Friday, January 31, 2020

Paavo Järvi juhatab taas Berliini Filharmoonikuid

kultuur.err.ee
Priit Kuusk
31.01.2020

Paavo Järvi Klassikaraadios Autor/allikas: Kairit Leibold/ERR


Paavo Järvi alustas aastat oma uue, Zürichi Tonhalle orkestriga, juhatades 8.- 10. jaanuaril kolme kontserti kodulinna kultuurikeskuse Maag saalis. Need olid klassikalised kavad, Pjotr Tšaikovski sümfooniad nr 2 ja nr 5, Béla Bartóki Tantsusüit ning Aaron Coplandi Klarnetikontsert, solistiks menukas rootsi muusik Martin Fröst. 15.-19. jaanuaril tehti esimene välisreis samade kavadega Innsbrucki Tirooli saalis, Viini Kontserdimajas ning Budapesti Kunstide palees ja Dortmundi Kontserdimajas.


Jaanuarikuu kolmel viimasel päeval (29.-31. jaanuaril) dirigeerib Paavo Järvi aga Berliini Filhamoonikuid, Herbert von Karajani soovide põhjal ehitatud ja 1963 avatud Euroopa omaaegses parimas, filharmoonia suures saalis Karajani nime kandval tänaval.

Kümnetele, pigem sadadele andekatele dirigentidele on Berliini Filharmoonikute ette saamine jäänud kättesaamatuks unistuseks. Paavo on kuulsa orkestri ees juba ei-tea-mitmendat korda, ja nüüdki kokku kolmel õhtul sama kavaga. Selles kõlavad Igor Stravinski peaaegu tundmatu "Scherzo fantastique" op 3 (1908) ning Hector Berliozi igihaljas "Fantastiline sümfoonia". Nende vahel sünnib esimeses kavapooles aga maailmaesiettekanne, samaviisi haruldusena selle orkestri puhul, selles saalis, aga nüüd Eesti dirigendiga sündmuse ühe algatajana. See on taani heliloojalt Hans Abrahamsenilt tellitud Kontsert metsasarvele ja orkestrile, solistiks Stefan Dohr, orkestri metsasarverühma kontsertmeister, kes mängib siin 1993. aastast.

Uue kontsertteose tellijaks on ühiselt Berliini Filharmoonikute fond, NHK sümfooniaorkester Tokyost, Hollandi Raadio filharmooniaorkester (Radio 4), Seattle'i Sümfooniaorkester USAst ja Aucklandi filharmoonia Uus-Meremaalt.

Hans Abrahamsen (s. 1952) on edukamaid Taani heliloojaid. Eriti viimased aastad on talle kõrgeid tunnustusi toonud. Väga kaalukad Grawemeyeri fondi kompositsiooniauhind ja Põhjamaade Nõukogu muusikapreemia 2016, Leonie Sonningi preemia (Taani) 2019. aastast räägivad iseenda eest.

Paavo Järvi viimaste aegade tegemistes märkab aina pikemat ja põhjalikumat tööd omaenda orkestritega. Novembris 2019 pikendas ka NHK sümfooniaorkester Tokyos veelkordselt Paavo Järvi lepingut orkestri peadirigendina, nüüd kuni aastani 2022. Terve veebruarikuu 2020 tegutseb Järvi NHK orkestri kunstilise suunaja ja juhina, dirigeerides 5. veebruarist 3. märtsini nende kokku 15 kontserti. Esimesed kuus kontserti tehakse Jaapanis, kuni 16. veebruarini: esinemispaikadeks Tokyos Suntory Hall ja NHK Hall, Takasaki ja Koriyama. Kavades kõlavad Prokofjevi Viiulikontsert nr 2 (solist hispaanlanna Leticia Moreno) ning Rahmaninovi Sümfoonia nr 2, viimasel kahel õhtul NHK Hallis Abrahamseni Metsasarvekontsert (solist Stefan Dohr Berliinist) ning Anton Bruckneri Sümfoonia nr 7.

Ja siis, 22. veebruarist kuni 4. märtsini mängib NHK orkester koos Paavo paljukordsete solistidega Euroopa kõige kuulsamates saalides, alustab aga meie vabariigi sünnipäeva puhul Tallinnast Estonia kontserdisaalist. Nii Tallinnas kui järgnevalt on kavas Tōru Takemitsu "How Slow the Wind", kuulsa Sol Gabetta soleerimisel Schumanni Kontsert tšellole ja orkestrile, või pärast Beethoveni Klaverikontsert nr 3, kus tuntud solist on Khatia Buniatishvili, kava teises pooles kõikjal Bruckneri Sümfoonia nr 7. Tallinnale järgnevad alates 24. veebruarist Londoni Royal Festival Hall, Pariisi uus filharmooniasaal, Viini Kontserdimaja, Kölni Filharmoonia, Detmoldi Kontserdimaja, Amsterdami Concertgebouw, Berliini Filharmoonia ning Brüsseli Palais des Beaux Arts.

Vaid nädala jätab Paavo Järvi puhkamiseks, õigemini Jaapani orkestri reisist toibumiseks ja enda ümberhäälestamiseks. 11. märtsil alustab ta uut, põhjalikku ja süsteemset kontsertide sarja oma Zürichi Tonhalle orkestriga, nüüd vaid kodus: Järvi toob märtsikuul välja kokku kaheksa järjestikust kontserti erineva repertuaariga, mida orkester pole varem mänginud. "See kõik on alles algus", ütles ta Tšaikovski Viienda sümfoonia omalaadse ettekande puhul. Samaviisi saab hinnata Paavo kogu tegevuse praeguseid suundumisi, mis ta plaanib Zürichis teoks teha. Repertuaari uuendamisel on tal abiks aga tema senised, paljudes koosesinemistes läbiproovitud silmapaistvad solistid. Tolles samas Maagi saalis kõlavad nüüd Tšaikovski "Itaalia capriccio" ja tema Sümfoonia nr 3 (kavades korduvalt) ning resideeriva helilooja Erkki-Sven Tüüri akordionikontsert "Prophecy", solistiks võrratu Ksenia Sidorova; 18. märtsist on kavas ka Tšaikovski avamäng-fantaasia "Romeo ja Julia" ning Sümfoonia nr 1, 20. märtsist Szymanowski Viiulikontsert nr 1 (solistiks Lisa Batiashvili). 26. märtsist ilmuvad kavadesse ka Antonín Dvořáki Sümfoonia nr 6 ning Carl Nielseni Sümfoonia nr 2. Niisugusel kombel avardab Paavo mitte ainult oma uue orkestri, vaid ka siinse publiku kuulamiskogemust. Vaatlejate hinnangul on märgatavalt tõusnud ka orkestri mängutase.

Suur arv huvitavaid ja õnnestunud kontserte pole ainus põhjus, miks Paavo Järvi tegevus rahvusvahelist tähelepanu köidab. Jaanuarikuul, mis pole veel möödas ning arvustusi veelgi tulemas, avaldab PaavoProject, et Paavo esinemistest (veel enne Berliini Filharmoonikute kontserte) on meedias avaldatud 27. jaanuari seisuga juba kokku 20 arvustust, intervjuud ja kommentaariumi(!). Ilmunud on neid saksa, inglise, prantsuse, eesti ja vene keeles, sh pikki ülevaatlikke materjale. Tähelepanu on kontserdiarvustuste kõrval leidnud ka Zürichi orkestriga tehtud esimene sisukas plaadistustöö Olivier Messiaeni orkestrimuusikast firmale Alpha; orkestri Deutsche Kammerphilharmonie Bremen plaadid Beethoveni sümfooniatest (firma Sony) jpm. Ja kui pressimaterjali ilmub näiteks 152 nimetust, nagu Paavo Järvist 2019. aastal, võib muusikust ainsa aasta jooksul saada päris põhjaliku teadmise. Ootame põnevusega, mis juhtub eelolevatel hooaegadel.

https://kultuur.err.ee/1030437/paavo-jarvi-juhatab-taas-berliini-filharmoonikuid

Thursday, January 30, 2020

In stile nordico

Amadeus magazine
01/2020


Hornkonzert von Hans Abrahamsen: Der Romantiker als Einzelkämpfer

berliner-zeitung.de
Clemens Haustein
30.01.2020

Das Horn als Instrument der Natur und der Idylle: Der dänische Komponist erweist in seinem Konzert noch einmal dem ganz klassischen Horn-Bild die Ehre.


Paavo Järvi dirigiert die Berliner Philharmoniker.
Foto: Stephan Rabold

BerlinRomantisches Empfinden ist bekanntlich nichts, was mit einer Epoche oder einem bestimmten Stil zu tun hat. Ein Adagio von Georg Friedrich Händel oder der Schlusschor aus der Matthäus-Passion von Johann Sebastian Bach können in ihrer wärmenden Gefühlsdichte ebenso romantisch, vielleicht auch sentimental wirken wie ein Stück des 21. Jahrhunderts.

Der Beginn von Hans Abrahamsens neuem Hornkonzert, am Mittwoch wurde es bei den Berliner Philharmonikern mit dem Solo-Hornisten des Orchesters, Stefan Dohr, uraufgeführt, ist der Empfindung nach hochromantisch. Ein Panorama der Weite und der Ruhe tut sich hier zu Beginn auf, Streicher im Flageolett deuten dämmerige Fernen an, Harfenzupfer leuchten auf wie am Abend die ersten Sterne, bedeutungsvoll knackt der Holzblock, auf den ein Schlagzeuger schlägt. Und das Horn? Singt darüber so sehnsüchtig und leuchtend wie es eben nur ein Horn kann: weich gedämpft, mit der Ahnung großer Abenteuer, vielleicht auch mit der Erinnerung daran.
Das Horn als Instrument der Natur und der Idylle

Das Horn als Instrument der Natur und der Idylle: Der dänische Komponist, der das Instrument einst selbst lernte, erweist in seinem Konzert noch einmal dem ganz klassischen Horn-Bild die Ehre. Dabei schreibt er eine Musik, die in der romantischen Anmutung doch Frische und Eigenständigkeit atmet. Überhaupt das Atmen: Abrahamsen nimmt es sehr ernst nicht nur bei der Gestaltung der Phrasen, die der Solist bequem mit einer natürlichen Atemlänge spielen kann, auch das Orchester setzt in diesem ersten Satz - „sehr langsam und mit viel Ruhe“ - immer wieder geschlossen aus, um gleichsam Atem zu schöpfen. Wie ein fester Organismus erscheint das Ensemble dadurch, dessen wuselnde Betriebsamkeit der Hornist im folgenden „stürmischen“ Abschnitt kommentiert. Daran wird sich bis zum Ende des Stückes kaum etwas ändern: Dass das Horn mit seinem Klang von romantischer Empfindsamkeit hier immer auch ein einsamer Einzelkämpfer bleibt.

Stefan Dohr spielt mit Kraft und Sicherheit

Der Solist lässt seinen Ton über dem Orchester leuchten, monologisiert später, als es nach dem Sturm wieder „sehr langsam“ wird, in weit sich über den Tonumfang des Instrumentes spannenden Floskeln. Ein Aufgehen in der Gemeinschaft mag Hans Abrahamsen dem Solisten nicht gestatten, er bleibt nobler Sonderling. Vielleicht ja das reale Schicksal eines Romantikers. Stefan Dohr, der zuletzt auch Toshio Hosokawa und Wolfgang Rihm zum Schreiben eines Hornkonzertes anregte (kein Bläser hat derzeit einen so guten Draht zu den Komponisten), spielt mit einer Kraft und Sicherheit, die zugleich großes poetisches Empfinden zulassen. Paavo Järvi am Dirigentenpult ist ihm darin ganz ähnlich, mit Strawinskys klangkulinarischem „Scherzo fantastique“ und Hector Berlioz’ „Symponie fantastique“ rahmen zwei Stücke das Programm, bei denen Järvi weniger das Fantastische einer außermusikalischen Handlung interessiert als die Komplexität der Machart. Der Eindruck ist dadurch nicht weniger groß.

https://www.berliner-zeitung.de/kultur-vergnuegen/berliner-philharmoniker-hornkonzert-von-hans-abrahamsen-der-romantiker-als-einzelkaempfer-li.5895

Berliner Philharmoniker unter Paavo Järvi

rbb-online.de
Andreas Göbel
30.01.2020



Bild: Julia Baier
Philharmonie BerlinBerliner Philharmoniker unter Paavo Järvi

Stefan Dohr, Solohornist der Berliner Philharmoniker, glänzt mit einem neuen Hornkonzert. Und Paavo Järvi treibt am Pult des Orchesters Berlioz' Symphonie fantastique in eine köstlich radikale Überzeichnung.

Ein Solokonzert – und doch jenseits aller erwartbaren Klischees. Hans Abrahamsen, dessen neues Hornkonzert Stefan Dohr uraufgeführt hat, lässt den Solisten hier nicht in klassisch-vordergründiger Weise brillieren. Das Soloinstrument hat überwiegend lang gehaltene Töne zu spielen, die immer mal wieder vom Orchestergegrummel überspült werden. Der Solopart ragt in der Manier einer Haifischflosse heraus.

Das hat mitunter etwas Idyllisches, wenngleich nur zum Schein. In manchen Momenten gibt es sich gefällig – das ist keine Avantgarde mit neuen Spieltechniken oder nie zuvor gehörten Klängen. Das akzeptiert auch ein Publikum, das bei zeitgenössischer Musik eher zurückhaltend ist.

WER | WIE | WAS

Titel "Berliner Philharmoniker unter Paavo Järvi"

Werke Igor Strawinsky: Scherzo fantastique, op. 3 | Hans Abrahamsen: Hornkonzert | Hector Berlioz: Symphonie fantastique, op. 14a

Mit Berliner Philharmoniker | Leitung: Paavo Järvi | Stefan Dohr, Horn

Aufführung vom 29. Januar 2020

Ort
Philharmonie Berlin
Herbert-von-Karajan-Str. 1
10785 Berlin



Weltklassemusiker

Dennoch biedert sich diese Musik nicht an. Für Augenblicke klingt es nach Bekanntem, um diese Andeutungen wie hinter einer unsichtbaren Wand verschwinden zu lassen. Hier ein Gemurmel in den Streichern, dort ein paar Sekunden, in denen alle rhythmisch gegeneinander zu arbeiten scheinen. Eine wohlkalkulierte Ziellosigkeit, die etwas raffiniert Geheimnisvolles hat.

Hans Abrahamsen hat den Solopart für Stefan Dohr geschrieben, beide haben sich vor Beginn des Kompositionsprozesses getroffen. Und für die melodischen Qualitäten des Solohornisten der Berliner Philharmoniker ist das auch gedacht. Lange Einzeltöne, die anfangen zu leben, ein scheinbar endloser langer Atem in unglaublicher Intensität, mit gut abgezirkelten naturtonalen Verschiebungen gegenüber dem Orchester. Das in dieser Qualität kann nur ein Weltklassemusiker wie Stefan Dohr so überzeugend umsetzen.

Brave Bienen

Am Beginn stand ein frühes Orchesterwerk von Igor Strawinsky: das Scherzo fantastique. Reste von Spätromantik treffen auf bereits ziemlich gut ausgeprägte schillernde Klangfarben, die in ihren besten Momenten die großen Ballette des Komponisten vorwegnehmen. Die Berliner Philharmoniker haben damit nicht die geringsten Probleme, Paavo Järvi hat das entspannt und souverän geleitet.

Dennoch wurde hier einiges verschenkt. Gerade diese Orchesterfarben wirkten blass und allzu brav und freundlich. Dabei hat Strawinsky in seinem Stück an Bienen gedacht – ein für die Musik dankbares Thema. Und doch fehlte die Raffinesse. Vor diesem Bienenschwarm musste niemand in Deckung gehen.

Schießbude

Ganz anders dagegen vermittelte sich Hector Berlioz' vielgespielte Symphonie fantastique. Und hier lag hörbar Spannung in der Luft. Selbst wer das Werk gut kennt, musste in den aufgeladenen Pausen mitfiebern, wie es weitergeht.

Die extremen Leidenschaften, die permanenten Energieentladungen dieser Musik waren ein gefundenes Fressen für die kollektive Virtuosität der Berliner Philharmoniker. Ein bisschen muss das noch zusammenfinden, bis wirklich alles übereinander ist, aber der Spaß an diesen exzentrischen Gegensätzen, an der musikalischen Schießbude, die Berlioz hier auffährt, hatten alle spürbar.


Zwischen Traum und Drogen

Paavo Järvi unterstützte diese Überzeichnung noch in dieser Musik, die zwischen Traum und Drogen changiert. Dabei besteht die Herausforderung bei Berlioz oft darin, die langweiligen Teile nicht durchhängen zu lassen. Wie oft musste man im langsamen Satz mit seiner ländlichen Idylle schon gähnen. Hier nicht! Das war ganz exquisit zwischen Regentropfen und Donnergrollen, und das Fernduett mit Albrecht Mayer (Oboe, hinter der Bühne) und Dominik Wollenweber (Englischhorn, auf der Bühne), war ein einziger Genuss.

Überhaupt ließen sich alle von der Riesengaudi anstecken: Im Finale mit seinem Hexensabbat spielten die Klarinetten köstlich schief und kreischend, die Glocken tönten ohrenbetäubend links oben knapp unter der Decke. Bald zwei Jahrhunderte ist diese Symphonie fantastique alt, wirkt aber deutlich radikaler als etwa der Abrahamsen. Auf jeden Fall: Verrückter im besten Sinne kann man das nicht spielen.

https://www.rbb-online.de/rbbkultur/themen/musik/rezensionen/buehne/2020/01/Berliner-Philharmoniker-unter-Paavo-Jaervi.html

Monday, January 27, 2020

Dirigent Paavo Järvi: "Die Stimmungsmacher erkenne ich gleich"

diepresse.com
Judit Hecht
27.01.2020

Dirigent Paavo Järvi: „Die Russen sind noch immer furchtbar homophob.“ (c) Die Presse (Clemens Fabry)

Der estnische Dirigent Paavo Järvi ist seit 2019 Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters in Zürich. Sein Idol ist Leonard Bernstein. Wie wichtig der Name eines Orchesters ist und wie, seine Töchter so wenig zu sehen, sagte er der „Presse am Sonntag“.


https://www.diepresse.com/5758385/dirigent-paavo-jarvi-die-stimmungsmacher-erkenne-ich-gleich?from=rss

Dirigent Paavo Järvi: "Die Stimmungsmacher erkenne ich gleich"

diepresse.com
Judith Hecht
27.01.2020

Dirigent Paavo Järvi: „Die Russen sind noch immer furchtbar homophob.“ (c) Die Presse (Clemens Fabry)


Der estnische Dirigent Paavo Järvi ist seit 2019 Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters in Zürich. Sein Idol ist Leonard Bernstein. Wie wichtig der Name eines Orchesters ist und wie, seine Töchter so wenig zu sehen, sagte er der „Presse am Sonntag“.

https://www.diepresse.com/5758385/dirigent-paavo-jarvi-die-stimmungsmacher-erkenne-ich-gleich

Saturday, January 25, 2020

Messian CD review / The Arts Desk

theartsdesc.com
Graham Rickson
25.01.2020

Messiaen: L’Ascension, Le Tombeau resplendissant, Les Offrandes oubliées, Un sourire Tonhalle-Orchester Zürich/Paavo Järvi (Alpha)

Both ends of Messiaen’s orchestral career are bookended in this useful compilation, illustrating that several features of his mature style were already present in the early 1930s. Could 1930’s Les Offrandes oubliées, a ‘symphonic meditation’, have been written by anyone else? There's an engagingly punchy middle section, Messiaen's debt to Stravinsky clear, and the depiction of spiritual salvation via ecstatic string harmonies is gorgeous. Le Tombeau resplendissant dates from 1931 but was suppressed after a single performance, only resurfacing in 1984. There's a similar blend of violence and consolation, the busy counterpoint before the close suggesting Hindemith. Paavo Järvi’s Zurich strings are superb in the final minutes, the fade to silence sweetly done. Still, the most engaging of the early pieces collected here is L’Ascension, still more often heard as a solo organ work. It's miles better in orchestral colours, the brass writing in the first section both imposing and warm. Wallowing in those squelchy, incense-rich chords is like sitting in a warm bath. The second movement's unison melodies were derived from Gregorian chants, and, predictably, Messiaen bids farewell with another ripely harmonised string hymn. It's a treat.

The one element missing from each of the early works is birdsong, which Messiaen only began to study in the 1950s. Bird calls are a key feature of Un sourire, commissioned in 1989 as part of the Mozart Bicentenary. Written “in the spirit of Mozart”, its soft, slow chorale passages are interrupted by bursts of percussive chirruping, the two worlds’ peaceful coexistence a nod by Messiaen to Mozart's “serene cheerfulness in the face of all adversity.” Anyone nervous about sampling Messiaen should start by downloading this compact, irresistible little piece. Good playing and outstanding sonics too: a highly desirable acquisition.

Friday, January 24, 2020

Olivier Messiaen - œuvres pour orchestre

anaclase.com
Laurent Bergnach
01.2020


Olivier Messiaen
œuvres pour orchestre
1 CD Alpha (2019)
548

CD



Directeur musical de l’Orchestre de Paris (2010-2016) avant de guider le Tonhalle-Orchester Zürich depuis la rentrée 2019, Paavo Järvi a migré en Suisse avec son admiration de la musique française. Aujourd’hui, il enregistre Messiaen à la tête de sa nouvelle formation, un compositeur dont il salue la voix unique en son genre, à la clarté de style très reconnaissable. « Son fabuleux langage harmonique, précise-t-il à l’attention d’Ulrike Thiele, est parfois si déroutant qu’on ne sait pas où il nous mène – et pourtant, il possède une logique intérieure absolument cohérente » (notice du CD).

Durant moins d’une décennie (1925-1933), l’Orchestre des concerts Straram mit à l’affiche les musiciens de son temps, ceux de la Seconde École de Vienne comme ses compatriotes (Ravel, Ropartz, Roussel, etc.). Le 19 février 1931, au Théâtre des Champs-Élysées, il présente Les offrandes oubliées, une des premières pages orchestrales d’Olivier Messiaen (1908-1992) dont l’orchestration se ressent beaucoup de l’admiration de l’auteur pour son professeur Paul Dukas – selon Michèle Reverdy (in L’œuvre pour orchestre d’Olivier Messiaen, Alphonse Leduc, 1988). Conçue en trois volets (La Croix, Le péché, L’Eucharistie), cette évocation de l’oubli de l’homme devant le sacrifice du Christ débute dans une grande douceur qui n’exclut pas la tension, avant de gagner en animation et en fureur. Au jeu des influences, on pense à Honegger dont la religiosité – Le roi David (1923), Judith (1925), etc. – a pu trouver écho chez son jeune confrère parisien. Lente et sereine, la portion finale s’appuie sur des cordes soyeuses.

La même année, Messiaen démarre l’écriture du Tombeau resplendissant. Au journaliste de L’intransigeant venu saluer sa nomination, le tout jeune organiste titulaire du grand Cavaillé-Coll de l’Église de la Sainte Trinité explique avoir voulu « chanter une façon de Béatitude pour ceux qui retrouvent dans la foi mieux que des illusions d’une jeunesse morte » (18 octobre 1931) – cf. la biographie de Peter Hill et Nigel Simeone, traduite puis publiée par Fayard, en 2008. Le 12 février 1933, salle Pleyel, Pierre Monteux joue cet adieu à un temps consacré à « une musique de fleurs », éclairé par « l’oiseau bleu des illusions » – comme indiqué sur l’Épitaphe. On y repère une alternance de deux sections énergiques avec deux autres apaisées. De ces dernières, la première intrigue par son aspect lancinant et élégiaque, proche d’un rituel, tandis que la seconde conclue le quart d’heure par une monodie tournante, à l’unisson, qui échappe à la pesanteur. Le chef estonien, au geste un peu lourd au départ, termine l’exécution dans une grande égalité de nuances.

Si elle fut créée d’abord, la version pour orgue de L’Ascension (29 janvier 1935) – toute première pièce de Messiaen entendue, et aussitôt aimée, par Järvi – est postérieure à celle pour orchestre, donnée par les Concerts Siohan le 9 février 1935, salle Rameau. En effet, elle fut élaborée entre mai et juillet 1932… avec une journée prise pour épouser la violoniste Claire Delbos, le 22 juin. Jugées plus tard comme peu caractéristiques de son langage musical (1944), ces Quatre méditations symphoniques n’autorisent pourtant pas le doute sur leur architecte, à repérer les influences (inflexion grégorienne au seuil du I, fanfare dukasienne à celui du III), l’invitation du mystère (bourrasques frémissantes au second plan, au cœur du II) et le cadre serein de l’ensemble (long thrène sur chemin d’accords au I, lente élévation du IV).

Le programme s’achève avec un opus tardif donné au Théâtre du Châtelet, le 5 décembre 1991, par son commanditaire Marek Janowski, retrouvant là l’Orchestre philharmonique de Radio France dont il eut la charge quelques années plus tôt (1984-1989). Si Le sourire, page centrale de Trois mélodies (1931), constituait un hommage à la mère de Messiaen – la poétesse Cécile Sauvage (1883-1927) dont il empruntait les mots pour la seule et unique fois –, Un sourire évoque la disparition de Mozart, deux cents ans plus tôt, ainsi que sa constance face aux douleurs. « Mozart a toujours eu beaucoup d’ennemis, écrit notre contemporain. Il avait faim, froid, presque tous ses enfants sont morts, sa femme était malade, il n’a connu que des malheurs… Et il souriait toujours. Dans sa musique et dans sa vie » (notice du CD). Järvi y cultive le caractère de douceur général, même dans les sections rythmées, plus tendues, qui émaillent dix minutes lyriques et aériennes.

http://www.anaclase.com/content/olivier-messiaen-7

Thursday, January 23, 2020

NHK交響楽団 第1コンサートマスター 篠崎 史紀氏 インタビュー

news-digest.co.uk
23.01.2020


N響とパーヴォ・ヤルヴィの化学反応を楽しんでほしい

2017年に英国を含む欧州6カ国を回るツアーを成功させたNHK交響楽団がロンドンに戻ってくる。世界的指揮者パーヴォ・ヤルヴィ氏を首席指揮者に迎えて早5シーズン目。ヤルヴィ氏の母国エストニアを含む7カ国9都市で行われるツアーでは、数年かけて培われた指揮者とオーケストラの絆が生み出す円熟した演奏が期待できそうだ。今回は同楽団の第1コンサートマスターとして活躍する篠崎史紀氏に、前回のロンドン公演やヤルヴィ氏と同楽団の関係、前回を超える規模となる今回のツアーについて語っていただいた。(取材・文: 村上 祥子)
Fuminori Maro Shinozaki1963年生まれ。愛称はマロ。多くの演奏家を輩出した篠崎永育(父)と幼児教育の第一人者である美樹(母)から3歳よりヴァイオリンを学ぶ。毎日学生音楽コンクール全国第1位獲得。81年よりウィーン市立音楽院に留学。欧州の主要コンクールで受賞実績を重ねつつ世界各地の国際音楽祭に招聘されるなど幅広い活動を行う。88年、同音楽院を修了後、帰国。群馬交響楽団コンサートマスター、読売日本交響楽団コンサートマスターを歴任し、97年4月にNHK交響楽団コンサートマスターに就任。現在は第1コンサートマスターとして活躍中。桐朋学園非常勤講師、東京藝術大学非常勤講師、昭和音楽大学客員教授。
主催者側がコンマスの部屋まで飛んできた

海外公演を行うには労力を使いますし、資金面でも大変なことが多いかと思います。今回は約3年ぶりの大規模なツアーとなるわけですが、NHK交響楽団(以下、N響)が海外公演を行うことについてはどのように捉えていらっしゃいますか。

欧州には、「東洋にすごいオーケストラがある」という噂が昔からありました。うち(N響)に招聘(しょうへい)している西洋の指揮者たちやソリストたちが自国で話しますからね。けれどもその実態は知られていなかった。N響は何度か欧州旅行に行っていますが、前回は一番手応えがあった演奏会で、終わった後にすぐ招聘の話が来たのです。欧州に呼びたい、3年以内に呼びたいと。これはN響が世界で認められるところにようやく足を踏み入れたということ。ですから、この海外公演の動きを担っていくのが、日本のクラシック音楽界の未来に対して必要なのではないかと思っています。

2017年のロンドン公演では、武満徹の曲を組み込むなど他の地域とは異なる独自のプログラムを演奏されました。その時の聴衆の反応はいかがでしたか。

東洋から来ているオーケストラで、前回の訪英は10数年前。知っている人は知っているけれども知らない人も多いという状況でしたから、聴衆はすごく沸きますよね。特に日本のオーケストラが日本のアイデンティティーを持った作曲家の曲を演奏するというのは、日本にロシアのオケが来たらロシアの曲を聴きたいと僕たちが思うのと同じで、非常に大事なこと。聴衆が沸いてくれたのもありがたかったし、公演の直後に主催者側が走って飛んできたというのも大きかった。僕たち演奏家や聴衆は、良い演奏に対しては心が動くし、感動もする。そういうものを観たり聴いたりしたら心からの拍手とブラボーをかけますが、主催者側は少し別で、もっとクールに見ているんですよ。そうしなければ主催はできないですから。でも主催者側が飛んできて、近いうちに欧州の地で演奏会ができないかと聞いてきた。N響の真の価値を認めてもらったと言っても過言ではないかもしれません。しかも主催者側はコンマスの部屋まで来ましたからね。僕が言葉ができたというのも少しはあると思いますが、次はいつ来られる、このオーケストラのスケジュールはどうなっていると。

そして迎える今回のヨーロッパ公演は7カ国9都市を回るという、前回以上の規模となっています。

ツアーに関して言えば、マーケティング上、世界の中で重要な場所があって。それがニューヨーク、ロンドン、東京。あとメディアに批評が出るところとしてベルリン、パリがあります。ウィーンはオペラなどに関しては批評が出るけれど、それ以外の分野は地中に埋もれてしまう。そういう意味ではロンドン、パリ、ベルリン、そしてオファーが強かったオランダといった場所を回る今回の演奏会は、N響にとっては重要なポジションに位置すると思います。

海外ツアー時には、演奏家としてはもちろん、コンサートマスターならではのご苦労も多いのではないですか。

何もありません。コンサートマスターはそれが苦労だと思ったら、たぶんなれない。だから楽観主義の人がいいんですよ。そういう意味では合っているのかもしれません(笑)。場所が変わればメンバーの体調が悪くなることもあり、それが一番心配ですね。常にホテル住まいですし、移動続きでホールも毎回違う。ただありがたいことにクラシック音楽には作曲家という絶対神があって、そこに集結することができます。コンサートマスターの仕事というのは、その日、良い演奏会をやりたいよねという気持ちを皆に作ってあげること。あとは場所が変わったり練習時間が少なかったりして指揮者が精神的にいら立つのをなだめる。それくらいかな。だからこそパーヴォ(首席指揮者のヤルヴィ氏)とも一緒にご飯を食べたりしているんです。

指揮者とコンサートマスターの親密なコミュニケーションが、良い演奏を生み出すうえでのベースになっていると。

海外からN響に来るソリストや指揮者とも、何度か個人的に食事をしています。日本には英語の表記が少ないから、彼らにとっては特に難しくて、ストレスがたまりやすいんです。また、日本人は会話を通じて理解し合うということをしない、皆まで言うなという「察する文化」を重んじていますから。向こうはしゃべらないと分からないので、リハーサルをやっていても皆が黙っていると、「分かっているのかな、いないのかな」と不安になってしまう。そういうときに返事をしてコミュニケーションを促すというのも僕の仕事ですね。

NHKホールでの定期公演、本番前リハーサル中の篠崎氏(写真中央左)とヤルヴィ氏(同右)
N響のアイデンティティー

ロンドンでは前回に引き続き、武満徹の楽曲を演奏されます。武満徹と言えば日本を代表する作曲家だと思いますが、殊にロンドンで演奏する意義は?

日本の作品を取り上げることに意義があります。武満はアイデアマンで、邦楽の楽器を取り入れ、少ないモチーフでかつ時間的に著作権使用料が上がる手前で曲を終わらせる(笑)。そして日本の響きを少しだけ曲に盛り込んでいるんですよね。それも今まで聴いたことのないような形で。後に出てくる(アルヴォ・)ペルトなどもそうです。ペルトはソ連の一部だったエストニア出身ですが、その曲にロシアの響きはない。グレゴリオ聖歌の古い音楽を新しい響きと融合させているのです。それに近い手法を取っているのが武満。少し数学的ですよね。日本よりも先に西洋で評価が上がり、武満の名前が知られ、演奏される回数が多くなった。だから欧州で演奏するときには武満が良いのではないかということになるわけです。

武満の「ハウ・スロー・ザ・ウインド」の他には、シューマンの「チェロ協奏曲」を演奏されますね。

まず武満は僕たちオーケストラのアイデンティティーを提示するのに必要な曲です。そして次にシューマン。シューマンは昨年、クララ(シューマンの妻)が生誕200年だったということもありますが、極論を言うと、ロマン派で始まりロマン派で終わる純潔のロマン派がシューマンだと思うのです。しかもドイツ音楽の神髄。そしてN響の得意なものと言えばドイツ音楽です。

かつてN響はドイツの指揮者をずっと呼んでいました。サヴァリッシュ、シュタイン……。最近、ドイツにはドイツ音楽がなくなったと言われています。これはEU(欧州連合)がきっかけ。EU圏内の人はEU内のどこでも仕事ができるようになり、オーケストラの大移動が始まった。昔だったら、あるエリアで決まった人たちが同じメソッドを学校で学び、その街のオーケストラに入っていました。でも今はベルリン・フィルのように世界中からいろいろな人をオーディションして入れていく。そうするとなくなっていくのが「方言」なんですよね。「方言」がなくなると洗練され、インターナショナルで素晴らしい演奏になる一方で味がなくなる。「味って欠陥でしょう」と言われればそれまでなのですが、僕は「方言」をしゃべっていた頃のオーケストラが大好きなのです。  

一方でN響は、(団員が)いろいろな場所で勉強はしていても共通言語は日本語。しかも伝承がうまくいっている。このパッセージはこの弾き方でやるという、ここのオケでしか通じない共通認識があります。N響に来た指揮者が、「ここにドイツのオケがあった」と言うんですよ。だからこそドイツ音楽は外せないのです。

2017年、ロイヤル・フェスティバル・ホールで行われたロンドン公演
「お互いの我が出せる」 関係になった

ヤルヴィ氏が首席指揮者に就任されてから5シーズン目を迎えました。お互いの理解が深まっていく中で、オーケストラ全体が変わってくる部分もあるのではないですか。

お互いのパターンが見えてきた、これはすごく大事です。パターンが見えると何ができるかと言うと、即興が広がる。例えば友達と食事に行くとします。最初の頃は食べ物の好みが分からないから、「何が食べたいですか」とお互い遠慮しながらいろいろなことを探るわけです。でも付き合いも5年くらいになると、「あそこの焼き鳥屋に行こうよ」と言えるようになる。もっと進んで「今日はすっぽん食いに行くぞ」と珍味までいける。そういう段階まできているのが、今のパーヴォとN響の状況。一般的な食べ物の好みもお互い分かっているし、珍味でもちょっと試してみようと言える仲になっている。音楽の七変化が感じられる状態でしょうか。

ヤルヴィ氏の就任当初と比べると、柔軟性が発揮できるようになったということでしょうか。

最初の頃はお互いに譲っていることが多かったと思います。お互いの我が出せるというのは、もっと面白い化学反応が見られるということですから、そこを楽しんでもらうとN響とパーヴォをより深く感じていただけるのではないでしょうか。

ロンドンには世界各国のオーケストラの演奏を日常的に耳にしている音楽ファンはもちろん、ちょっと聴いてみようかなという気軽な気持ちでコンサートに行くような人たちもいます。ファンだけでなく、普段はあまりクラシック音楽に触れていない人たちに向けて、クラシック音楽、そしてN響の魅力を教えていただけますか。

クラシック音楽は流行ではないんです。英国は保守的と言えば保守的で、マナーにしろ、儀式にしろ、格式があってきっちりしている半面、新しいものが好きで時代の最先端をいっている国ですよね。そうした中でクラシックがどのような位置を占めているのか。さまざまな刺激のあるところでは、クラシックに接する必要はありません。ただ、クラシックはヒット・ソングと違って生まれて消えるものじゃない。伝承され、継承されていくものです。しかも、その時代に合った形に変化(へんげ)しながら。僕たちはベートーベンと同じ時代の演奏法もしなければ、同じ楽器も使わないですよね。時代に合わせてどんどん変化しているのです。でも元は同じ。ここに面白さがあると思います。人種も言語も宗教も飛び越えて世界の人類が一つになれる。一瞬にして喜怒哀楽が味わえる。スポーツもそうだ、となるかもしれませんが、スポーツには勝ち負けがありますから。クラシック音楽は人間の元々持っている感情に共鳴してくれと訴えてくる。だからこそ世界中で何百年も愛されているのです。そして最も新しいバージョンを今回、ロンドンで皆さんが耳にすることになる……。

在英邦人の皆さんにとっても貴重な機会になりそうですね。

世界最先端をゆく指揮者と、これから世界に出ていこうとしているオーケストラ。指揮者のアイデンティティーとオーケストラの機能を合わせたものを、21世紀の最新の演奏法で皆さんにお届けしましょうというのが今回の欧州での演奏会です。だから聴き逃さない方がいいよと言いたいところですが、そう言うと押し売りになっちゃうから(笑)、体験してみたい? どう? と聞きたい。演奏会には、分かっていなければならないものはないんです。その空間で、何を感じられるか。ただ、感じに来てほしい。

オーケストラ・プロフィール

NHK交響楽団1926年10月5日にプロ・オーケストラとして結成された新交響楽団に端を発する。日本交響楽団の名称を経て、1951年に日本放送協会(NHK)の支援を受けることとなり、NHK交響楽団と改称。今日に至るまで、ヘルベルト・フォン・カラヤン、エルネスト・アンセルメ、ヨーゼフ・カイルベルト、ロヴロ・フォン・マタチッチなど世界一流の指揮者を招聘、また話題のソリストたちと共演し、数多くの名演を残している。

首席指揮者 パーヴォ・ヤルヴィ1962年、エストニアの首都タリン生まれ。2015年9月にNHK交響楽団の首席指揮者に就任。これまでにhr交響楽団(フランクフルト放送交響楽団)首席指揮者やパリ管弦楽団音楽監督などを歴任。現在はドイツ・カンマーフィルハーモニー管弦楽団芸術監督、エストニア祝祭管弦楽団芸術監督、チューリヒ・トーンハレ管弦楽団音楽監督・首席指揮者も兼ねる。

コンサート情報
Paavo Järvi & the NHK Symphony Orchestra, Tokyo
2月24日(月)19:30開演

指揮:パーヴォ・ヤルヴィ (NHK交響楽団首席指揮者)

チェロ:ソル・ガベッタ

プログラム:
武満徹「ハウ・スロー・ザ・ウインド」
シューマン「チェロ協奏曲イ短調 作品129」
ラフマニノフ「交響曲第2番ホ短調 作品27」

チケット:£15~65
会場:Royal Festival Hall
Southbank Centre Belvedere Road, London SE1 8XX
最寄駅:Waterloo駅
Tel:020 3879 9555
https://www.southbankcentre.co.uk

http://www.news-digest.co.uk/news/features/19743-fuminori-maro-shinozaki-interview.html

Wednesday, January 22, 2020

Dieser Saal klingt noch prächtiger als das KKL

nzz.ch
Christian Wildhagen
22.01.2020

Erstmals seit seinem Antritt in Zürich geht Paavo Järvi mit dem Tonhalle-Orchester auf Europa-Tournee. Bei den gemeinsamen Konzerten in Innsbruck, Wien, Budapest und Dortmund gibt es Offenbarungen – künstlerische wie akustische.
Uncle Sam wants . . . you: Musikdirektor Paavo Järvi gibt einen unmissverständlichen Einsatz.

Uncle Sam wants . . . you: Musikdirektor Paavo Järvi gibt einen unmissverständlichen Einsatz.
János Posztos /
Müpa Budapest

Schon bevor Paavo Järvi im Oktober den Stab als Musikdirektor beim Tonhalle-Orchester Zürich übernahm, ging er mit den Musikerinnen und Musikern auf Tournee – ins klassikverliebte Asien, wo für Künstler aus Europa immer noch Goldgräberstimmung herrscht. Damals dachte man sich nicht viel dabei, es war halt die Zeit der Flitterwochen, und das Orchester erschien durch die Vorfreude auf den neuen Chef bereits hörbar beflügelt. Doch gut drei Monate nach Järvis eigentlichem Amtsantritt wurden jetzt erneut in grossem Stil die Koffer gepackt. Diesmal ging es kreuz und quer durch Mitteleuropa, und plötzlich war klar: Der «Neue» meint es ernst.

Womit? Nun, mit einem Vorsatz, den Järvi in seiner nordisch-zurückhaltenden Art nur wie nebenbei geäussert hatte, bescheiden, eher als Arbeitshypothese denn als ein laut hinausposauntes Programm: Das Tonhalle-Orchester habe das Zeug, zu den besten fünf Klangkörpern weltweit zu gehören, und genau das wolle er der Welt zeigen. Nach der am Montag zu Ende gegangenen Europa-Tournee, die von Innsbruck über Wien und Budapest schliesslich ins eindrucksvolle Konzerthaus in Dortmund führte, lässt sich sagen: Der Herr Musikdirektor hat den Mund keineswegs zu voll genommen. Wenn einer es schaffen kann, diesem hochgesteckten Anspruch gerecht zu werden, dann er – im Verbund mit diesen Musikern.

Wachstum durch Wechsel

Tourneen bringen es mit sich, dass meist ein und dasselbe Programm nacheinander an mehreren Orten gespielt wird. Das kann für die Ausführenden wie für mitreisende Hörer zu einer Art Dauerschleife werden, in der die zuvor einstudierten Interpretationen gleichsam bloss noch wie aus einer Datenbank abgerufen werden, dabei stets bedroht von Routine und Abstumpfung. Oder es kann zu einem inneren Wachstum kommen, fast in Goethischem Sinne, wobei gerade der Wechsel der Umstände, der Aufführungsorte und der jeweiligen akustischen Gegebenheiten, des Publikums und der Stimmungen im Ensemble, die Wiedergabe selbst bereichert.

Im Verlauf der ersten drei Etappen geschah ebendies beim Tonhalle-Orchester in beinahe exemplarischer Weise. Während die Musiker den akustisch sehr trockenen Tiroler Saal im Congress Innsbruck nach eigenem Bekunden als schwierig und gewöhnungsbedürftig empfanden, trafen sie in Wien und Budapest auf zwei herausragende Konzerthallen, die nicht zuletzt durch ihre extreme Verschiedenheit inspirierend auf ihr Spiel zurückwirkten.



Das Wiener Konzerthaus von 1913 ist – wie das Opernhaus und die Tonhalle in Zürich – ein Werk des Architekturbüros Fellner und Helmer, dessen Theaterbauten bis heute viele Städte prägen. Dennoch steht es etwas im Schatten des berühmteren Musikvereins, dessen Goldener Saal klanglich seit nunmehr 150 Jahren als das Mass aller Dinge gilt, zumindest beim klassischen «Schuhschachtel»-Grundriss. Das Gastspiel im Grossen Saal des Konzerthauses, dessen knapp 1900 Plätze an dem Abend nahezu ausverkauft sind, fühlt sich indes für das Orchester an wie ein Nach-Hause-Kommen – eine vorzeitige Heimkehr in den gewohnten Rahmen der historischen Tonhalle am Zürichsee, die erst 2021 nach umfassender Renovation und Rekonstruktion wieder bezugsfertig sein soll.

Wie schnell sich die Musiker an den ähnlich romantisch-sonoren Grundklang des Konzerthauses adaptieren, ist schon bei einer ersten Anspielprobe im noch leeren Saal faszinierend mitzuerleben. Es ist, als habe jemand die Schraubzwinge gelöst, die das Orchester im notgedrungen kleineren Interim der Zürcher Tonhalle Maag beengt. Und plötzlich meint man auch zu begreifen, warum Järvi in der heimischen Maag-Halle ein ums andere Mal an (und über) die akustischen Grenzen geht: Für ihn steht offenbar die so glücklich wiedergewonnene Spielfreude, ja, die unmittelbar zu spürende Hochstimmung des Orchesters im Vordergrund; ihr will er buchstäblich den nötigen Raum geben.
Die beste aller Klang-Welten

Freilich hält das Konzerthaus, im Unterschied zur Maag, die dynamischen Spitzen in Peter Tschaikowskys 5. Sinfonie – dem vorher in Zürich an drei umjubelten Konzerten erprobten Hauptwerk der Tournee – ohne Einbussen bei der Transparenz aus. Der Ton der Violinen und insbesondere der Bratschen, die allesamt in der Tonhalle Maag mitunter zu kämpfen haben, blüht und leuchtet wieder frei und offen. Järvis zu Amtsantritt formuliertes Ziel, mit Tschaikowskys melodien- und ausdrucksgesättigter Musik namentlich dem Streicherklang des Orchesters frischen Glanz zu verleihen, zeigt bereits Wirkung.



Mehr Farben, mehr Holz, aber das Vorbild dieses Saales steht unverkennbar in Luzern: Das Tonhalle-Orchester Zürich spielt unter Paavo Järvi erstmals im «Bartók Béla Nemzeti Hangversenyterem», dem Béla-Bartók-Auditorium in Budapest.
János Posztos /
Müpa Budapest

Doch es kam noch besser. In Budapest steht seit 2005 das Kulturzentrum «Müpa» (kurz für: Művészetek Palotája, der Palast der Künste) mit dem Béla-Bartók-Auditorium als Herzkammer. Dieser Saal ist eine geringfügig vergrösserte und deutlich buntere Neuauflage der Salle blanche im KKL. Er ist zugleich das letzte vollendete Projekt des legendären Akustikers Russell Johnson, der sein Luzerner Konzept – inklusive der Nachhall-Kammern und des verstellbaren Reflektors – hier nochmals optimiert hat. So glaubt man denn wirklich, in der besten aller Welten zu sitzen, wenn zum Wohlklang à la Wien noch Luzerner Klarheit und Farbigkeit treten.

Tschaikowskys Fünfte lässt dies derart wie von innen heraus strahlen, dass ihr oft hohlwangig tönender Triumph-Schluss überhaupt nichts Aufgesetztes mehr hat. Aaron Coplands Klarinettenkonzert (mit dem charismatischen Solisten Martin Fröst) und vor allem die mutig zum Einstand gespielte «Tanz-Suite» von Bartók gewinnen in ihren kleineren Besetzungen sogar noch stärker an Klangtiefe und fast greifbar in den Raum gestellter Plastizität. Das Publikum, durch Iván Fischers Budapest Festival Orchestra Erstklassiges gewohnt, ist danach dennoch ganz aus dem Häuschen. Laut Tonhalle-Archiv war dies das erste Ungarn-Gastspiel des Orchesters überhaupt. Es soll nach dem Willen aller Beteiligten nicht das letzte bleiben.

https://www.nzz.ch/feuilleton/tonhalle-orchester-zuerich-auf-tournee-dieser-saal-klingt-noch-praechtiger-als-das-kkl-ld.1535382

Tuesday, January 21, 2020

Martin Fröst und das Tonhallen-Orchester Zürich in Dortmund

wa.de
Edda Breski
21.01.2020

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Der Klarinettist Martin Fröst. Foto: bäcker/sony music

Dortmund – Es ist eine große Kunst, notierte Töne so klingen zu lassen, als entstünden sie im Moment des Spielens durch den Spieler neu. Als erschaffe sich durch Luftströme eine eigenständige, völlig unvorhergesehene Welt. Der Klarinettist Martin Fröst beherrscht diese Kunst. Vor mehr als zehn Jahren zeigte er als Junger Wilder am Konzerthaus Dortmund, was er konnte. Am Sonntag kam er für ein Gastspiel mit dem Tonhalle-Orchester Zürich unter Leitung von Paavo Järvi zurück.


Fröst spielt Aaron Coplands Klarinettenkonzert (1948), als seien die Töne Quecksilbertropfen. Nichts klingt wie notiert. Der erste Satz, „Slowly and expressively“, entwickelt sich aus einem wie körperlos einschwebenden Solo. Frösts technische Möglichkeiten erscheinen endlos. Der Ansatz kann hauchfein sein, wie herbeigeweht, oder er pfeift und rumpelt wie eine ganze freche Trollschar. Fröst hat keine Sorge um die sentimentalen Melodieverspinnungen Coplands, sondern kostet sie aus, nutzt sie als Spielwiese für mäandernde Tonfolgen und Klanggebungen. Er tanzt seinen Part im Grunde ebenso vor, wie er ihn spielt. Zwei Schritte vor, einer zur Seite, wandert er auf die Streichergruppe zu, mit der die Klarinette gerade interagiert (das Konzert erfordert neben Streichern nur ein Klavier im Orchester). Seine Tänzelei dient einem konkreten Zweck, nämlich mit den Bewegungen des Schalltrichters seines Instruments auch den Ton wandern zu lassen, als entstehe er jedesmal an einem anderen, etwas verschobenen Ort. So erhält das Konzert die Qualität einer Luxusimprovisation.

Die Kadenz ist ein musikalischer Gestaltwandler, Fröst flötet und pfeift und lacht und groovt. Der zweite, jazzige Satz, „Rather fast“, ist ein präzises Wechselspiel zwischen Fröst und dem fabelhaft mitfedernden Orchester. Als Zugabe gab es eine Improvisation für Benny Goodman, für den Copland das Klarinettenkonzert geschrieben hatte.


Hingeleitet hatte Järvi auf den Copland mit Bartóks Tánczsvit (1923), voll unterdrückter Energie und spielerischer Freude am Klang. Die Effekte, die Bartók in der „Tanzsuite“ zusammenschmiedete – die Posaunen, die klingen wie auf Glatteis, die klappernden Geigenbögen und der kraftmeiernde Wettstreit zwischen Hörnern und Blechbläsern – behandelt Järvi eben nicht wie Überraschungsmomente, sondern wie kluge Gedanken, die einfach aus Lust und Laune die Richtung wechseln. Ein großer Spaß.

Nach der Pause folgte Tschaikowskys 2. Sinfonie, die „Kleinrussische“. Järvi verbindet strenge rhythmische Kontrolle mit einem satten dunklen Klang, der, gerade im Finalsatz, durchaus mal überkandideln kann. Ein Sound wie der Tritt eines Riesenkaters: samtig, schwer, saftig federnd und mit notfalls blitzschnell ausfahrender Klaue. Der gezügelte Marsch im zweiten Satz schlägt bei Järvi in einen breiten Strom dunkler Melancholie um. Das Scherzo ist aber dann straff wie ein Blitzbündel und mündet praktisch bruchlos in die Triumphfanfare des vierten Satzes mit dem berühmten Kranich-Thema. Järvi wird aber nicht folkloristisch. Er versteht die Sinfonie als Kraftprobe und Melodienwerkstatt. Für den warmen Applaus dankte das Orchester mit der Polonaise aus „Eugen Onegin“.

https://www.wa.de/kultur/martin-froest-tonhallen-orchester-zuerich-dortmund-13456901.html

Friday, January 17, 2020

Paavo Järvi alustas oma uue orkestriga Zürichist esimest kontserdireisi

kultuur.err.ee
Kirsti Kuusk
17.01.2020


Paavo Järvi alustas tööd Zürichi Tonhalle orkestriga Autor/allikas: Gaëtan Bally


Uue aasta esimesel kontserdireisil esineb Paavo Järvi oma uue, Zürichi Tonhalle orkestriga, mille peadirigendi ja kunstilise juhi ametisse ta sügisel astus. Kuni 19. jaanuarini mängib Zürichi orkester Austrias, Ungaris ja Saksamaal. Oma muljeid esimestest kontsertidest jagab viiuldaja Kirsti Kuusk.


Paavo Järvi esimene kontserdireis oma uue orkestriga Šveitsist algas kolmapäeval Austriast Innsbruckist. Võib kinnitada, et ka reisi esimene kontsert oli igati suurepärane. Välja müüdud ja nii akustilises mõttes kui ka oma suuruselt kammermuusikalise hõnguga saal oli avaõhtul Innsbruckis Congress Saal Tirol. Kavas kõlasid Béla Bartóki Tantsusüit orkestrile op. 77 (1923), Aaron Coplandi Kontsert klarnetile, keelpillidele, harfile ja klaverile (1947/48), solist alati huvitav ning unikaalne Rootsi muusik ja dirigent Martin Fröst, ning Pjotr Tšaikovski meistriteos 5. sümfoonia. Martin Fröst on ka Zürichi orkestri fookusartist sel hooajal.

150-aastane (asutatud 1868) orkester demonstreeris kõrgeimat mänguklassi. Bartóki Tantsusüit, üks raskemaid teoseid nii tehnilises kui ka koosmängu osas, esitati tulise hooga, tehniliselt perfektselt ja erakordselt artistlikult. Ja seda vaatamata faktile, et lugu on orkestrile põhimõtteliselt täiesti uus, nende repertuaaris mitte kunagi olnud teos, nagu tuli välja jutuajamiselt vaheajal Paavo Järviga. Järvil on plaan orkestri mängukava rikastada ning laiendada uue repertuaariga. "See on alles algus," kommenteeris ta Bartóki teosega tehtud töö tulemust.

Seda, et Copland kirjutas oma klarnetikontserdi kuulsa jazz-muusiku Benny Goodmani tellimusel, on kuulda solisti esimesest noodist kuni viimaseni. Omapärane muusikaline keel, huvitavad kõlalised efektid orkestris, finaali kuulad/ vaatad kui animafilmi! Eriti kui solist on Martin Fröst, kes mitte ainult ei mängi perfektselt oma instrumenti, vaid elab, lausa tantsib laval nagu üks filmiartist. Publiku aplaus oli teenitult tormiline. Martin Fröst mängis ka lisapala, Coplandi muusikaga hästi haakuva peadpööritava virtuoossusega klezmer-stiilis teose.

Paavo Järvi alustas oma uue orkestriga Zürichist esimest kontserdireisi. Pildil 15. jaanuari kontserdi afišš. Autor/allikas: Kirsti Kuusk

Vaheajal ajame juttu Paavo Järvi dirigenditoas. Räägime orkestritest Euroopas ja USA-s, nende erinevustest, positiivses ning negatiivses mõttes. Räägime sellest, et nn hea ja halb on kunstis üks väga suhteline asi ... et halb võib saada hea staatuse, kui paljud kinnitavad pikka aega, et see nii on ... Eks nii on igal pool, mitte ainult kunstis, aga kunstimaailmas on seda veel raskem tabada.

Räägime ka sellest, kuidas hoida keha ja meelt värskena sellise koormuse juures nagu on Paavol (tal on praegu kolm oma orkestrit – Tokyos, Bremenis, Zürichis, lisaks Eesti festivaliorkestri projektid ning kontserdid külalisdirigendina). Küsin: "Sa ei saa oma niisugust elu elada ilma alatise raudse distsipliinita ...". Paavo: "Nagu isa tavatseb öelda: häda ajab härja kaevu!". "Kas sa üldse puhkad, saad sa näiteks värskes õhus viibida?" Paavo: "Just jalutasin hotellist saali tervelt kolm minutit".

Kontserdi teises osas mängitakse Paavo nn leivanumbrit – see on Tšaikovski Viies sümfoonia. Seda mängisin ma ise tema käe all Eesti festivaliorkestri Jaapani-turneel möödunud aastal. Ma tean oma kogemusest, kui hästi ta seda teeb. Aga kuulates saalist, siis ikkagi: milline elamus! Tšaikovski geniaalne partituur on sajaprotsendiliselt publikuni toodud, väiksemgi detail pole kaduma läinud. Kõik neli osa mängitakse attacca, tulemus on üks terviklik muusikaline jutustus elust. Erakordne.

Vaimustatud, liigutatud publik ei lase orkestrit ära, lisapalana kõlab Tšaikovski Polonees ooperist "Jevgeni Onegin".

Orkestri muusikareis jätkus neljapäeva õhtul Viinis kontserdimaja suures saalis, reedel, 17. jaanuaril on ootamas Budapestis Béla Bartóki rahvusliku kontserdisaali ja 19. jaanuaril Dortmundi kontserdimaja publik. Võib julgesti öelda, et külalisturnee tuleb großartig, suurepärane.

Zürcher Orchester zu Gast in Innsbruck: Happiness vor dunkler Ausdrucksfülle

tt.com
Ursula Stohal
17.01.2020

Zürcher Tonhalle-Orchester mit Dirigent Paavo Järvi im Aufbruch. Brillanter Solist Martin Fröst


Der glänzende Klarinettist Martin Fröst, links von Dirigent Paavo Järvi, inmitten des Zürcher Orchesters, das im Innsbrucker Congress ein emotionsreiches Meisterkonzert bot.
© Kern

Innsbruck –Paavo Järvi übernahm vergangenen Herbst die künstlerische Leitung des Tonhalle-Orchesters Zürich und feiert den Aufbruch des traditionsreichen Klangkörpers nun mit einer Konzerttournee. Sie führte am Mittwoch nach Innsbruck und demonstrierte zum einen die Neigung des Dirigenten zu ungewöhnlicher Konzertprogrammierung sowie zum anderen einen – Järvi und den neuen Möglichkeiten geschuldeten – enormen Leistungswillen des Orchesters.

Vor Peter Iljitsch Tschaikowskys e-Moll-Symphonie Nr. 5 standen Bela Bartóks herbe, multikulturell genährt­e Tanzsuite für Orchester, mit der er 1923 die 50-Jahr-Feier der vereinten Stadt Budapest feierte und gleichzeitig dem nachdrücklichen Nationalismus Ungarns begegnete, sowie das einst für Benny Goodman komponierte Klarinettenkonzert von Aaron Copland.

Mit Bartóks typischem Mix aus scharfem Rhythmus und klanglichem Erfindungsreichtum sowie Coplands Weg aus lyrischen Gefilden zum Jazz nützte Järvi im Hörerlebnis des Publikums den Einfluss derart prägender Musik auf das Folgende. Noch dazu war der fulminante schwedische Klarinettist Martin Fröst für Coplands Konzert aufgeboten, mit dem er klangsinnlich und geschmeidig verführte. Gekrönt durch eine eigene Bearbeitung von Klezmer-Musik – „Let’s be happy!“ –, deren mitreißende Interpretation im Jubel-Echo des Publikums aufging.

Und mitreißend, emotional fordernd bohrte sich dann Tschaikowskys schicksalsschwere Fünfte Symphonie durch die Aufnahmefähigkeit. Järvi erreicht mit seinem ideal deutlichen, geradezu tragenden Dirigat ein gemeinsames Musizieren von starker Intensität, die Musikerinnen und Musiker geben ihm alles.

In einem atemberaubenden Bogen, das Ziel gegenwärtig, bindet er die Sätze zu einer Einheit eng aneinander, reizt die Dynamik, ohne zu mildern, bis ins geforderte vielfache Forte aus, ohne Stimmen, ohne die Ausdrucksfülle zu opfern. Immer breiter und doch pathosfrei fließt die Ausdrucksfülle durch russische Seelenlandschaft, kreuzt die Unerbittlichkeit gesellschaftlicher Anlässe und politischer Systeme – bis zur nächsten Insel von Tschaikowskys hoffnungsarmer Einsamkeit.

Das Tonhalle-Orchester Zürich mit Paavo Järvi im Konzerthaus

derstandard.at
17.01.2020

Man arbeitet an einem Tschaikowsky-Zyklus und neuen Deutungswegen – die klingen interessant



Paavo Järvi dirigierte im Wiener Konzerthaus.Foto: Gaetan Bally

Ob er wohl aktuell einen eigenen Spind hat im Dirigentenzimmer? Innert drei Monaten ist Paavo Järvi mit seinen drei Orchestern aus Bremen, Zürich und Tokio im Konzerthaus zu Gast. Am Donnerstagabend war der Este mit den Schweizern da. Mit dem Tonhalle-Orchester Zürich ist Järvi erst relativ kurz liiert, man arbeitet zusammen an einem Tschaikowsky-Zyklus, in dem neue Deutungswege eingeschlagen werden sollen. Wie klingen die?

Interessant. Die fünfte Symphonie erlebte man in einem Spannungsfeld von straffer Energie und feinnerviger Eleganz. In der eidgenössisch-estnischen Darstellung ist Tschaikowsky ein Mann, der Crossfit macht und zum Ellmayer geht. Die Fortissimo-Passagen (etwa im Kopfsatz) waren von einer muskulösen Kompaktheit – Wampe gibt’s nicht bei Järvi. Die Valse wurde mit artistischer Grazie getanzt – toll, wie nuanciert der 58-Jährige hier das erste Thema modellierte und dann steigerte. Auch in der Körpersprache des Dirigenten spiegelten sich diese zwei Pole wider: Järvi agierte wie ein Offizier und Gentleman.

Anspruchsvolle Kost

Anspruchsvolle, ungewöhnliche Gastspielkost wurde im ersten Programmteil serviert: Béla Bartóks Tanzsuite in sechs Sätzen wurde fernab jeder Sprödigkeit mit vitaler Pracht, zauberhaften Farbzeichnungen und federnder Bewegungsfreude erfüllt.

Der Swing fehlte bei Aaron Coplands Klarinettenkonzert etwas. In Järvis Deutung vermisste man ein lässiges Bernstein-Momentum, Solist Martin Fröst setzte auf luftig-leichtes, zungenfertiges Virtuosentum. Jubel und Zugaben. (sten, 17.1.2020)

https://www.derstandard.at/story/2000113431717/das-tonhalle-orchester-zuerich-mit-paavo-jaervi-im-konzerthaus

Thursday, January 16, 2020

Paavo Järvi: „Neujahrskonzert in Wien würde ich nicht ablehnen“

tt.com
Markus Schramek
16.01.2020

Dirigent Paavo Järvi im Gespräch über seine Zeit in der Sowjetunion, seine Rolle als Orchesterleiter und die spezielle Beziehung zu Österreich.



Paavo Järvi jettet als Dirigent um die Welt. Heimisch fühlt er sich in Estland, wohin er seit dem Fall der Sowjetunion oft zurückkehrt.
© Foto TT/Rudy De Moor
Letztes Update am Donnerstag, 16.01.2020, 05:32


Der 2019 verstorbene Dirigent Mariss Jansons und Andris Nelsons, der heuer das Neujahrskonzert in Wien leitete, stammen aus Lettland. Sie stammen als gebürtiger Este ebenfalls aus dem Baltikum. Ist diese nordöstliche Ecke Europas ein musikalisch besonders fruchtbarer Boden?

Paavo Järvi: Die baltischen Staaten Estland, Lettland und Litauen waren lange Zeit von der Sowjetunion besetzt. Um den eigenständigen Charakter zu bewahren, musste man in diesen Ländern kreativ sein. Kunst, Musik und Literatur boten sich als Stimme an in einem staatlichen Regime, in dem es keine Meinungsfreiheit gab.

In Mitteleuropa betrachtet man die baltischen Staaten oft als eine Einheit. Dabei sind die einzelnen Länder doch sehr unterschiedlich?

Järvi: Wir hängen geografisch zusammen, doch wir verstehen kein Wort der jeweils anderen Sprache. Wir Esten gehören zur selben Sprachfamilie wie die Finnen. Mit diesen können wir uns leicht verständigen. Nach dem Fall der Sowjetunion haben die drei baltischen Staaten verstärkt zusammengearbeitet, um zusammen mehr politisches Gewicht zu haben.

1980 traf Ihre Familie die Entscheidung, von Estland in die USA auszuwandern. War das eine Flucht oder eine bewilligte Ausreise?

Järvi: Man darf nie vergessen, dass die Sowjetunion eine brutale Diktatur war, es ist selbst im heutigen Russland ja kaum besser. Jeder wollte damals weg, aber nur wenige konnten das auch. 1980 bot sich eine gute Gelegenheit: Die Russen waren in Afghanistan einmarschiert, und in Moskau standen die Olympischen Spiele bevor. Das Regime erteilte damals viele Ausreisebewilligungen an Bürger, die möglicherweise ihre Stimme gegen das System hätten erheben können.

Als vielbeschäftigter Dirigent sitzen Sie viel im Flugzeug zwischen Europa, Japan und Ihrem Wohnort in den USA. Wo fühlen Sie sich daheim?

Järvi: Ich lebe zwar offiziell in den USA, aber ich halte mich mehr in Europa auf. Ich würde immer noch Estland als meine Heimat bezeichnen. Ich kehre oft dorthin zurück. Als wir damals in die USA auswanderten, war ich erst 18. Ich hätte nie geglaubt, dass ich meine Verwandten und Freunde in Estland jemals wiedersehen würde.

Seit Herbst 2019 leiten Sie das „Tonhalle-Orchester Zürich“, zusätzlich zu Ihren Orchestern in Bremen und Tokio. Wie bringen Sie das zeitlich unter einen Hut?

Järvi: Mithilfe eines sehr guten Teams, das die Termine koordiniert. Ich habe nie eine Orchesterleitung angestrebt, sondern bin gefragt worden, ob ich die Posten übernehme. In Zürich sind wir jetzt in der Kennenlernphase.

Sehen Sie sich als Freund des Orchesters oder als dessen unumstrittener Chef?

Järvi: Ich empfinde mich als Dirigent nicht als hierarchisch höhergestellt. Ich bin ein Musikerkollege, der zu den Stücken, die gespielt werden, eine Meinung hat und versucht, diese ohne Worte zu kommunizieren. Laut zu werden, weil Fehler passieren, ist nicht mein Stil. Tyrannen am Dirigentenpult hat es vielleicht früher gegeben.

Sie haben denselben Beruf ergriffen wie Ihr Vater Neeme Järvi, der auch als Dirigent Karriere machte. Stört Sie nicht der unvermeidbare Vergleich mit ihm?

Järvi: Ich habe kein Problem damit. Denn ich werde mit einem sehr guten Musiker verglichen. Wenn man selber gut ist, wird man auch wahrgenommen. In einer Musikerfamilie dreht sich alles um Musik. Man hat fast keine andere Wahl, als selbst Musiker zu werden. Wenn man sich in die Musik verliebt, dann verliebt man sich eben. Sollte man etwas nicht tun, nur weil es der Vater tut? Mein Vater hat mich nie zur Musik gedrängt. Unser Verhältnis ist sehr eng.

Sie haben eine sehr spezielle Beziehung zum Neujahrskonzert in Wien.

Järvi: Mein Vater hat Aufnahmen der Wiener Philharmoniker gesammelt. Und deren Neujahrskonzert war für uns schon in Estland ein Fixpunkt. Die Familie versammelte sich vor dem Fernseher. Verbotenerweise verfolgten wir das Konzert über das finnische TV, das russische Fernsehen übertrug das Konzert ja nicht. Noch heute sehe ich mir jedes Neujahrskonzert an, auch heuer wieder. Andris Nelsons hat seine Sache als Dirigent sehr gut gemacht, finde ich.

Würden Sie das Neujahrskonzert in Wien gerne einmal selbst dirigieren?

Järvi: Ich habe keine Check-liste von Dingen, die ich noch erledigen möchte. Doch das Angebot, das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker zu leiten, würde ich ganz sicher nicht ablehnen.

https://www.tt.com/artikel/16539868/paavo-jaervi-neujahrskonzert-in-wien-wuerde-ich-nicht-ablehnen

Conductor Paavo Järvi: 'Beethoven is no fake star'

dw.com
16.01.2020

Paavo Järvi, one of the world's most sought-after conductors, will again perform all nine Beethoven symphonies in 2020, the composer's anniversary year. In a DW interview, he explains why Beethoven remains so relevant.




The Estonian star conductor Paavo Järvi is, among other things, artistic director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, one of the world's leading orchestras. The "dream team," as they call themselves, has already won several prizes for their collaborative recordings, including those of Ludwig van Beethoven's nine symphonies. Deutsche Welle has filmed Paavo Järvi and the orchestra on "The Beethoven Project." Here the conductor explains the secret of their success and why Beethoven's music — especially his symphonies — are so relevant in 2020.

DW: Ten years ago, with "The Beethoven Project," you sought to present a version of his symphonies for the 21st century. What is always new to you about Beethoven?

Paavo Järvi: Beethoven considered his symphonies the summit of his output. For me, the thrill is a test of time. If you listen to a performance of a Beethoven symphony and listen to it again ten year later, does it still stand up? Is it still something that feels interesting to hear, is os alive and does it have energy? That's really the goal and the key.

I think a lot has been said about the historic importance and political aspect of Beethoven symphonies and his quest for brotherhood, fairness and empathy. That message will always be there and will always be important. That's why we talk about Beethoven as a kind of revolutionary. But as a musician, I find that there is something about his music that never grows old, that is very direct, uncompromising and also honest.

Why is his music relevant nowadays?


Paavo Järvi will be conducting all of Beethoven's symphonies during this anniversary year: shown here with the German Kammerphilharmonie Bremen

We live in a time when you can't believe much of what you hear. A time where you always doubt everything. In fact the biggest deficit nowadays — as far as I'm concerned — is the lack of authenticity. There are a lot of fake stars, manufactured stars and manufactured ideas. You very seldom hear somebody tell it like it is.

Beethoven not only does that, but he says it in such a brilliant way that you just stop and listen because it is really authentic, and powerful and uncompromising. Beethoven's musical statements are delivered so compellingly that you have no choice but to listen. It's not: "Let me tell you a story about what I heard somewhere." It's about the here and now, and it's only this way, and there is no other way. It's not political music per se, but it is a kind of music that reacts to things. Reacts against injustice, reacts against what is fake.

How do you convey that authenticity?

Before we made the recordings, we worked on the symphonies for ten years and then recorded them one by one. We took a lot of time to actually discover exactly what's in the score, how to seat the orchestra, what kind of instruments to use, whether the metronome markings are correct, and how many liberties we can take. All the things that we had been looking to achieve were achieved only because we had enough time to really immerse ourselves in the works.

With the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, you have recorded not only Beethoven's symphonies, but also those of Johannes Brahms and Robert Schumann. With the Orchestre de Paris, where you were principal conductor for five years, you dedicated yourself to the symphonies of Jean Sibelius. What does it mean for you to record these complex symphony cycles?

I think with certain composers you just feel like tackling the whole cycle makes sense. If you do the cycle of Beethoven's symphonies and play them in chronological order, you hear each symphony quite differently than if you just play one of them.

Playing the Fifth alone, for instance, is a great experience, but if you play the Fifth right after the Fourth, it's a real shock. It puts it in a different context. Then, after the Fifth, where fate knocks at the door and everything revolves around this kind of higher power, you have the Sixth, the Pastoral, where it is suddenly very close to nature and much less heroic and imperial. All that will change the way you look at the piece, if you have the right context.

Can we draw conclusions about Beethoven's musical development from this?

We instinctively believe that progress is linear and logical. But with Beethoven, there's no such typology. For example, after the Third Symphony, the Eroica, one thinks that something really amazing, unique must follow. But then comes the Fourth Symphony, which is very close to the Second. It's as if he had taken two steps backwards after the great breakthrough he had made with the Third Symphony. Then, from that place, it seems like a mystery why he wrote the Fifth, which takes another ten steps further forward than the Eroica. Then he returns with the Sixth to a kind of Pastoral, which seems like a walk in the park. I'm obviously simplifying here, of course.

With the Seventh, he's written a dance symphony, which one would really not have expected. After that comes one of the greatest jokes ever written by a genius. From the beginning, the Eighth Symphony is just a number of pranks. And with the Ninth comes a piece that changed the history of music, with chorus and the statement that "all men should become brothers." It changed the way one looks at symphonies. So there's no clear logical progression in Beethoven's symphonies. An inner logic perhaps, but not one that's easy to detect.

Which of his symphonies with all these different attributes do you like best?

I like every one of them, because once you are immersed in one symphony, it becomes the piece you like the most. Looking back, I've always specially looked forward to conducting the First, the Second and the Fourth. They are fresh, they are incredibly witty and slightly less familiar to the orchestras and also to the audience than, let's say, the Fifth, Seventh and Ninth. Purely from my personal point of view, conducting the Fourth symphony is always a joy.

The Fifth Symphony is physically so demanding and so complicated to do the way you really want to. I have never been a part of a good performance of the Fifth, other than with the Kammerphilharmonie Bremen. With the Kammerphilharmonie, we have had many good performances with the Fifth symphony. It's not that there was anything wrong with the other orchestras, it's just that we hadn't gone through those ten years of experimentation together.


The Kammerphilharmonie with Järvi

You have been working as artistic director with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen since 2004. What makes your collaboration so special?

The Kammerphilharmonie Bremen is an orchestra that organizes itself around projects. We take a composer and immerse ourselves in the works. We do cycles, we have specialists who come and talk to us. We experiment and take enough time to really delve into the composer. With Brahms, we took four years; with Schumann, five years; with Beethoven, ten years. How many orchestras have the luxury to spend that much time on standard repertoire? It's an entirely different way to get into the essence of a piece.

With The Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Paavo Järvi will again perform the entire cycle of Beethoven's nine symphonies in Bremen and Frankfurt during the Beethoven Anniversary Year 2020, as well as conduct the Ninth in Tokyo to mark Beethoven's birthday in December.

onhalle-Orchester Zürich/Paavo Järvi in Vienna – Béla Bartók's Dance Suite and Pyotr Tchaikovsky's Fifth Symphony – Martin Fröst plays Aaron Copland's Clarinet Concerto [live webcast]

classicalsource.com
Ateş Orga
16.01.2020


Paavo Järvi likes working on large-scale long-term projects with his orchestras, immersing them in different styles and intensities – witness his Beethoven and Brahms symphonies with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Nielsen with the Frankfurt Radio Symphony, and Sibelius with the Orchestre de Paris. His recent appointment as Chief Conductor and Music Director of the prestigious Tonhalle-Orchester Zürich sees a new Tchaikovsky cycle get under way – a more than crowded field we need no reminding yet for all the distinguished competition, from Russian to European to American, one with room still for surprises and unexpected angles.

Closing the second leg of a mini 'railway' tour taking in Innsbruck, Vienna, Budapest and Dortmund, Järvi's view of the Fifth Symphony emphasised the “once upon a time” approach, a grandfather telling stories, as he put it, imagery and mood painting to the fore. Counterbalancing this was his welcome regard for the music's “structural brilliance” – re-affirming that radical change in analytical thinking about Tchaikovsky nurtured in the sixties by Markevitch, Mravinsky and Hans Keller amongst others. Narrative and architecture combined brilliantly in the first movement, music which, like the succeeding Andante, can all too easily sag into sentimentality. Järvi steered a sensitive course, taking tempo liberties but welding them into an articulate expressive whole built on sonorous harmonic roots and a naturally breathed meter. He got the music, like his musicians, to talk, to equally ruminate, gather steam and grow. Scenically unfolded, the Valse came over like a young ballerina's dream, all embrace and chatter before the bated breath of a nervous invitation and fleeting kiss caught on the wing. Pride of the Tonhalle-Orchester is the string department, led by charismatically musical principals, the corporate sound glowing like a sunset refracted through ruby wine. Setting the scene – violins divided antiphonally, doublebasses left of stage – the Andante introduction was an incomparably poetic demonstration of hushed, balanced voicing and ensemble, not a note out of place. Never one given to histrionics, Järvi generally reined in the brass, blending rather than rasping entries, focussing more on nobility of tone than heat of the hour – a virtue in the climax of the slow movement and the final pages.

Järvi's style has always been distinctive. The measured walk-on, baton angled at thirty degrees, the calm (calming) stage presence, the sense of a musician participating with his players, crafting and conveying a conception through co-operation, trust and warmth. His technique, the fine-tuned clarity of his beat, sets the bar high. However tough the going might get, you know you're in safe hands. All parameters matter to him. One distinction of this concert was the degree of detail and conversazione that came across. Correspondingly the acuteness, and body language, of pulse, Järvi as open to emphatic communication as to doing nothing at all, eyes and shoulder tension carrying the burden. Both Bartók and Copland give us pages of intricate chamber-like discourse. Similarly, on a broader canvas, Tchaikovsky, master of compositional variation through instrumental coloration. Typifying the best kind of classical harmonie, the Tonhalle woodwind excelled, each phrase timed, breathed and dovetailed with svelte elegance, each section member a cultured, responsive soloist (Sabine Poyé Morel, flute, and Michael Reid, clarinet since 1986, particularly but not only catching my attention). It all added up to a notably inventive panorama.


The folk orientation of the first half – Bartók's six-movement Arabic-Wallachian-Hungarian Dance Suite of 1923 and Copland's exquisitely wrought post-war Clarinet Concerto for Benny Goodman – set a variety of challenges, not least in terms of unifying extremes of tempo and paragraphing into cohesive totalities. Järvi's firmness at the helm, favouring onward progression and tightness of attack, laid good, referential, foundations.

Asserting a shamanic, life-enhancing hold over the audience, Martin Fröst, inevitably, stunned in the Copland, liberally jazzy and nuanced in the second movement, swung and bent with lavish fantasy, expressively wondrous and yearning in the Conrad Aiken-like lyricism of the plainsman first, dramatically commanding in the ‘interludial’ cadenza. From Mozart to Penderecki, ever-seeking the subtleties of “spice and honey” sound, there's nothing this fabulously agile artist cannot do. Like Pekka Kuusisto, another Scandinavian of the freewheeling, loose-shirted, anti-tails league, he's a wonderfully engaged, relaxed communicator, without the “bubble” of ego. His lithe frame, his instrument, his gestures, his eyes, tell stories and suggest more. One moment all is silence. The next, out of nowhere, flutters a murmuring of sound, supremely controlled, swelling into rosebuds, flowers, the screeching of Nordic birds. It's phenomenal. His rapport with Järvi, their easy relationship, was heartening to watch – two quietly-spoken master musicians in consumate accord with themselves, with each other, with the composer.

Two encores. First, one of Fröst's in-demand favourites, the third of three klezmer elaborations by his younger viola-playing brother, Göran – Giora Feidman's Let's Be Happy. "I don't play the clarinet. I'm a singer", Feidman once said. "I sing through my instrument”. Fröst is a bit like that. Maybe the earthy, intimately ancient, freely 'speaking' soul the Bessarabian Feidman used to find in these notes isn't his – he's cooler, more distanced – but that he lives out an adrenalin-fuelled personality and naturalness of delivery scarcely less enthralling is irrefutable. I've heard him nail this dance in a variety of guises. With a class orchestra motoring behind him it's another experience. From theremin-like opening through delirious cadenzas to stamping rhythms, diversely liquid, throaty and growling, he didn't let up, the Tonhalle strings delighting as much in catching him as matching the razor bite and electricity of his phrasing and articulation, Järvi smiling and cuing. Thrillingly physical.

Second, the Polonaise from Tchaikovsky's Eugene Onegin, Järvi illustrating how to bring off the courtly heroism of this tricky number through keenly judged tempo (not too fast), precision attack, and just enough emphasis on the downbeats to impel the music on its way without labouring the issue. Showcase stuff.

http://www.classicalsource.com/db_control/db_concert_review.php?id=17026

Tuesday, January 14, 2020

Johannes Brahms, the complete symphonies

musicweb-international.com
Roy Westbrook
01.2020



Johannes BRAHMS (1833-1897)
Symphony No.1 in C minor Op.68 [45:06]
Symphony No.2 in D major Op.73 [43:06]
Symphony No.3 in F major Op.90 [36:39]
Symphony No.4 in E minor Op.98 [38:16]
Deutsche Kammerphilharmonie Bremen/Paavo Järvi
rec. live, 4 & 5 April, 2018, Théâtre des Champs-Élysées, Paris, France
“The Brahms Code”: A Music Documentary by Christian Berger [90 mins]
Sound: PCM Stereo, DTS 5.1 Picture: NTSC, 16:9. Subtitles (documentary): English, German, Korean, Japanese Booklet: English, German, French. (Reviewed in surround sound).
C MAJOR 734908 DVD [3 discs: 267 mins]


The press for this Brahms cycle from Paavo Järvi and his Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, claims it has been receiving high “public and critical acclaim”. “A Brahms revelation” was the headline in the New Yorker, for Der Zeit it’s “a reference recording” and the Hamburger Abendblatt wrote “the greatest experts in Brahms come from Bremen”. The line-up of Deutsche Kammerphilharmonie is the size that the composer himself was accustomed to at the time, so the booklet lists just ten first violins, and there are about fifty players in total. Not much else seems especially ‘authentic.’ There are valve horns, not the natural horn Brahms preferred, and the strings use vibrato. The violins though are positioned with the firsts on the conductor’s left and the seconds on his right. Of course it is possible to exaggerate the difference in sound between larger and less large groups playing the same music, and some listeners not given to counting fiddles, might not notice that much at all.

It would seem from those press comments that the performances were taken on tour, (the orchestra has no concert hall in Bremen and gives most of its concerts both around and outside Germany), and this filming in Paris captures a well thought-out and polished set of interpretations. But despite being played in the City of Light, the filmed setting is a very dark one, with nothing visible except the players and conductor, no establishing shots of the hall’s interior, or an expectant audience, or even an applauding audience (though they can be heard of course). There is an occasional shot of the platform and proscenium arch from on high, but otherwise the focus is entirely on players and conductor, and therefore on Brahms, not on a grand occasion for a visiting orchestra at the Théâtre des Champs-Élysées. Even the solo ‘curtain’ calls for players and sections at the end of each work show little of the context around the platform. The filming is discreet, with relatively few angles for editors to choose from. Thus in close-up the fine first horn, a key role in Brahms’s orchestra, is mostly seem from the side, flanked by her second horn. But there is nothing that detracts from the music itself, once one settles in to the film’s style.

These performance are all first class. In fact I am not sure when I enjoyed a new cycle as much as this one. True my benchmarks go back to the Jochum, Karajan, Barbirolli and Giulini era in this repertoire – so fifty years or more ago, and each epoch finds a new way with this music. The First Symphony has a compelling line from start to finish, partly due to the modern swift tempo, and partly because Järvi rarely lingers to admire the passing beauties on the symphonic journey. He adjusts tempi and dynamics as Brahms directs, as at fig. F in the first movement, where the strings are marked pp sempre and the winds pp, but the smaller string band allows the winds a clearer place in the balance than usual. This band has some fine wind players, too. In the second movement, the legato oboe solo early on is exquisitely done, as is the famous violin solo at the end. The ensuing poco allegretto is properly con grazia, with delightfully bucolic woodwinds. The horn solo early in the stirring finale is nobly sounded, indeed first horn - such a key player in Brahms - Elke Schulze Höcklemann, is excellent throughput (and in her contributions to the documentary “extra”, along with several of her colleagues). There seems to be no loss of weight in this dramatic C minor work just because this is nominally a chamber orchestra, close to the scale of Brahms’s own preference.

The Second Symphony manages to be both warmly pastoral and symphonically compelling, again thanks to Järvi’s judgement of tempo, and many fine contributions from within all sections of the band. The work glorifies the cellos at times, such as the ‘lullaby’ subject in the first movement and in the first theme of the second movement, and these are so well played we do not miss the full size section familiar from most performances. Järvi refers in the documentary to the flexibility a smaller group has in performance, and there are moments in each symphony where the music suddenly presses on and Järvi can exploit that flexibility and elicit a hair-trigger response from his players. This adds to the excitement in such passages as the switch in the Second Symphony’s third movement, after the beautifully played opening oboe led Allegretto grazioso, to the scurrying Presto section. A joyous coda – Järvi asks in rehearsal for it to be “more Handel, less Bruckner” - sets the seal on the blazing finale. No wonder many players have smiles on their faces.

The Third is the least played but possibly most loved of all four works Järvi suggests, and everyone plays it con amore. There is a bittersweet yearning tenderness to the third movement here especially, but there is plenty of fire when needed, as in the very opening which Boult said he found this hard to conduct - such passionate, yet slow music to open a work – but Järvi and his players plunge us into the drama at once. In fact Järvi is the sort of conductor who, when watching him, gives me the impression that if I were an orchestral player, I would know exactly what was required of me! He drives the finale on with a classical sense that each episode must be accommodated within the basic tempo, right up until the symphony’s coda, when the work’s opening theme returns in ghostly guise, then fades poetically away.

The performance of Symphony No. 4 is well up to the level of its three predecessors. It is also the one where I expect a certain massiveness at some moments that the smaller forces cannot deliver. You will not hear dense saturated string tone for the second movement’s lovely theme on the cellos, or at the return of the opening theme on divided violas (when we have but five to begin with). But these passages work perfectly well, and the leaner Brahms is arguably most suited to the Fourth with its roots partly in the Baroque era. The scherzo is very lively but still the feeling is giocoso as marked. But if you want one movement to judge the quality of the Deutsche Kammerphilharmonie players as individuals and as a group, this work’s passacaglia finale would be as good a place as any. The Parisian audience loved these concerts and show their enthusiasm.

While called a “bonus” in the usual way, the documentary film: “The Brahms Code” is really a more integral part of the package than that. It is on a separately cased single DVD doubling the width of the box for a start. It has a short (8:16) general introduction, then explores the four symphonies in four separately indexed chapters, with contributions from some of the orchestral musicians and from Järvi. It thus has the same format and director as the equivalent DVD set from this team of the four Schumann symphonies, and their Beethoven cycle. It is clear that Brahms does not mean a day at the office with an overplayed composer for this group, he is “their composer”, and there is a spontaneity born of the sort of preparation that leaves room for it, as we can see in the collaborative working in rehearsal (mostly in English).

There are very good DVD filmed sets of the Brahms symphonies from other groups of course, including those from the Dresden Staatskapelle and Thielemann (2 discs), and from the Cleveland Orchestra and Welser-Möst (3 discs). The latter is especially attractive, as the three discs have much more music than we get from the Deutsche Kammerphilharmonie; Haydn Variations, the two overtures, the Violin Concerto with Julia Fisher and both Piano Concertos with Yefim Bronfman, as well as bonus talks between conductor and soloists. But those are both full-fat Brahms from full sized orchestras. But if the original-scale approach appeals, then this Järvi set is well worth investigating. The sound is good, clear and well-balanced, but no more than that. There is a blu-ray option which I have been able to sample, and it has as you would expect the better picture (you can see something defined in those black areas), and superior surround sound. But if you are looking just for the DVD format, and you want a filmed Brahms cycle with splendid performances, this is highly recommended.

http://www.musicweb-international.com/classrev/2020/Jan/Brahms_sys_734908.htm

Tschaikowsky in der Garage

tagesanzeiger.ch
Susanne Kübler
9.01.2020

Paavo Järvi setzt seine Tschaikowsky-Reihe fort. Besonders aufmerksam hören drei Männer im Untergrund der Tonhalle Maag zu.



Zwei Niederländer und ein Amerikaner sind für den Zürcher Tschaikowsky-Klang zuständig: Tontechniker Karel Beuggeman, Tonmeister Jean-Marie Geijsen und Produzent Philip Traugott (v.l.). Foto: Raisa Durandi

Man verlässt den Konzertsaal in der Tonhalle Maag durch den Hintereingang, passiert die Brandschutztür, steigt eine Treppe hinunter – und landet in einem garageartigen Raum, der eigentlich das Reich der Schlagzeuger ist. Hier ist Schluss mit Fichtenholz, die Wände sind betoniert, Rohre verlaufen an der Decke. Gemütlich ist anders. Und kühl ist es hier!

Aber Philip Traugott spricht trotzdem von Hitze. Er ist nicht Schlagzeuger, sondern der Chef über das ziemlich improvisierte, aber technisch hochkarätige Tonstudio, das man hier eingebaut hat. Als Produzent ist er verantwortlich für die Gesamtaufnahme der Tschaikowsky-Sinfonien, die das Tonhalle-Orchester unter der Leitung seines neuen Chefdirigenten Paavo Järvi in dieser Saison einspielt. Live, ganz bewusst: Järvi sei überzeugt, dass die Kombination von Konzertenergie und dem Druck der Mikrofone das Orchester am schnellsten weiterbringe, sagt Traugott, «es ist dann ziemlich heiss unter den Stühlen der Musikerinnen und Musiker».

Soeben haben sie Platz genommen für den Hit dieser Einspielung, Tschaikowskys Sinfonie Nr. 5. Auch die drei Männer in ihrem Studio sind bereit. Zwei Niederländer, Jean-Marie Geijsen und Karel Beuggeman, sind zuständig für Balance und Tontechnik; der Amerikaner Traugott selbst hat nur die Partitur vor sich, nach der Aufführung ist sie gespickt mit kryptischen Kürzeln und Fragezeichen: Hinweise auf Stellen, an denen ihm etwas aufgefallen ist, das es nachzuprüfen gilt.

Und dann ist da der Monitor, auf dem sich das Geschehen im Saal verfolgen lässt. Man sieht Järvi aus der Perspektive des Orchesters – und erlebt damit noch deutlicher als sonst, wie differenziert seine Anweisungen sind, wie gezielt er einzelne Musiker ansteuert, wie viel Raum er ihnen gleichzeitig lässt.

Eine fast volksmusikalische Frei- und Direktheit wird da spürbar.


Das war schon in der ersten Konzerthälfte aufgefallen, oben im Saal, bei Tschaikowskys weit weniger berühmten Sinfonie Nr. 2. Das letzte Mal stand sie 1978 in einem Tonhalle-Programm, von der damaligen Besetzung ist niemand mehr dabei. Das Stück musste also von Grund auf neu gelernt werden, in sehr wenig Zeit.

Unter diesen Bedingungen hat ein Dirigent zwei Möglichkeiten: Entweder er setzt auf Nummer Sicher und ersäuft die Musik in korrekter Langweile; oder er sucht den intensiven Austausch, das inspirierte Risiko. Järvi tut letzteres: gleich in den ersten Takten dieser Zweiten, in denen er das grosse Hornsolo nicht dirigiert, sondern ganz dem Hornisten Ivo Gass überlässt; und auch danach, wenn er Tempi variiert, Klangcharaktere zuspitzt, die Farben wechselt, als hätte er einen Kippschalter dafür.


Eine fast volksmusikalische Frei- und Direktheit wird da spürbar, ganz ähnlich wie in Bartóks «Tanz-Suite», die Järvi in diesem Konzert sehr gezielt zwischen die beiden Tschaikowsky-Sinfonien gesetzt hat. Rhythmische Vertracktheiten wirken da plötzlich ganz logisch – für die Musiker wie für die Zuhörerin.

 
Die Arbeit im Tonstudio ist nach dem Konzert noch längst nicht zu Ende: Philip Traugott, Jean-Marie Geijsen und Karel Beuggeman (v.l.). Foto: Raisa Durandi

Auch Philip Traugott unten in seinem Tonstudio schwärmt davon, selbst wenn ihn diese Art regelmässig in die Bredouille bringt. Denn wenn ein Dirigent so spontan musiziert, lässt sich eine Aufnahme kaum aus Teilen verschiedener Aufführungen zusammenschneiden. Gleichzeitig können Schnitte nötig sein: «Wenn jemand die Musiker so an ihre Grenzen lockt, kann auch einmal etwas schiefgehen.»

Dafür hat man eine Patch-Session angesetzt, in der einzelne Passagen nachgespielt werden können. Eine komplexe Sache, Traugott muss dafür nicht nur die problematischen Stellen identifizieren, sondern die ganze Aufnahme Takt für Takt nach Metronomangaben analysieren, damit es danach passt. Auch unter seinem Stuhl ist es deshalb ziemlich heiss: Die Patch-Session ist schon für Freitagvormittag angesetzt, für die Vorbereitung muss die Nacht nach der ersten Wiederholung des Konzerts reichen.

Der amerikanische Produzent und der estnische Dirigent sind seit über dreissig Jahren befreundet.

Da hilft es, dass Traugott und Järvi seit über dreissig Jahren befreundet sind – und denselben Humor haben. Bei einem Dirigierkurs haben sie sich einst kennen gelernt, «und der eine war dann halt besser als der andere». Dieser andere, also Traugott, sattelte dann bald auf Produzent um; seit fünfzehn Jahren arbeitet er eng mit Paavo Järvi zusammen.

In dieser Zeit hat er nicht nur erlebt, wie sich Järvis verschiedene Orchester entwickelt haben, auch der Dirigent selber ist ein anderer geworden. Erfahrener, wagemutiger, «ungemein präzis in seinem Bewegungsvokabular». Ungemein anspruchsvoll auch, was die Aufnahmen angeht; Järvi hört sich alle Mitschnitte an, in die Patch-Session kommt er durchaus mit eigenen Vorstellungen.

Im Moment aber lässt er noch den letzten Akkord von Tschaikowskys Fünfter in den Raum knallen; auch im Tonstudio hört man, wie laut der Jubel danach im voll besetzten Saal ist. «Wow», sagt Toningenieur Jean-Marie Geijsen. Und dann geht die Arbeit weiter.

Wiederholung des Konzerts heute Donnerstag und morgen Freitag, 19.30 Uhr.

Monday, January 13, 2020

Paavo Järvi zu Klassik in Asien: "In Europa nimmt man sich zu wichtig"

derstandar.de
Stefan Ender
13.01.2020

Der Dirigent gastiert mit dem Tonhalle-Orchester Zürich und Tschaikowsky im Konzerthaus und spricht über falsche Traditionen und die Zukunft der Klassik


Paavo Järvi ist Chefdirigent dreier Orchester und dirigiert nebenbei noch "fremd". Diese Woche ist er wieder einmal in Wien zu erleben.

Paavo Järvi gastiert in dieser Saison mit seinen drei Orchestern im Konzerthaus, zuletzt war er mit der Kammerphilharmonie Bremen und Brahms und Haydn in Wien zu Gast. Schon bei der Probe im Großen Saal erfreute das feingliedrige und zugleich feurige Musizieren nach wenigen Sekunden. Als "Enthusiasten" bezeichnete Järvi die Bremer danach. Enthusiastisch wirkt der Este auch im Gespräch, dynamisch, witzig und gedankenvoll. Am Donnerstag gibt er mit dem Tonhalle-Orchester Zürich Tschaikowsky.


STANDARD: Sie haben mit der Kammerphilharmonie Bremen alle Brahms-Symphonien aufgenommen und in einem Interview dazu gesagt, dass Brahms sehr schwer zu dirigieren sei. Warum?

Järvi: Weil jeder Musiker in jedem Orchester genau zu wissen meint, wie man Brahms zu spielen hat. Da gibt es nur Routine und Klischees. Dabei muss man sich Brahms jedes Mal erarbeiten!

STANDARD: Mit dem Tonhalle-Orchester arbeiten Sie gerade an einem Tschaikowsky-Zyklus. Gibt es da dieselben Probleme?

Järvi: Ja! Seine vierte, fünfte und sechste Symphonie meint jeder genau zu kennen. Alles passiert automatisch. Dann meint man, Tschaikowsky immer irgendwie "russisch" spielen zu müssen. Warum? Und was hat das zu bedeuten? Tschaikowskys Musik ist sehr elegant, sie ist europäisch, sie ist französisch. Sie erzählt von seinen inneren Konflikten: davon, schwul zu sein und darunter zu leiden. Das wird in den russischen Interpretationen komplett ausgeblendet. Da ist seine Musik entweder sehr heroisch oder sehr romantisch, es gibt kaum Zwischentöne. Die russische Interpretation geht auf Jewgeni Mrawinski zurück, der war zwar ein fantastischer Dirigent, aber auch ein Kind seiner Zeit – und zwar einer Zeit, in der Millionen Menschen in die Gulags geschickt wurden. Sein Tschaikowsky klingt wie Schostakowitsch.

STANDARD: Sie sind seit einigen Monaten Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters Zürich und haben angekündigt, es zu einem der fünf besten Orchester der Welt zu machen.


Järvi: Das sind sie schon. Das Ensemble, der Sound, der Swing, die Finesse, das Verständnis auch von historisch informiertem Musizieren, das sie von David Zinman gelernt haben – das ist herausragend.

STANDARD: Seit 2015 leiten Sie auch das NHK Symphony Orchestra in Tokio. In einem Interview haben Sie gemeint, dass für Sie die Zukunft der Klassik in Asien liegt. Warum? Weil es dort so viele extrem gut ausgebildete Musiker gibt? Weil der Markt so groß ist?

Järvi: Nein. Es hat mit Respekt zu tun. Hier in Europa nimmt man sich aufgrund der Geschichte zu wichtig. Man meint, deswegen ein ewiges Anrecht darauf zu haben, wie man ein Werk zu interpretieren hat, quasi die Deutungshoheit. Konzerte gleichen hier steifen Zeremonien. In Asien gibt es das nicht. Dort liebt man Klassik in geradezu fanatischer Weise, die Konzertbesucher sind enthusiastisch, sie sind aufgeregt!

STANDARD: Sie haben vor kurzem mit dem Tonhalle-Orchester eine Messiaen-CD aufgenommen. Messiaens größte Inspirationsquellen waren die Natur und sein religiöser Glauben. Was sind, neben der Musik, Ihre Inspirationsquellen?

Järvi: Das Leben, die Gesellschaft. Wenn ich jemanden wie Greta Thunberg sehe, macht mir das Hoffnung. Wenn ich jemanden wie Donald Trump sehe, fühle ich mich bedrückt und beschämt. Es ist alles auf eine gewisse Weise interessant und beeinflussend.

STANDARD: Sie sind im deutschsprachigen Raum sehr aktiv, hatten und haben Leitungsfunktionen bei Orchestern in Frankfurt, Bremen und Zürich inne. Wien haben Sie hingegen etwas vernachlässigt. Warum?


Järvi: Ich habe die Wiener Symphoniker mehrmals dirigiert, und mit meinen Orchestern bin ich fast jedes Jahr hier zu Gast. Die Wiener Philharmoniker habe ich das letzte Mal mit einem Mozart-Programm dirigiert, die Konzerte fanden kurz nach dem Neujahrskonzert statt. Der Zeitpunkt war vielleicht nicht so optimal.

STANDARD: Sie sind in Estland aufgewachsen, leben aber schon lange in den USA. Wenn Sie an Estland denken, was vermissen Sie?

Järvi: Ich habe in Pärnu ein Festival im Juli. Das ist meine Plattform, um dem Land etwas zurückzugeben. Ich gebe Dirigierunterricht, und ich habe eine Stiftung, die Instrumente für Studenten kauft und Stipendien für Auslandsstudienaufenthalte vergibt – auch in Wien. Es fällt mir auf, dass ich mit zunehmendem Alter wieder mehr zum Esten werde. Mein Bruder ist nach Estland gezogen, meint Vater Neeme wohnt auch da.

STANDARD: Ihr jüngerer Bruder Kristjan war hier vor einigen Jahren Chef des Tonkünstler -Orchesters Niederösterreich. Wie geht es ihm? Was macht er jetzt?

Järvi: Kristjan war Chefdirigent des MDR-Orchesters, und mit dem Baltic Sea Philharmonic hat er sich seine Oase geschaffen, in der Freunde und Enthusiasten zusammenarbeiten. Wir sind alle viel zu konservativ. Kristjan wagt viel mehr: Er ist kreativ, er mischt Pop und Klassik, baut visuelle Dinge in die Konzerte mit ein … Aber er misst diesem Hamsterrad der Klassikbranche wenig Bedeutung bei. Beruflicher Erfolg, Karriere: Ist das wirklich das Wichtigste? Vor einem Monat ist sein fünftes Kind zur Welt gekommen. Das sind die Dinge, die zählen. (Stefan Ender, 13.1.2020)


Paavo Järvi (57) wurde im estnischen Tallin geboren und emigrierte mit seiner Familie 1980 in die USA. Neben seinen Chefposten in Bremen, Tokio und Zürich musiziert Järvi auch mit den Berliner Philharmonikern und dem Concertgebouw-Orchester Amsterdam. Der Sohn des Dirigenten Neeme Järvi ist Vater zweier Töchter und lebt in Florida.