Thursday, September 30, 2010

Review: Brahms

by Gavin Dixon
MusicWeb-International

Johannes BRAHMS (1833-1897)
Piano Concerto No.2 in B flat major Op.83 [48:45]
Klavierstücke Op.76 [25:03]
Nicholas Angelich (piano)
Frankfurt Radio Symphony Orchestra/Paavo Järvi
rec. Hr-Sendesaal, Frankfurt, 6-9 April 2009. Stereo. DDD
VIRGIN CLASSICS 2663492 [74:37




It is curious that this disc, by a British label and featuring a German orchestra, an Estonian conductor and an American pianist, should be aimed the French market, especially given Brahms' reception there, which is nicely summed up in the liner-otes by a quote from Debussy "Let's leave, he's about to start the development."

In fact, Nicholas Angelich is a long-time resident of France and has a considerable following there. And while this may seem a risky proposition - I could be forgiven for playing things safe considering their current finances - it follows a commercially successful and critically acclaimed recording from the same pianist of Brahms' First Concerto.

The Second is a very different work, with very different, not to say more numerous, interpretive challenges. Both concertos are long and both are more symphonic than most composers’ essays in the medium. But the First is a youthful work, in a clearly delineated form and with fairly open orchestral textures. The Second is much later and in many ways more radical. It is a work that the pianist must absolutely dominate, not to the extent of overpowering the orchestra - surely a physical impossibility here - but rather through his lines and textures leading those of the orchestra.

That doesn't quite happen, and I'm not sure why. The sound engineering may be to blame, although the clarity of both piano and orchestra suggest otherwise. Angelich seems content to be an equal partner with the orchestra. So at the opening, it is as if he is accompanying the solo horn, and by the time the first orchestral tutti starts he has lost the limelight for good.

The performance is quite four-square, with a surprising lack of rubato. One result of this is that the tuttis in the outer movements are stripped of some of their bombast. To my ear, that is no bad thing, but think of Brahms, doing everything in his power to add something to Beethoven’s canon and yet repeatedly resorting to excess. Angelich seems intent on reining the work back to Beethovenian dimensions.

The orchestral playing is good without being exceptional. Paavo Järvi is sensitive to Angelich's approach, and delivers a similarly disciplined, almost Classical, orchestral environment for the soloist. The third movement Andante is where it all finally comes together, and the orchestra's string and woodwind soloists set the atmosphere beautifully for Angelich's light, flowing cantabile lines. His disciplined approach really comes into its own here, and combines wonderfully with a delicacy of touch that is all too rare.

The Klavierstücke Op.76 are hardly a filler, clocking in at over 25 minutes. Again, Angelich avoids indulgence and gives clear precise readings. The recording was made in the same concert hall-cum-radio studio (the hr-Sendesaal in Frankfurt) as the concerto, and while it is fine for the orchestral recording, it causes a severe loss of intimacy in the solo music. The piano is in a resonant acoustic and, I think, miked at a distance. The round, slightly opaque, piano sound that results would be ideal for some pianists, but not this one, his art depending so much on clarity and directness of expression.

The many people who bought Angelich's previous Brahms instalment will probably know what to expect, and perhaps the programming here is designed specifically for them, with the Second Concerto continuing the First's symphonic tendencies and Op.76 continuing on from its chamber-like textures. Angelich is a brave man even to contemplate the Second Concerto, and his recording is a welcome addition to a discography that ought by rights to be a good deal more substantial. But this is definitely a recording for those who like their Brahms measured and precise. If you want some real drama, you would probably be better off tracking down Ashkenazy or Pollini.


http://www.musicweb-international.com/classrev/2010/Sept10/Brahms_pc2_5099926634920.htm

RECORDING OF THE MONTH

by John Quinn
MusicWeb-International

Johannes BRAHMS (1833-1897)
Piano Concerto No. 2 in B flat major, Op. 83* (1881) [48:42]
Klavierstücke, op. 76 (1871-1878) [25:03]
Nicholas Angelich (piano)
Frankfurt Radio Symphony Orchestra/Paavo Järvi*
rec. Hessischer Rundfunk/hr-Sendesaal, Frankfurt, 6-9 April 2009
VIRGIN CLASSICS 2663492 [74:37]

In an interview for MusicWeb International with Aart van der Wal, earlier this year, the American pianist, Nicholas Angelich, makes clear his love for the music of Brahms. That interview is well worth reading, not least because it is very relevant to this new recording.

In the interview Angelich cites recordings by Wilhelm Backhaus (with Karl Böhm) and by Edwin Fischer (live in 1942 with Furtwängler) as recordings that he especially admires. He comments: “The Brahms Concerto is very, very special…. In a way it is a symphony with the piano inside, and at the same time it is both a real concerto and chamber music! Soloist and conductor need to be able to make that all happen. Of course, when you don’t have a good relationship with the conductor you will not be able to find something that will musically work for you. That applies to any concerto, but even more strongly to the Brahms. When you cannot change anything or if your views are more or less ignored you are lost as a soloist.” He went on to praise the conductor Paavo Järvi, with whom he seems to have a significant rapport on the evidence of this present disc – the same artists have already recorded the First concerto. That disc was released in 2008, but I haven’t heard it and, indeed, I’m not entirely sure that it remains in the catalogue (Virgin Classics 5 18998-2).

This new recording of the Second Concerto begins auspiciously. Many performances linger a little – or sometimes more than a little – over the triplet at the top of the opening phrase but that doesn’t happen here. Instead, the phrase just unfolds simply, first on the horn and then on piano, but the lack of rubato doesn’t mean there’s no feeling. As Järvi and his orchestra continue to unfold the opening pages one is quickly aware that the orchestral accompaniment is very distinguished. The playing is full of fibre but, equally, the tone produced by all sections is rich and warm. One also notices throughout the performance that, when called for, the orchestral attack is firm and precise. In short, I’d be surprised if anyone buying this recording is at all disappointed by the quality of the accompaniment.

Nor do I think the standard of the solo playing will disappoint. I don’t believe I’ve heard Nicholas Angelich play before but I was most impressed. In the first movement his playing is, by turns, commanding and poetic. I believe that the solo part was the last concerto that Brahms took into his own concerto repertoire – he gave the first performances with Hans von Bülow conducting – and I’m sure that he, like countless pianists since, found that he’d set the soloist a formidable range of challenges. Angelich takes all these in his stride and, indeed, appears to surmount them with ease. One thing that impressed me repeatedly throughout was the sheer clarity of his playing, even in the most demanding, tumultuous passages (sample the section in the first movement between about 7:30 and 8:20 as a good example).

There’s excellent rhythmic energy from the soloist and the orchestra in the second movement and the energy is apparent not just in the turbulent passages but also in those stretches where the music is more relaxed. It’s noticeable that in those relaxed sections there’s no dawdling; the performance remains purposeful, with good forward momentum.

For many listeners – and I’m one of them – the radiant slow movement is the heart of this concerto. It’s nothing short of scandalous that the player who here delivers the crucial cello solos is not named for he or she makes a very fine contribution indeed. Comparing this performance with the classic 1972 Gilels/Jochum recording on DG, the Berliner Philharmoniker’s cellist, the superb Ottomar Borwitzky, possesses perhaps slightly the richer tone but it’s a close run thing and the playing of the Frankfurt cellist is deeply satisfying. When, after the lengthy introduction, Angelich begins to play (2:37), his touch is quite magical. The passage beginning at 6:40, where the piano muses accompanied, initially just by two clarinets, is especially atmospheric, leading up to the return of the cello solo at 8:32. The very end of the movement is perfectly poised. The marvellous Gilels/Jochum account is more spacious overall – playing for 14:02 against 12:29 in this present recording - but the pacing adopted by Angelich and Järvi seems to me to be completely satisfying.

The finale is, for the most part, lithe and charming, though Brahms briefly admits some darker passages. Angelich and Järvi catch the mood expertly and theirs is, overall, a light-hearted and genial reading. Towards the end, where Brahms employs triplets to add rhythmic urgency and impetus, the reading is exhilarating.

The choice of the eight Klavierstücke to complete the disc is an intelligent one. These short pieces consist of four pieces entitled Capriccio and the same number of Intermezzi. Angelich does them all very well. The first, a Capriccio in F Sharp major, was a fifty-second birthday present for Clara Schumann in 1871. We read in the notes that she thought the music put her in mind of a desolate, windswept cemetery – just the sort of birthday gift one wants! Hearing Angelich’s performance, which is full of feeling and fantasy, I can understand her reaction. Angelich’s finger-work in the light, dancing Capriccio in B minor (No. 2) is admirably nimble while in the pensive Intermezzo in A Flat major that follows he evidences a beautiful, poetic touch, not for the first time on this CD. I admired also the strong way in which he projects the restless, even fiery Capriccio in C Sharp minor (No 5) and his beautiful phrasing in the Intermezzo in A minor (No. 7). Collectors may wish to be reminded that an earlier recital of Brahms’s solo piano music by Angelich, also for Virgin Classics, impressed Christopher Howell (review).

As I hope I’ve made clear, this is a very fine Brahms disc indeed. The Klavierstücke are far from being mere ‘fillers’ and they receive distinguished and well-considered performances. Inevitably, however, most attention will centre on the concerto performance and Angelich’s is a very good one. Though his playing is distinguished – and, as such, offers a good enough reason to invest in this disc – I’m sure he’d be the first to agree that the success of the whole enterprise is enhanced greatly by the extremely fine playing of the Frankfurt Radio Symphony Orchestra. Nor should one overlook the conducting of Paavo Järvi, which is excellent. He has clearly trained the orchestra expertly and he proves to be a sensitive and responsive accompanist – I suspect there’s good chemistry between him and Nicholas Angelich. Finally, the engineers have more than played their part by providing first class sound, which gives exceptional clarity to the orchestral textures while placing the music in a sympathetic, warm acoustic. The balance between the piano and the orchestra is very satisfactory.

There are a great number of recordings of the Brahms Second Piano Concerto in the catalogue and several are very fine indeed, including the Emil Gilels version, to which I’ve already referred. However, it seems to me that this new account by Nicholas Angelich deserves to be ranked among the very best. It’s a long time since I’ve enjoyed a performance of this masterpiece so much.

http://www.musicweb-international.com/classrev/2010/Oct10/Brahms_PC2_2663492p.htm

Tuesday, September 28, 2010

Paavo Järvi à la tête de l’Orchestre de Paris

Par Michèle Tosi
18/09/10
ResMusica.com

Paris, Salle Pleyel. 15-IX-2010. Paul Dukas (1830-1935) : La Péri ; Jean Sibelius (1865-1957) : Kullervo. Soile Isokoski, soprano ; Juha Uusitalo, baryton ; Chœur National d’hommes d’Estonie, Chœur de l’Orchestre de Paris (chef de chœur : Andrus Siimon), Orchestre de Paris, direction : Paavo Järvi

« Ma première saison offre un très large répertoire avec beaucoup de musique française ». Le ton est ainsi donné par Paavo Järvi qui prenait officiellement ses fonctions à la tête de l’Orchestre de Paris ce mercredi 15 septembre ; si l’affiche rarissime de Kullervo de Sibelius dont le chef estonien a gravé une version de référence chez Emi Classics faisait l’événement de cette soirée d’ouverture, on attendait avec un certain intérêt la version Järvi de La Péri de Paul Dukas, cette dernière pièce orchestrale peu jouée du maître français qui fut crée en 1912 au Théâtre du Châtelet avec décors, costumes et chorégraphie puisqu’il s’agit, à l’origine, d’un « poème dansé ». Sans doute manquait-il à la salle Pleyel tous ces ors pour réchauffer l’atmosphère et restituer le sensualisme de cette page symphonique d’une vingtaine de minutes qui laissa une image un peu pâle sous le geste élégant mais un rien distant du chef estonien. Les cuivres sont un peu fébriles dès la célèbre Fanfare qui débute la partition et l’on taxerait presque la musique de Dukas d’académique dans cette interprétation trop lisse où les détails de l’orchestration frisent parfois le maniérisme.

L’installation en arrière scène du magnifique chœur d’hommes (celui d’Estonie et de l’Orchestre de Paris) pour la deuxième œuvre au programme changeait la donne dans la seconde partie de la soirée. Kullervo est une imposante fresque narrative pour solistes, chœur et orchestre (1890-91) dont Sibelius emprunte le texte aux chants 31 à 36 du poème épique du Kalevala : on doit au folkloriste et médecin Elias Lönnrot cette compilation d’anciennes légendes recueillies dans les campagnes finlandaises – en Carélie majoritairement - dont la dimension fantastique et le verbe haut en couleurs pour évoquer la douleur du monde peuvent rappeler ce qu’est en Allemagne le Knabenwunderhorn. Cette symphonie avec chœur et orchestre en cinq numéros alternant mouvements orchestraux purs (1, 2 et 4) et parties vocales (3 et 5) n’est d’ailleurs guère éloignée de la conception mahlérienne qui prévaut dès la seconde symphonie Résurrection.

L’œuvre raconte le destin funeste de Kullervo, fils de Kalervo, parti collecter l’impôt pour son père, qui, sur le chemin du retour, séduit « la jeune vierge aux cheveux blonds » et abuse d’elle sans savoir qu’elle est sa propre sœur ; fou de douleur et de honte lorsqu’il le découvre, Kullervo se donne la mort. Les deux premiers mouvements nous plongent dans une atmosphère sombre et confinée, vrillée par d’obsessionnels ostinati, qui contraste avec les grands espaces déployés par le compositeur finlandais dans ses symphonies à venir. La direction très investie de Järvi donne tout son relief à une orchestration pour le moins singulière, fourmillant de trouvailles originales ;


Pour en savoir plus, cliquez ici:
http://www.resmusica.com/article_8515_musique_symphonique_orchestre_de_paris_paris_paavo_jarvi_a_la_tete_de_l_orchestre_de_paris.html

Paavo Järvi dirige Bizet

Par Pierre Jean Tribot
24/09/10
ResMusica.com

Georges Bizet (1838-1875) : Symphonie en ut ; Petite suite d’orchestre (Jeux d’enfants) op. 22 ; Roma, fantaisie symphonique. Orchestre de Paris, direction : Paavo Järvi. 1 CD Virgin. Référence et code barre : 50999 62861304. Enregistré en 2009. Notice trilingue (français, allemand et anglais). Durée : 75’54



Pour son premier disque avec son nouvel orchestre de Paris, Paavo Järvi a décidé de mettre Bizet à l’honneur. L’idée s’avère bonne car le programme choisit est à la fois exigeant et relativement rare pour jauger un orchestre par rapport à d’autres versions. On pense en particulier à la Fantaisie symphonique : souvenirs de Rome qui n’encombre pas les bac des disquaires ! Quant à la Symphonie en ut, il s’agit d’une œuvre du patrimoine de l’orchestre qui en déjà gravé des lectures avec Baremboim (EMI) et Bychkov (Philips). Mais le plus important est d’avoir sélectionné de la musique française à une époque où la plupart des orchestres français n’enregistrent plus de musique française…

La Symphonie en ut, œuvre juvénile, bondissante et colorée, est un véritable scanner pour les pupitres de l’orchestre. Son orchestration limpide ne laisse rien passer de la faiblesse des pupitres. En grand connaisseur de Beethoven, Paavo Järvi fonce droit devant lui tout en allégeant les textures. Sa symphonie sonne avec le brio et le panache requis en alliant, comme dans ses Beethoven, le sens de la progression et du détail (lignes de vents bien mises en avant) ! Il est également passionnant d’entendre l’orchestre de Paris dans cette œuvre si « française ». La sonorité globale de la phalange y est tout sauf française : le galbe des cordes et l’homogénéité évoquent plus une formation germanique et disciplinée ! Mais le fini instrumental parfait montre le haut niveau atteint par l’orchestre français ; on admire surtout des vents absolument impériaux.

Pour en savoir plus, cliquez ici....
http://www.resmusica.com/article_8535_cd_compositeur_virgin_classics_paavo_jarvi_dirige_bizet.html

Paavo Järvi elektriseerib oma muusikaga

24 Sept 2010
eesti.ca

Tekst Aino Siebert, fotod Aino ja Werner Siebert

Tänavuselgi Beethoveni festival Bonnis seisis Paavo Järvi avamiskontserdil oma Deutsche Kammerphilharmonie Bremen-orkestri ees ja sai meisterliku töö eest Bonni ärahellitatud publikult tormiliste ovatsioonide ning „braavo“ hüüete osaliseks. Põhja-Reini-Vestfaali liidumaa peaminister Hannelore Kraft tuli peale kontserti toimunud vastuvõtul maestrot tänama.


Esimesel õhtul sai kuulata nii R. Schumanni (1810-1856) „Manfredi avamängu“ kui „Reini sümfooniat“. Lisaks tuli esitusele L. van Beethoveni (1770-1827) „Kontsert klaverile ja orkestrile nr. 5 Es-duur op 73“ (The Emperor), kus solistina esines üks maailma paremaid pianiste Hélène Grimaud. Prantslanna harmoneerus suurepäraselt eestlasest dirigendi ja tema muusikakollektiiviga. Oli selgelt tunda omavaheline hea, isegi südamlik side. Madame Grimaud’il on huvitav elulugu – peale seda, kui ta kohtas Floridas hunti, tegeleb võluv ja avatud prantslanna peale muusika veel väljasuremisohus loomadega. Huntide kaitsmiseks ostis ta 1997 New Yorgi lähedale farmi.

Hélène Grimaud alustas klaverimänguga võrdlemisi hilja, alles 9-aastasena. Peale muusikaõpinguid kodulinnas Aix-en Provence’is jätkas ta Gyorgy Sandori ja Leon Fleischeri juures. Daniel Barenboim avastas prantslanna ja kutsus ta esinema Orchestre de Paris‘iga. Kuigi pianist on muusikamaailmas nii kuulus kui nõutud, pole ta kaotanud oma inimlikku lihtsust ja soojust. Pianist valdab perfektset tehnikat, tunnetab instrumenti ja oskab võrratult vahendada helilooja emotsioone. Hélène Grimaud’i on põnev kuulata, kuid sama põnev on temaga kohtuda.

Teise päeva kontserdil sai publik kuulata jälle vaheldumisi nii Beethovenit kui Schumanni. Viimase „Kontsert tšellole ja orkestrile, A-moll, op 129“ keskpunktis seisis üks tänapäeva paremaid soliste, tšellist Sol Gabetta Argentiinast. Tema tõusis muusikamaailma tähelepanu keskpunkti võites kuus aastat tagasi Crédit Suisse Young Artist Award’i ja debüteerides Luzerni muusikafestivalil Viini filharmoonikutega, mida juhatas Valery Gergiev. Soolokarjääri kõrval on muusik pühendanud ennast kammermuusikale, ta on asutanud festivali Solsberg. Igal suvel esineb ta erinevate partneritega, nt Henri Sigfriedsson, Patricia Kopatshinskaja ning lätlannad Baiba ja Lauma Skride.

Paavo Järvi Beethoven elektriseerib

Bremeni orkestrile andis prof. Lothar Prox muusikaõhtuga ühenduses üle Saksamaa muusikakriitikute peaauhinna. Kollektiivi juhatuse esimees Jürgen Winkler tõi tänukõnes esile: „Paavo Järvi tuli meie juurde 15 aastat tagasi. Ta vallutas meid oma intelligentsuse ja südamlikkusega. Dirigent aitas meil leida oma tee, tee, mis viis avatusse.“

Eestlane tõi Deutschland-Radio’le antud intervjuus esile, et Beethoven polnud ainult helilooja, vaid vägagi huumorimeelne inimene, kes oli võimeline tundma rõõmu. „Me kaldume arvama, et noodikunstnik oli halastamatu võitleja, heroiline lõvi, kes astus välja maailma ebaõigluse vastu. Nii mõelda on muidugi romantiline, kuid sellised müüdid takistavad nägemast inimest ennast. Kui räägime komponisti 7. sümfooniast, siis tuleb sealt tegelikult välja tants. Wagner sai sellest kohe aru, kui nägi partituuri. Ta ütles, et see sümfoonia on tantsu jumalastumine,“ rääkis Paavo Järvi. Kindlasti seetõttu, et maestro näeb Beethovenis inimest, on tema lindistused eriliselt värskendavad.

Paavo Järvi pole ainult muusikasõprade, vaid ka oma orkestrantide poolt armastatud ja austatud. Bremeni Deutsche Kammerphilharmoniega on ta lindistanud kõik Beethoveni sümfooniad ja alustanud nüüd Schumanni teoste plaadistamisega. Beethoveni-projekt on tänu Deutsche Wellele saadaval mitmes keeles ka DVDna. Soovitan filmi eriliselt neile, kellel pole olnud võimalust Paavo Järvit dirigeerimas näha. See on elamus par excellence.

Noodikunstniku sünnilinn hingab koos kuulsa pojaga

Beethoven on teatavasti sündinud Bonnis, seal on tema sünnimaja. Festival pühendab ennast mitte ainult linna kuulsa elaniku teoste tutvustamisele, vaid ka noorte muusikute arengu toetamisele. Tänavuse ürituse patroon on dr. José Antonio Abreu, kes asutas „El sistema“ oma kodumaa, Venetsueela varatute noorte toetamiseks. See on täielikult eestlasegi hinges, sest temagi teeb noortega palju tööd. „Muusika väljendab seda, mida pole võimalik öelda, kuid millest pole võimalik ka vaikida,“ on öelnud Victor Hugo. Teiste sõnadega, muusika ühendab kõiki maakeral elavaid inimesi. Beethoveni-festival on selle parim näide.

Saksamaa ühe tuntuma poja muusika on avatud, alati noor, alati aktuaalne. Seda kuuleb Reini linnas 9. oktoobrini. Beethoveni sünnimaja ja raekoja ees, aga ka ajalooliselt kuulsas Petersbergi hotellis ning mujal kõlavad Beethoveni ja teiste suurepäraste helikunstnike teosed. Bonni saabuvad tuhanded võrratud muusikud, kes annavad üle saja kontserdi. Kunagine Liitvabariigi pealinn on festivali ajal täis muusikat. See on ainulaadne üritus, mida tasub tulla kaugemaltki kuulama.

http://eesti.ca/?op=article&articleid=29708

The Beethoven Project

By Ronnie Schieb
Variety
September 22, 2010

Das Beethoven Projekt (Documentary -- Germany)

A Deutsch Welle, Unitel Classica presentation of a Bernhard Fleischer, Moving Images production. (International sales: Unitel Classica, Oberhaching, Germany.) Produced by Bernhard Fleischer. Directed by Christian Berger.

With: Paavo Jarvi, Beate Weis, Stefan Rapp, Ulrich Konig, Friederike Latzko, Elke Schulze Hockelmann. (English, German dialogue)

Well lensed, aud-friendly docu "The Beethoven Project" follows the Deutsche Kammerphilharmonie, conducted by the charismatic Paavo Jarvi, as the chamber orchestra ambitiously sets out to record all nine of the master's symphonies, capped by a four-day live performance of the entire cycle at the prestigious Bonn Beethoven Fest. Jarvi animatedly discusses the characteristics of the different symphonies as one might describe one's children's traits, and orchestra members enthusiastically isolate passages to explain a given tonality or tempo variation. Classical music fans will delight in ancillary, but crossover potential looks minimal.

The Kammerphilharmonie, housed in a high school whose pupils are encouraged to interact, began as a student orchestra; the small, 39-member ensemble run as partnership where all players participate as shareholders and decision-makers. Helmer Christian Berger (not to be confused with Michael Haneke's regular d.p.) crosscuts between rehearsals and performances for illustrative passages supporting maestro Jarvi's interpretations of Beethoven. Berger's cutaways to, say, a violist or oboist are shot against the same dramatic white backdrop that often frames Jarvi, reflecting the importance of the instrumentalists' input and stressing the uniquely collective nature of the enterprise. Use of architecture is striking.

Camera (color, HD), Heiko Rahnenefuhrer; editor, Stefan Kobe. Reviewed at Montreal World Film Festival (Documentaries of the World), Sept. 5, 2010. Running time: 93 MIN.


http://www.variety.com/review/VE1117943675.html?categoryid=31&cs=1

Monday, September 27, 2010

Ein Gewitter zieht auf

25. September 2010 | Von Christian Knatz
Echo Online

Konzert: Komponist Beat Furrer und das HR-Sinfonieorchester bringen magische Momente in die Alte Oper Frankfurt
FRANKFURT.


»Tsunamis« durfte das Stück nicht mehr heißen. Beat Furrer, sein Schöpfer, hat es schon vor über 20 Jahren umbenannt, lange vor dem Schreckens-Szenario im Indischen Ozean Ende 2004. Was da vom HR-Sinfonieorchester in der Alten Oper unter dem Titel »Chiaroscuro - für R.H.R.« vorgestellt wird, klingt auch gar nicht nach Katastrophe, nicht mal nach großem Unwetter. Ein Gewitter scheint aber aufzuziehen.

Zwischen den Polen, die ein grummelndes Klavier und Gewisper der Streicher markieren, spielt sich eine Unmenge von Andeutungen und Geschehnissen ab - mit einem Zug ins Bedrohliche. Allen Klangverschärfungen und erregten Bläser-Zwischenrufen zum Trotz kommt es aber nie zum Ausbruch.

Dass es für den zehnminütigen magischen Moment keinen tosenden Beifall gibt, muss Furrer nicht grämen. Dass überhaupt so viele gekommen sind zu dieser Veranstaltung, die außer dem Violinkonzert von Johannes Brahms nichts aus dem Baukasten für gut verkäufliche Konzerte aufbietet, ist schon ein gutes Zeichen.

Fünf Veranstaltungen in der Alten Oper sind dem 1954 geborenen Wahl-Österreicher in diesem Monat ganz oder teilweise gewidmet; Einstudierung und Leitung seiner eigenen Werke übernimmt er im Einzelnen selbst. Das alles reicht gerade aus, um Bedeutung und Entwicklung eines Musikers herauszustreichen, der auch als Gründer des Neue-Musik-Laboratoriums »Klangforum Wien« Impulsgeber einer Szene geworden ist. Wenn nicht alles täuscht, ist Furrer mit seiner fordernden, aber nicht anstrengenden, im besten Sinne dramatischen Musik auf dem Weg zum Klassiker der Moderne.

Stücke wie »Chiaroscuro - Für R.H.R.« können jedoch ihre irisierende Wirkung nur entfalten, wenn sie dermaßen konzentriert und behutsam dargeboten werden wie vom HR-Sinfonieorchester und dessen Taktgeber Paavo Järvi.

Mit dem Konzert geht der Este in seine fünfte Saison bei den Frankfurtern, und mit Carl Nielsens dritter Sinfonie scheint er da angekommen zu sein, wo er hingehört. Sein Schneid passt jedenfalls hervorragend zur Schroffheit, die der erste Satz dieser Tonschöpfung aus Dänemark im Übermaß verströmt.

Mit seinem blendend klingenden Orchester beschwört er den Spuk einer Walzer-Paraphrase, schleudert Ketten von Motiven in die Zuhörerschaft, entschweben er und zwei Singstimmen (Camilla Tilling und Michael Nagy) schließlich in höhere Sphären - magische Momente auch das, für die Nielsen aber ein paar Phon mehr braucht als etwa Furrer.

Wie unprätentiös Järvi das Orchester zum - von ein paar Einsätzen abgesehen - nahtlosen Zusammenspiel mit einem Solisten einladen kann, zeigt er im Brahms-Konzert. Das Einvernehmen mit Leonidas Kavakos ist vollkommen, und der Geiger ohnehin eine Klasse für sich: Zur Präzision kommt die makellose Ton-Schönheit seiner Stradivari.

Schnell kommt zwischen den Musikern ein anregendes Gespräch in Gang über ein großes Werk, das mit ganz und gar anderen Mitteln abermals den Zauber entfaltet, der auch über dem Konzert als Ganzem liegt.


http://www.echo-online.de/freizeit/kunstkultur/musik/Ein-Gewitter-zieht-auf;art641,1217387

Eruptive Schübe

Von Axel Zibulski
25.09.2010 - FRANKFURT
Main-Spitze.com

PORTRÄT Komponist Beat Furrer in der Alten Oper

Beat Furrer mag es leise. Vielleicht auch unauffällig. Nach der Aufführung seines Orchesterstücks „Chiaroscuro“ wollte sich der Schweizer Komponist nicht vor dem Publikum zeigen - vergeblich bat Dirigent Paavo Järvi ihn mit Gesten aufs Podium der Alten Oper. Mit Furrers 1986 vollendetem Zehn-Minuten-Stück leistete das hr-Sinfonieorchester seinen Beitrag zum aktuellen Komponistenporträt beim „Auftakt“-Festival der Alten Oper; es ist dem 1954 geborenen Schweizer gewidmet.

Ein wenig isoliert stand „Chiaroscuro“, das Furrer seinem Kompositionslehrer Roman Haubenstock-Ramati zugedacht hat, vor der Aufführung des Violinkonzerts von Brahms. Ein Werk des Übergangs ist es, weil Furrer Mitte der 80er Jahre des 20. Jahrhunderts seine ganz leisen Klangerforschungen in eine dramatischer geprägte Sprache überführte: Das ist in seiner knappen Orchesterkomposition spürbar, und der ursprünglich vorgesehene Name „Tsunamis“ deutet die eruptiven Schübe des Stücks zumindest an. Das hr-Sinfonieorchester spielte sie so sorgfältig wie die meist dominierenden flirrenden Klangflächen dieses ein wenig spröde und trotz seiner Kürze sperrig wirkenden Werks.

Mit dem Violinkonzert D-Dur op. 77 setzten Järvi und das Orchester ihren Brahms-Zyklus fort; einmal mehr gastierte mit Leonidas Kavakos einer der zur Zeit besten Instrumentalisten seines Fachs in Frankfurt. Da mögen Läufe und Doppelgriffe noch so anspruchsvoll sein - der 1967 in Athen geborene Geiger gestaltete mit jener völligen Tonreinheit und entspannten Natürlichkeit, die sein Spiel prägen. Weil Paavo Järvi seine Neigung zu orchestralen Ecken und Kanten zurückstellte, entwickelte sich die Aufführung zu einer wunderbar abgeklärten, gelassenen, aber nie spannungslosen Auseinandersetzung mit dem knapp dreiviertelstündigen Werk. Der Applaus war so lang, dass sich Kavakos bis zur Zugabe viel Zeit lassen konnte; er reichte noch eine Bearbeitung des Gitarren-Stücks „Recuerdos de la Alhambra“ von Francisco Tárrega nach.

Dänischer Spätromantiker

Noch eine Fortsetzung: In der zweiten Programmhälfte dirigierte Paavo Järvi die 1911 vollendete Sinfonie Nr. 3 op. 27 von Carl Nielsen als Teil einer Gesamtaufführung aller sechs Sinfonien des dänischen Spätromantikers. Ein zäsurenreiches Werk, das Järvis spannungsvoller Musizierhaltung entgegenkommt, mit plötzlich wild entfesseltem Walzer in der Mitte des ersten Satzes, aber auch zwei verklärten Vokalisen im zweiten. Sopranistin Camilla Tilling und Bariton Michael Nagy fügten sich mit beinahe instrumentaler Klarheit vorzüglich ein; das Orchester spielte nach anfänglich kleineren Bläser-Irritationen bald auf gewohnt hohem Niveau.


http://www.main-spitze.de/region/kultur/musik/9438761.htm

Saturday, September 25, 2010

Bizet: Symphony in C, Jeux d'enfants, Roma; Orchestre de Paris/Järvi

by Nicholas Kenyon
The Observer
26 September 2010


When I asked a conductor why Bizet's teenage Symphony in C was so rarely played, he said: "Because it's so fucking difficult!" It needs perfect athleticism and agility, here provided in abundance by the Orchestre de Paris under its new conductor, Paavo Järvi. The final allegro, made so memorable in Balanchine's ballet of the same name, crackles with wit. The domestic charms of Jeux d'enfants are gently explored. The early Roma suite is even less often played and perhaps less distinctive, though Järvi makes it atmospheric. Bizet's death before he was 40 is a musical loss to set beside the early deaths of Mozart and Purcell.

Wednesday, September 22, 2010


Paavo Järvi : « A nous deux, Paris !

Par Pierre-Jean Tribot
15/09/2010
ResMusica.com

Passage de témoin à la tête de l’Orchestre de Paris avec l’arrivée du chef estonien Paavo Järvi au poste de directeur musical. Explorateur infatigable des symphonies du répertoire qu’il revitalise, le musicien possède une ouverture d’esprit totale et un répertoire sans limites. Rencontre avec un chef passionné qui ne cesse d’approfondir et de retravailler ses partitions et toujours en quête d’excellence.

ResMusica : Pouvez-vous nous parler de l’orchestre de Paris ?


Paavo
Järvi : Nous sommes au début d’une nouvelle collaboration qui sera très fructueuse et très positive. Il faudra un peu de temps pour que l’on s’adapte les uns aux autres car nous sommes justes à l’aurore d’une belle aventure, mais nous prenons déjà énormément de plaisir à travailler ensembles. Pour cette première saison, j’ai voulu diriger une large palette de compositeurs. Il y a bien sur de la musique française, mais aussi des grands classiques (Beethoven, Schumann, Bruckner), de la musique russe (Rachmaninov, Chostakovitch) et bien sur de la musique scandinave et baltique (Grieg, Pärt, Senthammar). Cette variété doit nous permettre aussi de trouver une bonne combinaison entre des œuvres connues et des œuvres à faire découvrir au public parisien. Au niveau du travail d’orchestre, cette saison d’exploration doit me permettre de voir comment l’orchestre évolue entre ces différents styles et périodes, et d’en tirer des conclusions pour poser les axes de notre travail futur. Je me réjouis du programme d’ouverture de la saison avec La Péri de Paul Dukas et Kullervo de Jean Sibelius. Ce sera la première fois que l’orchestre de Paris jouera Kullervo !

RM : Est-ce que vous souhaitez diriger les symphonies de Sibelius que le public parisien connaît encore assez mal et a découvert assez récemment ?

PJ
: Oui ! Je veux diriger l’intégrale de ses symphonies mais aussi l’intégrale des symphonies de Nielsen..

RM : Pensez-vous que l’orchestre de Paris possède encore un son « français » ?

PJ
: C’est très intéressant ! Nous sortons un disque Bizet et si vous écoutez la fantaisie symphonique Roma, l’orchestre y sonne de manière très française. Mais d’un autre côté, grâce au travail de Christophe Eschenbach, j’ai été séduit par la magnifique sonorité de cet orchestre dans la musique allemande. En réalité, au 21éme siècle, il est indispensable, pour les phalanges, d’évoluer avec flexibilité entre les styles et donc entre les sonorités. Si vous écoutez l’Orchestre les orchestres philharmonique de Munich ou Vienne dans Bruckner, vous attendez un certain type de son ; mais si vous les écoutez dans Tchaïkovski, vous n’attendez pas la même esthétique sonore. Les couleurs des cordes, par exemple, ne doivent pas être identiques. On ne peut donc pas faire la symphonie n°5 de Bruckner comme Le Sacre du printemps ! Le son doit être en relation avec le répertoire. Dès lors, nous recherchons le bon concept sonore pour Bizet, mais aussi les couleurs idéales pour Bruckner, Tchaïkovski ou Stravinsky.

RM : Voulez-vous travailler, avec l’orchestre de Paris, la musique française ? Pour vos prédécesseurs, Semyon Bychkov ou Christoph Eschenbach, en dépit de quelques explorations, la musique française n’était pas au cœur de leurs préoccupations.

PJ : Je suis un fan de la musique française. Comme je vous le disais, nous venons de publier un disque Bizet et, pour ma première saison, il y a déjà une belle sélection de musique française avec Berlioz, Debussy et Ravel. Ce qui m’attire c’est aussi d’explorer la face cachée de la musique française. Non pas, les aspects modernistes ou coloristes, mais de chercher une expressivité parfois une pointe de romantisme, surtout chez Dukas, Chabrier ou Saint-Saëns. Je suis aussi un grand amoureux de la musique de Ravel, de sa substance ou de ses couleurs.

RM : Vous êtes aussi lié à la Deutsche Kammerphilharmonie. Pouvez-vous nous parler de cet orchestre ?
PJ : La Deutsche Kammerphilharmonie est très particulière par rapport aux orchestres aux structures classiques. C’est un orchestre auto-géré qui décide de ses artistes invités et de ses projets, sans d’autres contraintes que l’envie commune de travailler avec les chefs, solistes et surtout de faire de la musique. A l’origine c’était un orchestre de jeunes, même en s’institutionnalisant et en « vieillissant », il a gardé son énergie, sa curiosité et son envie de dévorer la musique à pleines dents. Nous travaillons autour de projets et nous prenons le temps d’aller au fond de notre des partitions et de fignoler ou de creuser notre approche. J’aime ce souci d’excellence et cette volonté d’aller toujours, toujours et toujours plus loin. Nous avons enregistré les symphonies de Beethoven et nous sommes actuellement concentrés sur Schumann où nous recherchons un tonus et une fraîcheur dans l’interprétation.

RM : Et après Beethoven et Schumann, quelles seront vos prochaines explorations ? Bruckner et même Mahler ?
PJ : Bruckner serait possible à l’inverse de Mahler ! Oui, pourquoi pas ! Mais je pense que ce n’est pas une priorité, il y a d’autres symphonies à explorer avant, en particulier Schubert ou Brahms.

RM : Dans vos interprétations des symphonies de Schumann, vous jouez uniquement avec des instruments modernes. Les instruments anciens ne vous attirent pas ?

Pour en savoir plus, cliquez ici:
http://www.resmusica.com/article_8503_entretien_chef_d_orchestre_paavo_jarvi___a_nous_deux_paris__.html

Tuesday, September 21, 2010

Paavo Järvi juhatab avakontserti peadirigendina Pariisis


Priit Kuusk
15.09.2010
uudised.err.ee

Täna dirigeerib Paavo Järvi oma esimest kontserti Orchestre de Paris' peadirigendina, kutsudes avakavas kaasa tegema ka Eesti Rahvusmeeskoori.

Paavo Järvi avab Orchestre de Paris' uue hooaja, orkester resideerib Pariisi ühes mainekamas kontserdipaigas Pleyeli saalis (Salle Pleyel). Tänast kava korratakse seal ka homme, mõlemad õhtud algavad kell 20.

Ettekandele tulevad prantsuse läinud sajandi klassiku Paul Dukas' (1865-1935) orkestrisüit balletimuusikast "La Péri" (1912) ning meie põhjanaabrite suurklassiku Jean Sibeliuse "Kullervo sümfoonia". Solistideks on tuntud soome lauljad sopran Soile Isokoski ning bassbariton Juha Uusitalo. Eesti Rahvusmeeskoori kõrval teeb kaasa ka Orchestre de Paris' koor. Meie koori on ette valmistanud Andrus Siimon.

Avakava pani paika peadirigent Paavo Järvi, tahtes sellega Sibeliuse kõrval näidata ka Eesti esindusmeeskoori. Nii on avakaval küljes koguni kaks Eesti märki.

Lehitsedes Salle Pleyeli 2010/2011 kavaraamatut, märkame, et Paavo Järvi on sel hooajal sagedaimini üles astuv muusik selles kuulsas saalis. Tänase päeva teeb eriliselt pidulikuks ka see, et Orchestre de Paris, Pariisi linnaorkester, on kõige kuulsam orkester, mille peadirigendiks iganes on Eesti dirigent saanud.

Paavo juhatab Orchestre de Paris' ees Salle Pleyelis ka järgmist kava 19. septembril: Paul Dukas' "La Péri" kõrval on helilooja populaarseim orkestriteos "Nõia õpilane" ning veel Georges Bizet' orkestrisüit "Laste mängud". 19. septembril annab orkester kaks kontserti ja need on mõeldud lastele ning kogu perele. Ettekantavaid palu tutvustab Richard McNicol.

23. septembril alustab Paavo Järvi esinemisi oma teise saksa orkestri, Frankfurti Raadio sümfooniaorkestriga, käib siis kahe kontserdiga Cincinnatis ning viib Bremeni Deutsche Kammerphilharmonie kontserdireisile Saksamaale ja Austriasse.

http://uudised.err.ee/index.php?06214886

Paavo Järvi: Es gibt zu viele Klischees über Beethoven

Deutschlandradio Kultur
16.09.2010



Estnisch-amerikanischer Dirigent schließt "Beethoven-Projekt" mit Aufnahme der 9. Sinfonie ab

Paavo Järvi im Gespräch mit Ulrike Timm

"Wir neigen dazu", Ludwig van Beethoven "für den unerbittlichen Kämpfer, den heroischen Löwen zu halten, der gegen die Ungerechtigkeit der Welt angeht", sagt der Dirigent Paavo Järvi. Solche Klischees hinderten daran "zu erkennen, dass Beethoven auch ein Mensch mit Humor war, dass er auch Freude empfinden konnte".

Ulrike Timm: Ein Ausschnitt aus Beethovens 7. Sinfonie in A-Dur, der dritte Satz, gespielt von der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, musikalisch geleitet von Paavo Järvi. Alle neun Beethoven-Sinfonien hat dieses Team Kammerphilharmonie-Järvi aufgenommen. Zugleich ist ein Film entstanden, den die Deutsche Welle weltweit ausstrahlen wird und den es auch als DVD gibt: "Das Beethoven-Projekt", und Paavo Järvi wird zudem noch mit einem Echo-Preis Klassik als "Dirigent des Jahres" bedacht - viele äußere Gründe, ihn einzuladen, aber die Gelegenheit, den Dirigenten, den Musiker Paavo Järvi hier im "Radiofeuilleton" zu Gast zu haben, die freut mich einfach ganz besonders. Herzlich Willkommen, Paavo Järvi!

Paavo Järvi: Thank you!

Timm: Herr Järvi, die meisten Menschen verbinden mit Beethoven einen ziemlich knurrigen Komponisten, tatatata, die personifizierte klangliche Unerbittlichkeit. Eben hörten wir ganz fröhliche, ganz beschwingte Musik, liegt natürlich vor allem am Stück, trotzdem: Haben Sie noch ganz andere Züge an ihm entdeckt als den brummigen Griesgram?

Järvi: Diese Vorstellungen, die Sie erwähnen, gäben ja Stoff für eine ganze Sendung. Es sind genau diese festen Klischees, die zwar einerseits zutreffen mögen, die aber unser Denken auch in eine Zwangsjacke stecken. Sie hindern uns daran, zu erkennen, dass Beethoven auch ein Mensch mit Humor war, dass er auch Freude empfinden konnte. Wir neigen dazu, ihn für den unerbittlichen Kämpfer, den heroischen Löwen zu halten, der gegen die Ungerechtigkeit der Welt angeht. Das mag eine romantische Vorstellung sein, aber solche Mythen hindern uns daran, den Menschen zu sehen. Wenn wir von der 7. Sinfonie sprechen, so kommt diese eigentlich aus dem Tanz heraus. Wagner hat es auch sofort erkannt, als er die Partitur sah, er sprach davon, dass diese Sinfonie eine Apotheose des Tanzes sei.

Timm: Als der Film gedreht wurde, "Das Beethoven-Projekt", da haben Sie alle neun Sinfonien an drei Tagen nacheinander gespielt, in der Beethoven-Stadt Bonn. Ein Marathon - mental wie sportlich?

Järvi: Sowohl körperlich wie auch geistig ist das in der Tat ein Marathon. Was das Körperliche angeht, so kann man sich darauf natürlich vorbereiten. Was aber die Gefühle angeht, diesen emotionalen Eindruck zu verarbeiten, drei Sinfonien in einem Konzert zu spielen - das ist schon eine bedeutende Herausforderung, weil man eben diese Übergänge bewältigen muss von der einen Sinfonie zur anderen, die ja so unterschiedlich sind, als wären es unterschiedliche Kinder mit ihrem eigenen Charakter von denselben Eltern. Und die ganz unterschiedlichen Zeiten, zu denen Beethoven diese Sinfonien komponiert haben, brachten eben auch einen ganz bedeutenden Wandel mit sich.

Timm: Im Film sieht man, dass einige der Aufführungen nach draußen auf die große Leinwand übertragen werden, und plötzlich hat Beethoven 6000 Fans, darunter ganz viele junge Leute. Hat Beethoven das Zeug auch zum Zeitgenossen der MTV-Generation?

Järvi: Er hat sehr viel mehr zu bieten als nur ein zeitgenössischer Komponist für die MTV-Generation zu werden, denn das Paradoxe ist ja, dass die Popmusik in überwiegenden Anteilen in 20 Jahren nicht mehr gehört werden wird. Bei Beethoven dagegen sprechen wir über Hunderte von Jahren. Hier gibt es vielleicht ein Missverständnis, dass es als Image-Problem zu beschreiben gilt. Viele glauben ja, Beethoven sei Teil der Geschichte, er sei etwas für die Bildungsbürger und man müsse vorbereitet sein, um Beethoven zu hören. Das mag zwar helfen, aber es ist nicht nötig, sich vorzubereiten, um die 5. Sinfonie zu hören, denn diese Sinfonie verändert sich. Es ist nicht immer dieselbe Musik, und so seltsam das klingen mag: Beethoven wird eigentlich immer besser.

Timm: Kommen wir mal zu dem Dokumentarfilm "Das Beethoven-Projekt". Da haben Sie sich ja mit der Kamera zuschauen lassen. Sie wurden geschminkt, Sie mussten reden statt nur zu musizieren. Schauen Sie sich gerne zu im Film?

Järvi: Nein, ich gehöre zu jenen, die sich nicht gerne im Fernsehen anschauen, und ich höre auch nicht gerne meine eigenen Aufnahmen an und bin eigentlich nie mit mir selbst zufrieden.

Timm: Deutschlandradio Kultur, das "Radiofeuilleton" im Gespräch mit dem Dirigenten Paavo Järvi. Herr Järvi, Sie kommen als Musiker vom Schlagzeug, ähnlich wie Simon Rattle. Ist das eine gute Voraussetzung, Dirigent zu sein, wenn man vom Rhythmus her denkt?

Järvi: Nun ist in der Tat eine Art Präzedenzfall da, ob es nun Zufall ist oder nicht, jedenfalls - das Schlagzeug ist eben ein Instrument, das von Anfang an sehr stark aufs Ensemblespiel hin angelegt ist. Man sitzt nicht stundenlang im Zimmer wie ein Geiger oder Pianist und übt vor sich hin, sondern Schlagzeug spielen verlangt nach der Gruppe, und man wird sehr früh hineingeführt in die Welt des Orchesters. Von Anfang an kam ich immer wieder in Berührung mit diesem großen Körper des Orchesters. Daneben ist es für jeden Dirigenten sehr ratsam, wenn er ein gutes Rhythmusgefühl hat, denn bei all den Feinheiten und Subtilitäten, die die Musik sonst noch birgt - ganz fundamental ist es doch, den Rhythmus zu kennen, und das hilft jedem Dirigenten.

Timm: Sie sollen in Estland in den 70er-, 80er-Jahren in einer Rockband gespielt haben. Wie war das?

Järvi: Ich bin ja in einer Musikerfamilie groß geworden, bei uns lag immer Musik, klassische Musik in der Luft. Im Alter von 13, 14, 15 Jahren kamen einige Freunde mit der Idee auf mich zu, eine Rockband zu gründen, wobei ich natürlich dann am Schlagzeug sitzen sollte. Es war ein geselliges Zusammensein, das eben auch rebellisch war und das uns auch auf andere Gedanken gebracht hat. Aber es war nie allzu ernst gemeint.

Timm: Aber einer Ihrer Rockband-Kompagnons ist Erkki Tüür, und Sie führen bis heute besonders gerne Werke estnischer Komponisten auf. Ist das Passion, ist das Lokalpatriotismus? Was ist das?

Järvi: Nun, ich glaube, dass sehr viele der heutigen, wichtigen zeitgenössischen Komponisten weniger von der Darmstädter Schule oder von der Neuen-Musik-Bewegung herkommen, sondern dass gerade die Interessantesten unter ihnen mehr von der Rockmusik beeinflusst sind oder Anregungen von Strawinsky, Debussy, Ravel bekommen. Diese Kombination aus der Popkultur und einer klassischen Richtung, die macht das Neuartige, das Wesentliche aus. Was nun Tüür angeht, den Komponisten, nun, so haben wir sehr viel zusammengearbeitet. Es ist eigentlich nicht so sehr nur Patriotismus, sondern auch das Bewusstsein, gemeinsam in einer Umgebung aufgewachsen zu sein. Er hat ja zunächst als Rockmusiker für seine eigene Band geschrieben, ehe er dann nach und nach in andere Bereiche übergegangen ist. Aber bis zum heutigen Tag führt er noch mit einer Rockband seine Werke auf.

Timm: Der Dokumentarfilm, der ein Anlass ist für unser Gespräch, der führt auch nach Estland, und man hat den Eindruck, das ist ein Land voller Musik. Da singen Tausende Leute auf einem Platz. Klingt plump, aber ist das etwas so Selbstverständliches dort? Sind die Esten eine besonders musikalische Nation?

Järvi: Ja, das ist so, und ich hoffe auch, dass die Menschen überall mit Estland Musik verknüpfen, dass Estland eben als singendes Land erinnert wird oder dass man daran denkt. Jeder und jede singt in Estland, es gibt mehr Chöre in dem Land als irgendwo sonst. Alle vier Jahre haben wir das große Gesangsfest, wo 30.000 Menschen zusammenkommen, die zwar nicht jetzt professionell singen, aber die professionell vorbereitet sind und dann gemeinsam auf die Bühne treten. Hinzu kommen dann noch 100.000 bis 150.000 Zuhörer im Publikum. Das zu hören ist wirklich sehr beeindruckend, insbesondere wenn man bedenkt, dass die Esten im Lande ja nur etwa eins oder eins Komma noch etwas Menschen sind. Es legt auch Zeugnis ab von der einigenden Kraft der Musik. Das mag jetzt klischeehaft klingen, aber da steckt schon ein Korn Wahrheit drin, wenn man sich das anschaut und wenn man daran denkt, wie wir für die Wiedergewinnung unserer Unabhängigkeit als Land kämpften - keiner musste damals sterben, denn selbst die Sowjets hätten es nicht fertiggebracht, in eine singende Menge zu schießen. Deshalb sprechen wir ja auch von der Singenden Revolution.

Timm: Das heißt, Musik taugt auch zum Widerstandsmittel?

Järvi: Für ein kleines Land mit 1,5 Millionen Einwohnern wie Estland gibt es gar keine andere Art, sich zu behaupten. Wir könnten uns in keiner Weise militärisch etwa gegen Russland zur Wehr setzen, wirtschaftlich gesehen sind wir auch hoffnungslos unterlegen. So ist es also die einzige Art, sich Gehör zu verschaffen mit dieser, wenn man so will, Unbedarftheit der Menschen, die eben waffenlos daherkommen. In kleinen Ländern wie etwa Estland kommt der Kultur darüber hinaus eine ganz entscheidende, prägende Bedeutung zu, sie ist nicht nur irgendwie eine Zutat, sondern sie ist identitätsstiftend. Wir sind ein kleines Land, wir wollen aber nicht als kleines Land irgendwo im Einflussbereich Russlands gesehen werden, das über billige Arbeitskräfte verfügt oder touristisch interessant ist. Nein, wir wollen eben als Kulturvolk gesehen werden.

Timm: Sie sind seit 1980 Amerikaner, kommen aus einer ganz musikalischen Familie, Vater Neeme Järvi, Bruder Kristjan Järvi - alle Järvis dirigieren. Mich würde mal interessieren: Wie ist das bei Järvischen Familientreffen, macht man da Musik oder gerade eben nicht?

Järvi: Musik ist immer in der Luft, und es gibt auch eben diesen Hauptgrund, weshalb wir alle mit der Musik leben, das ist wohl die Gestalt meines Vaters, der immer noch diese Fähigkeit hat, uns zu inspirieren. Und wenn wir heute zusammentreffen, dann sind es ja drei Generationen, die zusammenkommen, mein Vater, der jetzt 72 Jahre alt ist, ich bin 47, Kristjan ist 37. Wir alle bringen unsere Erfahrungen zusammen. Und wenn man als Dirigent arbeitet, dann hat man natürlich nichts so gerne wie die Erfahrung, denn beim Dirigieren zählt eben Erfahrung, Erfahrung, Erfahrung.

Timm: Sie haben aber mal gesagt, dirigieren sei was für die zweite Lebenshälfte, Dirigent sei man erst mit über 50. Sie sind noch keine 50, was sind Sie denn jetzt?

Järvi: Ich glaube, alles, was ich jetzt mache, dient im Grunde der Vorbereitung für diese zweite Hälfte. Es gibt so vieles, was man wissen muss, was man auch tatsächlich erst einmal erfahren haben muss, ehe man es beherrscht, denn es einmal ausprobiert zu haben, reicht ja nicht aus, um es wirklich zu kennen. Und man merkt auch, dass man nicht für alles gleichermaßen geschaffen ist. Man muss also eine Auswahl treffen. Und diese Entscheidung zu treffen, ist ein langer verwickelter Weg, man will ja am Anfang alles Mögliche erkunden, man möchte sich tummeln, und dann stellt man fest: Man kann nur bestimmte Dinge wirklich gut ausführen, und denen widmet man sich dann mit aller Kraft.

Timm: Wir halten fest: Paavo Järvi, noch nicht 50, wird noch Dirigent. Sie leiten derzeit die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, das Orchester des Hessischen Rundfunks, das Orchestre de Paris und das Sinfonieorchester von Cincinnati in den USA. Sie müssen immense Handyrechnungen haben und ständig Jetlag. Wie schaffen Sie das?

Järvi: Nun, das stimmt, der Jetlag und auch die hohen Telefonrechnungen sind ständige Begleiter, aber das führt mich auch die Freude vor Augen, die ich dabei empfinde, dass ich eben auf so unterschiedlichen Ebenen mit so unterschiedlichen Persönlichkeiten, wie es diese Orchester sind, Musik machen darf. Ich weiß, ich werde nicht unbegrenzte Zeit diese vier Ensembles führen können. Irgendwann wird vielleicht eines oder zwei Orchester übrig bleiben. Aber ich habe eben die Möglichkeit, ein breites Repertoire kennenzulernen und auszuprobieren, von den französischen Standardkomponisten über Bruckner und Beethoven bis hin zu den Komponisten des 20. Jahrhunderts, Lutoslawsky, Bartók, Strawinsky - alles das gibt mir diesen großartigen Einblick, den ich so sehr genieße.

http://www.dradio.de/dkultur/sendungen/thema/1274067/

Monday, September 20, 2010

Concert inaugural de l'Orchestre de Paris

Par Christian Merlin
Le Figaro
14/09/2010


À sa tête, le chef estonien Paavo Järvi, qui en prend la direction musicale cette rentrée

Mercredi soir sera le coup d'envoi d'un mariage et d'une aventure. Certes, le chef et les musiciens se connaissent déjà : le maestro estonien a plusieurs fois dirigé l'Orchestre de ­Paris. Mais une chose est d'être chef invité, une autre d'être directeur musical. Il s'agit cette fois de construire ensemble sur la durée, plus seulement de faire des étincelles une fois par an. Et ce travail de fond, l'Orchestre de Paris en a besoin. Car on ne peut pas dire que Christoph ­Eschenbach, en dix ans, se soit révélé un grand bâtisseur d'orchestre. Les dernières années ont même été parfois douloureuses. Paavo Järvi n'a jamais aimé être chaque semaine dans une ville différente : à 48 ans, il s'est toujours lié pendant de longues années avec un petit nombre d'orchestres. Il ne travaille pas dans l'esbroufe : son énergie est grande mais concentrée, son bras aussi efficace que son cerveau. Un homme simple et clair, peu expansif en apparence (effet trompeur, sans doute, de sa ressemblance avec Vladimir Poutine), mais en réalité très chaleureux. Les attentes sont grandes : si l'Orchestre s'est parfois montré démotivé ces dernières années, on sentait à la moindre occasion que son potentiel et son envie ne demandaient qu'à être réveillés. Paavo Järvi en est capable : il exigera beaucoup - ce que les instrumentistes français n'aiment pas toujours - mais il le fera dans un rapport de confiance et de respect. En retour, le panache des musiciens français fera peut-être fondre la glace que l'on sent encore dans une direction dont la maîtrise nuit parfois à la spontanéité.

Un programme symbole

Le programme du concert inaugural est souvent une déclaration d'intention pour un directeur musical. Celui de Paavo Järvi est bien représentatif de trois grands axes de sa direction : la musique française, la musique nordique et… la curiosité ! Sibelius, c'est le lait maternel du chef balte. Paul Dukas, c'est celui de l'Orchestre. Et tant La Péri que Kullervo sont deux œuvres aussi superbes que rarement jouées.

L'Orchestre de Paris prend un nouvel élan

Par Christian Merlin
Le Figaro
17/09/2010


Le chef estonien Paavo Järvi entame sa première saison avec l'Orchestre de Paris.

Le concert inaugural d'un nouveau directeur musical revêt toujours une portée symbolique, même si le chef et l'orchestre se connaissent. C'est un coup d'envoi pour le moins impressionnant que Paavo Järvi a donné à sa première saison à l'Orchestre de Paris, mercredi Salle Pleyel. Le programme, d'abord, audacieux, sans tubes : un vrai manifeste, avec pour axes la musique française, culture de l'orchestre, et la musique nordique, culture du chef. Un programme très pensé avec deux compositeurs nés la même année, Paul Dukas et Jean Sibelius, dont chacun s'inspire d'une légende. La Péri, de Dukas, manque bien un peu de poésie et de mystère, dans cette interprétation aux couleurs très franches mais on admire déjà la balance entre les pupitres et les relais de timbres (il est vrai qu'avec un Michel Benet au hautbois, un Pascal Moraguès à la clarinette ou un Marc Trénel au basson, cela aide : quelle équipe, tout de même !).

Souffle épique

L'Orchestre de Paris n'avait jamais joué le Kullervo, de Sibelius, premier chef-d'œuvre d'un compositeur de 25 ans qui n'osa pas l'appeler «symphonie». C'est une fresque fascinante, qui plonge dans les racines de l'épopée nationale finlandaise tout en expérimentant de nouveaux langages musicaux. Järvi, qui en a livré au disque une version de référence en 1997 (Virgin), a mis toute sa force de persuasion à initier l'orchestre à la radicalité de cette musique. Avec succès, à en juger d'après l'attitude des musiciens : ce que l'on a perçu comme une légère crispation au début s'est vite transformé en une formidable concentration individuelle et collective.

On est frappé par un mélange de souffle épique et de netteté sans épanchement qui pourrait bien être une marque de fabrique du chef. Tout à la fois narrative et très construite, sa direction culmine dans les scènes vocales de la dernière partie. La présence faramineuse des solistes Soile Isokoski et Juha Uusitalo, et la puissance tranchante des chœurs d'hommes, issus de la réunion du chœur de l'Orchestre de Paris et celui d'Estonie, placent ce début de règne sous le signe de l'excellence.

Prochain concert de l'Orchestre de Paris sous la direction de Paavo Järvi, les 13 et 14 octobre, Salle Pleyel. Loc.: 01 42 56 13 13.

Paavo Järvi réinvente Schumann

Par Pierre-Jean Tribot
13/09/2010
ResMusica.com



Si les saisons commencent progressivement, les derniers festivals de l’été continuent pourtant de briller. Ces premiers jours du mois de septembre voient l’ouverture de BeethovenFest à Bonn, dans la ville natale du compositeur. Ce week-end d’ouverture était marqué par la venue, toujours très attendue, de la Deutsche Kammerphilharmonie et de chef Paavo Järvi. Fidèles de la manifestation, le chef et ses musiciens mettent à l’honneur Schumann, sans oublier Beethoven. Si le premier est naturellement à l’honneur à l’occasion des 200 ans de sa naissance, le second est au cœur du travail de cet orchestre depuis de nombreuses années.

Dans les ouvertures de Beethoven, Paavo Järvi et ses philharmonistes de chambre continuent de sonder les moindres recoins de cette musique, comme ils l’ont fait à l’occasion de leur cycle des symphonies (enregistré pour RCA). Les moindres détails, la moindre inflexion des nuances ou la plus petite des attaques deviennent audibles grâce à un chef qui analyse le texte mais qui garde regarde toujours vers l’avant. Les ouvertures de Leonore et des Créatures de Prométhée sonnent de manière véritablement théâtrale avec une logique parfaite dans les transitions et la gestion des dynamiques.

Les symphonies de Schumann sont au cœur des concerts actuels et des projets discographiques de ce tandem. Paavo Järvi y continue son approche à la fois analytique, tonique et logique. Mais son geste n’est jamais brutal ou didactique et il s’avère profondément romantique et passionné. Ce Schumann, tempétueux et nostalgique trouve ici l’un de ses plus grands interprètes. Marque des talents d’exception, le chef donne un petit coup d’accélérateur quand il le faut pour marquer les transitions ou les contrastes, comme dans la coda du second mouvement emportée dans un tumulte orchestral véritablement explosif et nerveux. La grande force du chef est de toujours faire ressortir des détails souvent inaudibles au concert à l’image d’un second mouvement à la plastique irréprochable à l’élan fougueux mais aussi songeur. L’orchestre est absolument parfait dans sa sonorité à la fois riche et puissante mais surtout dans son fini instrumental. Les passages fortissimos et les nuances les plus infinitésimales ne prennent jamais à défaut ces musiciens, tout tombe en angle droit, sans la moindre scorie.


Pour en savoir plus, cliquez ici: http://www.resmusica.com/article_8494_musique_symphonique_beethovenfest_paavo_jarvi_reinvente_schumann.html

Wednesday, September 15, 2010

Helden unter sich

Paavo Järvi dirigiert Bizet

15.09.2010
NDR.de

Georges Bizet: Sinfonie in C, Kleine Suite für Orchester op. 22 (Jeux d'enfants), "Roma", Suite für Orchester Nr. 3
Orchestre de Paris
Leitung: Paavo Järvi

Vorgestellt von Friederike Westerhaus

Im Oktober erhält Paavo Järvi den Echo Klassik als "Dirigent des Jahres" - ein Dirigent, der im wahrsten Sinne des Wortes alle Hände voll zu tun hat: Der 47-Jährige ist bereits Chefdirigent des Cincinnati Symphony Orchestra, des HR-Sinfonieorchesters Frankfurt und der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen. Nun kommt ein viertes Orchester hinzu: Järvi übernimmt als Nachfolger von Christoph Eschenbach die Leitung des Orchestre de Paris. Pünktlich zum Antrittskonzert ist jetzt bereits eine erste CD des Orchesters mit seinem neuen Chef erschienen, und dabei hat man sich auf ein französisches Repertoire verständigt: Werke von Georges Bizet.

"Ich liebe Bizet"

Als Järvi zum ersten Mal das Orchestre de Paris erlebte, war er äußerst beeindruckt: "In komplizierten Passagen in der Sinfonie war im Orchester eine besondere Erregbarkeit zu spüren, der Wille, sich anstecken zu lassen", erzählt Järvi. "Das ist ziemlich einzigartig und sehr attraktiv, wenn man merkt, dass plötzlich das Blut der Musiker zu kochen beginnt."

"Das Orchestre de Paris hat einen erstaunlichen ästhetischen Code", so Järvi. "Es klingt sehr elegant. Auch wenn es nicht immer extrem fein klingt, ist die Suche nach einer gewissen Eleganz da. Das ist sehr französisch." Da lag es nahe, dass Järvi für seine Debüt-CD als neuer Chef des Orchesters französisches Repertoire wählte, Musik von Georges Bizet: neben der Sinfonie in C und der Orchesterfassung von "Jeux d'enfants", die weniger bekannte Suite "Roma".

Doch nicht nur das Orchestre de Paris, sondern auch Järvi selbst verbindet eine lange Geschichte mit diesem Komponisten. "Ich liebe Bizet", schwärmt Järvi, "ich finde ihn fantastisch und habe seine Musik schon als kleiner Junge in Estland geliebt: die Sinfonie in C, aber ich kannte von meinem Vater auch "Roma" und alles andere. Ich mag diese Sprache, die Musik reißt einen mit, lässt einen lächeln und fühlen, und Bizet ist ein melodisches Genie. Man kann nichts dagegen machen: Man hört - und liebt es."

Ein Spitzenensemble

Järvi und das Orchester haben offenbar einen guten Draht zueinander: Die Sifonie und "Jeux d'enfants" sind schwungvolle Live-Aufnahmen. Die blitzsaubere Intonation der Bläser und die gekonnt gespielten, wahnwitzig schnellen Passagen in den Streichern zeigen, dass Järvi es hier mit einem echten Spitzenensemble zu tun hat. Die melodiösen, geradezu opernhaften Momente in Bizets Musik sind besonders schön und farbig gelungen.

Trotzdem werden der neue Chef und das Orchester erst noch mehr zusammen wachsen müssen, um eine gemeinsame musikalische Vorstellung zu entwickeln. Das zeigt sich zum Beispiel an einigen motorischen Stellen, wie im Galopp aus "Jeux d'enfants". Das klingt streckenweise fast ein wenig etüdenhaft mechanisch mit wenig Linie - für Järvi völlig untypisch.

Eine große Herausforderung

Schon viele Male hat Järvi den Annährungsprozess mit einem Orchester durchlebt. Immer wieder sei das eine große Herausforderung, sagt er: "Was über den Erfolg bestimmt, ist der Versuch, sich gegenseitig zu vertrauen. Von einem so traditionsreichen Orchester wie diesem kann man natürlich nicht erwarten, dass es das bisherige einfach über Bord wirft und alles ganz anders macht. Am wichtigsten ist der Respekt. Man muss die Tradition des Orchesters respektieren. Denn dieses Orchester gab es lange vor meiner Geburt - und es wird auch noch lange nach meinem Tod bestehen."

http://www.ndr.de/kultur/klassik/ncdsbizet101.html

Tuesday, September 14, 2010

Das Beethoven-Projekt

Deutsche Welle
DW-TV EUROPA




Die 40 Musiker der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen bilden das wahrscheinlich ungewöhnlichste Orchester Deutschlands.

Dieses herausragende Ensemble stellt sich mit seinem künstlerischen Leiter Paavo Järvi der Herausforderung Beethoven und spielt alle neun Sinfonien in vier Tagen beim Beethovenfest Bonn. Als Musiker sind sie Weltspitze, als Gesellschafter ihrer Orchester-GmbH tragen sie das volle Risiko. Ihre Vision endet nicht beim Schlussapplaus: Die Musiker übernehmen gesellschaftliche Verantwortung und geben ihre Leidenschaft für Musik an Schüler einer Bremer Gesamtschule weiter.

Im Mittelpunkt der vierteiligen Doku-Reihe Das Beethoven-Projekt stehen Stardirigent Paavo Järvi und ausgewählte Orchestermusiker. Sie zeigen ihre Begeisterung für Musik – bei den Proben, im Konzert und hinter den Kulissen. Wie spielte sich das Orchester aus der Provinz an die Weltspitze? Wie entwickelte es seinen einzigartigen Sound? Wie verstehen Dirigent und Musiker Beethovens Meisterwerke? Und wie gelingt es dem Orchester, den Beethoven-Zyklus in nur vier Tagen auf gleichbleibend hohem Niveau zu spielen? Die vierteilige Musikdokumentation gibt Antworten auf diese Fragen - und auf viele mehr.

Sendezeiten:

Teil 1:

DW-TV EUROPA/AFRIKA

SA 09.10.2010 - 15:30 UTC
SO 10.10.2010 - 03:30 UTC
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Review of Dvorák: Symphony No. 9 “From The New World”

Review by David A. Hollingsworth for Dvorák: Symphony No. 9 “From The New World”
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Grammy Award-winner Paavo Järvi has built a remarkable conducting reputation. Born in Tallinn, Estonia, he studied percussion and conducting at the Tallinn School of Music. In 1980 he moved to the US, where he continued his studies at the Curtis Institute of Music and at the Los Angeles Philharmonic Institute with Leonard Bernstein. He became Music Director of the Cincinnati Symphony Orchestra in September 2001 and has recently extended his contract with the orchestra until 2011/12. Through the dignified voice of the Royal Philharmonic Orchestra, Järvi’s rendition of Dvo¡rák’s New World Symphony is both solid and satisfying.

Okay, let me start off with the first statement of fact. There is the exposition repeat in the first movement (which is a common practice yes, but there are conductors who still take a different, more shortened alternative). Now onto the second statement of fact. This is a compilation album of seemingly the 1993 performance in commemoration of the one-hundredth anniversary of a great symphony (plus the Carnival Overture and the Scherzo Capriccioso that were recorded later). Inevitably, perhaps, the playing of the symphony here by Paavo Jarvi and the Royal Philharmonic Orchestra is white-heat stuff. Yet the utterance is not only committed, it is genuine too. Paavo Jarvi’s take of the work is ravishing, but like Kyrill Kondrashin (with the Vienna Philharmonic), he leaves no room for the showmanship in approach that would’ve risk superficiality at the expense of substance (like in the largo movement that I’ll get to soon). In the first movement, the sense of adventure and journey is ever so profound and American in feel (you sense something is about to happen). The adagio beginning is nicely restrained and soulful. But turn to allegro molto and all hell breaks loose: the timpanist is splendid, the winds dauntless, and the strings fierce. The warmth, though, is present and in abundance (particularly in the third subject at 4:27 and again at 11:28 where Jarvi molded the orchestra for something penetrating yet with that arresting subtlety that somewhat shows Dvorak’s sense of nostalgia). The only conductor closest to that is again Kondrashin, where the warmth in the playing is set against the recording sound that is perfectly effervescent. The coda here is superlative and thrilling.

Turn to the largo movement and the soul-searching is ever so reflective. But please don’t be put-off by the 15:23 playing time of the movement, for Jarvi’s approach is very special indeed. It’s `going home’ all right, but with that arresting sense of longing that’s nicely restrained, as if a person is going home for the first time in years and reflectively looking back of all that he (or she) went through. That sense of uneasiness is apparent here (and the cor anglais is effectively heartrending). The climax, at 10:46, is proud and dignified, but soon thereafter, that sense of longing is again insightful. Jarvi is patient in this movement, but not dragging and over-indulgent: indeed an intuitive artist at the podium who knows what he wants and how to get from Point A to Point B.

The final two movements go off with the bang. Jarvi’s take of the scherzo is quite gallant and with that sense of inevitability that makes the first movement such an experience (the brass and percussion departments are particularly excellent and gripping here). And the tempi are well-judged especially in the poco sostenuto section, where there’s dignity yes, but also the gracefulness that nicely offset the adventurousness of the outer sections. As far as the finale (allegro con fuoco) is concerned, the orchestra is again excellent and the overall sense of structure is ideal. Only in the coda do I feel that the playing is a bit headlong for my taste. But with all that said, the recording of the symphony has to be counted as one of the best in (literally) the crowd of recordings currently available.

As far as the fillers are concerned, I cannot think more highly of the team’s performances of both the Carnival Overture and Scherzo Capriccioso. To say that the playing of the Overture is resplendent is an understatement, for in terms of raw excitement and pinpoint virtuosity (again the percussionists are excellent) only Kubelik and the Bavarian Radio Symphony Orchestra come to mind in comparison. And while Jarvi takes about a minute longer overall, the effects in the playing remain brilliant while sweet and mellow in the middle of the piece. But what I so admire in Jarvi is his penchant for details (like in his Stenhammar and Sibelius recordings). This is especially true in the Scherzo Capriccioso (1883), where, thanks to this great maestro, I’ve learnt more of what I’ve missed about it in previous hearings: namely the forward-lookingness in places (at 6:33 for instance) where his pupil Novak must have stored in his subconscious as he composed music somewhat in a modernist vein. And the brass here in particular brings this attribute to the fore decisively.

This album, with its admirable presentation and incandescent recordings, should not at all be missed. The musicality in the performances is simply too great and too genuine to be overlooked and unnoticed.


http://xn--80aaciwerbxjbss0jod.com/review-of-dvorak-symphony-no-9-from-the-new-world/

Monday, September 13, 2010

Musikalische Utopie

Von Markus Schwering, 12.09.10, 19:43h
Kölner Stadt-Anzeiger

Mit zwei Konzerten der Kammerphilharmonie Bremen und ihrem Dirigenten Paavo Järvi feierte das Bonner Beethovenfest einen furiosen Auftakt. Die Leistung war in jeder Hinsicht superior - mit lediglich einigen kleinen Schönheitsfehlern.

Das Trompetensignal in der Durchführung von Beethovens dritter Leonorenouvertüre ist Klang gewordene Utopie - es bezieht sich auf die Peripetie der Oper „Fidelio“, wo es die Ankunft des Ministers, die Befreiung Florestans und das Ende von Pizarros Herrschaft bedeutet.

Ernst Bloch, der Denker der Utopie, pflegte bei dieser Stelle stets in Tränen auszubrechen. Beim zweiten Konzert des diesjährigen Bonner Beethovenfestes in der Beethovenhalle begab es sich nun, dass während des Trompetensignals laut und beharrlich als Kontrapunkt ein Handy-Klingelton vernommen wurde. Das war einerseits extrem störend, konnte aber andererseits aber auch Überlegungen zum Gestaltwandel von Utopie in Gang setzen - die gute, die erlösende Nachricht, so es sie noch gibt, wird heutzutage halt per Handy mitgeteilt.

Solchermaßen wächst dem programmatischen Schwerpunkt des aktuellen Festes, eben der Utopie, sozusagen aufführungspraktisch noch eine geschichtsphilosophische Tiefenschärfe zu. Handgreiflicher zeigte sich das utopische Potenzial von Musik in der Ansprache des Schirmherrn und venezolanischen Musikmanagers José Antonio Abreu zum Eröffnungskonzert: Abreu ist der legendäre Gründer von „El Sistema“, jener breiten sozialkulturellen Bewegung, die Kinder vorzugsweise aus den Elendsvierteln des Landes durch intensive musikalische Förderung in Orchestern und Chören die Perspektive auf ein besseres Leben eröffnet. Klarinette statt Knarre - hier bekommt Schillers Utopie der ästhetischen Erziehung des Menschen eine ungeahnte Relevanz.

Ein vor Energie berstender Grundklang

„U-topia“ heißt ja bekanntlich „Nicht-Ort“ - was so viel bedeutet, dass sich Utopie als Denkform auf etwas bezieht, das es nicht gibt. Wollte man im Kontext des Beethovenfestes von einer verwirklichten Utopie sprechen, so müsste man die beiden Konzerte der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen unter Paavo Järvi zu seinem Start nennen. Die Programmwahl galt sinnigerweise dem Genius loci genauso wie dem Jubilar des laufenden Jahres.

Wobei dem Eröffnungsabend „mit drei B“ - es erklangen Beethovens Es-Dur-Klavierkonzert sowie Schumanns „Manfred“-Ouvertüre und Rheinische Sinfonie in c-Moll bzw. der nämlichen Tonart - ein zweiter ohne Vorzeichen folgte: eben mit Beethovens „Leonore III“ und „Prometheus“-Ouvertüre sowie Schumanns Cellokonzert und zweiter Sinfonie. Als Zugaben wurden Sätze aus dem im vergangenen Jahr begonnenen Projekt der Gesamtaufnahme aller Beethoven-Sinfonien (ebenfalls mit Järvi) gespielt.

Der elektrisierende, kernig-nervige Zugriff, der vor Energie berstende Grundklang, der den Hörer schier aus dem Sessel holt und zu einem Markenzeichen neuerer Beethoven-Interpretation wurde - all das stellte sich unfehlbar wieder ein. Gelegentlich störend ist allenfalls die virtuos-aggressive Präsenz der Bläser, die die Violinen schon mal ins Hintertreffen geraten lassen. Hier wäre eine Feinjustierung nicht schlecht.

Weihrauch-Nebel statt sakraler Anmutung

Wenn an dieser Stelle etwas empfohlen werden darf, dann dieses: Järvi und die Bremer sollten unbedingt auch den sinfonischen Schumann einspielen - damit lehrten sie mancher gediegen-philharmonischen Konkurrenz das Fürchten. Als Beispiel sei hier nur einmal der vierte Satz der „Rheinischen“ genannt: Häufig ertrinkt seine sakrale Anmutung in einem muffigen Weihrauch-Nebel, so dass man gar nicht mehr hinhören möchte. In Bonn aber erklangen Schumanns archaischer Kontrapunkt, seine Kanon- und Cantus-firmus-Künste so aktiv, mit einer derart leuchtenden Transparenz, dass man zum Zuhören gezwungen wird. Nickerchen bei langsamen Sätzen - damit ist es überhaupt bei dieser Deutungsart vorbei.

Wobei die Bremer allerdings auch nicht mehr den Fehler früherer Tage begehen, vor lauter Innenspannung und rhythmischer Sprungbereitschaft den Klang in den Adagios und Larghettos nicht zur Ruhe kommen zu lassen. Und ein exzeptioneller Meister ist Järvi in der Kunst des Schließens: Wie er Spannungskurven ausschwingen lässt, die Satzsubstanz rückschauend versammelt, die Musik Abschied nehmen lässt und sich seinerseits von ihr verabschiedet, das zeugt von imposantem dramaturgischem Gefühl und untrüglichem Formbewusstsein.

Angesichts der in jeder Hinsicht superioren Leistung dieses Orchesters unter diesem Dirigenten - im Rahmen des zweiten Konzerts erhielten die Bremer den Preis der Deutschen Schallplattenkritik - verblassten sogar die Vorstellungen der nicht minder illustren Solisten. Hélène Grimaud spielte - am ersten Abend - das Beethoven-Konzert klassisch lapidar, mit diszipliniertem Ernst und großem, ganz selbstverständlichem pianistischem Können, aber halt auch mit einer eigentümlich distanzierten Gestik und neutralen Kühle. Am schönsten geriet der Mittelsatz: Hier wirkte das Rubato bei den großen melodischen Bögen der Oberstimme nie affektiert, sondern ganz natürlich aus dem Geist der Musik entwickelt.

Auch Sol Gabetta schien im Schumann-Konzert aller spielerisch-impulsiven, gelegentliche falsche Töne nicht scheuenden Attacke nur halb auf ihre Kosten zu kommen - was in der Tat an dem Werk liegen mag, das ein Stück weit gegen das Instrument komponiert ist und den Solisten geradezu auszubremsen scheint. Welcher Klangmagie diese Künstlerin fähig ist, das zeigte sie erneut in ihrer Lieblingszugabe, der Miniatur „Dolcissimo“ des Zeitgenossen Peteris Vasks, wo sie zu ätherischen Flageoletts ihres Cellos sogar noch singen darf (oder muss). Wohlgemerkt: Wenn hier verhalten gemeckert wird, dann angesichts eines hohen Basisniveaus. Insgesamt ein denkbar gelungener Einstand des diesjährigen Beethovenfestes.

Paavo Järvi "J’aime être surpris"

Par Franck Mallet | CLASSICA | SUR SCÈNE | 7 septembre 2010
qobuz.com


Le chef estonien a toujours placé ses concerts et ses disques sous le signe de la diversité. Pour sa première saison à la tête de l’Orchestre de Paris, jadis dirigé par l’illustre Charles Munch, il reste plus que jamais fidèle à cette règle.

Avec son physique de militaire et son regard bleu acier qui vous transperce, Paavo Järvi n’est peut-être pas sans rappeler Vladimir Poutine. Mais la comparaison s’arrête là... Car celui qui officiera comme directeur musical de l’Orchestre de Paris dès septembre est un artiste, un vrai. Né en 1962 en Estonie alors sous domination soviétique, il a eu la chance d’avoir pour père le chef d’orchestre Neeme Järvi, qui ne se contentait pas de la "diète" de l’enseignement russe. À chaque retour de voyage, la bibliothèque familiale s’enrichissait de trésors : partitions, orchestrations diverses, enregistrements... Leçons de piano, opéra quasiment tous les soirs, la vie à Tallinn s’est révélée extrêmement profitable ; tel musicien entendu sur scène, Emil Gilels, Mstislav Rostropovitch, Igor Oïstrakh par exemple, apparaissait le soir même à la porte du domicile !

Tout en jouant au sein d’un groupe de rock, et après une double formation de percussionniste et de direction d’orchestre (comme Jean-Claude Casadesus), le jeune Paavo quitte l’Estonie à dix-sept ans pour compléter ses études à l’étranger. Formé au Curtis Institute de Philadelphie et au Los Angeles Philharmonic Institute, il devient l’un des élèves préférés de Leonard Bernstein, comme en témoigne quelques années plus tard ce mélange de tranchant et de sobriété marquant son interprétation de plusieurs oeuvres de son mentor qui font l’objet d’un de ses premiers disques.

Dix ans plus tard, ses concerts, dont plusieurs déjà à la tête de l’Orchestre de Paris, et sa discographie sont d’une impressionnante diversité, des musiciens du Nord (Lepo Sumera, Arvo Pärt, Wilhelm Stenhammar, Sibelius, Grieg) aux Russes (Chostakovitch, Prokofiev, Stravinsky) en passant par l’Europe de Schumann, Bruckner, Mahler, Debussy, Ravel, Britten, Poulenc.


Un fan invétéré

En plus de ce vaste répertoire, il compte bien trouver à la tête de l’Orchestre de Paris un équilibre idéal lui permettant de développer plusieurs projets qui lui tiennent à cœur : "des cycles symphoniques dévolus à Haydn, à Bruckner, mais aussi à plusieurs partitions françaises, comme celles de Roussel et de Honegger notamment, qui mériteraient une plus grande reconnaissance internationale".

Il est flatté d’arriver à la tête d’une formation jadis dirigée par l’illustre Charles Munch, dont il possède tous les disques... Car, à l’image de son père Neeme et de son frère Krystian (également chef d’orchestre !), il avoue être un collectionneur, un fan invétéré. D’ailleurs, les Parisiens apprécieront son prochain concert où La Péri de Paul Dukas est placée en regard du grand poème symphonique Kullervo de Sibelius, inspiré d’un épisode de la vaste épopée du Kalevala finnois et destiné à une soprano, un baryton, un chœur d’hommes et un orchestre. Une manière de créer l’événement, car il redoute trop au concert la lassitude des programmes archirebattus : " Il faut susciter la curiosité, sans pour autant être racoleur ; moi, j’aime être surpris."

Thursday, September 09, 2010

Deutsch-russischer Orchesterolymp

02.09.2010
Live_Musikfestival Grafenegg 2010
Von Herbert Hiess
Evolver
Die Netzzeitschrift

Das Wort "Sternstunde" wird gern überstrapaziert. Wenn dann der seltene Fall eintritt, daß innerhalb von zwei Tagen Konzerte von derart überragender Qualität stattfinden, muß man nach neuen Superlativen suchen. Verantwortlich dafür sind ein russischer und ein estnischer Dirigent mit zwei grandiosen Orchestern und einem ebensolchen Solisten.

Also: Es war ausgesprochen denkwürdig, dieses Konzert des Mariinsky-Orchesters St. Petersburg unter seinem Chefdirigenten Valery Gergiev. Der 1953 im Kaukasus geborene Maestro ist nicht nur ein exzellenter Musiker, sondern vor allem ein hochgradiger Charismatiker. Sobald er das Podium betritt, hat er die volle Aufmerksamkeit der Musiker und vor allem des Publikums. Gergiev hat aus dem Orchester von St. Petersburg einen Klangkörper von Weltrang geformt; bei diesem Konzert darf es zeigen, daß es den Philharmonikern von Wien und Berlin um nichts nachsteht. Zuerst tut es das mit Sergej Prokofjews 5. Symphonie, die auch die Wiener Philharmoniker im Frühjahr unter Gergiev spielten. In Grafenegg merkt man deutlich, daß die St. Petersburger nicht nur technisch brillant sind, sondern die Musik auch noch mit Herzblut zelebrieren.

Prokofjew war ein Wegbereiter der Moderne, ohne die Tradition zu vernachlässigen. Manche Passagen der Symphonie erinnern sehr an sein Ballet "Romeo und Julia". In Richtung Moderne geht es dann im zweiten Satz (allegro marcato), wo rasante Läufe erst von skurrilen Dissonanzen und dann einem imposanten Trio abgelöst werden. Das Adagio ist mehr als intensiv, und der Finalsatz mit seinen Jazzelementen sowie den wuchtigen Bläser- und Schlagwerksätzen bringt das Publikum zur Raserei.

Rimski-Korsakows "Scheherezade" ist ein spätromantisches russisches Werk, das sehr leicht in den Kitsch abdriften kann. Viele Dirigenten (und Orchester) hüllen die musikalische Erzählung aus "1001 Nacht" in einen unerträglichen Zuckerguß, was bei diesem eher formlosen Stück offenbar der einzige Ausweg für weniger begabte Musiker ist.

Nicht so Gergiev: Bei ihm klingt jeder Takt einfach schön, und jede Stimme hat in der Partitur ihre hörbare Funktion. Die St. Petersburger Meistermusiker schaffen es, den gesamten Grafenegger Wolkenturm zum Vibrieren zu bringen. Beim vierten Satz kann man sogar fühlen, wie Sindbads Schiff an einer Klippe zerschellt. Jeder der Musiker (vor allem Fagott, Baßtuba, Klarinette, Oboe, Flöte) ist hervorragend, der Konzertmeister ein echtes Ereignis. Selten noch hat ein orchestraler Violinsolist das Werk so zum Abschluß gebracht. Man wünscht sich ja nicht oft bei einem Konzert, daß es nie aufhören möge ... doch bei diesem schon. Gergiev und die St. Petersburger bedanken sich für den Applaus des Publikums mit einer noch nie so gehörten Polonaise aus Tschaikowskys "Eugen Onegin" und dem "Trepak" aus dem "Nußknacker".


Am Tag darauf geht die festspielmäßige Leistungsschau mit dem nächsten Weltklasseorchester weiter. Die sächsische Staatskapelle Dresden begleitet Grafeneggs Intendanten Rudolf Buchbinder bei seinem einzigen Soloauftritt dieses Jahres. Dirigiert wird das Orchester der Semperoper vom "Rising Star" Paavo Järvi, der bereits mit seiner Einspielung der Beethoven-Symphonien bei Sony für Furore sorgte. Damals war sein Orchester die Deutsche Kammerphilharmonie.

Mit dem großartigen Orchester aus Dresden gelingt Järvi eines der besten Beethoven-Konzerte der vergangenen Jahre. Die Sachsen spielen mit soviel Präzision und Delikatesse, daß es einfach eine Freude ist, ihnen zuzuhören - phantastisch, wie sie Järvis Anweisungen umsetzen. Die fünfte Symphonie, mancherorts immer noch als "Schicksalssymphonie" bezeichnet, ist bei diesem Dirigenten keine klischeehafte Umsetzung einer Partitur, sondern vielmehr eine der besten und interessantesten Aufführungen dieses Werks überhaupt. Markante Akzente werden von berührenden Lyrismen abgelöst. Järvi schafft den Spagat zwischen Klassik und Romantik, ohne übertrieben kitschig zu werden oder in eine oberflächlich "aufgerauhte" zeitgemäße Interpretation zu verfallen.

Buchbinder als Solist des 5. Klavierkonzerts in Es-Dur rechtfertigt mit dieser Aufführung seinen Status als der einzig wahre Beethoven-Interpret unter den derzeitigen Pianisten. Er zeigt am Steinway-Flügel, was man unter einem glasklaren Anschlag und perlenden Läufen versteht. Seine Pianissimi im Adagio und in den Variationen des Final-Rondos erzeugen Gänsehaut im Publikum, und es ist phänomenal, wie das Orchester und Järvi mit einfachen Blickkontakten in fast unhörbare Tonkaskaden einfallen. Mit seiner Zugabe des Finalsatzes aus der Klaviersonate "Pathetique" in c-moll bestätigt Buchbinder noch einmal seine Weltklasse.

Über die Orchesterqualität der Staatskapelle zu erzählen, hieße Eulen nach Athen tragen. Doch mit welcher Sensibilität die hübsche Dame an der Piccoloflöte im Finale der 5. Symphonie spielt, ohne den Gesamtklang zu stören - das wäre ein Lehrstück für den Wiener Kollegen, der sich unlängst unter Christian Thielemann durch das Stück pfiff, als stünde er allein am Podium.

Paavo Järvi bedankt sich für den tosenden Applaus mit Jean Sibelius "Valse Triste". Und all jene, die bei diesen musikalischen Großereignissen nicht dabeisein konnten oder wollten, müssen tatsächlich traurig sein ...


http://www.evolver.at/live/Grafenegg_2010_Gergiev_Jaervi_Buchbinder/