Monday, April 27, 2020

Paavo Järvi ja Eesti Festivaliorkester ilmutasid plaadi Erkki-Sven Tüüri loomingust

ERR Kultuuriportaal
Priit Kuusk
27.04.2020


Eesti Festivaliorkester Jaapanis Autor/allikas: Kaupo Kikkas


Märtsi keskpaigaks valmis ja tuli rahvusvahelisele plaaditurule Eesti Festivaliorkestri ja selle kunstilise juhi Paavo Järvi teine ühistöö, CD "Mythos", millel on ainult Erkki-Sven Tüüri muusika. Album on saanud ootamatult sooja vastuvõtu osaliseks.

Album kannab nime "Mythos", sest selle keskne teos on Tüüri poolt Eesti Vabariigi 100. aastapäevaks loodud ning Paavo Järvile pühendatud Sümfoonia nr 9 alapealkirjaga "Mythos" (2018). Plaadil kõlavad veel "Külva tuult" ("Sow the Wind"), kirjutatud Orchestre de Paris'le 2015 ning "Tormiloits" ("Incantation of Tempest" (pühendatud Veljo Tormisele, 2015).
Plaadile plaanis Paavo Järvi mitte stuudio-, vaid live kontserdivõtted, et muusika kui sündmus kõlaks ehedamalt, publiku ees. Sümfooniast on plaadil salvestus teose maailma esiettekandelt Tallinnas 2018, teised kaks oopust üles võetud vastavalt 2016. ("Tormiloits") ja 2019. aastal Eesti Festivaliorkestri avalikelt kontsertidelt Pärnu muusikafestivalil. Salvestuste kogupikkus on 60 minutit, heliinsenerideks Siim Mäesalu ja Tanel Klesment.

Plaadi andis välja Pariisis resideeeriv firma Alpha Classics ning Paavo Järvi ja orkester on sellega tagasiulatuvalt tähistanud ka Erkki-Sven Tüüri läinud oktoobris möödunud 60. sünnipäeva. Siiani oli Järvi juhatusel ilmunud teiste orkestritega juba kolm Tüüri autoriplaati, see on siis tolles reas neljas. CD-plaadi bukletis meenutab helilooja, et Paavo Järvi hakkas tema muusikat juhatama juba 1990ndate algul, mil Eesti sai taasvabaks ning dirigent Järvi ja helilooja Tüür said jälle ühiseid loomingulisi plaane ellu viima hakata, Paavo tuli välja oma ideede ja algatustega ning sai Tüürilt mitmeid teoseid tellida, korraldada ja dirigeerida nende esmaettekandeid ja järgmisi esitusi.

Pole liialdus öelda, et nad mõlemad on professionaalses mõttes aina täiustunud just teineteist vastastikku innustades. Muusikaloos on niisuguseid toredaid näiteid olnud veel, aga Tüüri ja Järvi lugu kestab, jätkub – väike ühine märgike on ka see, et Paavo on Tüürist vaid kolm aastat noorem...
Värske Eesti albumi ilmumise ja tutvustamise puhuks olid Zürichi Tonkünstler-orkestri (ZTO) hooajaplaanis märtsikuul uue kunstilise juhi Paavo Järvi kontserdid Tüüri teostega kavades, sest Erkki-Sven Tüür on kutsutud heliloojana sel hooajal ZTO loominguliseks juhiks. Paraku jäid kontserdid ära viiruseohu tõttu. Samaviisi on kahju, et 24. märtsil olnuks Sümfoonia nr 9 esiettekanne Ühendkuningriigis, kui Olari Elts pidi seda dirigeerima BBC Sümfoooniaorkestri ees Londonis. Ometi on sündinud suur huvi uue CD-plaadi vastu, mida võib hinnata lausa erakordseks(!). Eesti orkester, Eesti dirigent ja Eesti helilooja tegid muusikailma tippu taas läbimurde, mis hoolimata piirangutest ka muusikaelus väärib suurt tähelepanu.

Uue autoriplaadi andis välja Prantsuse firma, ning kõrge hinde sellele on andnud kõigepealt nende juhtiv plaadiajakiri Diapason. Nimetatud ajakirjalt vääris Eesti plaat aprillikuu kõrgeima hinnangu Diapason d'Or ("kuldne helihark"). Diapasoni tuntud kriitik Patrick Szersnovicz käsitles ajakirja veergudel plaadisündmust põhjalikult, seda kõrgelt hinnates. Üks teise järel on ilmunud positiivseid arvustusi, tutvustusi ja reklaame.
Siin on neist vaid mõned: Presto Classical (David Smith), Rondo Magazine (Matthias Siehler), MusicWeb International (Dominy Clements), Linn Records, AllMusic (James Manheim), Planet Hugill, Lasering, iTunes Store, AppleMusic, Commercefrance (fnac) jpt. Mõnes pressikajas on saanud intervjueerituna sõna ka Erkki-Sven ise, või siis Paavo Järvi, või mõlemad. "Mythose" sümfoonia kaudu on taas esile tulnud Eesti Vabariigi 100. aastapäev, ja hoolimata meie taasvabaduse ligi kolmest aastakümnest, on sellest nüüdki meenutusi ja mõtisklusi. Mitmed arvustused on avaldatud sõnasõnalt blogis PaavoProject.

Keegi ei tea öelda, millal kuskil saalid avanevad orkestritele ja publikule. Jääksime tasapisi pöialt hoidma, et Tüüri uus Viiulikontsert nr 3 ("Talks with the Unknown"), solistiks Vadim Gluzman, tuleb kavatsetud esiettekandele, mil Paavo Järvi hiljutist Frankfurti Raadio sümfooniaorkestrit sealses Alte Operis juhatab nüüd läti maestro Andris Poga. See sündmus võiks kätte jõuda juba 15. mail.


https://kultuur.err.ee/1082828/paavo-jarvi-ja-eesti-festivaliorkester-ilmutasid-plaadi-erkki-sven-tuuri-loomingust


Musikdokumentation "Der Brahms Code" in New York ausgezeichnet

SWR
24.04.2020

Die Sinfonien von Johannes Brahms neu zu interpretieren und sie für das heutige Publikum lebendig erscheinen zu lassen war das Ziel der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen und ihres Chefdirigenten Paavo Järvi . Dies dokumentiert der jetzt ausgezeichnete Film "Der Brahms Code".



Der Hauptprotagonist des Filmes und Chefdirigent der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen Paavo Järvi

Die TV-Dokumentation "Der Brahms Code" von Regisseur Christian Berger ist mit dem Silver Award der New York Festivals TV & Film Awards ausgezeichnet worden. Der 90-minütige Musikfilm der Deutschen Welle (DW) zeigt die mehrjährige Arbeit und das Miteinander von Musikern und Dirigent bei der Auseinandersetzung mit den vier Sinfonien von Johannes Brahms. Dafür begleitete das Filmteam den Dirigenten Paavo Järvi und die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen bei den Proben, im Studio und bei Konzerten in Paris.
Der Film wurde im vergangenen Herbst erstmals von der DW ausgestrahlt und war nach Angaben der DW bei dem New Yorker Festival eine von 200 eingereichten Produktionen aus 50 Ländern in der Kategorie Dokumentarfilm/Musik.


https://www.swr.de/swr2/musik-klassik/brahmscode-ausgezeichnet-100.html

Tuesday, April 21, 2020

ЯПОНСКАЯ МИСТЕРИЯ ПААВО ЯРВИ

Санкт-Петербургский Музыкальный вестник, No 4 (176), апрель 2020 г.Виктор АЛЕКСАНДРОВ, Таллин


Прославленный оркестр японской телерадиовещательной корпорации NHK (Токио) и маэстро Пааво Ярви открыли гастрольный тур по Европе концертом в Таллине.

Оркестр Японского радио и телевидения, основанный в 1926 году, стал первым профессиональным оркестром Страны восходящего солнца. Спустя десять лет оркестр подписал эксклюзивное соглашение с японской радиовещательной корпорацией NHK. Творческий расцвет коллектива пришелся на вторую половину XX века, когда с ним рабо- тали такие знаменитые дирижеры, как Герберт фон Караян, Игорь Маркевич, Эрнест Ансерме, Вольфганг Заваллиш, Владимир Ашкенази, Евгений Светланов. Первый европейский тур оркестра состоялся в 1960 году. С этого времени коллектив ведет интенсив- ную концертную деятельность, расширяет репертуар, участвует в оперных постановках, заказывает сочинения современным компо- зиторам, записывает компактдиски на ве- дущих мировых лэйблах. Ежегодно оркестр NHK дает свыше 140 концертов на лучших концертных сценах мира. В России японский коллектив гастролировал несколько лет назад под управлением Шарля Дютуа.Эстонский дирижер Пааво Ярви возглавил Симфонический оркестр NHK с осени 2016 года и так отзывается о нем: «Оркестр NHK высоко почитают во всем мире. Музыкан- ты в этом оркестре любят играть немецкую романтическую музыку. И это во многом благодаря заслугам той блестящей плеяды дирижеров, которые в разное время с ним сотрудничали: от Герберта фон Караяна и Карла Бёма до Отмара Суитнера и Вольфганга Заваллиша. До сих пор мало кому из азиатских оркестров удаются исполнения австро- немецкой музыки XIX века: симфоний Брукнера, Малера, Брамса. Звук оркестра NHK романтичен, восходит к великим традициям XIX века».

Выступление Симфонического оркестра NHK в концертном зале «Эстония» откры- ло произведение Тору Такэмицу «Как медленный ветер» (How Slow the Wind). Замысел медитативного произведения Такэмицу вдохновлен лирикой американской поэтессы Эмили Дикинсон. Непрерывное музыкальное развитие вращается вокруг мотива из семи нот, образуя, по словам композитора, «повторяющийся цикл, подобный волнам или ветру». Наряду с японским колоритом, очевидным в музыке Такэмицу, возникало немало импрессионистских ассоциаций с творчеством Клода Дебюсси: мерцающие звучания, прозрачность гармоний и тембров. Пааво Ярви был предельно аскетичен за пультом, предоставляя оркестру естествен- ную свободу самовыражения.

Элегантность и сбалансированность исполнительской манеры в сочетании с активной творческой позицией свойственны хрупкой аргентинской виолончелистке с русскофранцузскими корнями Соль Габетте. В Таллине Соль Габетта исполнила вместе с оркестром NHK под управлением Пааво Ярви Концерт для виолончели с оркестром Роберта Шума- на. Это сочинение уже давно в ее репертуаре. Соль Габетта тонко чувствует национальный колорит романтической поэзии Шумана. Сдержанная игра виолончелистки изящно сочеталась с деликатным аккомпанементом оркестра. Эстонская публика долго не хотела отпускать прелестную виолончелистку со сцены. В зале на концерте присутствовал известный латвийский композитор Петерис Васкс. Один из своих любимых бисов — Dolcissimo из «Книги для виолончели соло» (1978) Васкса — Соль Габетта часто исполняет в своих концертах. Эта тихая инструментальная молитва, во время которой музыка будто замолкает. Лучезарный голос Соль Габетты (по замыслу ком- позитора исполнитель поет во время игры) парил на фоне нежного бархатистого вибрато ее виолончели.

Программу вечера завершила монументальная Седьмая симфония ми мажор Антона Брукнера (ред. Л. Новака, 1883–1885). Пааво Ярви увлек своей кипучей энергией оркестр, его отчетливый дирижерский ри- сунок легко воспринимался музыкантами, чутко реагирующими на каждый его жест. Маэстро предельно свободен в интерпрета- ции и владеет особым секретом отношения к темповой драматургии сочинения. Брукнер Пааво Ярви звучит дерзновенно, во всем бо- гатстве красок и интонаций.

Воодушевленные слушатели горячо приветствовали японских музыкантов, много- кратно вызывая Пааво Ярви снова к дирижерскому подиуму. На бис был исполнен «Грустный вальс» Яна Сибелиуса, из музыки финского композитора к драме Арвида Ярнефельта.

Sügavus, siirus ja soojus ehk Kuidas armastada muusikat

Ajakiri Muusika
Kai Taal
06.04.2020


22.02.2020. Hüpnotiseeriv numbrikombinatsioon. Just sel päeval toimus Estonia kontserdisaalis vähemalt sama paeluv kontsert – Paavo Järvi andis oma Tokyos tegutseva NHK sümfooniaorkestriga kontserdi, mis oli avastardiks nende Euroopa-turneele. Ning mul on raske leida sobivaid sõnu selle sündmuse kirjeldamiseks. Õnnelikud olid need, kes koos minuga tol õhtul kontserdil viibisid. 


Paavo Järvi, Sol Gabetta ja NHK sümfooniaorkester Estonia kontserdisaalis. Foto: Eesti Kontsert

Mäletan, kui sattusin ükskord Viini kontserdimajas ühe austerlasega vestlema. Esines vene orkester kreeka dirigendi juhatusel ning mängiti Mahlerit. Mu vestluskaaslane soostus, et esitus oli väga hea, kuid rõhutas ometi, et tõeliselt saavad Mahleri muusikast aru siiski vaid austerlased. Ei hakanud temaga vaidlema, ehkki olin eriarvamusel. Kas tänapäeva globaliseerunud ühiskonnas on tõesti veel rahvuste erinevusel suurt kaalu, kas tõesti on võimalik rahvust musitseerimises “välja kuulda”? Aeg näitas mulle, et on. Austria muusikast rääkides olen seda kogenud Viini sümfoonikute kontserdil ning viimati Musikvereinis, kus üks õpilasorkester esitas ühe osa Mahleri sümfooniast – nende mängus oli tajutav mingi isemoodi loomulikkus, sundimatus. Mis ei tähenda, et need esitused oleksid paremad kui mitteausterlaste omad, üldsegi mitte, aga ju siis tunnevad rahvuskaaslased ära midagi, mis võõrastele hoomamatuks jääb. Kas ei tunne eestlasedki nõnda eesti muusika puhul, kui välismaalased seda esitavad?  

Armastus muusika, muusikute ja töötegemise vastu kaalub siiski vähemalt minu jaoks “vere hääle” üles ning seda tõestas ka NHK orkestri kontsert. Paavo Järvi on Jaapani ringhäälingu NHK sümfooniaorkestri dirigent viiendat hooaega. Kolm aastat tagasi toimus nende esimene Euroopa-turnee, kontserdipaigad olid suurelt jaolt samad, mis nüüdki, kuid tol korral Eestisse ei jõutud. Nii Järvile kui orkestrile oli Tallinna kontsert kahtlemata eriline: dirigent sai kaasmaalastele näidata oma orkestrit ning jaapanlased nägid seda maad, kust nende armastatud dirigent pärit on. Kaasa oli toodud killuke jaapani muusikat – tuuri kõikidel kontsertidel kõlas Toru Takemitsu “How Slow the Wind”, eriliselt kõlavärvirikas ja habras muusika. Ning kontserdi teist poolt täitis Bruckneri 7. sümfoonia, kus rohkem kui tunniks ajaks said kokku Eesti, Jaapan ja Austria.
 
Bruckneri muusika esitamine on riskantne, eriti praegusaja maailmas. Meid ümbritsev kiirus, pealiskaudsus, hektilisus, show-janu töötab kõik sellele muusikale vastu. Loota, et Bruckneri aeglaselt kulgev ja väliseid efekte mitte pakkuv muusika võiks tänapäeval inimest kütkestada, tundub juba iseenesest pisut utoopiline. Aga Paavo Järvi loodab ning ka tõestas, et see on võimalik. Ta võttis oma tuuri üheks põhiteoseks just Bruckneri ning esitas seda Euroopa pealinnade tähtsaimates kontserdisaalides, muu hulgas helilooja kaasmaalastele Viini kontserdimajas. 
 
Viinlased vist unustasid tol õhtul, et ei Järvi ega NHK orkestrandid ole austerlased ning kinkisid neile sooja vastuvõtu. Mul oli õnn seda oma silmaga näha. Kahetsusväärselt sageli on Bruckneri esitused massiivsed, monumentaalsed, liigaeglased, vormiosad asetsevad teineteise kõrval nagu kaljust väljatahutud kandilised plokid. Unustatakse, et Bruckner on austerlane, mitte sakslane – see on suur erinevus. Bruckneri muusikas on ka palju tantsulisust, rahvaviise, mis võiks inspireerida liikuvamatele tempodele ja paindlikumale väljendusele; suurte, meie hulgast juba lahkunud meistrite hulgas näeb taolist tõlgendust näiteks Abbado ja Karajani puhul. Abbado live-salvestus Luzerni festivaliorkestriga 7. sümfooniast oli pikka aega mu lemmik – vist üks liigutavamaid Abbado ja LFO koostöid üldse. Väga emotsionaalne, õhuline ja valgusküllane esitus erineb totaalselt näiteks Celibidache’i tõlgendusest Müncheni orkestriga, mis ajaliselt veerand tundi pikem ning tähelepanuvõime tõsiselt proovile paneb. Erakordselt lummav on Karajani ja Viini filharmoonikute nägemus, siis sada protsenti austria päritolu – räägin siinkohal esitusest, mis jäi üldse Karajani kõige viimaseks salvestuseks. Siin on sellist helgust ja magusvalusat ilu, mis tuleb muusikute loomingusse vist alles nende eluõhtu lähenedes. Kuid Paavo Järvi näitas, et ka tänapäeval on võimalik sama lummavalt Brucknerit esitada.

Järvi Bruckner erineb kõigist varem kuuldutest ja seda ennekõike eelpool mainitud vastandlike tõlgendusvõimaluste sünteesi tõttu. Ta tempod mõjuvad rahulikult, kohati lausa väga aeglaselt, kuid ometi ei lagune vorm ära ning üle tunni kestev sümfoonia ei kaota oma head pinget hetkekski. Just nimelt, tempod TUNDUVAD aeglased, sest tegelikult osa sees tempo muutub, kohati üpris liikuvaks, kuid ometi jääb illusioon rahulikust kulgemisest. Ning lõputu detailirikkus annab esitusele lugematuid värve ja varjundeid, mis kummastaval kombel ei takista, vaid pigem soosivad ühtse ja voogava terviku kujunemist. Nautisin seda erakordset interpretatsiooni väga juba Tallinnas, aga eriti Viinis – seal oli rohkem elurõõmu ning suurepärane akustika lisas orkestrivärvidele oma erilise sära. NHK orkester on juba oma eelmiste dirigentidega mänginud palju saksa ja austria muusikat ning Paavo Järvi suurepäraseid salvestusi Beethoveni, Brahmsi ja Schumanni muusikaga teavad ilmselt kõik. Jaapani orkester on väga kõrge tehnilise tasemega, kuid samas kaugel uhkest hoiakust, mida see endaga kaasa võiks tuua. See imetlusväärne kooslus meisterlikust, soojast, täpsest ja pühendunud musitseerimisest võitis mu südame, ma pole kontserdisaalis kuulnud paremat Bruckneri muusika esitust kui Paavo Järvi tõlgenduses. Austria pealinnas kuulis nende esituses ka veel Beethoveni 3. klaverikontserti Khatia Buniatishvili soleerimisel ning teose üliromantiline tõlgendus vallandas viinlastes vaimustusetormi. Kui palju mängib rolli kõrvaga kuuldav ja kui palju isiksuse võlu? Publiku tungival nõudmisel pidi pianist igatahes lisapala mängima, kõlas veel natuke austria muusikat Schuberti “Eksprompti” näol.
 

Tallinna kontserdi solist oli juba ammu Eestisse palavalt oodatud argentiina päritolu tšellist Sol Gabetta, kes esitas Schumanni tšellokontserti. Ma polnud teda varem kontserdilaval kuulnud, kuid äratundmine oli kohene – vaimustusin tema mängust juba kontserdieelset proovi kuulates. Ka tema ühildab esmapilgul ühildamatut: ta on temperamentne, kuid samas vaoshoitud; särav, kuid mitte demonstratiivne; ta mängus on palju südamlikkust ja soojust ning samas on see ratsionaalne. Minu senised lemmikvariandid Schumanni kontserdist on sellest üsna erinevad, n-ö ühtsemad: Rostropovitši valdavalt lüüriline kujundus ning Jacqueline du Pre’ väga sügavuti minev, poeetilis-retooriline, kõige peenemaidki hingekeeli puudutav tõlgendus. Kuid aeg on edasi läinud. Gabetta salvestas teose Sony Classicali plaadimärgile natuke üle aasta tagasi koostöös Baseli kammerorkestri ning dirigent Giovanni Antoniniga; too esitus on meisterlik ja kõnetav, eriti selle finaal, kuid Tallinnas kuuldu oli sootuks erinev. Kas on põhjus selles, et Gabetta võlu pääseb oluliselt rohkem mõjule kontserdisaalis? Või oli põhjus kaasmuusikutes? Lühidalt, Gabetta ja Järvi Schumanni esitus jäi veel kauaks kummitama, see oli erakordselt mõjuv, kaunis ja liigutav. Nad mõlemad on muusikud, keda ei huvita väline efekt – kontserdisaalis näed vaid jäämäe tippu ning kogu oma suuruses, ilus ja mõjuvuses avaneb teos alles hiljem, mõnikord lausa päevade või nädalate pärast. Kui erakordselt haruldane tänapäeval! Sellised artistid tekitavad tunde, et tegelikult pole maailmas ja inimestes aastasadade jooksul eriti midagi muutunud. Siiruse tunneb alati ära, pühendumus kütkestab ning armastus on alati kõige olulisem. Lisapalaks kinkis Gabetta eestlastele meie naaberriigi helilooja Pēteris Vasksi muusikat.
 
Miks olin ma üks vähestest, kes Sol Gabettale püsti seistes aplodeeris? Mida rohkemat ootab eesti publik artistilt? Kas kõrgest tasemest, tekstitruust mängust, musikaalsest esitusest, artistlikkusest, suurepärasest koostööst orkestriga jäi väheks? Oma kuulamiskogemuse juures nii Eestis kui ka välismaal olen harva kuulnud haaravamat solisti. Kas on enamuste kontserdikülastajate ootused ja lootused suuremad kui minul? Jälgides Paavo Järvi tuuri kajastusi meedias nägin, et mujal oli vastuvõtt Gabettale soojem. Kas ongi õigem siis suuri staare käia pigem välismaal kuulamas, ehkki nad üha sagedamini meile koju kätte tulevad? Publiku reaktsioon on VÄGA oluline, kontserdi loovad muusikud ja publik koos, kas usume seda või ei. 

https://www.ajakirimuusika.ee/single-post/2020/04/06/Sügavus-siirus-ja-soojus-ehk-Kuidas-armastada-muusikat

Järvi und Brahms auf dem Weg nach Frankreich

Pizzicato15.04.2020

Am 10. April 1868  wurde das Deutsche Requiem von Johannes Brahms im Dom zu Bremen uraufgeführt. 150 Jahre später dirigierte Paavo Järvi am Urtaufführungsort eine großartige, wunderbar geatmete Aufführung der Komposition, die jetzt, ansprechend und einfühlsam gefilmt, auf DVD und Blu-ray vorliegt.Paavo Järvi legt in seiner Interpretation viel Wert auf leicht-schwebende Klänge, er arbeitet das Ätherische der Musik heraus, um es mit den kräftigeren Passagen erfolgreich zu kontrastieren. Dabei passt er sich der Kirchenakustik an, die sowieso alle Kanten entschärft, so sehr sich die Tontechniker auch bemühten, den Klang im Hall nicht zu sehr völlig konturenlos werden zu lassen. Insgesamt rückt der Dirigent das Brahms-Werk aus der norddeutschen Ecke heraus näher zu den französischen Requiem Vertonungen von Duruflé und Fauré.Es gibt viele berückende Momente in dieser Interpretationen, und der Lettische Staatschor singt wunderbar nuanciert (wenn auch wenig textverständlich).Matthias Goerne singt den Baritonpart mit grandios geführter, wohl artikulierender Stimme. Nicht weniger beeindruckend ist Valentina Farcas mit einer klar geführten, sehr ausgeglichenen Stimme und einer bewegenden Ausdruckskraft.Järvi nimmt manchmal eher schnelle Tempi, aber das hindert ihn nicht, den Atem der Musik vollauf zu respektieren. Sein Orchester kämpft recht gut gegen die Akustik, es gibt wunderbar klare Passagen, wenn das Orchester reduziert spielt, aber in den Tutti geht natürlich viel verloren.Auf der anderen Seite mag der Ort der Uraufführung zur Inspiration der Musiker und ganz sicher des Dirigenten beigetragen haben. Bild und Ton mischen sich jedenfalls hier zu einem Ganzen und geben der Aufführung eine starke, bewegende Wirkung.On April 10, 1868, the German Requiem by Johannes Brahms was premiered in Bremen Cathedral. 150 years later, Paavo Järvi conducted a magnificent, wonderfully breathed performance of the composition at the place of its premiere. Attractively and sensitively filmed, it is now available on DVD and Blu-ray.

In his interpretation Paavo Järvi attaches great importance to light, floating sounds; he brings out the ethereal nature of the music in order to successfully contrast it with the more powerful passages. In doing so, he adapts to the church acoustics, which defuses all edges anyway, no matter how hard the sound engineers tried not to let the sound become completely contourless. Overall, the conductor brings the Brahms work closer to the French Requiem settings by Duruflé and Fauré.There are many enchanting moments in these interpretations, and the Latvian State Choir’s singing is wonderfully nuanced (though not very comprehensible).Matthias Goerne sings the baritone part with a grandiose, well-articulated voice. No less impressive is Valentina Farcas with a clearly led, very balanced voice and a moving expressiveness.Järvi sometimes takes a rather fast tempo, but this does not prevent him from fully respecting the breath of the music. His orchestra fights quite well against the acoustics, there are wonderfully clear passages when the orchestra is reduced, but in the tutti, of course, much is lost.On the other hand, the location and the occasion as well may have contributed to the inspiration of the musicians and certainly of the conductor. In any case, image and sound blend into a whole here and give the performance a strong, moving effect.

https://www.pizzicato.lu/jarvi-und-brahms-auf-dem-weg-nach-frankreich/

Saturday, April 18, 2020

Lockdown Listening

Gramophone
15.04.2020


What are our musicians listening to during lockdown? We asked them each to nominate one recording that speaks to them at this particular time...


Paavo Järvi
Conductor

Paavo Järvi’s most recent releases are, with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, a DVD of Brahms’s Ein deutsches Requiem (C Major) and, with the Estonian Festival Orchestra, a collection of music by Erkki-Sven Tüür (Alpha). He was Gramophone's Artist of the Year in 2015.

Brahms Symphony No 3 Vienna Philharmonic Orchestra / Leonard Bernstein (DG)

Long ago, I was driving with my brother in Los Angeles, late to a dinner party. In the car, we were listening to Brahms Symphony No 3, not knowing who was conducting. It was one of the most unusual, exaggerated, self-indulgent and emotional interpretations I had ever heard, yet totally captivating and impossible to switch off. 

We arrived at the restaurant very late and sat for another 20 minutes in the car, parked in front. We had to find out who it was, who had dared to take so many liberties and had re-imagined this Brahms symphony from what we used to know. 

At the end the announcer said that it was Bernstein with the Vienna Philharmonic. The reason why it was so important, was because it gave me courage as a young musician to dare to follow my intuition and not be ‘intimidated’ by legendary interpretations from the past. In that way this recording remains very important for me. Now with a little time on my hands, I want to listen to it again and see if time has changed my perception.

https://www.gramophone.co.uk/features/article/lockdown-listening

Paavo Järvi im Interview «Empathie lernt man nicht an der Business School»

Tages AnzeigerSusanne Kübler15.04.2020

Der Tonhalle-Chefdirigent bereitet sich in London auf Konzerte vor, die vielleicht nicht stattfinden. Und wünscht sich dringend mitfühlendere Politiker.

Paavo Järvi, Sie sind normalerweise mehr unterwegs als zu Hause. Wie halten Sie die Pause aus?Ich hatte wohl tatsächlich seit mindestens zehn Jahren nicht mehr so viel Zeit wie jetzt. Es ist seltsam. Aber auch sehr angenehm. Man beginnt anders zu denken, wenn man nicht ständig herumrennt. Freier, kreativer, weniger aufs Praktische bezogen. Ich merke, dass mir das gefehlt hat.

Was vermissen Sie denn jetzt?Die Flughäfen sicher nicht. Aber das aktive Musikmachen fehlt mir schon – nicht einmal so sehr die Konzerte, aber die Proben. Die Atmosphäre dort, der ganze Prozess der Vorbereitung auf eine Aufführung.

Ein Geiger kann zu Hause üben, ein Dirigent nicht.Nein, wir sind vollkommen abhängig von den Orchestern. Ich könnte mich natürlich ans Klavier setzen, aber das ist nicht dasselbe. Es gibt keine Abkürzungen in meinem Job. Viele junge Dirigenten fragen mich deshalb derzeit, wie sie üben können.

Und?Früher hat man ja immer gesagt, ein ernsthafter Dirigent hört sich auf keinen Fall «fremde» Aufnahmen an, der studiert die Partitur. Dabei lernt man so viel beim Hören! Ich selbst höre derzeit ständig Musik, mehr denn je. Schon zum Frühstück.

Was hören Sie denn morgens?Oft Dinge, die ich noch nicht kenne, in den letzten Tagen etwa diverseneuere Stücke von John Adams; ich wollte einfach wissen, was ich verpasst habe in den letzten Jahren. Ich will informiert sein, mir eine Meinung bilden können. Auch Jazz höre ich immer viel. Im Moment auch Bossa Nova. Oder heute eine alte Genesis-Platte, aus der Zeit, als Peter Gabriel noch dabei war. Und dann sind da all die Streamings: Diabelli-Variationen mit Barenboim, brillant. Oder Archivaufnahmen der Münchner Philharmoniker mit Celibidache, die kannte ich nicht.

Also keine Langeweile?Ich kann wirklich nicht verstehen, wenn jemand über Langeweile klagt. Ich glaube, mir war noch nie im Leben langweilig, und das hat sehr viel mit der Musik zu tun. Sie ist ein Freund, der immer da ist. Das merken gerade jetzt viele, die allein sind.

Tatsächlich ist die Musik derzeit für viele sehr wichtig. Die Menschen singen auf den Balkonen, stellen Hauskonzerte ins Netz.Ja, es scheint in dieser Krise nichts zu geben, was so direkt wirkt wie die Musik. Wenn also jemand noch einen Beleg gebraucht hat für ihre Bedeutung: Hier ist er. Viele wollen auch über Musik sprechen, etwas lernen. Ich erhalte so viele Anfragen von Leuten, nicht nur von Musikern, die über Brahms diskutieren wollen. Oder eben übers Dirigieren. Es haben alle so genug davon, immer nur über das Virus zu reden! Ich habe deshalb angefangen, solche Fragen in einem Onlinetalk zu beantworten. Auch das gehört zu dieser Krise: dass man Dinge tut, auf die man früher nie gekommen wäre. 

Man sieht Sie bei diesen Talks vor einem Kamin sitzen. Andere Musiker spielen in Socken Klavier oder haben zweifelhafte Kunst an den Wänden. Was macht das mit einer Kunstform, die auch optisch so streng ritualisiert ist?Genau das gefällt mir an diesen Streams, dass man menschlich sehr vieles mitbekommt. Es ist alles sehr entspannt. Vielleicht ist es ein guter Moment, um neues Publikum zu gewinnen. Die Menschen sind für vieles offen derzeit.

Wird die Krise das Image der klassischen Musik verändern?Ich hoffe es. Wenn man sieht, wie sich die Welt in letzter Zeit entwickelt hat, kann man zwar skeptisch werden. Da hatte man ja schon zuweilen den Eindruck, dass die Menschen die Lektionen der Vergangenheit sehr rasch wieder vergessen haben. Aber ich bin kein Pessimist, im Gegenteil. Ich hoffe wirklich, dass etwas Gutes zurückbleibt.


Was könnte das sein?Die Erkenntnis, wie wichtig musikalische Bildung ist. Ich bin überzeugt davon, dass eine frühe Auseinandersetzung mit Musik oder mit Kunst allgemein mitfühlendere, intelligentere Menschen hervorbringen würde. Und Politiker, die ihre Länder besser führen könnten als unsere heutigen. Ich rede nicht von der Schweiz; aber in den USA und auch hier in England sieht man gerade, was es bedeutet, wenn unkultivierte Leute am Ruder sind, Menschen ohne Empathie. Diese Empathie lernt man nicht an der Business School, auch nicht in den Wissenschaften, sondern durch Kultur. Durchs Zuhören, durch die Auseinandersetzung mit subtilen, tiefgründigen Dingen.

Bis diese Auseinandersetzung wieder live stattfinden kann, wird es dauern.Ja, Konzerte und Sportveranstaltungen werden wohl die letzten Dinge sein, die wieder erlaubt werden. Vielleicht werden wir erst in kleinem Rahmen öffnen müssen. Man weiss es nicht.


Wie bereiten Sie sich darauf vor?

Ich arbeite jeden Tag. In Tokio ist die «Carmen» geplant, in Zürich Beethovens «Fidelio», in Bremen seine «Missa solemnis». Ich weiss nicht, ob diese Aufführungen stattfinden werden, aber ich muss vorbereitet sein.

In Zürich werden Sie auch Tschaikowsky-Sinfonien nachholen müssen, wenn die begonnene Gesamtaufnahme vollendet werden soll.Ja, wir werden sehen, wie sich die fehlenden Werke sinnvoll in die zukünftigen Programme einpassen lassen. Aber wir werden die Aufnahme sicher fertig machen, und ich habe überhaupt keine Sorge, dass das Momentum dafür vorbei sein könnte. Es ist wie bei einem Champagnerkorken: Wenn wir wieder starten können, werden wir explodieren vor Energie.


https://www.tagesanzeiger.ch/empathie-lernt-man-nicht-an-der-business-school-857895803187



From Mahler to Bruckner with a world in between: Järvi and the NHK unveil their 2020/21 season

Backtrack
15.04.2020

When Paavo Järvi first spoke to us, back in 2016, he explained that his mission was to make his Japanese orchestra – the NHK Symphony Orchestra Tokyo – “less of a secret” in Europe and the United States. On its last two visits to London, our reviews acknowledged a “magnificently played” Mahler 6 (2017) and a “propulsive, driven” account of Rachmaninov’s Second Symphony(February 2020). The NHK strings were noted for their “dark, mahogany sound”. It’s fair to say that the indefatigable Järvi has achieved “mission accomplished”. There is something very central European about the “NHK sound”. The Tokyo public adores its core classics of Beethoven, Brahms and Bruckner, of Strauss and Mahler. As Järvi explains, the plaza in front of Tokyo’s magnificent Suntory Hall is called Herbert von Karajan Platz. “That says it all, pretty much.” So it’s no surprise that the orchestra itself excels in this repertoire, with a beautifully cultured, rounded string tone that recalls the sort of sound Karajan could draw from the Berliner Philharmoniker. 


It’s equally unsurprising that the Austro-Germanic classics form the backbone of the NHK’s repertoire for its 2020/21 Tokyo season. Mahler, Beethoven and Brahms, Hindemith, Wagner and Schumann are all well represented, and although audiences have to wait until the final concert of the season for some Bruckner, the unexpected is in store here. But there are other musical excursions ahead for the NHK, including Hungarian and Scandinavian fare, plus several journeys to Russia.The new season opens with an epic. At around 100 minutes, Mahler’s Third Symphony is the longest in the standard repertoire. It encompasses, literally, the entire world with movement titles like What the Flowers in the Meadow Tell MeWhat the Animals in the Forest Tell Me and What the Angels Tell Me. It also includes a setting of the Midnight Song from Nietzsche’s Also sprach Zarathustra. There couldn’t be a grander way for Järvi to launch the season. Further Mahler arrives when Michael Tilson Thomas conducts the Sixth Symphony in November.


Rudolf Buchbinder, one of the world’s great Beethovenians, performs the Emperor Concerto, programmed alongside Schumann’s Rhenish Symphony, while the evergreen Herbert Blomstedt (currently 92 years young!) conducts Brahms’ Fourth Symphony, one of the glories of the Romantic repertoire. Marc Albrecht guides the NHK through orchestral excerpts from three Wagner operas, but the programme also includes the Japanese premiere of Toshio Hosokawa’s Violin Concerto, performed by Veronika Eberle. 

To close the season, Järvi programmes a Bruckner rarity – Die Nullte. He actually composed it in 1869 between his First and Second Symphonies, but in 1895 he declared that the work "gilt nicht" (does not count) and he refused to assign it a number. Bruckner lacked confidence in his compositions and was prey to friends’ suggestions or, indeed, dismissive comments. The fate of Die Nullte stems from an off-hand remark made by a conductor, Otto Dessoff, who questioned Bruckner about the first movement, “But where is the main theme?” The composer wrote across the front page of the score "annulliert" ("nullified") and replaced the original No. 2 numbering with a zero. Was Bruckner justified? Judge for yourselves next May!

Blomstedt masterminds the orchestra’s trip north for an intriguing concert. Before Sibelius’ hugely popular Fifth Symphony, he programmes the suite from Carl Nielsen’s incidental music for Aladdin, which includes the dazzling Marketplace in Isphahan movement where the orchestra is split into four groups, their themes piling up on top of each other. Then Nobuya Sugawa plays the rarely heard Saxophone Concerto by Swedish composer Lar-Erik Larsson. Finn Kaija Saariaho features later in the season when her Ciel d'hiver is conducted by her compatriot Hannu Lintu.There’s a Hungarian flavour to the start of the season. Järvi is at the helm for an all-Bartók programme ending with the Concerto for Orchestra, while Zoltán Kodály’s Concerto for Orchestra follows a week later, conducted by Tatsuya Shimono. 


Järvi has an affinity with Russian music – his native Estonia was, of course, under Soviet rule for many decades and, as a boy, he met Shostakovich. Two of Dmitri Dmitriyevich’s hardest hitting symphonies are conducted by Järvi next season: the fierce Fourth – a work so controversial that the composer kept it in a bottom drawer until after Stalin’s death – and the Thirteenth, which sets Yevgeny Yevtushenko’s poems denouncing his Soviet masters. Järvi also conducts an all-Prokofiev programme which includes the Cello Concerto (Steven Isserlis) and the Fourth Symphony. Guest conductors Vladimir Fedoseyev and Alexander Vedernikov preside over suitably Russian repertoire, including suites from The Snow Maiden and The Sleeping Beauty, and Nikolai Medtner’s Third Piano Concerto, where Nikolai Lugansky is the soloist. 



https://bachtrack.com/preview-pavo-jarvi-nhk-symphony-orchestra-tokyo-april-2020

Wagner: Excerpts from Der Ring des Niebelungen, NHK Symphony Orchestra, Paavo Järvi, RCA-Sony

Opera Today
Marc Bridle
11.04.2020

This new recording of excerpts from Wagner’s Der Ring des Niebelungen is quite exceptional - and very unusual for this kind of disc. The words might be missing, but the fact they are proves to have rather the opposite effect. It is one of the most operatic of orchestral Wagner discs I have come across. 
Indeed, many aspects of it are jaw-dropping: ravishing detail, exquisite artistry and, above all, an orchestra that just takes the breath away. It feels like one of those Wagner recordings which defines the decade in which it was made just as a very few Wagner recordings, from the 1960s onwards, defined their own.

Paavo Järvi is not particularly noted as an interpreter of Wagner - I believe this may be the first time he has turned his attention to this composer - although the orchestra he conducts is certainly not unfamiliar with him. Today, it is not just in Japan that Wagner’s “bleeding chunks of butcher’s meat” - as Tovey luridly described it - are less played than they once were; it seems to be a phenomenon you get from Tokyo via Berlin and London. That was not the case in the 1960s and 1970s; indeed, the two colossal recordings from each of those decades, the first from Otto Klemperer, and the second from Herbert von Karajan, are the two which come closest to this new recording. This is an orchestra, however, which during those dominant Philharmonia and Berlin periods played Wagner under some of the greatest of the composer’s conductors - the Bayreuth factory of Horst Stein, Otmar Suitner and Wolfgang Sawallisch is but one school which has found its way onto their CDs. But their Wagner also comes from conductors such as Lovro von Matačić. In concerts, the reach has been even wider.
The NHK Symphony orchestra is particularly honed in this repertoire; but also, too, in Richard Strauss and Anton Bruckner. Theirs is the most European sound of Japanese orchestras, especially in the warmth of their strings. But, like many of that country’s orchestras in the 1960s, and for ten or so years later, the brass could swamp everything else in performances; many recordings are notable for exactly that imbalance. Today, there is a profound luxury to this orchestra’s sound, a tempered distribution of equilibrium in the horns and trumpets, a complexion to its woodwind which is entirely driven by individual expressivity - and a string sound of such depth it carries everything on its weighty shoulders. If great orchestras are measured by whether you can identify their sound the NHK Symphony Orchestra is one of those, and this Wagner disc is an example that.

If you’re looking for any particular sequential narrative to Järvi’s journey through Wagner’s Ring you won’t find it on this disc. Siegfried goes on his Rhine Journey after his funeral, and the Gods enter Valhalla right at the end - though given the richness of the sound, and sheer drama of the playing it’s a climax that is better placed to end a disc rather than to begin one. It’s almost a unique approach, though not entirely - Tennstedt does this, Solti begins this way then falls into line very quickly, Ormandy places Das Rheingold after  Siegfried. The arrangements stick to those by Humperdinck, Hutschenruyter and Stasny though the sheer opulence and textures we get from the orchestra - rather emphasised by the thrilling and very wide dynamic range of the recording - can sometimes more than recall the rich palette and doublings we get with Stokowski’s reworkings. Järvi has clearly divided his violin desks antiphonally, much more common in Wagner than one thinks. And although Wagner composes for larger orchestral forces (six harps might be considered excessive for many), Järvi is a conductor who can sometimes seem as if he has gone further than some composers want - his recording of Richard Strauss’s Metamorphosen sounds uncommonly rich, so much so one wonders if he has gone beyond the twenty-three strings Strauss asks for.

Although the sound and weight Järvi gets from the NHKSO on this disc is massive his fluid tempi - a very common trait of this conductor - more than compensates for the beautiful clarity he gets from individual instruments in the orchestra. It is precisely this which gives this purely orchestral disc a sublime vocal quality. Take for example Siegfried’s ‘Trauermarsch’- possibly the single finest track on this recording. The pulse of the opening timpani (so light to the touch) is like a heartbeat, but the way the pianissimo is done is just exquisite - a beat which falls entirely imperceptibly. It is never a given in this music, either, that you will get the solo oboe, clarinet, or English Horn to play at the marked  ausdruscksvol, nor that the poco crescendo will quite be distinctive - nor that the playing will quite have the sheer beauty of phrasing we have here. What we also get are the two spaced harp glissandi (marked ff) punching through like a mini chorus against the much larger choral forces of the ff brass. What is, however, utterly unique about this performance is how bleakly Järvi demands his orchestra takes the closing bars. The weight he draws from the cellos is phenomenally rich - and yet it is deeply unsettling. In a complete reversal, those heartbeats, which were so light on the ear, and which opened this music, are now like a final mark of death. Rarely will you hear double basses and cellos play pianissimos with both the depth and power the NHKSO bring to these closing bars and yet hear this music as it probably should sound.

These are much the same qualities you hear at the opening of the ‘Morgendammerung’. It is darker than one is used to, but the sigh and cantabile which you get from the expressive playing of this cello section is exceptional. You hear harps beautifully emerging from within the orchestra (any moment around 4’53), or a distant calling of the horn so beautifully phrased, at first like an off-stage voice in the wings and then appearing in the centre of it during Siegfried’s ‘Rhinefahrt’. The track of Siegfried’s ‘Waldweben’ may be the one which most defines the dichotomy of this recording. The bassoon playing is so lustrous, so velvety in tone - with a gorgeous mezzoish colour to it - that you almost forget it is an instrument which may be the one reason when listening to this music one finds oneself becoming distracted from much else that is happening. Do you miss those strings hovering beneath it? I think you do. It’s rather the same with the eloquent phrasing of the cellos which tends to hide the solo horn above them - it’s rather difficult to focus on this music as a whole. In a rather characterless performance of this music this rarely matters, but the range of the NHKSO’s expressivity creates that same diaphanous opening of vocal colours you might hear in a Mozartian operatic quartet or sextet.

The track which sounds the least operatic on this disc is ironically the one which should - ‘Walkürenritt’. This is a considerably more energised account than the Simon Rattle/BRSO performance from his complete  Die Walküre. There is much fire and brimstone to the playing here - and some well controlled brass playing - though other than that it is neither more exceptional nor weaker than many other recordings of the piece.

‘The Entry of the Gods into Valhalla’ is quite another matter, however. This is such a tour de force of a performance it would have been almost counterproductive to have begun the disc with it. Although it is the end of a prelude to this vast operatic journey, it is in another way also the beginning and end of this orchestra’s instrumental revelation. What we hear are the summing up of careful balances - and this piece is especially notable for its harp writing weaving through the orchestra, or the undulating rhythms of the woodwind phrasing. But there is also a sweeping drama to how the NHKSO play this particular music as if it is being taken in one single vast ten-minute crescendo. Perhaps the volume of the orchestra at full tilt does stretch the limits of the recording in the final bars but in the end it is as meaningful an ending as any.

The qualities of this recording are very unusual. Even by the standards of conductors like Klemperer and Karajan, Järvi has taken an approach to  Der Ring des Niebelungen which is operatic rather than purely symphonic. The NHKSO is not necessarily more unique than some of the great European orchestras - but there is unquestionably a quality to this particular recording which is simply in a class of its own. You will not find a ‘Trauermarsch’ quite as black as this one - and none that even comes close to matching the final five bars, let alone equalling them. I’m not sure you listen to instruments playing in an orchestra and you think of great Wagnerian singers - this recording stretches the imagination to think like that simply because the solo phrasing from the orchestra is so beautifully defined to make you think that way. Some might not get that impression at all; others might entirely immerse themselves in that sound world. What is without question, in my view, is that this is one of the great Wagner recordings.

http://www.operatoday.com/content/2020/04/wagner_excerpts.php

Wednesday, April 08, 2020

Rondo Magazine Review on Mythos

Rondo Magazine
Matthias Siehler
04.04.2020


9. Sinfonie „Mythos“, „Incarnation of Tempest“, „Sow the Wind…“

Manchmal können Cover doch sehr sprechend und genau richtig sein. Sitzen zwei nicht mehr junge Männer am Strand, grauhaarig und kahlköpfig, beide in schwarzen Jeans und T-Shirt. Die Stühle betonen die gestellte Situation. Es ist sonnig, hinter flachen Felsen wellt sich ein nordisch ruhiges Meer bis zum Horizont. Das beschreibt den Inhalt wie die Interpreten von „Mythos“ sehr schön. Denn Erkki-Sven Tüür (60), Estlands nach Arvo Pärt zweitberühmtester Komponist, und Paavo Järvi (57), nach seinem Vater Neeme Estlands berühmtester Dirigent, sie kennen sich gut, haben früher gemeinsam als ein wenig angry young men in einer Rockband gespielt. Diese Schlachten sind geschlagen, jeder hat längst seinen Platz in der Klassik gefunden. Und jetzt haben die Freunde sich in einem von Järvis Herzensprojekten, dem Estonian Festival Orchestra vereint und führen Tüürs Musik auf. So wie dies auch jedes Jahr beim Pärnu Festival, dem musikalischen Familienfest der Järvi-Familie, auf dem Programm steht und wo diese Livemitschnitte mit dem exzellenten Festivalorchester entstanden sind.
Wieder bannt einen Tüürs kluge, doch atmosphärische Musik einer gemäßigten Moderne. „Mythos“ ist ein Auftrag zum 100. Jahrestag der Staatsgründung, die halbstündige Sinfonie in einem Satz tönt nicht offiziell, sie scheint dieses herbe Land in weichem Licht zu durchforsten, geräumige Klangflächen wechseln mit stimmungsvoll variablen, kleinteiligen Entwicklungen. „The Incantation of Tempest“ ist ein feinfühliges, kurzes Werk, entstanden für die Encores-Serie der Bamberger Symphoniker. „Sow the Wind...“ erweist sich als still beginnender, sich aggressiv, aber machtvoll orchestriert steigernder Zwanzigminüter, über den Zustand der Wind säenden und Stürme erntenden Welt. Nicht platt, eher hilflos, aber nachdrücklich melancholisch anklagend. Und somit sehr heutig.


https://www.rondomagazin.de/kritiken.php?kritiken_id=11010

Music Web Review on Mythos

MusicWeb International
Dominy Clements

Erkki-Sven TÜÜR (b. 1959)Symphony No. 9 “Mythos” (2017/18) [34:11]
Incantation of Tempest (2015) [4:17]
Sow the Wind… (2015) [21:19]
Estonian Philharmonic Chamber Choir
Estonian Festival Orchestra/Paavo Järvi
rec. 2018/19, Pärnu Concert Hall, Estonia
ALPHA CLASSICS 595 [60:06]


Erkki-Sven Tüür’s Ninth Symphony “Mythos” was composed as part of the 100th anniversary celebrations for the Republic of Estonia in 2018, and Tüür’s own booklet notes serve as the best introduction to the work: “The processes that lead to a surge of national consciousness and independence always have deep roots in mythological material, and these underlying layers are what I wished to hint at in my composition. Hence the title.” Origin myths and primordial chaos play their part in a powerful but also enigmatic opening, but Tüür is reluctant to ascribe too much in the way of descriptions of this kind, denying that the work is in any way programmatic.


For Tüür, “composing a symphony means creating a complex and complete world in all its diversity”, and you won’t find too many connections in this single-movement piece with ‘classical’ symphonies of the past. Tüür’s idiom is one that respects convention but stretches its boundaries, playing with the vast possibilities in a large orchestra but for instance also using microtonality on occasion to heighten certain effects. Tonality is by no means absent but there is an ever-present addition of chromatic colours, the harmonic progressions of which deliver shifting vistas and soundscapes rather than cadential phrasing. Striking sonorities and drama in action and reaction take us on a journey through uneasy but by no means ugly spaces. The density of events in this traversal grows as the symphony progresses, musical elements piling on top of each other in a counterpoint that retains a cloud-like identity while moving through a musical storm that relents without offering repose. The listener is an ‘observer’ whose perception of this symphonic world is its reflection, and “the observer’s position is revealed during the final minutes of the composition, after the increasingly fragmentary and intensifying development leads to a culmination.” This culmination is in some ways a return to the enigma of the opening, but in the end takes on an aspect of beauty; perhaps that of a tentatively verdant garden, but one that is not without its atmosphere of menace from outside forces.


The compact Incantation of Tempest was originally written to function as an encore, but ultimately became used as an overture. This is a piece with the feel of a symphonic movement, but one which has a cinematic feel: not in the usual Hollywood sense, but certainly with an ‘action sequence’ sense of visual motion and suspense.


Sow the Wind… takes its title from that famous Biblical phrase, “For they sow the wind, and they shall reap the whirlwind.” This is a direct reference to “reckless human activity” of many kinds, the consequences of which are being increasingly felt by today’s newer generations. As with Mythos there is no claim for this as a narrative reflection of concrete events, but there are ‘whirlwind’ moments that relate to the text. The form as a whole has a complex musical architecture that ultimately results in the orchestra growing into a giant machine that “seems to smash against an invisible wall and vanish” by way of conclusion. The eventful traversal towards that final smash generates passages of considerable eloquence, and this is by no means a ‘crash-bang-wallop’ kind of work even with the rock/jazz drums towards the end. All of these pieces demand focus and attention from the listener, but always reward engagement with music of substance and stirring content.


Erkki-Sven Tüür’s work can be found on the Ondine, ECM, Virgin Classics and other labels, and this release from Alpha-Classics is a significant addition to his discography. This recording marks a 25thanniversary in Paavo Järvi and Tüür’s ongoing creative collaboration, and the Estonian Festival Orchestra plays out of its skin – the only thing really betraying some of these performances as live concerts, aside from their exciting atmosphere, being one or two stray but perfectly timed coughs. The recorded sound is full and detailed, and presentation is good, with nice photos and booklet texts in English, German, French and Estonian.


http://www.musicweb-international.com/classrev/2020/Apr/Tuur_sy9_595.htm

Tuesday, April 07, 2020

So klingt der Frühling (auf Schallplatte)

Schwäbische
Silja Meyer-Zurwelle
05.04.2020


Dirigent Paavo Järvi und Designer Peter Schmidt präsentieren die Vinylausgabe der Schumann-Sinfornien (foto: Julia Baier)


Der ehemalige Häfler Jürgen Winkler arbeitet in Bremen seit Jahren an der Rehabilitierung der Schallplatte. Er spielt Bratsche bei der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, liebt die traditionelle Kultur Japans und wirkte bereits 2009 an der Realisierung einer Langspielplattenbox mit, auf der das Orchester unter Paavo Järvi die neun Beethoven-Sinfonien einspielte. Das jüngste Projekt, das er maßgeblich vorangetrieben hat, ist die Vinylausgabe der Schumann-Sinfonien mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen. Beide Veröffentlichungen stoßen auf enorme Resonanz.
Nach seiner Schulzeit in Friedrichshafen, zu der Jürgen Winkler durch den Arbeitsplatz seines Vaters kam, zog es den einerseits mathematisch, andererseits musikinteressierten jungen Häfler nach Tübingen. Dort begann er sein Studium der Fächer Mathematik, Biologie und Geografie. Doch schon während dieses Studiums widmete er der Streichmusik mehr Aufmerksamkeit, als Algebra, Vererbungslehre oder länderkundlichen Arbeiten. Es zog ihn über Dozenten in Tübingen und sein Talent zur Jungen Deutschen Philharmonie, bei der er einige Zeit mitspielte.


Aus dieser Jungen Deutschen Philharmonie hatte sich 1980 ein Kammerorchester gebildet, in dem Musikstudenten zusammen spielten. Ein Auftritt vor der Uno in New York hatte 1983 für Aufsehen gesorgt und vier Jahre später gründete sich in Frankfurt die Deutsche Kammerphilharmonie. Dieses Orchester zog 1992 an die Weser um. Das Orchester arbeitet gewissermaßen basisdemokratisch, die Musiker haben alle das gleiche Mitspracherecht und setzen sich für die unterschiedlichsten Projekte ein.


Die musikalischen Leiter waren seit 1995 Thomas Hengelbrock, zuletzt von 2011 bis 2018 Leiter der NDR-Elbphilharmonie in Hamburg, Daniel Harding, seit 2018 Leiter des Anima Mundi Festivals in Pisa und schließlich Paavo Järvi. Diese Erfolgskombi besteht seit 2004, führte zu vielen international beachteten Projekten und Einspielungen sowie Tourneen durch die ganze Welt.


Jürgen Winkler sieht die Vorzüge der Vinylschallplatte nicht unbedingt als Motor des Projektes, wohl aber als Anreiz. Er liebt das Go-Spiel, die meditative Ruhe alter japanischer Traditionen, warum dann nicht auch die heute bereits zur Zeremonie gewordene Bedienung eines Schallplattenspielers, mit dem Musik ganz bewusst wahrgenommen wird. Ein Mäzen aus Bremen, der jedoch nicht genannt werden will, hat dazu beigetragen, dass die Produktion der Beethoven-Edition auf neun Schallplatten in einer hochwertigen Box entstanden ist. Und er war Treiber des Schumann-Zyklus, der in einer von Peter Schmidt entworfenen minimalistischen Acryl-Box erschienen ist. Fünf Langspielplatten und ein umfangreiches Buch im LP-Format stecken zwischen den Acryl-Gläsern. Von dieser Ausgabe gibt es nur 555 Stück, 100 davon sind von Chefdirigent Paavo Järvi selbst signiert. Sowohl die mittlerweile vergriffene Beethoven-Ausgabe, wie auch der Schumann-Zyklus sind hochwertige Sammlerausgaben und überzeugen mit Einspielungen großer Sinfonien durch ein Kammerorchester – und gerade das sorgt für die Begeisterung bei den Zuhörern und den Erfolg der Bremer Musiker.


„Licht senden in die Tiefe des menschlichen Herzens – des Künstlers Beruf!“ das soll Komponist Robert Schumann einmal zum Ziel des Musiker-Daseins erklärt haben. In kaum einem seiner sinfonischen Werke wird dieser Ausspruch jedoch so deutlich, wie in seiner Frühlingssinfonie Nr. 1 in B-Dur. Schwer vorstellbar, dass Schumann die Seele – vor allem zum Ende seines Lebens – so schwer und trüb war, wenn man die Fröhlichkeit dieser Komposition hört.

Unverkennbar ist das majestätische Thema im mit „Andante un poco maestoso - Allegro molto vivace“ bezeichneten ersten Satz für all diejenigen, die diese Sinfonie schon länger kennen – und wer es das erste Mal hört, wird es so schnell nicht wieder vergessen.
Hörner und Trompeten kündigen den Frühling nach den Gedichtzeilen „Im Thale blüht der Frühling auf!" von Adolf Böttger, die Schumann inspiriert haben sollen, ganz ohne Worte, aber mit umso majestätischen Fanfarentönen an. Bei der Bremer Kammerphilharmonie hat schon dieser Anfang die perfekte Mischung aus einem hellen Bläser-Klang, der jedoch nicht der Versuchung nachgeht, ins Spitze abzudriften, und weicher, federnder Leichtigkeit. Zu viel verraten diese Takte dennoch nicht. Das Tempo bleibt unter Führung von Paavo Järvi gehalten, hier gibt es keine Ausreißer und niemand ahnt, welch’ sprudelnde Lebensfreude sich aus diesem Beginn noch entspannen wird.


Denn zunächst tut es der Rest des Orchesters den Solobläsern gleich und hier offenbart sich die Kammerphilharmonie als unglaublicher Klangkörper: geradezu saftig, aber nicht schwammig, entfaltet sich das Orchester wie ein einziges Instrument und badet in diesen ersten B-Dur-Akkorden. Einem Sonnenaufgang gleichend bilden die Streicher in den folgenden Takten einen glitzernden Teppich für die Holzbläser, die das Thema in sanfter Linie weiterspinnen.


Hier gefällt besonders, dass Järvi den Atem hat, dem Orchester und dem Ohr des Zuhörers Zeit für die Tonartwechsel zu geben. Fast schon kehrt Ruhe ein, doch schon kurbelt der Dirigent die Dynamik wieder an, winden sich die unter einem Bogen, also im Legato, gespielten Achtelketten durch die Streichergruppen wie aus einem Guss bis sie, erneut geführt von den Blechbläsern, im munteren Hauptteil dieses ersten Satzes münden. Mit perfekt abgestimmten Sechzehntel-Läufen, die hier unisono von den Streichern gespielt werden, bekommt die Aufnahme der Kammerphilharmonie nicht nur eine unglaubliche Frische – die Interpretation des Orchesters und seines Dirigenten verzichtet auch auf jegliche Stolperfallen, die dieses Stück sonst gerne birgt. Verspielt, mitunter stürmisch, aber nie überstürzt funktioniert die Kammerphilharmonie im besten Sinne nicht wie eine Menge einzelner Musiker, sondern klingt nach einem unglaublich homogenen Kollektiv.


Zwischen aller Aufregung in der Musik, allem Erwachen, das so gut zum Titel der Frühlingssinfonie passt, beweist das Orchester die Fähigkeit zum Malen der schönsten Klangfarben – ob in den weichen Themen der Flöten oder den sanften Streicher-Cantilenen. Das Orchester kostet diese Momente hörbar aus, zeigt seinen vielseitigen Charakter.


Dann stürzen sich Järvi und seine Musiker in eine feierlich-selbstbewusst klingende Coda, den Schluss des Stückes, als wollten sie die lebensbejahende Botschaft dieses ersten Satzes noch einmal besiegeln. Diese Einspielung macht definitiv Lust auf mehr und wer – um es mit Schumanns Worten zu sagen – „etwas Licht für sein Herz“ sucht, sollte sie unbedingt anhören: So klingt der Frühling!



https://www.schwaebische.de/landkreis/bodenseekreis/friedrichshafen_artikel,-so-klingt-der-frühling-auf-schallplatte-_arid,11208467.html