Saturday, April 21, 2018

Johannes Brahms - Ein deutsches Requiem

3sat.de

Brahms "Deutsches Requiem" ist ein Werk für die Lebenden. Nicht das Seelenheil der Verstorbenen ist sein Anliegen, sondern Trost für die Hinterbliebenen.

150 Jahre nach der Uraufführung der Bremer Fassung kehrt das "Deutsche Requiem" 2018 in den Dom der Hansestadt zurück - mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen unter der Leitung von Paavo Järvi, dem Lettischen Staatschor sowie Valentina Farcas und Matthias Goerne in den Solopartien.

Wie viele andere Werke Brahms entstand das "Deutsche Requiem" in mehreren Etappen und über einen großen Zeitraum hinweg. Nach langwierigen Vorarbeiten wurden 1861 erste Teile schriftlich fixiert. Doch es dauerte noch sieben Jahre, bis am Karfreitag 1868 erstmals eine vollständige Fassung mit sechs Sätzen im St. Petri Dom in Bremen erklang. Die Aufführung wurde vom Komponisten selbst dirigiert. Sie war ein großer Erfolg und bedeutete einen entscheidenden Wendepunkt in Brahms Karriere. Vorher eher als Klaviervirtuose wahrgenommen, wurde er jetzt schnell als Komponist bekannt. Nochmal ein Jahr später wurde dann die heute allgemein gespielte siebensätzige Fassung in Leipzig uraufgeführt.

Mehr Oratorium als TotenmesseDer Titel allerding führt auf die falsche Spur, denn die berühmten Requiem-Vertonungen mit ihrer festen Bindung an die Liturgie der katholischen Totenmesse sind kein Vorbild für das "Deutsche Requiem". Eher könnte man es als Oratorium auffassen, das ohne liturgischen Ort konfessions- und religionsübergreifend ist.

Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen spielt das Werk in der Fassung mit sieben Sätzen. Allerding orientiert sie sich hinsichtlich der Orchesterstärke an der Anzahl der Mitwirkenden, die Brahms seinerzeit zur Verfügung stand. Und die war deutlich geringer als heute üblich.


Mit
Valentina Farcas Sopran
Matthias Goerne Bariton
Koris Latvija Chor
Deutsche Kammerphilharmonie, Bremen Orchester
Paavo Järvi Musikalische Leitung

http://www.3sat.de/page/?source=/musik/196956/index.html

Friday, April 20, 2018

‘Brexit will isolate British musicians,’ warns Estonian conductor Paavo Järvi

classicfm.com
Maddy Shaw Roberts
20.04.2018

“Brexit won’t make the lives of British musicians any easier. It will isolate a lot of them and create logistical and financial barriers,” the Estonian maestro told Classic FM.


Paavo Järvi is the Estonian conductor and long-time Music Director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen.

Last week, he conducted the orchestra in a performance of Brahms’ German Requiem, which they played in the same place in which it was premiered 150 years earlier as part of their five year-long Brahms series.

After the concert, Järvi spoke to Classic FM about the potential impact of Brexit on British musicians and music institutions.

“I know a lot of British musicians, and I do a lot of work with the Philharmonia Orchestra in London, who are fantastic. I am a bit sceptical and worried,” he said.

“It won’t make the lives of British musicians any easier, and it will certainly isolate a lot of them and create logistic and financial barriers.”

Paavo Järvi and the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen at Bremen cathedral, 10 April 2018

What impact will Brexit have on British music institutions?


“I think a lot of people who would have wanted to come and study music in England will not be able to do so, and they’ll choose to go somewhere else – and students from places like Eastern Europe will no longer look at London as a ‘Mecca’ for studying music.

“It will have a very serious, negative impact. Musicians are all brothers – whether you’re in an orchestra in London or Paris, Birmingham or Lille.

“But some clever opportunists have hijacked the whole country, without thinking about consequences.”

Will Brexit impact your orchestra, the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen?

“Yes. Our principal clarinettist is British, and it’s a very serious issue, because he might not be able to work here anymore. Somehow we’ll have to find a solution to keep him, because he’s fantastic.

“But these issues in today’s world shouldn’t be happening. We have evolved as humans enough to not create these unnecessary bureaucratic barriers.”

http://www.classicfm.com/music-news/brexit-isolate-british-musicians-paavo-jarvi/

Thursday, April 19, 2018

TRIPLE CONCERTO ET TRIO DE BEETHOVEN PASSIONNANTS AUTOUR D’ANNE GASTINEL

resmusica.com
Jean-Luc Caron
19.04.2018




Les artistes de ces enregistrements réalisés en Allemagne nous offrent deux lectures du Beethoven trentenaire où se côtoient, avec élégance et détermination, la frénésie et la mélancolie dont était si friand le Maître de Bonn.


Beethoven travailla sur le Triple Concerto pour piano, violon, violoncelle et orchestre pendant les années 1803-1804, alors que la création publique, à Vienne, attendit 1808. Le compositeur concrétisa là son souhait de façonner un nouveau cadre formel s’éloignant des habitudes héritées du passé, à savoir les trios, le concerto grosso et même le concerto de soliste. L’opus 56 n’en prend pas moins les habits d’une symphonie concertante. Les trois solistes, excellents et bien en place, défendent brillamment leur partie sans égoïsme aucun, ni volonté de domination individuelle, au profit d’un déroulement thématique exemplaire tant au niveau de l’expression mélodique qu’à celui de l’entente rythmique.

Sous l’autorité de Paavo Järvi, tout est parfaitement juste et reste sous contrôle, sans que pour autant les solistes n’aient à pâtir d’un excès de contrainte. Tous répondent avec justesse au rôle dévolu spécifiquement par le compositeur aux trois solistes qui affrontent sans timidité aucune les forces orchestrales tout en partageant leurs rôles solistes. Et même si le Triple Concerto ne figure pas au rang des indiscutables réussites de Beethoven, les interprètes de cette gravure nous en offrent une grande lecture, parée de la meilleure façon.

Pour le Trio pour piano, clarinette et violoncelle en si bémol majeur, les solistes précédents (moins Gil Shaham) sont rejoints par Andreas Ottensamer, admirable clarinettiste autrichien. On se laissera emporter par le sympathique troisième mouvement, Allegretto, un thème suivi de neuf variations, inspiré par un air à la mode « Pria ch’io l’impregno » tiré d’un opéra-comique de Joseph Weigl (Le Corsaire par amour) présenté en création au Théâtre de la Cour de Vienne fin 1897. Une belle leçon de musique au service du « Grand sourd ».

http://www.resmusica.com/2018/04/19/triple-concerto-et-trio-de-beethoven-passionnants-autour-danne-gastinel/

Wednesday, April 18, 2018

This orchestra performed Brahms’ Requiem in the place where it was premiered 150 years earlier

classicfm.com
Maddy Shaw Roberts
18.04.2018

A powerful moment of musical history recreated: Brahms’ German Requiem, played in the same place in which it premiered exactly 150 years earlier. Maddy Shaw Roberts reports from Bremen.


There’s something quite moving about sitting in that bubble of pre-concert anticipation, knowing that the last time anyone heard this music in this place was when the composer himself conducted it at the premiere.

Last week, Paavo Järvi was in Bremen Cathedral to conduct the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen and the Latvian State Choir in a performance of A German Requiem – the piece that Brahms had conducted in the very same cathedral 150 years ago.

“I’ve always loved this piece,” said Järvi, “not because I liked it at the beginning as a piece of music – but because when I was five years old, my father [Neeme Järvi, also a famous conductor] was listening to it, and he turned to me and said, ‘This is the greatest piece ever written’.

“And to me, it didn’t sound like the greatest piece ever written – because for a five year old, it’s heavy. But as you get older, you start to understand the beauty of it, and the sense of depth that Brahms somehow manages to convey even though he was only 35 years old when he wrote it.

“There’s something profound about it, and also something simple, and enormously beautiful and touching.”



So, what’s the German Requiem all about?

Like most requiems, Brahms’ epic choral composition was a musical response to the death of a loved one: his mother, Johanna, who passed away in 1865.

But there was someone else, too. Eleven years earlier, Brahms started composing the Requiem, but stopped when his best friend and fellow composer Robert Schumann tried to commit suicide. He died two years later – and Brahms said that his composition really ‘belonged to Schumann’.

According to some stories, Robert Schumann’s widow Clara – with whom Brahms was almost certainly in love his whole life – was at the premiere in 1868. We’ll imagine that was a pretty intense evening for both of them…

> Why was Brahms’ Requiem called a ‘German’ Requiem?
A mass for the living

“We always have this idea that Requiems are a mass for the dead. In a way, that’s what they’re supposed to be, but in this particular case, I think it’s a mass for the living,” said Järvi.

“I hear a lot of hope in this music, and I see something very personal that Brahms writes about. He inserts elements which are uncharacteristic of a Requiem, including the soprano solo, which adds a very human dimension.”

(...)


“It’s interesting that one appearance of an angelic female voice changes the DNA of the whole piece, bringing a moment of enormous intimacy,” said Järvi.

“For me, this shows the Requiem has far more to do with living hope and love, than death.”

Why was the Requiem performed in Bremen?

Bremen is renowned for its music – it even has these guys, the ‘town musicians of Bremen’, guarding the town hall:



But it’s also a very small, north German town – and unlike Hamburg or Berlin, it has no big concert hall, just a humble cathedral.

“The good thing about [holding the performance here] is that a lot of the citizens of Bremen came to the concert who ordinarily wouldn’t come – because it was a sense of occasion they wanted to witness,” said Järvi.

“It brought the point home that in this small town, 150 years ago, there was this amazing man, premiering his work. People knew that was something worth celebrating.”

Paavo Järvi and the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen will continue their Brahms cycle on 13 June 2018 at the Philharmonie Luxembourg, with Brahms’ Double Concerto and his Symphony No. 2. Click here to find out more.

theartsdesk in Bremen: 150 years of A German Requiem

theartsdesk.com
David Nice
18.04.2018

Paavo Järvi conducts Brahms's dramatic masterpiece in its original cathedral location





They did things differently in 1858. Between the movements of Brahms's surprising new Requiem in the Biblical German of Martin Luther, resounding in Bremen's Romanesque Cathedral on Good Friday, came "Erbarme dich" from Bach's St Matthew Passion, Schumann's "Abendlied" and "I know that my redeemer liveth" from Handel's Messiah. Absent from the Requiem at that time was Brahms's own ineffable movement with soprano soloist. Much as Paavo Järvi and his Deutsche Kammerphilharmonie Bremen liked the idea of resurrecting the original programme 150 years later, to proceed without the "extra" number of Ein Deutsches Requiem would have been like performing Mozart's Don Giovanni in the original Prague version, without Donna Elvira's “Mi tradi,” so they settled on a straight performance of the work as we know it.

Nevertheless this impressively manoeuvred anniversary celebration could only be on the same date, 10 April - albeit not Good Friday, when amateur forces had squeezed in a performance between services - and in the same place: the St Petri Dom. The Dom is one of three remarkable buildings the north side of the Marktplatz, one of the most beautiful German squares. There's also the rival people’s hall church of Our Lady and, in between, the greatest architectural glory of the three, the Rathaus of 1405-10 with its extraordinarily rich facade. That was completed in 1612 in what is known as "Weser Renaissance" (after the river which brought Bremen its prosperity as a member of the Hanseatic League). The idea was to outstrip the Renaissance splendour of the merchant’s hall, the Schütting, on the square’s south side. It succeeded.In the bombing of World War Two which destroyed 60 percent of the city's buildings, the Rathaus was somehow spared along with the gigantic 1404 stone statue of Charlemagne's nephew Roland, champion of the Bremen townsfolk. Both the statue and the Rathaus have UNESCO world heritage status, and Bremen remains a free city-state like Hamburg and Berlin, with senators rather than cabinet ministers sitting in the State Parliament on the main square. Given that the Marktplatz has buildings from so many centuries jostling for attention, it seems a bit churlish to object to the design of Wassili Luckhardt, completed in 1966, which combines symbolic glass transparency with a reflection of the Rathaus’s design. At least this is a square still working with the same purpose for which it was designed.

The one interior that has to be seen is the main hall of the Rathaus, on the first floor above the wooden-beamed Gothic former market and assembly hall. Model trading ships hang from the ceiling; a whale and large fish are featured among the paintings high on the walls, which also include a fresco featuring the Cathedral between Emperor and Archbishop dating from 1532 (pictured below). The Güldenkammer within the hall extends the glory of the Weser Renaissance façade. While on my visit receptions before and after were held in first floor rooms, it was to the secret space in the Ratskeller that Brahms, Clara Schumann and other leading lights of German music came after the premiere of A German Requiem. Bacchus has been vital to Bremen ever since the Church granted monopoly of the wine trade to Bremen in 1405, and the great German wines came travelling northwards along the country’s longest river. Redolent with the port-like aromatic fumes released from the giant caskets, it has an air of mystery, and the Rosicrucian symbol painted on the ceiling. The oldest barrel of wine in Germany, dating from 1653, has pride of place at a kind of altar in a mysterious setting entirely lit by candlelight. Town councillors came here to exchange words which could never be spoken anywhere else. The biggest privilege, though, was to hear an orchestra of about the size Brahms conducted in 1868 in more or less the same impressive Romanesque interior the composer from nearby Hamburg knew and loved. Subsequent remodelling after 1858 meant, for instance, that you would never get chorus and orchestra in the current organ gallery, as they were at the first performance. For Järvi, taking on the same acoustics was always going to be a leap of faith. Most of us have experienced German Requiems in a sharper concert-hall environment, where the demands of Luther's fiery, consonant-spitting text on both choir and soloists can yield surprisingly operatic results.

It was noble, in this centenary year of the Baltic states, for the Deutsche Kammerphilharmonie's Estonian conductor to choose 60 stalwart voices from Riga, the Latvian State Choir. They could, of course, have been coached to a high level of German delivery. But that didn’t seem to have been the aim of their chorus master; and then the eldest of the two Järvi sons, unlike their father Neeme, doesn’t have much experience of opera.


From a conductor who’s won high drama in the great symphonies from the Philharmonia and his remarkable Estonian Festival Orchestra, there was little attempt to get the choristers to project the meanings, little direct verbal communication between conductor and choir. And having witnessed an electrifying theatricality from the last two choruses I’d heard in the work, those of the Royal Opera and English National Opera, the accurate but neutral singing was something of a disappointment.

Not so the very different projection of the two soloists. Matthias Goerne (pictured rightwith Järvi and the other performers), whom I last saw as a Wotan with his head in the score against an otherwise very dramatic team in Jurowski’s concert staging of Wagner’s Das Rheingold, was on top form, hands free to express the Old Testament figure he cut in a text he set on fire, the voice this time free and resonant throughout the range.

Romanian soprano Valentina Farcas (pictured below) had that same evenness, and something even more rare in what has to come over as a deceptively easy and ethereal sound – textural clarity in the upper register. Her fusion with the ineffable Bremen woodwind in the dying fall of her movement was a truly magical moment which the acoustics couldn’t muddy. No doubt there was much inner clarity going on within the orchestra, but you simply couldn’t hear much of it. At least Järvi kept the music on the move; no one wants a stodgy German Requiem, of which there have been plenty failing Brahms in his expressive objectives. Here the interest was held throughout. Though the circumstances provided some of the necessary emotion, then, it was difficult to get a clear picture of Järvi’s interpretation. That it offered food for thought on how to approach Brahms in a week which also entailed mulling over conductor Robin Ticciati’s arguments for the power of word and idea in the composer’s music, the supposedly abstract symphonies included, only added to the non-stop dialogue we all need to have with this most complex and at times elusive of composers. Järvi’s post-concert feeling was that in future he only wants to conduct Ein Deutsches Requiem in an ecclesiastical setting; mine would be that I can’t wait to hear it again in a concert hall with superb acoustics.

I do, though, want to encounter this superlative orchestra again in its revelatory home town, which has the equal riches of the Paula Modersohn-Becker and Roselius-Haus Museums in the 1920s half-Expressionist re-design of Böttcherstraße south of the Marktplatz. Oh, and what about the squally old donkey, cat, dog and rooster of the Grimm fairy tale who’ve led Bremen to be dubbed “the town of the Town Musicians”? Though there’s a splendid statue to them on the Keller-entrance side of the Rathaus by Bauhaus sculptor Gerhard Marcks, erected in 1951, unlike Brahms, these not-so-serious singers never got as far as the centre, settling down instead to enjoy the forest home of the robbers they’d frightened away with their din. In any case, perhaps Bremen was always too good a musicians' city to host them.

https://theartsdesk.com/classical-music/theartsdesk-bremen-150-years-german-requiem

Estonian Festival Orchestra | Sinfonie Nr. 6

fonoforum.de
Giselher Schubert
18.04.2018




Das Spiel- und Interpretationsniveau von Aufnahmen der sechsten Sinfonie lässt sich gleich mit den ersten Takten erkennen: mit der Intonation des Hauptthemas im Unisono der tieferen Orchesterinstrumente, das oft genug „verwackelt“ wird, unausgeglichen-polternd klingen und dynamisch in Instrumentengruppen auseinanderfallen kann, kurz: schlampig-charakterlos klingt.


Doch wie eindrucksvoll kann dieses Thema in die Sinfonie einführen, wenn es, wie hier, mit absoluter Homogenität in einer Art ausgespielt wird, als erklinge ein einziges, noch nie gehörtes Instrument. Das ist orchestertechnisch schlechterdings bestechend realisiert!

Das komplementäre Aufführungsproblem ergibt sich dann bei den zahlreichen solistischen Passagen, die interpretatorisch gerade so weit zu individualisieren sind, dass der musikalische Kontext immer noch spürbar bleibt. Paavo Järvi gestaltet das alles geradezu mustergültig aus – gestützt auf eine ungemein musikalisch wirkende Spielkultur des Estonian Festival Orchestra, dessen Perfek­tion unangestrengt und selbstverständlich wirkt. Die sechste Sinfonie mag nicht zu den spektakulärsten Sinfonien von Schostakowitsch zählen, aber in solcher Einspielung erweist sie sich als reicher und in ihrer abenteuerlichen Satzfolge vom epischen Largo des Kopfsatzes über ein scherzohaftes Allegro als Mittelsatz bis hin zum turbulenten Presto des Finale als stimulierender als etwa die vielgespielte Fünfte.

Die Sinfonietta op. 110b nach dem achten Streichquartett des Meisters, die hier in chorischer Streicherbesetzung mit Pauken die Einspielung der Sechsten ideal ergänzt, erweist sich in der Bearbeitung durch Abram Stasevich als ein vollgültiges, ungemein wirksames, ja unter die Haut gehendes Orchesterwerk: Man kann sich kaum mehr vorstellen, dass die Musik auch in der ursprünglichen Quartettbesetzung wirken kann. Mit diesen Einspielungen zählt das Orchester unbedingt zu den führenden Klangkörpern schlechthin.

http://www.fonoforum.de/rezensionen/klassik-mai-2018/rezension/tx_news/estonian-festival-orchestra-sinfonie-nr-6/?tx_news_pi1%5Bcontroller%5D=News&tx_news_pi1%5Baction%5D=detail&cHash=27c3f59cee2ed355f58abded9a4c4ae5

Monday, April 16, 2018

Lieder aus tiefster Seele

abendblatt.de
Florian Zinnecker
16.04.2018

Bariton Matthias Goerne und die Kammerphilharmonie Bremen im Großen Saal

Hamburg. Mit Franz Schubert, sagt der Bariton Matthias Goerne im Programmheft, könne man den ganzen Menschen erklären. Und das ist zum Glück der einzige Trugschluss an diesem Abend: dass es beim Gastspiel der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, mit Paavo Järvi am Pult und Matthias Goerne als Solist im Großen Saal der Elbphilharmonie, doch auch nur wieder darum geht, irgendwas zu erklären. Als wäre mit einem der derzeit besten und spannendsten Klangkörper und dazu einem Sänger, von dessen Möglichkeiten später noch ausführlich die Rede sein wird, nicht mehr als nur das möglich.

Aber, zum Glück – dass sie keineswegs die Absicht haben, sich damit zu begnügen, machen die Musiker schon in der "Rosamunde"-Ouvertüre deutlich und hören bis zum Ende der Sinfonie Nr. 4 nicht auf damit. Werke, bei denen das Wiederhören an diesem Abend tatsächlich einer Neuentdeckung gleichkommt.

Ähnliches gelingt auch Goerne zwischen den beiden Orchesterstücken: mit sechs Schubert-Liedern in Orchesterbearbeitung. Goernes Qualität zeigt sich nicht nur darin, wie er singt, sondern auch darin, wie er nicht singt, nämlich: Er stellt sich nicht als Träger seiner Stimme auf die Bühne, fährt dann seine Stimme aus und führt die Lieder nach­einander vor, als wären es emotionale Turnübungen. Er lässt sich selbst aber auch nicht völlig in den Tönen verschwinden. Sondern: Er singt, als sänge er sich selbst etwas von der Seele. Jeder Ton ist ihm ein Bedürfnis, und es gibt nur wenige Passagen, in denen das Bild bricht, weil die von Schubert komponierten Töne ihm dann doch ein wenig zu unbequem und zu hoch liegen. Und auch das ihm eigene Kratzen, diese leichte Rauheit, von der man nie so genau weiß, ob sie so gewollt oder einfach so gewachsen ist: Sie fügt sich gut ein ins Klangbild, weil die Töne nicht strahlen, sondern beschlagen wirken – mit einer Patina, die sie eher noch edel macht und auch in die Stille zwischen den Liedern hinein wirken lässt.

Apropos Stille: Die Elbphilharmonie hat nun ein Machtwort gesprochen, es steht im Programmheft, gleich unter dem Spielzettel für den Abend: "Wir bitten Sie, nicht zwischen den einzelnen Sätzen und Liedern zu applaudieren." Es war im bisherigen Konzertbetrieb wegen überraschenden Applauses ja immer wieder zu Irritationen gekommen, deshalb lautet die Bitte jetzt auch in diesem Haus, das den Rahmen des Mög­lichen ausdrücklich neu ausloten will: Bitte so wie bisher und überall sonst. Aber gerade bei diesen Musikern, denen das frisch zubereitete Gefühl so viel mehr gilt als die Konserve, hätte man doch gern auch zwischen den Sätzen geklatscht.

https://www.abendblatt.de/kultur-live/article214027123/Lieder-aus-tiefster-Seele.html

Thursday, April 12, 2018

Des Hamburgers Brahms 150-jähriges Bremer Jubiläum

welt.de
12.04.2018

Wir schreiben den 10. April 1868. Johannes Brahms höchstselbst steht am Dirigentenpult. Erstmals erklingt seine Musik, die Trauernden Trost spenden soll: Der Komponist hebt „Ein Deutsches Requiem“ aus der Taufe – im St.-Petri-Dom zu Bremen. Seiner Hamburger Heimat hat er zuvor verschnupft den Rücken gekehrt, denn der erwartete Direktorenposten der Philharmonischen Konzerte ging an ihm vorbei. Der Prophet im eigenen Land ist nichts wert. Dafür beschert dem 34 Jahre jungen Meister die andere Hansestadt einen Triumph. Dem wohnt seine verehrte Clara Schumann als Überraschungsgast ebenso bei wie sein Vater und sein Kollege Max Bruch.

Exakt 150 Jahren später steht nun ebenda Paavo Järvi vor der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen und leitet anlässlich des Jubiläums der Uraufführung das Festkonzert dieser Religionsgrenzen sprengenden Kantate. Brahms' flotte Metronomangaben ernst nehmend setzt Järvi auf sanglich flüssige Tempi. Kontrastdynamisch kostet er mit Bariton Matthias Goerne gleichsam geflüsterte Pianissimi aus, wenn vom Geheimnis der Verwandlung die Rede ist, um ihnen wuchtig die Frage entgegenzusetzen: „Hölle, wo ist dein Sieg?“ Es ist die lyrische Intimität des Monumentalen, die an diesem Abend berührt. Dank der musikalisch gelebten Städtepartnerschaft Bremens mit Riga ist der lettische Staatschor zu Gast – und singt mit herrlich reinem Klang von den lieblichen Wohnungen des Herrn Zebaoth. Das gleißende Licht des in sanft schattierten Farben jubilierenden Spitzenchores macht die Auferstehungshoffnung zur Gewissheit. Sopranistin Valentina Farcas stimmt ihr Solo schlicht, ungeschminkt und fettfrei an. Der gefeierte Brahms-Zyklus der Kammerphilharmonie biegt in die Zielgerade ein.

https://www.welt.de/print/die_welt/hamburg/article175374545/Bremer-Dom-Des-Hamburgers-Brahms-150-jaehriges-Bremer-Jubilaeum.html

À AIX, LE FESTIVAL DE PÂQUES TROUVE SON RYTHME DE CROISIÈRE

resmusica.com
Florence Michel
12.04.2018




Autre programmation alléchante en cette fin de deuxième semaine : la venue de Paavo Järvi accompagné du Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Au cours de cette soirée consacrée à Johannes Brahms, la violoniste allemande Veronika Eberle interprète le fameux concerto du Maître. L’introduction de l’Allegroatteint des sommets expressifs. Bois aériens, violons cristallins, gravité des cuivres… Du velours pour la jeune soliste, dont le jeu solide s’illustre avec passion et qui apparaît plus convaincante dans le registre dramatique que dans les nuances douces. Avec un jeu plein souvent viril et une façon toute particulière d’attaquer la première note de certains phrasés, la violoniste se livre totalement, sans retenue. Si ses aigus sont magnifiques, la véhémence du discours fait la différence dans les mises en tension et les montées en puissance. La direction magistrale de Paavo Järvi déploie une pâte orchestrale équilibrée. Il offre une vision sur la grande ligne mais aussi un soin fluide du détail. Le dialogue qui s’instaure ne manque pas de contrastes ni de profondeur. Le Finale est à ce titre brillant, sans être pour autant clinquant. Sa tonalité tzigane et jubilatoire épouse parfaitement la technique incisive d’Eberle, longuement applaudie par les festivaliers.

La Symphonie n° 1 de Brahms constitue le deuxième morceau de choix de ce concert. Par bien des aspects, elle s’apparente à la Quatrième de Schumann, mais aussi à la matière beethovénienne notamment avec la tonalité d’utmineur, de connotation tragique, ou avec l’utilisation de cellules rythmiques obsédantes sans parler du thème dans le Finale qui fait penser à l’Ode à la joie. Pourtant, l’essence même de cette œuvre est bien brahmsienne, notamment du point de vue de l’originalité du langage harmonique, sans oublier les réminiscences picturales des contrées nordiques, avec la nature qui n’est jamais loin.

Le Deutsche Kammerphilharmonie respire cette musique et gomme toute lourdeur. On est saisi d’emblée par l’unité et la finesse de la construction qui ne force aucun tempo. Chaque plan est d’une clarté exemplaire. Une seule voix s’élève des tutti avec une puissance vibrante sans tomber dans l’emphase. Chaque pupitre brille par la beauté de ses solos, en particulier la remarquable section des bois. Le Un poco Allegretto e grazioso met en lumière avec fraîcheur la douceur d’un tableau champêtre avant ce Finale monumental marqué par une progression magistrale. Les musiciens offrent en bis deux Danses Hongroises de Brahms comme pour prolonger l’invitation au voyage.

http://www.resmusica.com/2018/04/12/a-aix-le-festival-de-paques-trouve-son-rythme-de-croisiere/

Wednesday, April 11, 2018

Transparenz ohne Verlust

kreiszeitung.de
Ute Schalz-Laurenze
11.04.18

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© Baier

Manches an diesem Konzert im Bremer Dom ist anders: Helfer laufen mit Plakaten umher, auf denen Dinge stehen wie „Nordschiff“ oder „Südschiff“. Bedeutet das, dass viele Konzertbesucher von Johannes Brahms‘ „Ein deutsches Requiem“ den Dom als Konzertort noch gar nicht kennen?
Dann hätten sie schon viel verpasst, so gut und innovativ sind die verschiedenen Musikzyklen. Dass am vergangenen Karfreitag Tobias Gravenhorst mit dem Domchor dasselbe Werk aufführte, war allerdings keine sonderlich glückliche Planung.

Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, die sich mit ihrem Leiter Paavo Järvi seit einigen Jahren intensiv mit dem Werk von Brahms beschäftigt, lässt es sich am Dienstag nicht nehmen, eins der größten Werke des Komponisten am Ort seiner triumphalen Uraufführung zu präsentieren, 150 Jahre zuvor, am 10. April 1868, unter der Leitung des Komponisten.

Vor der Uraufführung hatte jener an den Domorganisten Carl Reinthaler geschrieben: „Ich wünsche herzlich, die Bremer mögen den Eifer behalten. Gestehen will ich, sie bewundern zu müssen, wenn wir in der Karwoche recht vergnügt sein können. Mein Werk ist doch recht schwer, und in Bremen geht man doch bedächtiger zum hohen A hinauf als in Wien.“ Brahms hatte mit seiner Voraufführung in Wien unsäglichen Schiffbruch erlitten.

Empore einfach zu klein für die Besetzung

Am Dienstag ist die Empore zu klein für die große Orchester- und Chorbesetzung, zudem gab es einige raumgreifende Präparationen für einen Mitschnitt von 3sat. Es ist eine große Aufführung, die der Lettische Staatschor „Latvija“, das Orchester und die Solisten Valentina Farcas und besonders der stimmstarke Matthias Goerne vollbringen. Es ist keine Neuigkeit, dass Paavo Järvi für strukturelle Transparenz sorgt, ohne emotionale Verluste bei den großen Crescendi.

Die Spanne zwischen fast nicht mehr hörbaren Pianissimi und gewaltigem Fortissimo ist beträchtlich und geht unter die Haut. Gerne möchte man da die Worte des Theologen Julius Schubring wiederholen: „Musik von unbeschreiblicher Neuheit”. Der wie aus einer unbekannten Ferne mit dunkler Wärme kommende Anfang, die gedämpften, durch die dreifach geteilten Violinen, geheimnisvollen Klangfarben des zweiten Satzes, mit dem das Naturbild „Denn alles Fleisch, es ist wie Gras” gezeichnet wird: Dunkle Wärme ist der Effekt.

Diese auch unheimliche Fahlheit lässt den Mittelteil („So seid nun geduldig“) mit Flöte und Harfe nur um so deutlicher hervortreten. Ergreifend klar erklingt die Fuge des sechsten Satzes „Herr, Du bist würdig”. Darüber gelingt ein komplexes Ineinandergreifen von Trost und Schrecken, von freudigem Pathos und Rückzug in die Innerlichkeit.

Der profunde Bibelkenner Brahms schuf aus den Texten des Alten Testaments ein protestantisches Gegenmodell zur katholischen Totenmesse, dessen Trost die Aufführung wunderbar vermittelt. Die Wirkung der Uraufführung sei „überwältigend” gewesen, schrieb Brahms‘ Oldenburger Freund Albert Dietrich. So nun auch diese Aufführung.

https://www.kreiszeitung.de/kultur/transparenz-ohne-verlust-9771064.html

Ein Bremer Requiem

kreiszeitung.de
Mareike Bannasch
9.04.2018

Deutsche Kammerphilharmonie spielt Johannes Brahms



Bremen - Von Mareike Bannasch. Zielstrebig geht die Frau die grauen Stufen hinauf, schiebt ihre Sonnenbrille in die Haare und rüttelt an der Tür. Vergeblich. Der Bremer St.-Petri-Dom ist geschlossen – zumindest für die Öffentlichkeit. Hinter den dicken Mauern bereiten sich andere auf ihren großen Auftritt vor: Die Rede ist von den Musikern der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, die heute Abend „Ein Deutsches Requiem“ von Johannes Brahms spielen werden. Auf den Tag genau 150 Jahre nach der Uraufführung, die der Komponist damals selbst dirigierte.


Doch bis es so weit ist, liegen noch einige Proben vor dem Ensemble und ihrem Dirigenten Paavo Järvi. Genauso wie vor den Technikern, die durch die Reihen wuseln, letzte Kabel verlegen und immer wieder den Ton überprüfen. Das bereits seit Wochen ausverkaufte Konzert wird nämlich vom ZDF aufgenommen und am 22. April auf 3sat ausgestrahlt. Brahms‘ Requiem mit der Deutschen Kammerphilharmonie und dann auch noch am Ort seiner Uraufführung – dieses Konzept überzeugt auch Programmdirektoren.



Während Techniker genau diese Mischung ausbalancieren, unterbricht Paavo Järvi bereits zum dritten Mal das Orchester. Er ist nicht zufrieden, erklärt immer wieder mit großer Geste, wie er sich das Spiel vorstellt – und singt die Melodie schließlich vor. Anweisungen, die das Ensemble direkt umsetzt, Dirigent und Orchester kennen sich schließlich seit Jahren.

Dennoch, auch die Deutsche Kammerphilharmonie kann Brahms‘ Requiem nicht einfach vom Blatt spielen. „Als Musiker hat man es mit der besonderen Akustik im Dom nicht einfach“, erklärt Ulrich König. Der Bassumer ist Oboist und spricht ein Problem an, das viele Hörer aus dem St.-Petri-Dom kennen – seinen vergleichsweise langen Nachhall von 5,4 Sekunden (gemessen bei 1 000 Besuchern). Doch davon ist an diesem Morgen nichts zu hören, ganz im Gegenteil. Während der Klang des Orchesters durch das riesige Gebäude dröhnt und sich schließlich noch der Chor kraftvoll dazugesellt, bekommt der Zuhörer immer wieder Gänsehaut.
Zeit zum Proben verloren

Bei einem Orchester vom Rang der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen ist solch ein Klangerlebnis eigentlich erwartbar, dennoch: Dass hier alles fast reibungslos klappt, ist nicht selbstverständlich. Denn das Ensemble hat Zeit zum Proben verloren. Nach Gastspielen in Paris und Aix en Provence in der vergangenen Woche gerieten die Musiker in die Streiks in Frankreich, und die Rückreise verzögerte sich. Eine Verschiebung, die auch Auswirkungen auf den Probenplan hat – mit einer Ausnahme. Die Generalprobe stand in jedem Fall am Montagabend auf dem Programm, die Kameras mussten auf das Abendlicht eingestellt werden.

Und auch wenn Ulrich König bereits zum fünften Mal Brahms‘ Requiem spielt, ist dieses Konzert etwas ganz besonderes für ihn. „Es ist sehr berührend, wenn man sich vorstellt, dass der junge Brahms genau an dieser Stelle gestanden und sein Requiem, das er extra für den Dom komponierte, dirigiert hat.“ Eine Komposition, die dem 35-Jährigen zum Durchbruch verhelfen sollte und mit seinen fließenden Akkorden und Texten voller Trauer und Zuversicht bis heute Millionen zu Tränen rührt. Mit Sicherheit auch heute Abend.

Johannes Brahms „Ein deutsches Requiem“ mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen ist am 22. April um 11.30 Uhr auf 3sat zu sehen.
https://www.kreiszeitung.de/kultur/bremer-requiem-deutsche-kammerphilharmonie-spielt-johannes-brahms-9764816.html

Paavo Järvi and the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen light up the Aix Easter Festival

bachtrack.com
Mark Valencia
9.04.2018

As an opera house fit for a Ring – Simon Rattle’s first, to be precise, with Die Walküre its inaugural production in 2007 – the Grand Théâtre de Provence also does a passable impersonation of a purpose-built concert hall. Acoustic panels that turn the stage into a platform blend naturally with the surrounding architecture to provide the Festival de Pâques, the Aix-en-Provence Easter Festival, with a flagship venue for its ambition to rival Salzburg.



In the closing days of a fortnight that has included visits from the LSO, the Vienna State Opera and the Russian National Orchestra, Paavo Järvi brought his Deutsche Kammerphilharmonie Bremen to the party and scored a palpable popular hit. Aimez-vous Brahms? For anyone who thought they didn’t, this sharp, disciplined band will have made converts.

There were only two works: the Violin Concerto in D major and the First Symphony. Conducting a contingent of slightly fewer than 50 players, with divided violins and a cheek-by-jowl disposition, the elegant Estonian maestro took a surprisingly big-boned approach in both works. The strings, who numbered just 10, 8, 6, 6 and 4, had bloom enough for late Mahler, let alone this pair of romantic giants.

Young German violinist Veronika Eberle gave a passionate reading of the concerto. Her instrument seemed embedded within her, like an organic attachment to her own voicebox, and she all but sang her way through it. Eberle’s technical engagement throughout the epic first movement culminated in a cadenza that she played like a dance, with tempo choices that were both unfamiliar and revelatory, before swooning her way to a dreamy coda.

After that ocean of busy string work, the extended passage for oboe solo and woodwind that opens the central Adagio serves as an aural sorbet. It was exquisitely played, although the movement as a whole passed without incident either good or bad. Neither the soloist nor conductor had much to say so it wandered – as, for the only time in an otherwise invigorating concert, did my mind. Thank goodness for a finale that introduced a burst of fire and a hurtling sense of purpose.

Järvi shuffled his pack slightly for the C minor Symphony, with a change of principal oboe and a new timpanist, but the orchestral palette remained generous and the dense note-forest of Brahms’s introductory Allegro opened up to the ear. The First is a noble symphony but it is thickly scored; yet the Bremen players’ journey through the composer’s belated first foray into symphonic writing (if one excludes the first Piano Concerto, which began life as an aborted draft of a symphony) unpicked its arguments with technical aplomb.

The slow movement brings a welcome leavening of the orchestral textures, and in Järvi’s hands it felt like a pause for breath and a brief respite from virtuosic display. This, though, returned in spades for the third movement, marked Un poco allegretto e grazioso but in reality a busy scherzo with tuttis galore.

Järvi’s stealth segue into the majestic finale was startling for its casual delivery, more the idle turn of a page than a change of mood, yet it heralded the evening’s climax in more ways than one. Through a small miracle of dynamics the conductor launched into the Beethovenian Big Tune with something approaching daintiness; but he was only pacing it. Exhilaration lay ahead and before long he gripped the auditorium in a whirl of enveloping elation. It was an ending if not to die for then at least to stand for, and stand they did.

https://bachtrack.com/review-brahms-jarvi-deutsche-kammerphilharmonie-bremen-aix-april-2018

Järvi Does Hindemith Proud

classicstoday.com
David Hurwitz



Yes, there are many fine versions of these works, and these performances stand among them. Hindemith doesn’t offer the interpreter many opportunities to give his music a distinctive profile: the key is keeping tempos lively and the playing up to snuff. Järvi does just that. Mathis der Maler’s finale is especially tricky in this respect, and here it moves with dispatch. The Symphonic Metamorphoses on Themes by Carl Maria von Weber similarly has plenty of virtuosity and brilliance. The Turandot-Scherzo really rocks, with the woodwind giggling maniacally and the brass having a blast.

The couplings are also interesting. Nobody plays the Five Pieces for String Orchestra in concert, but they are, like most Hindemith, good, solid music with plenty of character. Ragtime is supposed to be a funny parody of the C major fugue from Bach’s Well-Tempered Clavier, Book 1, but like most Hindemithian attempts at humor, the result comes across and more awkward and clunky. Järvi does all he can with it, though. Fine sonics cap a really fine release of music that seems to be hanging on to the fringes of the repertoire by its fingernails.

Recording Details:
Reference Recording: Mathis: Steinberg/BSO (DG); Symphonic Metamorphoses: Szell (Sony)

HINDEMITH, PAUL:

Symphony "Mathis der Maler"; Symphonic Metamorphoses on Themes by Carl Maria von Weber; Five Pieces for String Orchestra; Ragtime

Järvi, Paavo (conductor)
Frankfurt Radio Symphony
Naïve - 5434
CD

https://www.classicstoday.com/review/jarvi-does-hindemith-proud/

EFO Shostakovich CD review at allmusic.com

allmusic.com
James Manheim


The Alpha label has been reconfigured into part of the larger OutHere group, with a general repertory replacing the Renaissance and Baroque specialties of the sumptuously packaged former label. One thing has remained the same, however, at least in this release by conductor Paavo Järvi and the ad hoc but highly talented Estonian Festival Orchestra: packaging that delves into the context of the music involved. In this case you get pictures of Shostakovich with the Järvi family, whom he met on the Baltic coast in 1973. Whether that resulted in an especially sympathetic reading of the ShostakovichSymphony No. 6 in B minor, Op. 54, is debatable, but the fact remains that Järvi gets real zip into the finale, giving it a generous dose of the pure sardonic Shostakovich spirit. The orchestral version of the String Quartet No. 8 in C minor, Op. 110, is another matter. It is not the familiar orchestration by Rudolf Barshai but one by Abram Stasevich that adds a timpani, using it to emphasize some of the quartet's famous block chords. The timpani is not always present, and what Stasevich does falls less in the realm of arrangement than in that of recomposition. One may note that the festival setting is conducive to such floated ideas; one may also wonder what it is about this particular string quartet, lovely in itself, that keeps people fooling with it. Your mileage may vary. In any event, a fine and fun recording of the somewhat neglected Symphony No. 6.





https://www.allmusic.com/album/shostakovich-symphony-no-6-sinfonietta-mw0003135159

ZITAT DES TAGES

Der Standard
Ljubiša Tošić
3.04.2018





https://www.pressreader.com/austria/der-standard/20180403/281861529064377

Tuesday, April 10, 2018

Ein Werk, das zu Tränen rührt

domradio.de
Michael Althaus
10.04.2018

Vor 150 Jahren wurde das Brahms-Requiem uraufgeführt
Ein Werk, das zu Tränen rührt

Vor 150 Jahren führte Johannes Brahms sein Werk "Ein Deutsches Requiem" erstmals im Bremer Dom auf. Das Stück ist bis heute erfolgreich. Dabei ist es eigentlich gar kein Requiem und bricht mit der Konvention.

"Selig sind": Wenn der Chor nach der gedeckten Einleitung der Streicher ganz leise diese ersten Worte des Brahms-Requiems haucht, sorgt das bei manchem Zuhörer für Gänsehaut. Die sanft ineinanderfließenden Akkorde dieses Stücks, gepaart mit Texten voller Trauer und Zuversicht haben schon viele Musikliebhaber zu Tränen gerührt. Am 10. April 1868 - vor genau 150 Jahren - wurde "Ein Deutsches Requiem" von Johannes Brahms (1833-1897) im Dom zu Bremen uraufgeführt. Heute gehört das Stück für Chor, Solisten und Orchester zu den meistaufgeführten Werken der deutschen Romantik.

Schon zu Lebzeiten Brahms` sorgte das Requiem für große Begeisterung und sollte dem damals erst 35-jährigen Komponisten zum Durchbruch verhelfen. Das langjährige Leiden und der Tod seines Freundes Robert Schumann im Jahr 1856 wie auch der Tod seiner Mutter 1865 hatten den jungen Komponisten wohl dazu bewegt, sich mit dem Tod und dessen biblischer Interpretation auseinanderzusetzen.

Bruch mit Konventionen

Mit der Komposition, die über mehrere Jahre reifte, brach er mit so mancher Konvention. Streng genommen ist sein Requiem gar kein Requiem, da es anders als die gleichnamigen Werke vom Mozart, Bruckner oder Verdi nicht auf Texten der katholischen Liturgie basiert. Der aus dem protestantischen Hamburg stammende Brahms vertonte stattdessen Bibelverse rund um das Thema Tod und Auferstehung, etwa aus den Evangelien, der Offenbarung des Johannes, aber auch aus den alttestamentlichen Psalmen und Prophetenbüchern.

Brahms betonte immer wieder, dass er sich als Musiker mit diesen Texten auseinandergesetzt habe, dennoch lässt sich die Religiosität des Künstlers nicht leugnen. Ungewöhnlich war auch, dass er sein Requiem nicht als Trauermusik, sondern als Trost für die Lebenden komponierte, was in Versen wie "Die mit Tränen säen, werden mit Freuden ernten" oder "Ich will Euch trösten, wie einen seine Mutter tröstet" zum Ausdruck kommt.

Clara Schumann war begeistert


Die ersten drei Sätze - mehr wollte man dem Publikum "nicht zumuten" - wurden bereits Anfang Dezember 1867 in Wien uraufgeführt. Entgegen aller Befürchtungen gab es lang anhaltenden Beifall nach dem Konzert.

Die erstmals komplette Aufführung des damals noch sechssätzigen Werks in Bremen, sicherte Brahms die Anerkennung der damaligen europäischen Musikwelt. Brahms dirigierte an jenem Karfreitag selbst. Im Publikum saßen unter anderem sein Vater sowie die Witwe Robert Schumanns, Clara. "Mich hat dieses Requiem ergriffen wie noch nie eine Kirchenmusik", sagte sie im Anschluss zu Brahms.

Nach der Veröffentlichung begann die große Schaffensphase

Bei diesem Konzert fehlte noch der fünfte von heute sieben Sätzen, den Brahms erst danach einfügte. Das vollständige Werk, wie wir es heute kennen, kam dann am 18. Februar 1869 im Leipziger Gewandhaus zur Uraufführung. Durch die Einfügung ergibt sich eine symmetrische Struktur um den vierten Satz, der die "lieblichen Wohnungen des Herrn" beschreibt.

Für Brahms, der mittlerweile in Wien heimisch geworden war, begann nach der Veröffentlichung seines Requiems die kreativste Schaffensphase. In der ehemaligen Hauptstadt der Klassik komponierte der Romantiker seine großen Orchesterwerke. Als er am 3. April 1897 kurz vor seinem 64. Geburtstag an einem Krebsleiden starb, fanden bald darauf in aller Welt Gedenkfeiern statt. Häufig erklang dabei das "Deutsche Requiem".

Wechsel zwischen gedämpft und imposant


Zu Beerdigungen wird das gut einstündige Werk heute eher selten gespielt, dafür kommt es umso häufiger bei Konzerten zur Aufführung. Am 10. April erklingt es übrigens erneut im Bremer Dom: Die Deutsche Kammerphilharmonie erinnert an die Uraufführung vor 150 Jahren, es singen der Lettische Staatschor sowie Sopranistin Valentina Farcas und Bariton Matthias Goerne. Da wo einst Johannes Brahms persönlich stand, dirigiert Chefdirigent Paavo Järvi.

Der Wechsel zwischen den traurig-gedämpften ("Denn alles Fleisch, es ist wie Gras") und den laut-imposanten Momenten ("Aber des Herrn Wort bleibet in Ewigkeit") des Stücks ist für Musiker und Sänger bis heute eine Herausforderung. Es gilt die Spannung zu halten bis zum letzten Takt, wenn der Chor untermalt von den Klängen der Harfe erneut ein leises "selig" haucht.

https://www.domradio.de/themen/kultur/2018-04-10/vor-150-jahren-wurde-das-brahms-requiem-uraufgefuehrt

Das ist wie eine seelische Schusswunde

faz.net
Jan Brachmann
10.04.2018


Man muss die Musik von Brahms nicht nur singen und tanzen, sondern auch weinen lassen: Ein Gespräch mit Paavo Järvi, der „Ein deutsches Requiem“ hundertfünfzig Jahre nach der Uraufführung am selben Ort dirigieren wird.


Herr Järvi, Sie haben etwas Besonderes vor: Am 10. April, genau hundertfünfzig Jahre nach der Uraufführung, werden Sie mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, Valentina Farcas und Matthias Goerne sowie dem Staatschor Latvija aus Riga „Ein deutsches Requiem“ von Johannes Brahms aufführen, exakt am Ort der Uraufführung, im Bremer Dom. Nun war das Werk damals noch sechssätzig, der siebente Satz kam erst ein Jahr später dazu. Werden Sie sich an diese Originalversion halten?

Nein, wir werden die heute übliche Standardversion mit sieben Sätzen spielen. Das Programm des Uraufführungskonzerts war ja, mit Robert Schumanns „Abendlied“ und Georg Friedrich Händels Arie „Ich weiß, dass mein Erlöser lebet“ als Ergänzungen zu Brahms, ohnehin sehr speziell.

Weil die Uraufführung an einem Karfreitag stattfand und der örtliche Pfarrer den ausdrücklichen Bezug auf Tod und Auferstehung Jesus Christi vermisste, wurde Händel eingeschoben.

Wir hatten beim Orchester viele Diskussionen darüber, ob wir dieses Konzert in seinem damaligen Ablauf tatsächlich einmal rekonstruieren sollten. Doch wir haben entschieden, uns auf das Requiem zu beschränken. Eine identische Rekonstruktion des damaligen Programms ist nicht das, was uns interessiert. Uns ging es um die Symbolik von Tag und Ort und um die gleiche Stärke der Besetzung. Wir haben noch keine Ahnung, wie die Akustik funktionieren wird.

Haben Sie Zahlen zur Besetzung?


Ja, zumindest für das Orchester: ungefähr vierzig Spieler. Kaum mehr, also sehr viel weniger als heute üblich.


„Ein deutsches Requiem“ gehört musikgeschichtlich zu den letzten geistlichen Werken, die tatsächlich Wurzeln geschlagen haben in unserem Musikleben. Fast jede größere Kantorei studiert es ein. Das Werk bedeutet den Deutschen viel. Was können sie von Ihnen Neues lernen?


Darüber kann ich schwer reden. Es ist ja jedes Mal eine neue Erfahrung, wenn Sie solch ein Werk machen: abhängig vom Chor, vom Orchester, den Solisten, auch der Akustik. Ich wuchs auf mit der Aufnahme des Requiems von Herbert von Karajan. Mein Vater ...

Neeme Järvi, selbst Dirigent ...

… war ein großer Karajan-Fan. Ich habe das oft gehört; dann hat sich aber mein Verhältnis zu dem Werk durch eigene Arbeit verändert. Ich dirigierte im Wiener Musikverein „Ein deutsches Requiem“ mit dem Orchestre de Paris und dem Wiener Sing-Verein. Das war eine ganz seltsame Erfahrung: ein französisches Orchester mit deutscher Musik in Österreich. Das Orchester spielte diese Musik mit unglaublicher Einsicht, mit Liebe und Respekt, mit Bewunderung. Und da merkte ich, dass es im Verständnis keine nationalen Beschränkungen gibt.


Kennen Sie die Aufnahme mit dem Orchestre des Champs-Elysées unter der Leitung von Philippe Herreweghe?

Noch nicht. Ist die interessant?

Ja, wegen der flüssigen Tempi, die gut zu singen sind, und wegen der genauen Artikulation, die besonders dem Schlusssatz – „Selig sind die Toten, die in dem Herrn sterben, von nun an“ – etwas Leichtes gibt, worin sich die Verheißung des ersten Satzes – „Selig sind, die da Leid tragen, denn sie sollen getröstet werden“ – erfüllt. Die Musik fliegt wirklich in die Höhe, von der Last des Leids befreit. Außerdem hört man bei Herreweghe sehr gut die Muster der Spätrenaissance und des Frühbarocks, denen Brahms folgt. Er hat sich ja früh mit der venezianischen Musik um 1600, mit Giovanni Gabrieli beschäftigt.

Sie haben völlig recht. Ich bemerke das auch in Brahms’ Symphonien, die voll sind von Bezügen auf die ältere Musik. Ich entdeckte das selbst erst später. Denn meine Jugend war beherrscht vom durchgehaltenen, breiten, dramatischen Klang der Berliner Philharmoniker unter Herbert von Karajan. Ich habe nie über die Bezüge zu Alter Musik, zu Kirchenmusik, zu Gabrieli, Monteverdi, Schütz, bei Brahms nachgedacht, bevor ich die Kammerphilharmonie traf. Als ich hörte, wie sie spielen, bemerkte ich diese Bezüge – und sie sind wirklich umwerfend – überall, in seiner gesamten Musik. Das liegt an deren Tongebung, deren Artikulation: Sobald sich da nur eine Andeutung auftut, stellt dieses Orchester gleich einen klaren Bezug her.


Sie bringen jetzt mit der Kammerphilharmonie alle vier Brahms-Symphonien auf CD heraus, und das wirkt ziemlich planvoll. Erst haben Sie alle Symphonien von Ludwig van Beethoven aufgenommen, dann alle von Robert Schumann, nun Brahms. Liegt darin eine Logik?

Ja, irgendwie fühle ich das, obwohl ich es schwer in Worte fassen kann. Zunächst mal historisch: Brahms bewunderte Schumann; beide waren befreundet. Schumann hat ihn in der Beschäftigung mit älterer Musik bestärkt. Schon Schumann studierte ältere Chor- und Kirchenmusik. Brahms konnte Schumanns Bibliothek nutzen. Aber es hat auch eine praktische Logik für uns als Interpreten: Nach der Beschäftigung mit Beethoven hatten wir einen solchen rhythmischen drive entwickelt, dass wir alle wussten, wie man tanzt. Aber mir war es wichtig, dass wir auch wissen, wie man singt. Und dazu war Schumann der richtige Lehrer für uns. Erst, wenn Sie tanzen und singen können, sind Sie reif für Brahms. Sie müssen beides gleichermaßen gut können. Beethoven lässt Sie zielstrebig und entschieden werden. Von Schumann lernen Sie, dass die gelegentliche Nachgiebigkeit, das Schlingern, das Sichverlieren an eine Melodie auch zur Musik gehören. Sie müssen aus Ihrer Schale herauskommen. Für Brahms brauchen Sie beides.

Muss man bei Brahms auch hinter die Fassade seiner wahnsinnig guten Absicherung des musikalischen Handwerks schauen?

Ja, das ist das Schwerste. Viele Musiker werden Ihnen sagen: „Schauen Sie sich diese unglaubliche Architektur an! Wie er das zusammengefügt hat! Diese vielen Ableitungen und Fortspinnungen!“ Ja, klar, verstanden. Aber Architektur allein ist nicht genug. Sie ist großartig, doch es muss da weitere Schichten geben. Wenn wir nur über die Architektur in der Musik von Johann Sebastian Bach reden, würden wir sehr viel vermissen. Natürlich ist das staunenswert gefügt, aber es dringt Ihnen auch mitten in die Seele.

Seelenlos ist Brahms wahrlich nicht.

Eben. Und er versteckt so viel. Wir wären vielleicht glücklich zu wissen, was alles. Vielleicht gibt es den einen oder anderen Schlüssel in Berichten von Zeitgenossen. Aber meiner Meinung nach kommt es gar nicht so genau auf Details und Fakten an. Ich erinnere mich, wie ich zum ersten Mal Leonard Bernstein mit Brahms gehört habe. Es war zuerst schrecklich, völlig unmöglich nach meinen Erfahrungen mit Karajan. Dem waren Striche, Details der Bogenführung geradezu egal, aber dann tat er etwas auf; er fragte nach dem, was hinter dieser perfekten Schönheit liegen könnte. Er war die erste Persönlichkeit, die mir Mut machte: „Lass dich nicht einschüchtern! Mach dich ruhig zum Narren. Das ist schon okay manchmal. Du lernst was dabei“.


Was haben Sie inzwischen Neues über Brahms gelernt?

Viel über die größere Agilität kleiner Orchesterbesetzungen. Ältere Brahms-Aufnahmen sind immer Monumente. Dabei schreibt er auch in seinen Symphonien eigentlich Kammermusik. Mittelstimmen bleiben hörbar, wenn die ursprüngliche Balance stimmt. Aber dann taucht eine andere Gefahr auf: Wenn Sie immer filigraner spielen, alle Details ausgestalten, verlieren Sie leicht den Blick auf das Ganze, für die Kraft bei Brahms, seinen echten Symphonismus, das Panorama.

Die Interpretation wird dann zu mikroskopisch.

Ja, genau! Und dann müssen Sie überlegen: Wie kriegen Sie beides zusammen? Wie vermeiden Sie es, eins von beidem zu opfern? Und es darf nicht wie eine Doktorarbeit klingen; es muss eine lebendige Aufführung werden.

In Ihrer Aufnahme der zweiten Symphonie von Brahms, die schon – bei RCA/Sony – auf dem Markt ist, fällt die Sorgfalt der Artikulation auf. Ein Großteil der Spannung entsteht daraus, dass Holzbläser und Streicher – so wie bei Brahms notiert – gleichzeitig in unterschiedlichen Phrasenlängen spielen. Es gibt asynchrone Zäsuren zwischen ihnen.

Brahms notiert sparsam, aber genau. Er gibt Ihnen ziemlich entschiedene Hinweise, was zu tun ist. In der Artikulation genauso wie in der Orchestrierung. Es gibt bei ihm Pianissimo-Stellen, wo er Trompeten einsetzt. Diese Trompeten müssen leuchten. Wie ein Nimbus, wie ein Halo. Wissen Sie, woher das Leuchten kommt? In Orchestrationslehren wird Ihnen beigebracht, dass Trompeten unisono spielen sollen. Brahms aber lässt sie in Oktaven spielen – und zwar in einer Lage, wo das fast unmöglich ist. Da kann es leicht passieren, dass sie kieksen oder gurken. Aber wenn das nicht passiert, dann ist es umwerfend. Das geht Ihnen durch den ganzen Körper. Das ist wie eine seelische Schusswunde.

Manchmal gibt es formale Ambivalenzen bei Brahms, zum Beispiel in der zweiten Symphonie. Sie fängt direkt mit der Exposition des ersten Themas an, aber dieser Anfang lässt sich hören wie eine langsame Einleitung.

Ja, das ist brillant! Wir haben im Orchester lange darüber nachgedacht und sind dann darauf gekommen, dass diese Symphonie nicht anfangen darf, als würde sie anfangen, sondern als würde die Musik schon lange im Fluss sein, und wir blenden uns einfach an dieser Stelle ein.

Sie sind ziemlich flexibel mit dem Tempo. Sie spielen kaum im Einheitstempo vom ersten bis zum letzten Takt durch.

Brahms war als Dirigent eigener Werke – darüber gibt es Augenzeugenberichte – berühmt für seine starken Temposchwankungen. Er konnte das Metronom nicht leiden. Für ihn hatte Musik ihre jeweils eigene Zeit, ihr eigenes Leben. Tempo ist für ihn kein Zeitmaß, sondern eine Art Umwelt, in der etwas lebt. Aber dieses passende Grundtempo bei Brahms zu finden ist eine echte Crux. Darüber müssen Sie sich lange den Kopf zerbrechen.

Welche der Symphonien war die schwierigste für Sie? Ich vermute: die erste.

Wollte ich gerade sagen. Bei dem Stück stehen Sie vor dem fast unlösbaren Problem, dass Sie die epische Größe dieser Musik nicht unterschlagen dürfen, dass Sie nicht zu akademisch und analytisch werden und den organischen Fluss verlieren. Gleichzeitig muss es gut strukturiert klingen. Das ist ein hartes und erschöpfendes Stück. Und ähnlich geht es mir mit dem Finale der Vierten. Diese Symphonie endet einfach nicht. Dabei ist die Vierte von allen das logischste, am besten konstruierte Stück. Die Zweite ist die Zugänglichste von allen. Die Dritte hat viel mit einer klugen Ästhetik des Sentimentalen zu tun: ob man sich und dem Publikum gestattet, gefühlvoll zu werden. Jeder trägt eine gewisse Sentimentalität in sich. Und in der dritten Symphonie von Brahms gibt es etwas, das unter der Ebene des Selbstbewusstseins liegt und sehr berührend ist, eine eigene Form von Wirklichkeit, die Menschen gern hinter der Schönheit des Klangs verstecken. Aber hier geht es auch um Verletzlichkeit.

Brahms ist ohne Melancholie nicht zu denken

Melancholie! Das ist es genau, was ich meine. Auch ein wenig Nostalgie.

Das Hornsolo in der Coda des Kopfsatzes der Zweiten ist so ein Moment tiefer Melancholie.

Oh ja! Und zugleich so leidenschaftlich! Das ist dieses Gefühl: Es hätte etwas werden können, aber es wurde nichts. Es ist die Trauer über eine lebensentscheidende verpasste Chance. Genau danach suchen wir in unserer Interpretation. Es geht nicht nur um ein schön geblasenes Solo. Es muss einem das Herz brechen.

Man muss der Musik erlauben zu weinen.

Genau. Und dann kommen die Musiker alten Schlags immer mit dem Satz: „Brahms weint nicht, Brahms ist gewichtig und bedeutend“. Die sind alle mit diesen monumentalen Aufnahmen aufgewachsen. Und wir, auch ich, stehen immer noch unter diesem gewaltigen Einfluss. Das kann ich nicht ändern. Dabei ist es genau so, wie Sie sagen: Man muss der Musik erlauben zu weinen.

Wie hat sich Brahms in den vier Symphonien Ihrer Meinung nach entwickelt? Ist es menschlich ein Weg von der Hoffnung zur Verzweiflung?

Ich höre Wut, wachsende Wut und Frustration, vielleicht am Ende wirklich Verzweiflung, aber sehr gut versteckt hinter der Mauer einer immer brillanter werdenden Konstruktion.

http://www.faz.net/aktuell/feuilleton/buehne-und-konzert/interview-mit-dem-dirigenten-paavo-jaervi-ueber-brahms-15532342.html?printPagedArticle=true#pageIndex_0

Saturday, April 07, 2018

6e Festival de Pâques d’Aix-en-Provence (jour 12) - Les violons sont de sortie…

destimed.fr
Michel Egea
7.04.2018

(excerpt)


Devant le Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, la talentueuse et séduisante violoniste Veronika Eberlé. (Photo Caroline Doutre)

Changement de décors, changement d’ambiance. Salle quasi complète pour un programme Brahms servi par la jeune violoniste Veronika Eberlé, les musiciens du « Deutsche Kammerphilharmonie Bremen » et le maître Paavo Järvi. C’est le concerto pour violon en ré majeur, op.77 qui ouvrait la soirée. Et si précédemment nous nous étions retrouvés en manque d’émotion, avec Veronika Erberlé ce ne fut pas le cas. Elle a le charme de ses 29 ans, la classe d’une grande soliste et un Stradivarius de 1700 « Dragonetti » à la sonorité chaude et envoûtante. Bien campée sur ses jambes, la violoniste entre dans l’œuvre sans hésitation ; c’est tout de suite solide et précis. Finesse et sentiments dans les parties paisibles, engagement et puissance lorsque arrive l’allegro : c’est du travail bien fait en parfait adéquation avec les couleurs somptueuses d’un orchestre hors du commun et la lecture idéale de la partition par Paavo Järvi. Autant dire que le succès sera au rendez-vous avant l’entracte comme il le fut après. Car, sans la violoniste, mais avec un orchestre au complet, c’est la Symphonie n°1 de Brahms qui nous était offerte. Un vrai monument musical servi par une formation qui, pour nous, est la meilleure entendue jusqu’alors à l’occasion de ce 6e Festival de Pâques. Pourquoi ? Parce qu’elle est somptueuse de couleurs et de précision à tous les pupitres, parce qu’il y a des musiciens qui s’écoutent les uns les autres pour accéder à un niveau stratosphérique d’interprétation, parce que sous la direction d’un chef éclairé et habité par la musique elle a livré une symphonie avec puissance, cohésion et envie. On a beau chercher une faille, un décalage, c’est en vain. Les cordes sont chaudes et soyeuses mais nous avons été particulièrement séduits par les bois avec le trio flûtes, hautbois et clarinettes tout en haut de l’afficher. Du brillant et de la qualité extrême, aussi, chez les cuivres très sollicités par la symphonie de Brahms. Mémorable soirée, donc, qui fera date… Et qui nous donne envie de vite réentendre Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen avec le maestro Järvi à sa tête. Fin de l’acte 2 de la journée « violon »… Dommage ; on aurait aimé qu’elle se prolonge encore…

http://destimed.fr/6e-Festival-de-Paques-d-Aix-en-Provence-jour-12-Les-violons-sont-de-sortie

Wednesday, April 04, 2018

Wiedereröffnung des Markgräflichen Opernhauses Bayreuth im Bayerischen Rundfunk

wiesentbote.de
4.04.2018

Sendungen rund um das UNESCO Weltkulturerbe

Seit 2013 wurde das Markgräfliche Opernhaus in Bayreuth umfangreich saniert. Das Opernhaus zählt zu den wenigen im Original erhaltenen Theater- und Opernbauten aus dem 18. Jahrhundert, im Jahr 2012 wurde es zum UNESCO Welterbe erklärt. Nach der Sanierung wird es wieder für Konzert- und Opernaufführungen genutzt. Der Bayerische Rundfunk berichtet ab dem 6. April rund um die feierliche Wiedereröffnung am 12. April 2018.

Am 12. April dieses Jahres wird das Markgräfliche Opernhaus mit einem Festakt und der anschließenden Aufführung der Barockoper „Artaserse“ von Johann Adolf Hasse eröffnet. Bereits die Eröffnungsoper im Jahr 1748 stammte von dem deutschen Komponisten des Spätbarock.

Der Festakt kann über Video-Livestream auf www.br.de/franken und über Facebook verfolgt werden. Berichte rund um das Bauwerk und seine Wiedereröffnung senden die Hörfunkwellen Bayern 1, Bayern 2, BR-Klassik und B5 aktuell sowie das BR Fernsehen in den Sendungen der Rundschau, der Abendschau, der Frankenschau aktuell und des Rundschau Magazins.
Ein Höhepunkt am Schluss: Das Europakonzert der Berliner Philharmoniker

Seit 1991 geben die Berliner Philharmoniker alljährlich am 1. Mai ihr Europakonzert – damit will Deutschlands Toporchester nicht nur an seine Gründung am 1. Mai 1882 erinnern: Mit ihrem Europakonzert wollen die Berliner auch ein Zeichen der Solidarität mit der europäischen Idee setzen. Deshalb findet es jedes Jahr an einem anderen kulturgeschichtlich bedeutsamen Ort statt. 2018 haben sich die Musiker für das frisch sanierte Markgräfliche Opernhaus in Bayreuth entschieden. Gastdirigent ist Paavo Järvi, den Schwerpunkt des Programms bildet Musik von Ludwig van Beethoven und, als Tribut an die Wagner-Stadt Bayreuth, die “Wesendonck-Lieder” von Richard Wagner mit der niederländischen Sopranistin Eva-Maria Westbroek.

Das Europakonzert wird am 1. Mai ab 11.00 Uhr live im Ersten Deutschen Fernsehen übertragen sowie im Hörfunk auf BR-Klassik. Zudem kann das Konzert per Video-Livestream auf www.br-klassik.de/concert miterlebt werden.

Vertiefende Sendungen

Rund um das Ereignis der Wiedereröffnung am 12. April bietet der Bayerische Rundfunk Hörfunk- und Fernsehsendungen zur Geschichte des Hauses und seiner Bauherrin, der Markgräfin Wilhelmine von Bayreuth.

Bereits am 6. April lässt Gudrun Petruschka im „Musikfeature“ auf BR-Klassik Restaurateure und Restaurateurinnen zu Wort kommen sowie – aus ihren Briefen – die Markgräfin und passionierte Opernliebhaberin Wilhelmine selbst. In der Musiksendung „Tafel-Confect“ am 15. April beleuchtet Christian Schuler die Musikgeschichte der Residenzstadt Bayreuth.

In einer Fernsehdokumentation am 16. Oktober, kurz nach dem 260. Todestag Wilhelmines, stellt Melisa Lota die Bayreuther Markgräfin und ihr kulturelles Wirken in Oberfranken ausführlich vor.

Zum Markgräflichen Opernhaus Bayreuth

Das Markgräfliche Opernhaus der damaligen Residenzstadt Bayreuth entstand ab 1744 in nur vier Jahren Bauzeit nach Plänen von Joseph St. Pierre. Es gehört zu den wenigen noch erhaltenen Theaterbauten des 18. Jahrhunderts in Europa und wurde 2012 in die Liste des UNESCO-Welterbes aufgenommen. In der Begründung heißt es: „Es ist das einzige noch erhaltene Beispiel für Hofopernarchitektur, in dem die Kultur und Akustik der barocken Hofoper authentisch erlebbar sind.“ Den Innenraum gestaltete Giuseppe Galli Bibiena, einer der angesehensten Theaterarchitekten seiner Zeit. Errichten ließ das Opernhaus Markgräfin Wilhelmine von Brandenburg-Bayreuth (1709-1758), eine Schwester Friedrichs des Großen von Preußen.
Ausstrahlungen
Hörfunksendungen:
BR-Klassik, 6. April, 19.05-20.00 Uhr (Wh. am 7. April 14.05-15.00 Uhr): Musikfeature über die Geschichte und Restaurierung des Markgräflichen Opernhauses
Bayern 1, 9. April, 12.05 Uhr: Mittags in Franken, Beitrag zur Generalprobe der Eröffnungsvorstellung
Bayern 1, Bayern 2, B5 aktuell, BR-Klassik: 12. April (Tag der Eröffnung): Beiträge über die Wiedereröffnung
BR-Klassik, 15. April, 12.05 Uhr: Tafel-Confect, Themen-Schwerpunkt „Residenzstadt Bayreuth“
BR-Klassik, 1. Mai, 11.00 Uhr: LIVE-Übertragung des Europakonzerts der Berliner Philharmoniker aus dem Markgräflichen Opernhaus Bayreuth
Fernsehsendungen:
BR Fernsehen Nord, 8. April, 17.45 Uhr: Frankenschau am Sonntag, Beitrag zur Wiedereröffnung
BR Fernsehen Nord, 9. April 17.30 Uhr: Frankenschau Aktuell, Vorbereitungen zur großen Eröffnung
BR Fernsehen, 12. April: Rundschau, Abendschau, Frankenschau aktuell, Rundschau Magazin: Beiträge rund um die Eröffnung und die aufwändige Restaurierung
Das Erste, 1. Mai, 11.00 Uhr: LIVE-Übertragung des Europakonzerts der Berliner Philharmoniker aus dem Markgräflichen Opernhaus Bayreuth
BR Fernsehen, 16. Oktober, 22.30 bis 23.15 Uhr: Dokumentation (zum 260. Todestag der Bauherrin des Opernhauses, Markgräfin Wilhelmine von Bayreuth)
Im Internet:
www.br.de/franken, 12. April, 18.30-19.30 Uhr:
Video-Livestream vom Festakt der Wiedereröffnung
www.br-klassik.de/concert und www.br.de/franken , 1. Mai, 11.00 Uhr:
Video-Livestream des Europakonzerts der Berliner Philharmoniker aus dem Markgräflichen Opernhaus Bayreuth
Außerdem: Dossiers, Artikel, Bildergalerien und Online-Videos

https://www.wiesentbote.de/2018/04/04/wiedereroeffnung-des-markgraeflichen-opernhauses-bayreuth-im-bayerischen-rundfunk/