleren Alter, die noch nicht kommen. Also, das Ziel sollte sein, neue Leute zu erreichen.“
Paavo Järvi hat mit der Bremer Kammerphilharmonie wegweisende Aufnahmen vorgelegt, in denen er Erkenntnisse der historischen Aufführungspraxis auf moderne Instrumente übertrug. Diese Auffassung hat auch beim Tonhalle- Orchester Zürich Tradition, was Ilona Schmiel darin bestärkte, unbedingt Paavo Järvi nach Zürich zu holen: „Dieses Orchester ist tatsächlich geprägt durch die lange Chefdirigentenzeit mit David Zinman, der den Beethoven- Klang entschlackt hat. Eine Lesart, die mit historisch informierter Aufführungspraxis auf modernem Instrumentarium für Furore sorgte. Ich kenne Paavo Järvi aus der Bremer-Kammerphilharmonie- Zeit, wo er einen ähnlichen Ansatz verfolgt und habe ihn als Intendantin des Bonner Beethovenfests immer wieder eingeladen. Ich bin mir sicher, dass diese Lesart, die er für Kammerorchester entwickelt hat, jetzt auf das große Orchester übertragbar ist.“
Neu erschienen:


Olivier Messiaen
„L’Ascension“ für Orchester, „Le tombeau resplendissant“, „Les offrandes oubliées“, „Un sourire“
Paavo Järvi, Tonhalle-Orchester Zürich

Alpha/Note 1



Rhythmus im Blut

Paavo Järvi zählt derzeit zu den begehrtesten Pult-Stars seiner Generation. Einer estnischen Musiker-Dynastie entstammend – Vater Neeme und Bruder Cristian sind ebenfalls Dirigenten – studierte er Schlagzeug und Dirigieren und spielte zwischendurch auch in einer Rockband. Die Familie verließ früh die damalige Sowjetunion und siedelte über in die USA. Nach ersten Stationen in Stockholm und Cincinnati übernahm Järvi 2004 die Leitung der Kammerphilharmonie Bremen, die er bis heute innehat; er war Chefdirigent des hr Sinfonieorchesters und des Orchestre de Paris. Ebenfalls noch heute ist er Chef des NHK Sinfonieorchesters Tokio und seit Oktober nun auch des Tonhalle-Orchesters Zürich.

https://www.rondomagazin.de/artikel.php?artikel_id=2789



Wednesday, November 27, 2019

Es ist nie genug

zeit.de
Hannah Schmidt
27.11.2019

Der estnische Dirigent Paavo Järvi startet fulminant in seine erste Saison beim Tonhalle-Orchester in Zürich.


Der Klangverwandler: Paavo Järvi, 56, entstammt einer Dirigenten-Dynastie, wuchs in den USA auf und dirigiert heute in der ganzen Welt. © Sander Ilvest/​imago images

Sunday, November 17, 2019

簡秀枝/天籟之音 夜台北好浪漫

tw.news.yahoo.com
17.11.2019



簡秀枝/天籟之音 夜台北好浪漫更多


天團名指揮來了,11月14日晚上台北好浪漫。

前副總統蕭萬長、半導體教父張忠謀、故宮前後任院長林曼麗、吳密察、前教廷大使王豫元、前文建會主委黃碧端、醫界大老林郁芳、陳啓明、荷蘭駐台代表紀維德⋯等社會賢達名流,統統入座,共譜溫馨。

原來今年已經131歲的世界樂團之首阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團(Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam,RCO),在愛沙尼亞裔美國指揮帕佛・賈維(Paavo Järvi,1962-)率領下,以抒情甜蜜的貝多芬《降B大調第四號交響曲,作品60》以及悲劇對抗氛圍濃厚的蕭士塔科維契《e小調第十號交響曲》,共震出心靈深處的無限共鳴,再加上兩首悅耳安可曲西貝流士《憂傷圓舞曲》以及柴可夫斯基《胡桃鉗》,留下餘音繞樑的不眠之夜。

成立於1888年,荷蘭阿姆斯特丹皇家大會堂管絃樂團,為歐洲最古老的三大管弦樂團之一。歷任首席指揮任期都長,這個特殊性,使音樂理念得以貫之,世代傳承。而嚴謹細膩所打造出絃樂獨有的絲絨音色,精煉技巧與高度整合下的藝術性,詮釋近代作品,猶為翹楚,成為傲視德奧名團、成為荷蘭百年榮耀之聲。

一襲合身剪裁的黑色中山裝式禮服,帶著深邃犀利藍眼睛,光頭的帕佛・賈維,沈穩霸氣,他背譜指揮《貝四》。作曲兼鋼琴家舒曼曾形容《貝四》是夾在兩個北歐巨人中間的苗栗條希臘少女;活潑、機敏、輕快自不在話下,寧靜、祥和、天籟般的氣息,有如交響曲中的至善之作。該樂團絃樂柔美外,木管、單簧管⋯等樂手都見功力,展現出雕琢之餘的豐富度與層次感,令人神往。

1953年蘇聯領導人史達林過世,被他横加迫害的蕭斯塔科維契創作了《蕭十》。這是壓抑情緒的總結,全曲悲劇氣氛濃厚外,透過樂器展露的對抗、碰撞,幽幽訴說著不人性的過往,史達林之死,狂魔倒下,是否意味苦難結束,蕭斯塔科維契還是在憤怒、怪誕、吶喊之餘,選擇保留態度。在66年後的今天,環視周遭,紛亂仍在,彷彿把「抗暴」的使命,留給後人,聲聲呼喚,代代相許。

帕佛・賈維在記者會上一再強調,音樂是靈魂最好的糧食,撫慰人心,更連結人群。感謝名指揮與天團,滌盡塵俗,還夜台北,一記浪漫與澄澈。



作者為典藏雜誌社社長

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●專欄文章,不代表i-Media 愛傳媒立場。

Thursday, November 14, 2019

Messiaen CD review - musicweb-international.com

musicweb-international.com
Michael Cookson
14.11.2019






Olivier MESSIAEN (1908-1992)
Le Tombeau resplendissant (1931) [16.42]
Les Offrandes oubliées, méditation symphonique (1930) [9.48]
Un sourire (1989) [10.35]
L'Ascension - Quatre meditations symphoniques: (1932/33) [27:17]
Tonhalle-Orchester Zürich / Paavo Järvi
rec. live, January, April 2019; studio, January 2019 (Un sourire), Tonhalle, Zurich
ALPHA CLASSICS 548 [64.48]

This release of Messiaen’s early and late orchestral works was something of a revelation to me. As a long-time, regular concert-goer, I find that when a Messiaen orchestral work is played it is almost inevitably the Turangalîla-Symphonie. Here, the listener is treated to a programme of three early works which deserve to be better known, inlcuding L'Ascension, in four movements, and a single work from the final years of his life. There is no ondes Martenot, certainly an acquired taste for some.

The earliest work, Les Offrandes oubliées, méditation symphonique (The Forgotten Offerings - Symphonic Meditation) is a symphonic poem from 1930 which was premièred the following year in Paris. Taking inspiration from his devout Roman Catholic faith, an approach which was to become so typical of him, the composer designed the work in three panels in the manner of an ‘Altar triptych: Cross - Sin - The Eucharist’, titles the composer used when describing it. The booklet essay notes describe these sections as ‘Contemplation, Descent and Ecstasy’; Messiaen wrote a poetic text to accompany the score. Järvi imbues the ‘Cross’ with a longing character but it is not without warmth; the turbulent ‘Sin’ spits out angst menacingly and ‘The Eucharist’ conveys an intense, contemplative quality, airless with a sense of floating.

My highlight of the release is Le Tombeau resplendissant, such a glorious work with four distinct sections (fast-slow-fast-slow). Written in 1931, Le Tombeau resplendissant was premièred in 1933; Messiaen then withdrew the work, which received its next performance as late as 1984 and was published after his death. Described by the composer as an epitaph, this is undoubtably a work of mourning divided into four main panels conforming to the stanzas of the poetic text which include words of consolation from the ‘Sermon on the Mount’ from St. Matthew’s Gospel. Biographer Stephen Schloesser described the work as, ‘filled with both rage and beatitude.’ Järvi, in the first and third sections, relentlessly drives the music forward, ensuring a passionately stormy character while emphasizing the fluctuating rhythms. In between the contrasting second and fourth sections with conspicuous flute parts, Järvi communicates a sense of calm, but it is uncomfortable with an undertow of foreboding. Nevertheless, one senses that all hope is not lost and consolation is possible.

Described by the composer as four meditations for orchestra, L'Ascension - Quatre meditations symphoniques was written in 1932/33 and premièred in 1935. The notes mention that L’Ascension is more usually encountered in its version for organ which Messiaen completed later with a new third movement. Once again, Messiaen has provided a short prayer to accompany each meditation. Scored for winds and taken at a measured pace in the first movement, Majesté du Christ demandant sa gloire à son Père (Majesty of Christ asking glory from his Father) contains continually rising motifs which seem to reach up to heaven. Noticeable in the second Alléluias sereins d’une âme qui désire le ciel (Serene alleluias of a soul desiring Heaven) are the ‘Alleluias’ in the title, used as ‘chanted songs of jubilation’ according to the notes. To me, Järvi provides an evocation nature by way of a nocturnal forest scene with dawn breaking. Trumpet fanfares open the third Alléluia sur la trompette, alléluia sur la cymbale (Alleluia on the trumpet, alleluia on the cymbal). The score reminds me strongly of Debussy and Ravel; the dance-like quality that Järvi produces is uplifting and the six weighty climaxes are impressive, too. In the fourth section, Prière du Christ montant vers son Père (Christ’s prayer ascending to his Father), written for strings only, he creates a slowly moving, atmospheric cloud of orchestral writing.

The only late work on the album is Un sourire (A Smile) which Messiaen wrote in 1991 to mark the bicentenary of Mozart’s death, when it received its première. Very different in character from his other works, it is a tender homage to Mozart combined with the composer’s love of birdsong. Said by musicologist Christopher Dingle to display ‘the almost Classical restraint that characterizes Éclairs’ the work contains two dissimilar soundworlds. Messiaen contrasts tranquil, lyrical strings and winds consecutively with sounds that evoke birdsong, featuring a prominent xylophone. Under Järvi, the four similar sections are highly focused, evoking a sense of being becalmed on water and they are divided by shorter passages of vividly played birdsong containing conspicuous xylophone contributions.

All four works were recorded in the Tonhalle; Un sourire was made under studio conditions and the other three are live. The engineering team has excelled in providing clarity, presence and balance. There is little extraneous noise in the live recordings and any applause has been taken out. Entitled ‘Orchestral Credentials - and a Mozartian Smile’ the booklet essay written by Inga Mai Groote is first class, providing all the essential information. There is also the text of a short interview between Paavo Järvi and Ulrike Thiele about the music of Messiaen. I am also delighted that the text for each of Messiaen’s three poetic texts/prayers is provided.

The Tonhalle-Orchester Zürich is finest form, providing focused playing of remarkable clarity of texture and expressive phrasing. Overall, Järvi’s requirement for accuracy and attention to detail has commendable integrity, essential in this music. This is a highly recommendable album, certainly one of the most satisfying that I have heard so far this year.

http://www.musicweb-international.com/classrev/2019/Nov/Messiaen_ascension_548.html